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En 2018, on fêtait les 40 ans de la mort de Jacques Brel. Pour cette occasion Olivier Vaillant  et Damien Buisson lui rendent hommage avec une « relecture » musicale et théâtrale d’une partie de son oeuvre. S’attaquer à un répertoire aussi riche et populaire que celui de Jacques Brel, dont la voix résonne encore, relève du pari. Pari relevé lors de la saison 2016-17 à la Comédie, où le spectacle a été présenté avec beaucoup de succès sous le titre Cabaret Brel, porté par le chanteur-compositeur Olivier Vaillant et son équipe. Les textes, des plus célèbres aux moins connus, sont dépouillés puis revêtus de leurs nouveaux habits et vivent une nouvelle vie plus contemporaine grâce à la mise en son, petites perles électroniques rock et pop. Le grand Jacques n’est jamais loin, comme un guide attentif des débordements fous de cette bande d’artistes passionnés. Leur volonté farouche de s’affranchir de ce personnage à l’élocution et la gestuelle si singulières, sans jamais le trahir, permet d’entendre de nouveau ses très beaux textes, de lui redonner une nouvelle place à nos côtés, pas si loin d’une scène de rock ou d’un dance floor.

presse : « Une nouvelle lecture du répertoire du chanteur, anti-nostalgique » L’hebdo du vendredi
« La passion des mots et du sens des textes de Brel y rivalise avec la respiration empreinte de lucide liberté » Fulbert First

Une femme entre en scène, et coiffe un casque de chantier trouvé là, sur le sol. En prenant le casque elle découvre le premier block, un petit cube translucide de 7cm3 muni d’une enceinte. Elle le retourne et déclenche un son, un son de chantier. La construction peut commencer… Mais la créatrice ne semble pas avoir tout à fait conscience de l’envergure de cette nouvelle entreprise. Il faut maintenant trier, organiser, et tenir en ordre de marche cette ″chose″ urbaine en constante mutation. Mais que fait l’architecte quand, après tant d’efforts, la ville qu’elle a créée ne dort plus et l’empêche de prendre du repos ? Quand les blocks soudain ne lui obéissent plus, résistent ?

« Block, aborde le thème de la construction (de soi ?) de la ville qui se déploie, se démultiplie, mute en permanence, change ses perspectives (et notre regard ?) et devient un espace (le nôtre ?) un jour apprivoisé et le lendemain étranger à nouveau. Les blocks sont en apparence des pièces de construction, inertes, transparentes, presque vides. Puis ils se démultiplient, et par le nombre commencent à faire masse, leurs sons se complexifient, se développent, s’enchevêtrent et projettent le public dans d’autres espaces urbains et d’autres temps. » Céline Garnavault

Céline Garnavault est vice-présidente de l’association Scènes d’enfance – Assitej France qui œuvre pour la reconnaissance des arts vivants pour l’enfance et la jeunesse. Elle a  récemment mis en scène une performance théâtrale et musicale pour Avignon, enfants à l’honneur, dans la cour d’honneur du Palais des papes le 11 juillet 2017.

La compagnie La Boîte à sel, implantée à Bordeaux, pratique un théâtre d’explorations plastiques et pluridisciplinaires, influencé par les installations d’art et le théâtre de marionnette contemporain. Depuis sa fondation en 2000, quinze spectacles sont nés sous l’impulsion de la créatrice Céline Garnavault. Ses créations sont jouées en France et à l’international : Belgique, Paysbas, Canada, Brésil, Inde. La compagnie propose aussi des installations artistiques et multimédias. Elle mène également des projets participatifs en lien avec les habitants des territoires de Nouvelle Aquitaine et de Bretagne et imagine avec eux des objets artistiques singuliers : street art, livre, documentaire radiophonique et créations sonores.

Triplet : The Forgiveness
Vivaldi : Credo RV 591
Vivaldi : Gloria RV 589
Mozart : Exsultate, Jubilate KV 165
Mozart : Messe brève en si bémol majeur KV 275

Créé par Savitri de Rochefort, l’Ensemble Vocal et Instrumental Zoroastre voit le jour en décembre 2012. Ce nom a été inspiré par la résonance spirituelle et poétique de ce personnage qui a influencé des compositeurs comme Rameau et Mozart. Zoroastre est un ensemble à géométrie variable dont le répertoire est consacré prioritairement à des oeuvres sacrées, mais dont la vocation est ouverte sur la création et sur d’autres formes d’expression artistique. En plus de son socle de musique classique, il travaille avec des compositeurs contemporains comme Thierry Escaich (avec lequel est sorti le CD Terra Desolata en avril 2018) et la jeune compositrice Célia Triplet. L’Ensemble s’est également donné pour vocation d’ouvrir à la musique classique des publics qui en sont éloignés et de l’utiliser comme un support d’intégration culturelle pour des jeunes de quartiers défavorisés. Au sein de l’Ensemble se trouve une vraie mixité, les musiciens venant d’origines diverses. De cette richesse culturelle est née un fort esprit de groupe, dont Savitri de Rochefort est fière et qu’elle aime à transmettre.

Née en Inde en 1972, Savitri de Rochefort a été initiée à la musique dès l’âge de 5 ans. En 1983, elle est admise au CNSMDP où elle obtient la Première Médaille de Solfège Spécialisé dans la classe de Christian Manen. Elle y poursuit ses études en suivant le Premier Cycle d’Ecriture. En 1988, elle part aux USA étudier la Composition au Conservatoire d’Oberlin et obtient le Diplôme du Young Artists Composition Program du Summer Music Program. De retour en France, elle est admise en 1989 au Choeur de l’Orchestre de Paris, alors sous la direction d’Arthur Oldham. Elle étudie en parallèle l’Analyse et la Composition avec Claude Ballif. De 1993 à 1996, Savitri de Rochefort est admise au CNSMDP en Deuxième Cycle d’Ecriture où elle obtient plusieurs prix dont le Premier Prix de Fugue (Classe de Thierry Escaich). De fin 2010 à juin 2012, elle suit, dans le cadre de l’ARIAM, la formation de Direction de Choeur avec Homeiro Ribeiro de Magalhaes au Conservatoire de Châtillon. A la rentrée 2012, elle se perfectionne en suivant les cours de Didier Louis au Conservatoire de Gennevilliers.

Pièce de théâtre présentée par la troupe amateure La Belle équipe

Mise en scène par Nadine Ledru

Bingo, une pièce riche en arôme
Martina rêve de sortir du système économique, Mani veut changer son avenir. Andrej est à la recherche d’un emploi, Freya cherche à survivre. Tout le monde semble saturé par les chiffres. Qui sommes-nous? Des hommes et des femmes emportés par nos rêves, nos mots. Notre vie est envahie par le système économique qui nous entoure.
Mais au juste de quoi sommes nous riches?

Pièce de théâtre présentée par la troupe amateure La Belle équipe

Mise en scène par Nadine Ledru

Bingo, une pièce riche en arôme
Martina rêve de sortir du système économique, Mani veut changer son avenir. Andrej est à la recherche d’un emploi, Freya cherche à survivre. Tout le monde semble saturé par les chiffres. Qui sommes-nous? Des hommes et des femmes emportés par nos rêves, nos mots. Notre vie est envahie par le système économique qui nous entoure.
Mais au juste de quoi sommes nous riches?

Concert ? Conférence ? Émission radiophonique en direct ? Dj set (sur) écoute présente, commente et propose une échappée belle dans la jungle du son. Une aventure ludique et virtuose pour nos oreilles. La musique sous toutes ses formes est le personnage principal de ce spectacle inclassable. Sur scène, deux musiciens et trois chanteurs-comédiens interprètent un choix de morceaux très divers, tous emblématiques : tube de Kate Bush, air de Purcell, lied de Gustav Mahler, bande originale de film, sons-bruits de Luigi Russolo… Un guide aiguille notre écoute parmi ces musiques auxquelles se mêlent des sons enregistrés, extraits de dialogues, sons urbains, bruits de tonnerre et même silences. Pourquoi l’autre est-il irrité par des sons que je chéris ? Peut-on analyser les raisons d’un tube ? La philosophie de Jankélévitch sait-elle décrire cet ineffable de mon plaisir de mélomane ? À quoi ressemblerait une archéologie de l’écoute ?

Mathieu Bauer : Musicien et metteur en scène, il crée en 1989, la compagnie Sentimental Bourreau. À partir de 1999, il en assure la direction artistique et crée des spectacles qui mêlent intimement la musique, le cinéma et la littérature. Ses productions sont programmées régulièrement à la MC93 – Bobigny, aux Subsistances à Lyon, au Théâtre de la Bastille à Paris et dans plusieurs festivals internationaux (Festival d’Avignon…). Il poursuit aussi une activité de musicien-compositeur-interprète pour la scène, en France et en Allemagne. Après plusieurs mises en scène présentées au Nouveau théâtre de Montreuil, il est nommé à la tête du théâtre en 2011.

presse : « On se surprend à fredonner Parole, Parole, Parole…. Pour un peu on se lèverait de nos sièges pour aller danser. » Paris Mômes – Maïa Bouteillet
« Dans la pièce musicale de Mathieu Bauer, ils sont cinq sur scène, et ce qui réjouit  immédiatement est la variété de leur horizon. Chanteuse lyrique et comédienne comme l’est Pauline Sikirdji, ou ancienne de chez Castorf et du Ballet de Francfort telle Kate Strong, dont la présence rageuse est impressionnante, on ne choisit pas. » Libération – Anne Diatkine
« Mathieu Bauer propose DJ set (sur) écoute pour apprendre à « dresser l’oreille »  ensemble, une ballade musicale des plus éclectiques. » L’Humanité – Marie-José Sirach

Une pièce de Mateî Visniec

Migraaants est le cri de cet auteur Roumain effaré par la situation tragique qui se passe sous nos yeux. Un million de réfugiés ont déferlés en Europe en 2015, dont 27% de mineurs. Il ne s’agit pas d’un phénomène migratoire  sans précèdent mais d’une sorte  de révolution de partage …

Pièce complètement d’actualité mise en scène par Françoise Demange qui réussit à nous faire rire d’un sujet aussi grave .

Une pièce de Mateî Visniec

Migraaants est le cri de cet auteur Roumain effaré par la situation tragique qui se passe sous nos yeux. Un million de réfugiés ont déferlés en Europe en 2015, dont 27% de mineurs. Il ne s’agit pas d’un phénomène migratoire  sans précèdent mais d’une sorte  de révolution de partage …

Pièce complètement d’actualité mise en scène par Françoise Demange qui réussit à nous faire rire d’un sujet aussi grave .

Une pièce de Mateî Visniec

Migraaants est le cri de cet auteur Roumain effaré par la situation tragique qui se passe sous nos yeux. Un million de réfugiés ont déferlés en Europe en 2015, dont 27% de mineurs. Il ne s’agit pas d’un phénomène migratoire  sans précèdent mais d’une sorte  de révolution de partage …

Pièce complètement d’actualité mise en scène par Françoise Demange qui réussit à nous faire rire d’un sujet aussi grave .

Tríptico c’est la rencontre entre le groupe vocal du Val de Meuse et le groupe vocal et instrumental péruvien Musocc Illary. Cette œuvre de Kato Rodriguez reflète l’histoire et la culture péruvienne. Le premier tableau s’ouvre sur la côte péruvienne avec une musique criolla d’influence hispanique. Le deuxième tableau à la musique rythmée afro-péruvienne puise ses racines dans le métissage des esclaves africains et amérindiens. Le troisième tableau transporte dans la cordillère des Andes, berceau de civilisations ancestrales avec ses yaravi, huano.

Mussocc Illary (« le renouveau » en langue quéchua) a été créé à Arequipa au Pérou en 1979. Cinq jeunes musiciens décident de former un groupe vocal et instrumental pour
promouvoir la richesse du folklore populaire de l’Amérique latine. Le groupe s’installe en France en 1993 et poursuit son travail de création en composant des œuvres instrumentales inspirées de la musique populaire et folklorique de tout le continent latino-américain. En 1996, Kato Rodriguez met en musique une cantate péruvienne de Celso Garrido Lecca, « Kuntur Wachana » que Musocc Illary donnera lors de nombreux concerts dans toute la France et pendant une tournée au Pérou et en Bolivie. En 2000, Kato Rodriguez compose la « Misa Andina », une mes se péruvienne dans laquelle les textes liturgiques sont accompagnés par des instruments traditionnels. Depuis, Musocc Illary multiplie les prestations en France, au Pérou, dans d’autres pays d’Amérique latine et également au Japon. C’est au cours de la saison 2016/2017 que les deux ensembles se sont rencontrés pour interpréter deux fois « Misa Andina » en Meuse et ont rencontré un grand succès.

Le groupe vocal du Val de Meuse, dirigé par Catherine Geniale, est composé de vingt choristes amateurs qui se réunissent depuis une dizaine d’année. Le groupe est animé par l’envie de chanter un répertoire essentiellement de musique sacrée et s’ouvre progressivement sur d’autres cultures. L’ensemble a déjà participé à plusieurs projets départementaux et c’est notamment lors de l’un d’eux qu’il a rencontré Kato Rodriguez.

En 2010, l’arrivée à la Nouvelle-Orléans d’une jeune violoncelliste noire qui jouait des suites de Bach créa la sensation. Leyla McCalla fut remarquée par Tim Duffy. Il invita la jeune femme à rejoindre son équipe et elle participa à l’album Leaving Eden des Caroline Chocolate Drops. Leyla McCalla joue du violoncelle d’une façon très personnelle pour accompagner des titres folky mais est aussi à l’aise pour jouer un blues à la guitare ou une vieille chanson créole au banjo. Elle a étudié le violoncelle depuis sa tendre enfance et, avec ses parents, elle a passé deux ans au Ghana durant son adolescence. De retour aux États-Unis, elle a étudié la musique de chambre à New-York University et, dès 2008, elle a accompagné le hip hoppeur Mos Def à Carnegie Hall. Leyla McCalla chante en français, haïtien, créole et anglais. Profondément influencée par les musiques traditionnelles créoles, cajuns et haïtiennes mais aussi par le jazz et le folk américain, sa musique est à la fois profonde, élégante, expressive et spirituelle. Son premier album a été nommé album de l’année 2013 par le London Sunday Times et le Songlines magazine et a reçu de nombreuses autres nominations. Avec cet album, elle a donné des concerts à travers les États-Unis, l’Europe et en Israël.

presse : « Chanteuse au grain velouté… ses chansons font vibrer une autre corde panafricaine » Télérama fff
« Doux et grave à la fois, sensuel, rayonnant comme le printemps, ce mariage-là est un des plus jolis disques de la saison » L’Obs
« Des morceaux traditionnels, des compositions originales, le tout avec la patte naturelle et puissante de Leyla McCalla » Jazz radio

N’êtes-vous jamais entrés dans un accélérateur de particules ? La compagnie Kiaï vous en donne un aperçu. Aux quatre coins d’un ring de boxe, s’animent progressivement les quatre acrobates. Petit à petit, ils vont devenir des particules qui vont se rencontrer, s’unir, entrer en collision. Au fil des rounds, les disciplines circassiennes s’affrontent : acrobaties, roue Cyr, roue allemande ou encore du trampoline, agrémentées par quelques pas de capoeira ou de hip hop . Ring est un spectacle puissant et poétique qui ouvre l’imaginaire à partir de la forme du cercle. Les corps se déploient dans toutes les dimensions quand la scénographie devient agrès. Le ring bascule en une roue Cyr vertigineuse, des trampolines
circulaires apparaissent et l’acrobatie prend son envol. Le mouvement se transmet d’un corps à l’autre dans une chorégraphie millimétrée où la création musicale donne le tempo ; les sons du plateau sont amplifiés et mixés dans une ambiance électro. Au rythme des rounds, comme autant de figures d’un combat quotidien que chacun se livre à lui-même
pour exister avec les autres, les artistes diffusent une incroyable énergie vitale aussi éphémère que rayonnante.

La Cie Kiaï, déjà présente en mai dernier à Verdun pour des actions dans les quartiers, revient avec sa dernière création.

Cyrille Musy et la Compagnie Kiaï : Le Kiaï désigne un cri utilisé dans les arts martiaux pour réunir l’énergie du corps et de l’esprit. Un souffle de vie essentiel que développe depuis 15 ans Cyrille Musy. Très tôt, il se passionne pour les arts martiaux, l’acrobatie, le trampoline et la danse hip-hop. Autant de disciplines explosives au service d’une esthétique fusionnant danse et cirque. Formé au CNAC, il est l’un des membres fondateurs du Collectif AOC. Il travaille également pour les chorégraphes Philippe Decouflé, Kader Attou,  Sébastien Lefrançois et Mathurin Bolze. En 2013, il fonde la compagnie Kiaï, crée les Performances Artistiques Tout Terrain, et poursuit sa collaboration avec Sylvain Décure pour les créations de Off, Cri et Ring.
La compagnie sera en résidence pendant deux ans à Verdun dans le cadre d’un dispositif de la région Grand Est et sera artiste associée de Transversales.

Bach : Suite française en sol majeur
Extrait de l’ Art de la Fugue
Marchand : Suite en ré mineur
Couperin : Pièces choisies

Jean Luc Ho a étudié la musique pendant plus de quinze ans. Il se produit aujourd’hui en concert au clavecin, à l’orgue, au clavicorde et en ensemble. Il consacre ses premiers enregistrements en solo à Bach, Couperin, Sweelinck, Byrd (choix de France Musique, Diapason découverte, 5 diapasons, Choc Classica). Organiste de St Germain des Prés à Paris de 2006 à 2016, il est l’un des fondateurs de «L’art de la Fugue», oeuvrant à la restauration, l’installation et la valorisation d’un orgue historique castillan de 1768 en l’église de Fresnes (94). Soutenu par la fondation Royaumont, il enregistre les Partitas
de Bach en 2015 et y fonde son ensemble en résidence à partir de 2017. Musicien associé au Festival Bach en Combrailles de 2017 à 2019, il explore grâce aux particularités de l’orgue de Pontaumur la musique germanique du début du XVIIIe et s’y produira en concert avec des oeuvres majeures de Bach telles que l’Art de la Fugue, les Variations Goldberg…
Jean-Luc Ho réunit Bach et Couperin, soulignant la parenté esthétique qui unit les deux compositeurs. Laissons-nous guider par Jean-Luc Ho dans l’univers des deux compositeurs qui vont, chacun à leur manière, profondément renouveler l’écriture du clavecin.

presse : « Il figure désormais parmi les maîtres du clavecin. Et surtout son jeu ne verse jamais dans la démonstration ni la recherche d’effet. Aussi personnelle qu’attachante, cette interprétation enrichit une discographie qui compte pourtant les réussites de Leonhardt, Staier et Alard. » Classica
« La France compte la jeune génération de clavecinistes la plus dynamique et la plus douée du moment. Jean-Luc Ho en est une preuve flagrante ». Le Monde

Après le formidable Cirque Poussière, (à Verdun en 2016), Julien Candy nous revient dans un nouveau solo, sorte de « Maxi Best Of » de ses pratiques.

Onze ans après la création de son solo Le Cirque Précaire et trois ans après celle du Cirque Poussière, Julien Candy poursuit sa trajectoire artistique, musicale, théâtrale et circassienne à travers ce nouveau spectacle. Il invite le public à prendre part dans cette création, un cirque musical, un voyage ludique et émouvant mais aussi incertain, unique et éphémère qui questionne l’art et la culture à travers le temps. Dans cette volonté d’interroger nos rapports au beau, à l’art, c’est un reflet de notre société qu’il dépeint.

« Ce spectacle naît du désir pressant de rendre compte de la perception de mon métier sur les dix dernières années, celle du cadre dans lequel celui-ci s’exprime (le milieu culturel) et finalement celle du monde dans lequel nous vivons : une histoire de la culture aujourd’hui dans une société capitaliste. Aujourd’hui, tout cela me donne envie d’en faire un   spectacle. » Julien Candy

Poète et virtuose, Julien Candy apprend le jonglage à cinq balles et le bilboquet, et ce après une éducation musicale en classe de violoncelle et contrebasse. Après une fulgurante mais néanmoins brillante carrière de chanteur lyrique, il poursuit son cursus théâtral à Paris auprès de l’école internationale Jacques Lecoq et à la Scuola Kiklos de Padoue en Italie. Après avoir fait ses armes en théâtre, il se tourne vers le cirque et crée en 2006 la Compagnie La Faux Populaire Le Mort aux Dents.
« Créée en 2006, la Compagnie la Faux Populaire est une compagnie étiquetée « de cirque » ; mais on peut y trouver des pelures de théâtre, des rognures de musiques, des éclats de danse et autres fruits à coques. » La Faux populaire
Les quatre spectacles de la compagnie sont des succès, ils cumulent chacun plus de 100 représentations. La compagnie a effectué en 2017, une résidence longue durée à Pierrefitte-sur-Aire, avec Transversales et l’association Au fil de l’Aire, pour la création de ce spectacle.

Cette représentation est réservée aux scolaires

Après le formidable Cirque Poussière, (à Verdun en 2016), Julien Candy nous revient dans un nouveau solo, sorte de « Maxi Best Of » de ses pratiques.

Onze ans après la création de son solo Le Cirque Précaire et trois ans après celle du Cirque Poussière, Julien Candy poursuit sa trajectoire artistique, musicale, théâtrale et circassienne à travers ce nouveau spectacle. Il invite le public à prendre part dans cette création, un cirque musical, un voyage ludique et émouvant mais aussi incertain, unique et éphémère qui questionne l’art et la culture à travers le temps. Dans cette volonté d’interroger nos rapports au beau, à l’art, c’est un reflet de notre société qu’il dépeint.

« Ce spectacle naît du désir pressant de rendre compte de la perception de mon métier sur les dix dernières années, celle du cadre dans lequel celui-ci s’exprime (le milieu culturel) et finalement celle du monde dans lequel nous vivons : une histoire de la culture aujourd’hui dans une société capitaliste. Aujourd’hui, tout cela me donne envie d’en faire un   spectacle. » Julien Candy

Poète et virtuose, Julien Candy apprend le jonglage à cinq balles et le bilboquet, et ce après une éducation musicale en classe de violoncelle et contrebasse. Après une fulgurante mais néanmoins brillante carrière de chanteur lyrique, il poursuit son cursus théâtral à Paris auprès de l’école internationale Jacques Lecoq et à la Scuola Kiklos de Padoue en Italie. Après avoir fait ses armes en théâtre, il se tourne vers le cirque et crée en 2006 la Compagnie La Faux Populaire Le Mort aux Dents.
« Créée en 2006, la Compagnie la Faux Populaire est une compagnie étiquetée « de cirque » ; mais on peut y trouver des pelures de théâtre, des rognures de musiques, des éclats de danse et autres fruits à coques. » La Faux populaire
Les quatre spectacles de la compagnie sont des succès, ils cumulent chacun plus de 100 représentations. La compagnie a effectué en 2017, une résidence longue durée à Pierrefitte-sur-Aire, avec Transversales et l’association Au fil de l’Aire, pour la création de ce spectacle.

Après le formidable Cirque Poussière, (à Verdun en 2016), Julien Candy nous revient dans un nouveau solo, sorte de « Maxi Best Of » de ses pratiques.

Onze ans après la création de son solo Le Cirque Précaire et trois ans après celle du Cirque Poussière, Julien Candy poursuit sa trajectoire artistique, musicale, théâtrale et circassienne à travers ce nouveau spectacle. Il invite le public à prendre part dans cette création, un cirque musical, un voyage ludique et émouvant mais aussi incertain, unique et éphémère qui questionne l’art et la culture à travers le temps. Dans cette volonté d’interroger nos rapports au beau, à l’art, c’est un reflet de notre société qu’il dépeint.

« Ce spectacle naît du désir pressant de rendre compte de la perception de mon métier sur les dix dernières années, celle du cadre dans lequel celui-ci s’exprime (le milieu culturel) et finalement celle du monde dans lequel nous vivons : une histoire de la culture aujourd’hui dans une société capitaliste. Aujourd’hui, tout cela me donne envie d’en faire un   spectacle. » Julien Candy

Poète et virtuose, Julien Candy apprend le jonglage à cinq balles et le bilboquet, et ce après une éducation musicale en classe de violoncelle et contrebasse. Après une fulgurante mais néanmoins brillante carrière de chanteur lyrique, il poursuit son cursus théâtral à Paris auprès de l’école internationale Jacques Lecoq et à la Scuola Kiklos de Padoue en Italie. Après avoir fait ses armes en théâtre, il se tourne vers le cirque et crée en 2006 la Compagnie La Faux Populaire Le Mort aux Dents.
« Créée en 2006, la Compagnie la Faux Populaire est une compagnie étiquetée « de cirque » ; mais on peut y trouver des pelures de théâtre, des rognures de musiques, des éclats de danse et autres fruits à coques. » La Faux populaire
Les quatre spectacles de la compagnie sont des succès, ils cumulent chacun plus de 100 représentations. La compagnie a effectué en 2017, une résidence longue durée à Pierrefitte-sur-Aire, avec Transversales et l’association Au fil de l’Aire, pour la création de ce spectacle.

Après le formidable Cirque Poussière, (à Verdun en 2016), Julien Candy nous revient dans un nouveau solo, sorte de « Maxi Best Of » de ses pratiques.

Onze ans après la création de son solo Le Cirque Précaire et trois ans après celle du Cirque Poussière, Julien Candy poursuit sa trajectoire artistique, musicale, théâtrale et circassienne à travers ce nouveau spectacle. Il invite le public à prendre part dans cette création, un cirque musical, un voyage ludique et émouvant mais aussi incertain, unique et éphémère qui questionne l’art et la culture à travers le temps. Dans cette volonté d’interroger nos rapports au beau, à l’art, c’est un reflet de notre société qu’il dépeint.

« Ce spectacle naît du désir pressant de rendre compte de la perception de mon métier sur les dix dernières années, celle du cadre dans lequel celui-ci s’exprime (le milieu culturel) et finalement celle du monde dans lequel nous vivons : une histoire de la culture aujourd’hui dans une société capitaliste. Aujourd’hui, tout cela me donne envie d’en faire un   spectacle. » Julien Candy

Poète et virtuose, Julien Candy apprend le jonglage à cinq balles et le bilboquet, et ce après une éducation musicale en classe de violoncelle et contrebasse. Après une fulgurante mais néanmoins brillante carrière de chanteur lyrique, il poursuit son cursus théâtral à Paris auprès de l’école internationale Jacques Lecoq et à la Scuola Kiklos de Padoue en Italie. Après avoir fait ses armes en théâtre, il se tourne vers le cirque et crée en 2006 la Compagnie La Faux Populaire Le Mort aux Dents.
« Créée en 2006, la Compagnie la Faux Populaire est une compagnie étiquetée « de cirque » ; mais on peut y trouver des pelures de théâtre, des rognures de musiques, des éclats de danse et autres fruits à coques. » La Faux populaire
Les quatre spectacles de la compagnie sont des succès, ils cumulent chacun plus de 100 représentations. La compagnie a effectué en 2017, une résidence longue durée à Pierrefitte-sur-Aire, avec Transversales et l’association Au fil de l’Aire, pour la création de ce spectacle.

Après le formidable Cirque Poussière, (à Verdun en 2016), Julien Candy nous revient dans un nouveau solo, sorte de « Maxi Best Of » de ses pratiques.

Onze ans après la création de son solo Le Cirque Précaire et trois ans après celle du Cirque Poussière, Julien Candy poursuit sa trajectoire artistique, musicale, théâtrale et circassienne à travers ce nouveau spectacle. Il invite le public à prendre part dans cette création, un cirque musical, un voyage ludique et émouvant mais aussi incertain, unique et éphémère qui questionne l’art et la culture à travers le temps. Dans cette volonté d’interroger nos rapports au beau, à l’art, c’est un reflet de notre société qu’il dépeint.

« Ce spectacle naît du désir pressant de rendre compte de la perception de mon métier sur les dix dernières années, celle du cadre dans lequel celui-ci s’exprime (le milieu culturel) et finalement celle du monde dans lequel nous vivons : une histoire de la culture aujourd’hui dans une société capitaliste. Aujourd’hui, tout cela me donne envie d’en faire un   spectacle. » Julien Candy

Poète et virtuose, Julien Candy apprend le jonglage à cinq balles et le bilboquet, et ce après une éducation musicale en classe de violoncelle et contrebasse. Après une fulgurante mais néanmoins brillante carrière de chanteur lyrique, il poursuit son cursus théâtral à Paris auprès de l’école internationale Jacques Lecoq et à la Scuola Kiklos de Padoue en Italie. Après avoir fait ses armes en théâtre, il se tourne vers le cirque et crée en 2006 la Compagnie La Faux Populaire Le Mort aux Dents.
« Créée en 2006, la Compagnie la Faux Populaire est une compagnie étiquetée « de cirque » ; mais on peut y trouver des pelures de théâtre, des rognures de musiques, des éclats de danse et autres fruits à coques. » La Faux populaire
Les quatre spectacles de la compagnie sont des succès, ils cumulent chacun plus de 100 représentations. La compagnie a effectué en 2017, une résidence longue durée à Pierrefitte-sur-Aire, avec Transversales et l’association Au fil de l’Aire, pour la création de ce spectacle.

« Avec son pull troué, son visage maculé et son air ahuri, il a l’air de sortir d’un terrier ou d’une cave à charbon. Entre deux arbres, l’échassier pose ses piquets, déroule une mince bobine de fil de fer, joue de la pince. Avant de se cramponner à son perchoir avec une obstination presque imbécile. Accroupi, de dos, les deux pieds bien à l’écart, il fait surgir de belles images, en semblant se chauffer les mains au-dessus du vide… Plus tard, se sentant peut-être menacé, il réduira lui-même son espace à coup de serres. » Télérama

Organisé par Transversales, avec la participation du Centre social de la Cité Verte, dans le cadre de la politique de la Ville.

Diplômé du Centre National des Arts du Cirque de Châlons-en-Champagne en 2005, Rémi Luchez est spécialisé en fil souple. Il a tourné pendant deux ans avec Toto Lacaille, création collective de la 17ème promotion du CNAC. En 2008, il est lauréat Jeunes Talents Cirque Europe pour le projet Miettes qu’il crée sous le regard de Pierre Déaux. Ce solo est créé en janvier 2009 et a joué près de 200 fois. En 2010, il réalise une tournée à vélo avec Miettes. En 2011, Rémi Luchez crée Nichons là avec Olivier Debelhoir. Spectacle sous chapiteau pour lequel il travaille une nouvelle spécialité d’objet en équilibre sur sa tête. En parallèle à son art de l’équilibre, Rémi Luchez mène depuis plusieurs années un travail de matières en sculptant le bois calciné, le métal, le verre, la porcelaine… En 2017, il souhaite croiser ces domaines. Il imagine un nouveau projet de création entre installation plastique et  performance vivante pour l’espace public, Sec.

presse : « Un fil pas vraiment tendu et le début d’une épopée minimaliste durant laquelle Rémi Luchez ne cessera de bousculer en douceur notre vision de l’assurance et de  l’équilibre. » La Marseillaise

Depuis la fermeture du théâtre, la programmation de Transversales a investi les murs de  l’église Jeanne d’Arc. Cette fois-ci, avec l’aide de Rémi Luchez, c’est tout le quartier de la  Cité Verte qui sera le cadre d’une création unique et éphémère. Après une semaine de  recherches au sein du quartier, et en lien avec ses habitants, Rémi Luchez mettra en  spectacle les lieux au cours d’une balade spectacle. Un moyen de (re)découvrir la Cité   Verte sous un nouveau regard.

Apéritif dinatoire préparé par le Centre social de la Cité Verte et offert par Transversales après le spectacle.

Organisé par Transversales, avec la participation du Centre social de la Cité Verte, dans le cadre de la politique de la Ville.

Diplômé du Centre National des Arts du Cirque de Châlons-en-Champagne en 2005, Rémi  Luchez est spécialisé en fil souple. Il a tourné pendant deux ans avec Toto Lacaille, création collective de la 17ème promotion du CNAC. En 2008, il est lauréat Jeunes Talents Cirque Europe pour le projet Miettes qu’il crée sous le regard de Pierre Déaux. Ce solo est créé en janvier 2009 et a joué près de 200 fois. En 2010, il réalise une tournée à vélo avec Miettes. En 2011, Rémi Luchez crée Nichons là avec Olivier Debelhoir. Spectacle sous chapiteau pour lequel il travaille une nouvelle spécialité d’objet en équilibre sur sa tête. En parallèle à son art de l’équilibre, Rémi Luchez mène depuis plusieurs années un travail de matières en sculptant le bois calciné, le métal, le verre, la porcelaine… En 2017, il souhaite croiser ces domaines. Il imagine un nouveau projet de création entre installation plastique et performance vivante pour l’espace public, Sec.

Restitution de l’atelier théâtre et chant du collège Buvigner

Mise en scène : Hélène Géhin

Direction du chœur : Line Lallement

Avec la participation des écoles Maginot et Caroline Aigle

Restitution de l’atelier théâtre du collège de Damvillers encadré par Céline Notat et mis en scène par Justine Boschiero.

Restitution de l’atelier théâtre du collège de Damvillers encadré par Céline Notat et mis en scène par Justine Boschiero.

LE SPECTACLE EST COMPLET

« Depuis sa création, la compagnie défend et exploite des scénographies singulières et imposantes qui redessinent l’espace aérien.
Après les roues géantes d’Epicycle entourées de transats et les 400 bambous entremêlés de BoO , l’équipe opte, pour un nouvel axe de recherche : la modification du/des points de vue et plus particulièrement de celui du spectateur. Quand le public nous regarde à 11m en contrebas, quelle taille faisons-nous ? Quelles émotions pouvons-nous partager en étant si loin ? Peur, excitation, désir, rire ? Cette fois, ce que nous allons construire nous situera dans une proximité avec le spectacteur la plus grande possible. La voltige aérienne est une discipline qui demande des timings particuliers et rigoureux.
Elle est la plupart du temps rythmée par tout un tas de codes, d’appels, de temps incontournables que le public averti connaît bien. Dans le précédent spectacle de la compagnie, BoO, nous nous sommes attachés à perturber ces codes, les transformer, les charger d’émotions ou à les gommer complètement.
Nous souhaitons continuer ce travail.
Il s’agira de chorégraphier ces gestes obligatoires, de leur donner une force émotionnelle, un sens narratif. La voltige deviendra alors partie intégrante des personnages.
Le public sera immergé dans un monde corporel et fantastique, dangereux, mais aussi stupide et absurde. Nos sauts dans le vide vont tous raconter des choses : un lâcher prise, une libération, une victoire, mais aussi un échec, un bonheur ou un désespoir… » Vost

Le CirkVOST est né en 2007. Cinq artistes issus des Arts Sauts décident de poursuivre leurs expériences aériennes. Aujourd’hui près de 20 personnes participent à l’aventure, plusieurs nationalités sont rassemblées pour cette démarche. La compagnie, associée à la La Verrerie d’Alès, a créé deux spectacles « grandes formes »: Epicycle a été présenté plus de 250 fois depuis sa création en 2010 ; BoO et sa structure monumentale de bambou tourne depuis 2013. Un répertoire complété par des formes moins lourdes : Emois, Trois fois rien, et A-Tripik.

Les acrobaties aériennes sont la spécialité du Cirk VOST. Leur virtuosité leur permet de créer des formes artistiques extrêmement spectaculaires (ainsi « L’épicycle » en 2010 et « Boo » en 2016 à Verdun). Nous attendons donc « Hurt me tender », et un retour du trapèze volant au Cirk VOST, avec une grande impatience.

LE SPECTACLE EST COMPLET

« Depuis sa création, la compagnie défend et exploite des scénographies singulières et imposantes qui redessinent l’espace aérien.
Après les roues géantes d’Epicycle entourées de transats et les 400 bambous entremêlés de BoO , l’équipe opte, pour un nouvel axe de recherche : la modification du/des points de vue et plus particulièrement de celui du spectateur. Quand le public nous regarde à 11m en contrebas, quelle taille faisons-nous ? Quelles émotions pouvons-nous partager en étant si loin ? Peur, excitation, désir, rire ? Cette fois, ce que nous allons construire nous situera dans une proximité avec le spectacteur la plus grande possible. La voltige aérienne est une discipline qui demande des timings particuliers et rigoureux.
Elle est la plupart du temps rythmée par tout un tas de codes, d’appels, de temps incontournables que le public averti connaît bien. Dans le précédent spectacle de la compagnie, BoO, nous nous sommes attachés à perturber ces codes, les transformer, les charger d’émotions ou à les gommer complètement.
Nous souhaitons continuer ce travail.
Il s’agira de chorégraphier ces gestes obligatoires, de leur donner une force émotionnelle, un sens narratif. La voltige deviendra alors partie intégrante des personnages.
Le public sera immergé dans un monde corporel et fantastique, dangereux, mais aussi stupide et absurde. Nos sauts dans le vide vont tous raconter des choses : un lâcher prise, une libération, une victoire, mais aussi un échec, un bonheur ou un désespoir… » Vost

Le CirkVOST est né en 2007. Cinq artistes issus des Arts Sauts décident de poursuivre leurs expériences aériennes. Aujourd’hui près de 20 personnes participent à l’aventure, plusieurs nationalités sont rassemblées pour cette démarche. La compagnie, associée à la La Verrerie d’Alès, a créé deux spectacles « grandes formes »: Epicycle a été présenté plus de 250 fois depuis sa création en 2010 ; BoO et sa structure monumentale de bambou tourne depuis 2013. Un répertoire complété par des formes moins lourdes : Emois, Trois fois rien, et A-Tripik.

Les acrobaties aériennes sont la spécialité du Cirk VOST. Leur virtuosité leur permet de créer des formes artistiques extrêmement spectaculaires (ainsi « L’épicycle » en 2010 et « Boo » en 2016 à Verdun). Nous attendons donc « Hurt me tender », et un retour du trapèze volant au Cirk VOST, avec une grande impatience.

« Depuis sa création, la compagnie défend et exploite des scénographies singulières et imposantes qui redessinent l’espace aérien.
Après les roues géantes d’Epicycle entourées de transats et les 400 bambous entremêlés de BoO , l’équipe opte, pour un nouvel axe de recherche : la modification du/des points de vue et plus particulièrement de celui du spectateur. Quand le public nous regarde à 11m en contrebas, quelle taille faisons-nous ? Quelles émotions pouvons-nous partager en étant si loin ? Peur, excitation, désir, rire ? Cette fois, ce que nous allons construire nous situera dans une proximité avec le spectacteur la plus grande possible. La voltige aérienne est une discipline qui demande des timings particuliers et rigoureux.
Elle est la plupart du temps rythmée par tout un tas de codes, d’appels, de temps incontournables que le public averti connaît bien. Dans le précédent spectacle de la compagnie, BoO, nous nous sommes attachés à perturber ces codes, les transformer, les charger d’émotions ou à les gommer complètement.
Nous souhaitons continuer ce travail.
Il s’agira de chorégraphier ces gestes obligatoires, de leur donner une force émotionnelle, un sens narratif. La voltige deviendra alors partie intégrante des personnages.
Le public sera immergé dans un monde corporel et fantastique, dangereux, mais aussi stupide et absurde. Nos sauts dans le vide vont tous raconter des choses : un lâcher prise, une libération, une victoire, mais aussi un échec, un bonheur ou un désespoir… » Vost

Le CirkVOST est né en 2007. Cinq artistes issus des Arts Sauts décident de poursuivre leurs expériences aériennes. Aujourd’hui près de 20 personnes participent à l’aventure, plusieurs nationalités sont rassemblées pour cette démarche. La compagnie, associée à la La Verrerie d’Alès, a créé deux spectacles « grandes formes »: Epicycle a été présenté plus de 250 fois depuis sa création en 2010 ; BoO et sa structure monumentale de bambou tourne depuis 2013. Un répertoire complété par des formes moins lourdes : Emois, Trois fois rien, et A-Tripik.

Les acrobaties aériennes sont la spécialité du Cirk VOST. Leur virtuosité leur permet de créer des formes artistiques extrêmement spectaculaires (ainsi « L’épicycle » en 2010 et « Boo » en 2016 à Verdun). Nous attendons donc « Hurt me tender », et un retour du trapèze volant au Cirk VOST, avec une grande impatience.

Après une 1^ère partie qui s’est jouée la semaine dernière, les élèves de l’option théâtre du lycée Alfred Kastler de STENAY sont heureux de présenter la 2^ème,  les vendredi 25,  samedi 26,  dimanche 27 mai toujours au Musée de la Bière de Stenay, leur partenaire depuis de nombreuses années maintenant, à 20h 30 et à 15h le dimanche avec le soutien du groupement archéologique, du conseil départemental de la Meuse, de la Région Grand Est.

Il s’agit de la même thématique que dans la 1^ère partie, mais si la  première partie imaginait les comédiens en pleine répétition de leur spectacle, la seconde suivra le déroulement d’un programme tel  qu’il a pu être joué au théâtre aux armées,  hommage aux poilus, en cette dernière année du centenaire

Ce sont cette fois 17 élèves de 2^nde, 1^ère et terminale qui investissent la scène, avec des extraits de vaudeville joués au théâtre aux armées.

Merci bien sûr à TRANSVERSALES de Verdun, pour son précieux partenariat et ses soutiens : technique par l’équipement et la régie lumière et son de la salle du Musée,  professionnel  par l’embauche de Justine Boschiero, comédienne, qui a travaillé tout au long de l’année avec les élèves et leurs professeurs. Merci aussi à tous les bénévoles du groupement archéologique pour leur aide.

Et bonne chance aux 12 élèves de terminale qui passeront d’ailleurs leur épreuve facultative théâtre au BAC et valoriseront ainsi leurs années de pratique. Venez les encourager !

Réservation préférable à la loge du lycée : 03 29 80 32 54

Après une 1^ère partie qui s’est jouée la semaine dernière, les élèves de l’option théâtre du lycée Alfred Kastler de STENAY sont heureux de présenter la 2^ème,  les vendredi 25,  samedi 26,  dimanche 27 mai toujours au Musée de la Bière de Stenay, leur partenaire depuis de nombreuses années maintenant, à 20h 30 et à 15h le dimanche avec le soutien du groupement archéologique, du conseil départemental de la Meuse, de la Région Grand Est.

Il s’agit de la même thématique que dans la 1^ère partie, mais si la  première partie imaginait les comédiens en pleine répétition de leur spectacle, la seconde suivra le déroulement d’un programme tel  qu’il a pu être joué au théâtre aux armées,  hommage aux poilus, en cette dernière année du centenaire

Ce sont cette fois 17 élèves de 2^nde, 1^ère et terminale qui investissent la scène, avec des extraits de vaudeville joués au théâtre aux armées.

Merci bien sûr à TRANSVERSALES de Verdun, pour son précieux partenariat et ses soutiens : technique par l’équipement et la régie lumière et son de la salle du Musée,  professionnel  par l’embauche de Justine Boschiero, comédienne, qui a travaillé tout au long de l’année avec les élèves et leurs professeurs. Merci aussi à tous les bénévoles du groupement archéologique pour leur aide.

Et bonne chance aux 12 élèves de terminale qui passeront d’ailleurs leur épreuve facultative théâtre au BAC et valoriseront ainsi leurs années de pratique. Venez les encourager !

Réservation préférable à la loge du lycée : 03 29 80 32 54

Après une 1^ère partie qui s’est jouée la semaine dernière, les élèves de l’option théâtre du lycée Alfred Kastler de STENAY sont heureux de présenter la 2^ème,  les vendredi 25,  samedi 26,  dimanche 27 mai toujours au Musée de la Bière de Stenay, leur partenaire depuis de nombreuses années maintenant, à 20h 30 et à 15h le dimanche avec le soutien du groupement archéologique, du conseil départemental de la Meuse, de la Région Grand Est.

Il s’agit de la même thématique que dans la 1^ère partie, mais si la  première partie imaginait les comédiens en pleine répétition de leur spectacle, la seconde suivra le déroulement d’un programme tel  qu’il a pu être joué au théâtre aux armées,  hommage aux poilus, en cette dernière année du centenaire

Ce sont cette fois 17 élèves de 2^nde, 1^ère et terminale qui investissent la scène, avec des extraits de vaudeville joués au théâtre aux armées.

Merci bien sûr à TRANSVERSALES de Verdun, pour son précieux partenariat et ses soutiens : technique par l’équipement et la régie lumière et son de la salle du Musée,  professionnel  par l’embauche de Justine Boschiero, comédienne, qui a travaillé tout au long de l’année avec les élèves et leurs professeurs. Merci aussi à tous les bénévoles du groupement archéologique pour leur aide.

Et bonne chance aux 12 élèves de terminale qui passeront d’ailleurs leur épreuve facultative théâtre au BAC et valoriseront ainsi leurs années de pratique. Venez les encourager !

Réservation préférable à la loge du lycée : 03 29 80 32 54

Organisé dans le cadre du collectif Mosaïque

Précédé par la restitution des ateliers organisés par l’Amatrami

Entrée libre

Présentation de l’atelier théâtre du lycée Margueritte encadré par Jacques Novena.

Mise en scène : Didier Patard

D’après Willy Protagoras enfermé dans les toilettes de Wajdi Mouawad

Présentation de l’atelier théâtre du lycée Margueritte encadré par Jacques Novena.

Mise en scène : Didier Patard

D’après Willy Protagoras enfermé dans les toilettes de Wajdi Mouawad

C’est fou ce qui peut s’inventer avec un baril de pétrole ! Il suffit de couper le fond, de le marteler ensuite pour y former de petites alvéoles et l’affaire est prête. Cette invention s’appelle un steel drum (ou pan). Elle est apparue dans les années 30-40 à Trinidad-et-Tobago. Avec ce métal chantant, les Renegades sont capables de tout. Jouer du calypso bien sûr, l’emblème musical de Trinidad, rendu célèbre dans les années 1950 par Harry Belafonte, mais aussi s’emparer d’une valse de Mozart, jouer du Schubert (le groupe a invité 6 fois à la Folle Journée France et Japon) , un standard de jazz ou reprendre Bob Marley. Bluffant ! Originaire de Trinidad, île située au large du Venezuela, l’ensemble s’est forgé en 30 ans une belle réputation en devenant le plus célèbre et talentueux de l’île de la Trinidad.

Trinidad est une île au sud des Caraïbes. Renegades Steel Orchestra, fondé il y a trente ans, en est la formation la plus célèbre. Ces 16 virtuoses ont conçu, à partir de fonds de bidons martelés, une véritable philharmonie tropicale traversant joyeusement les genres, du classique au reggae, avec une musicalité formidable.

presse : « Ils ont joué devant une foule en folie. Ça a dansé dans les allées, au rythme des grands classiques revus à la sauce caribéenne par les Renegades Steel Band. C’était chaud ! » Ouest France
« Le Renegades Steel Band Orchestra est un passage obligé. Cet ensemble originaire de Trinidad fait résonner depuis plus de 30 ans ses steel pan aux quatre coins du monde. Lorsqu’ils posent leurs valises, Andrew Brumant et sa quinzaine de musiciens enchantent. » France Musique

« Les films d’Eric Rohmer me touchent parce qu’ils sont simples et posent sur l’écran nos sentiments, nos sensations. Eric Rohmer n’est pas un bavard mondain, c’est un scientifique têtu, qui n’a eu de cesse de punaiser sur l’écran tout ce qui compose un être sensible. Avec lui, l’être humain est décortiqué, sans morale, sans jugements, et ses films donnent à voir des personnages entiers, à la quête d’un idéal. Des têtus, comme lui. Ces personnages, je souhaite les réinventer au théâtre. Reprendre le flambeau, et tenter de cerner, comme il l’a fait, les contours de l’âme humaine. Assiéger le sentiment. Car sa filmographie n’est pas à ranger dans la poésie surannée ou la pause affectée. Non, elle mériterait une salle dans la grande galerie de l’évolution du Jardin des Plantes. Tout l’humain y est : son corps qui aime, son corps qui attend, son corps inquiet, son corps joyeux. Ce sont ces corps-là que prendra en charge notre plateau. » Thomas Quillardet

Ce très joli spectacle s’inspire des scénarios de deux films d’Éric Rohmer : Les nuits de la pleine lune et Le rayon vert. Deux héroïnes arpentant la vie à la délicate recherche du bonheur, deux temps de théâtre inventifs et profonds, simples et touchants, proposés par Thomas Quillardet déjà accueilli ici avec La villégiature et L’histoire du rock.

Thomas Quillardet : après une formation de comédien aux Ateliers du Sapajou et Studio-Théâtre d’Asnières, il décide de se consacrer à la mise en scène. Son premier spectacle, Les Quatre Jumelles de Copi est joué à Paris en 2004. En 2006, il rejoint le collectif Jakart et Mugiscué, basé dans la région Limousin, jusqu’en 2014. En 2007, il monte à Rio de Janeiro et à Curitiba un diptyque de Copi avec des acteurs brésiliens : Le Frigo et Loretta Strong grâce à la bourse Villa Médicis hors les murs. Depuis 2016, Thomas Quillardet est artiste associé à la Scène nationale de Saint-Nazaire.

Eric Rohmer (1920/2010) : d’abord professeur de Lettres à Vierzon, il «monte» à Paris et devient directeur de La Gazette du cinéma puis animateur au Ciné-Club du Quartier Latin où il rencontre Godard, Rivette, Truffaut, Chabrol. Ce groupe de futurs réalisateurs intègre rapidement les Cahiers du cinéma, dont Rohmer sera rédacteur en chef de 1957 à 1963. Il réalise son premier long métrage en 1959, Le Signe du lion, puis crée avec Barbet Schroeder la société Les Films du Losange qui produira la majorité de ses films. Il entame alors le cycle : Contes moraux une série parmi laquelle Ma nuit chez Maud -1969 et Le Genou de Claire – 1970, Prix Louis Delluc, sont particulièrement remarqués. Le cycle Comédies et proverbes couvre les années 80 comptant notamment Pauline à la plage (1982) et Le Rayon vert (1986) qui obtient le Lion d’Or à Venise. La décennie suivante est marquée par la série les Contes des quatre saisons. A plus de 80 ans, il continue son parcours singulier en signant coup sur coup trois derniers films. Il meurt le 11 janvier 2010 à Paris.

Mozart : Fantaisie K475
Beethoven : Sonate La Tempête
Bach : Toccata en mi mineur
Beethoven : Sonate «Clair de Lune»

David Bismuth est salué par la critique pour son jeu lumineux et profond, où se conjuguent science de l’architecture et poésie du timbre. Initialement formé par Catherine Collard au Conservatoire de Nice, David Bismuth a intégré dès l’âge de quatorze ans le CNSMD de Paris, dans la classe de Gabriel Tacchino puis de Brigitte Engerer. Il s’est ensuite perfectionné avec Monique Deschaussées, héritière d’Alfred Cortot, et avec la grande pianiste Maria João Pires, dont la rencontre il y a une dizaine d’années l’a beaucoup enrichi et inspiré, tant d’un point de vue artistique qu’humain. Ces dernières saisons, David Bismuth s’est produit avec l’Orchestre de Paris (Salle Pleyel), l’Orchestre National de France (Théâtre du Châtelet), l’Orchestre National du Capitole de Toulouse ou l’Orchestre de Nice. Il a également participé à de nombreux festivals : La Roque d’Anthéron, Radio France/ Montpellier, Nohant, La Chaise Dieu, Colmar, Saintes, Menton, La Folle Journée (Nantes et Varsovie), le Gstaad Menuhin Festival, le BBC Hay Festival, le Palazzetto Bru-Zane à Venise, Dom Musiki à Moscou… La discographie de David Bismuth est aujourd’hui riche de plusieurs enregistrements : Bach, Fauré, Debussy, Rachmaninov, Saint-Saëns, Bach, etc… Il a été désigné par le magazine Pianiste comme l’un des dix pianistes français les plus doués de sa génération.

Formé par Catherine Collard, Brigitte Engerer et Maria João Pires, David Bismuth trace un parcours original et attachant dans le paysage du jeune piano français. Il a, entre autres, été dirigé par Michel Plasson et Rinaldo Alessandrini, il produit une discographie régulièrement saluée par la critique (ffff de Télérama, Diapason d’Or, …).

« Un spectacle sur le handicap et la différence. Au départ il y a Lettre à Victor – cirque portatif, commande de la Verrerie d’Alès – Pôle National Cirque Languedoc-Roussillon 2016, expérience riche d’intensité, tant dans la fulgurance de sa création que lors de son exploitation. Nous ressentons aujourd’hui la nécessité de redécouvrir et d’approfondir ce champ thématique à travers une nouvelle création. Un univers, ouvert et décalé de la réalité. Ici la frontière entre le réel et la fiction se fait plus floue, sur cette ligne campe une narration déstructurée où l’on ne sait jamais si les situations sont fantasmées ou vécues. Ici le cirque, art de l’excellence du mouvement, se verra détourné, confronté à l’échec et à la non réussite de nos personnages. Des corps incontrôlables qui évoluent dans un quotidien semé d’embûches, où aucune action ne peut être exécutée normalement. Des corps hors normes, désordonnés, dépendant l’un de l’autre, chutant perpétuellement mais qui se relèvent inlassablement. Leur entêtement, leurs désirs d’aller de l’avant, faisant face à l’imprévu font la force de ces personnages, sans cesse ralentis par un impondérable ils luttent sans relâche afin de retrouver un équilibre entre la situation actuelle et celle qui aurait dû être. Propre au langage du cinéma muet, les gags et les cascades s’enchaînent dans une mécanique Keatonienne aussi millimétrée qu’inattendue. » Daraomaï

Ceïba, née à La Rochelle dans une famille de musiciens, est d’abord bercée par les musiques traditionnelles poitevines jouées par ses parents à l’accordéon. En même temps, elle est initiée au piano par sa grand-mère et sa soeur, pianiste de profession. Très vite attirée par la scène, elle écrit ses premiers textes. A 15 ans, Ceïba découvre la musique et la danse africaine. Elle part faire un premier stage en Afrique 2 ans plus tard. Cette nouvelle ouverture sur le monde la bouleverse. Elle entre très vite dans le milieu professionnel, enseigne (percussion et danse) et intègre plusieurs groupes avec lesquels elle se produit sur scène dès l’âge de 19 ans. En duo avec la chanteuse percussionniste Natascha Rogers, elle jouera une centaine de concerts et enregistrera un premier disque en 2008 : Départ. Ceïba voyage. Elle découvre Cuba en 2010. En 2011, sa rencontre avec la pianiste et compositrice Valérie Chane-Tef l’ouvre vers d’autres musiques et donne naissance à un nouveau projet, en quartet avec Franck Leymerégie et Jeremy Pagis, mêlant jazz, compositions et musiques traditionnelles, livrant sur scène son parcours d’artiste, riche et intense.

Originaire de La Rochelle, Ceïba est d’abord une musicienne que ses pérégrinations ont conduit aux Caraïbes, en Amérique du Sud, en Afrique de l’ouest et à la Réunion. En quartet (piano, basse, batterie, chant), elle propose un voyage intercontinental en 8 langues, métissage virtuose, mélodique et subtil, solaire et émouvant.

presse : « Avec sa chaude voix, sa présence scénique gracieuse, il n’est pas difficile de se laisser emporter vers ces lointaines contrées. Musicalement c’est un vrai régal, envie de bouger, de battre la mesure, de chanter. » Philippe Desmond / Action Jazz

« Au sortir de l’hiver 2013, j’écoutais une belle émission sur France Culture, un hommage à Patrice Chéreau. Celui-ci racontait les textes qui avaient jalonné son parcours au théâtre. Il évoqua L’Héritier de Village de Marivaux. Mise en scène de jeunesse mais à laquelle il restait très attaché. Marivaux est le premier auteur que j’ai monté au théâtre (La Mère Confidente, Comédie Française, théâtre du Vieux Colombier, 2001). J’avais envie de le retrouver et les mots de Chéreau ont attisé davantage mon désir. J’ai relu cette pièce peu montée. La rencontre, soudain, s’est faite tant le sujet, le style, ses possibilités formelles sonnaient justes pour moi aujourd’hui. Je n’arrive plus en effet à faire du théâtre sans parler du monde dans lequel je suis, sans interroger la société dans laquelle je vis : société de l’argent et du faux semblant. Cette société-là, c’est aussi celle que décrit Marivaux, il y a 2 siècles. Valeur d’universalité que cette prise de parole. Opportunité de se saisir de la farce et de la distance dans le temps pour mieux s’emparer de notre actualité. » Sandrine Anglade

Inspirée par la banqueroute de Law (1720), cette pièce occupe une place particulière dans l’oeuvre de Marivaux en situant l’argent au centre des motivations des personnages. Très bien jouée et présentée ici dans une mise en scène inventive, la pièce prend les atours d’une farce tout en étant (presque) une vraie leçon d’économie.

Marivaux écrit l’Héritier de Village en 1725. La pièce puise son sujet dans l’actualité de la fameuse banqueroute de Law. Au lendemain de la mort de Louis XIV, le Régent se trouve face à une dette qui dépasse 3,5 milliards de livres. Il tente l’expérience conseillée par le financier écossais John Law : une banque reçoit le privilège de l’émission de billets garantis par un dépôt de numéraire ; elle accorde des facilités aux commerçants et s’associe à l’État en recevant les revenus du Trésor ; ses actionnaires ont la possibilité de souscrire les actions en billets d’État, ce qui réduit la dette, d’autant plus que l’État lui-même rembourse ses créanciers en billets de banque. Une immense spéculation sévit. Des fortunes s’édifient en quelques semaines. Mais la banque procède à une émission excessive de billets, bientôt c’est la panique, la banque doit fermer et Law est obligé de fuir à l’étranger.

« Une comédienne et chanteuse, Hélène, entreprend un projet ambitieux : monter une grande trilogie à partir de trois tragédies grecques de Sophocle et l’adapter en opéra. Elle se lance à corps perdu dans cette entreprise et entame le travail avec une naïveté déconcertante. Elle se heurte bientôt à de nombreux murs et connaît bien des difficultés dès lors qu’elle se confronte à son metteur en scène ou aux professionnels du spectacle. Lentement mais indéniablement, voire fatalement, elle découvre – à ses dépens, la profondeur des mythes et des personnages. Le public la suit dans son cheminement, dans son parcours initiatique qu’elle mène avec un désir jamais entamé et une urgence toujours plus forte. Il assiste aux répétitions, il la voit se transformer -parfois malgré elle- en héroïnes grecques : Jocaste, Antigone, Ismène et retrace avec elle la grande histoire des Labdacides. La comédienne, hantée par tout ce que cette histoire véhicule, avance dans sa création qui prend parfois des chemins inattendus. Pendant toute cette traversée, Hélène fait se croiser le sublime et le dérisoire, l’universel et l’absurde dans un mélange clownesque et improbable. » Mamaille

La Cie Mamaille est un des partenaires réguliers de Transversales. On connaît son humour et sa musicalité inventive. On se souvient de « Mets-moi au trou petit gendarme » et du « Juke box », entre autres. Pour ce projet solo, Hélène Géhin est mise en scène par Laurent Fraunié (comme pour « Petit gendarme »).

La cie Mamaille existe depuis 2001. Implantée en Meuse et spécialisée dans les spectacles musicaux et le théâtre avec musique, elle a généré une dizaine de créations allant de la pièce radiophonique à l’orchestre de 15 musiciens en passant par l’opérette : La Philharmonie du Bon vide, Hélène et Ivan chantent les Classiques, Les Quatre Petites Filles, La Grande Mamaille, Le Lit, Mets-moi au trou Petit Gendarme!, Le Surf, Mozart et les Indiens, Pêche dans les Marécages de l’Oubli, Oedipe à la Poste, Le Juke Box d’Hélène et Ivan, Eleanor, Motu. Plusieurs de ces spectacles ont été mis en scène par Laurent Fraunié (cie Label Brut). On peut résumer la couleur Mamaille à quelques mots : humour, énergie, poésie, imprévisibilité… et précision !

« Une comédienne et chanteuse, Hélène, entreprend un projet ambitieux : monter une grande trilogie à partir de trois tragédies grecques de Sophocle et l’adapter en opéra. Elle se lance à corps perdu dans cette entreprise et entame le travail avec une naïveté déconcertante. Elle se heurte bientôt à de nombreux murs et connaît bien des difficultés dès lors qu’elle se confronte à son metteur en scène ou aux professionnels du spectacle. Lentement mais indéniablement, voire fatalement, elle découvre – à ses dépens, la profondeur des mythes et des personnages. Le public la suit dans son cheminement, dans son parcours initiatique qu’elle mène avec un désir jamais entamé et une urgence toujours plus forte. Il assiste aux répétitions, il la voit se transformer -parfois malgré elle- en héroïnes grecques : Jocaste, Antigone, Ismène et retrace avec elle la grande histoire des Labdacides. La comédienne, hantée par tout ce que cette histoire véhicule, avance dans sa création qui prend parfois des chemins inattendus. Pendant toute cette traversée, Hélène fait se croiser le sublime et le dérisoire, l’universel et l’absurde dans un mélange clownesque et improbable. » Mamaille

La Cie Mamaille est un des partenaires réguliers de Transversales. On connaît son humour et sa musicalité inventive. On se souvient de « Mets-moi au trou petit gendarme » et du « Juke box », entre autres. Pour ce projet solo, Hélène Géhin est mise en scène par Laurent Fraunié (comme pour « Petit gendarme »).

La cie Mamaille existe depuis 2001. Implantée en Meuse et spécialisée dans les spectacles musicaux et le théâtre avec musique, elle a généré une dizaine de créations allant de la pièce radiophonique à l’orchestre de 15 musiciens en passant par l’opérette : La Philharmonie du Bon vide, Hélène et Ivan chantent les Classiques, Les Quatre Petites Filles, La Grande Mamaille, Le Lit, Mets-moi au trou Petit Gendarme!, Le Surf, Mozart et les Indiens, Pêche dans les Marécages de l’Oubli, Oedipe à la Poste, Le Juke Box d’Hélène et Ivan, Eleanor, Motu. Plusieurs de ces spectacles ont été mis en scène par Laurent Fraunié (cie Label Brut). On peut résumer la couleur Mamaille à quelques mots : humour, énergie, poésie, imprévisibilité… et précision !

« Une comédienne et chanteuse, Hélène, entreprend un projet ambitieux : monter une grande trilogie à partir de trois tragédies grecques de Sophocle et l’adapter en opéra. Elle se lance à corps perdu dans cette entreprise et entame le travail avec une naïveté déconcertante. Elle se heurte bientôt à de nombreux murs et connaît bien des difficultés dès lors qu’elle se confronte à son metteur en scène ou aux professionnels du spectacle. Lentement mais indéniablement, voire fatalement, elle découvre – à ses dépens, la profondeur des mythes et des personnages. Le public la suit dans son cheminement, dans son parcours initiatique qu’elle mène avec un désir jamais entamé et une urgence toujours plus forte. Il assiste aux répétitions, il la voit se transformer -parfois malgré elle- en héroïnes grecques : Jocaste, Antigone, Ismène et retrace avec elle la grande histoire des Labdacides. La comédienne, hantée par tout ce que cette histoire véhicule, avance dans sa création qui prend parfois des chemins inattendus. Pendant toute cette traversée, Hélène fait se croiser le sublime et le dérisoire, l’universel et l’absurde dans un mélange clownesque et improbable. » Mamaille

La Cie Mamaille est un des partenaires réguliers de Transversales. On connaît son humour et sa musicalité inventive. On se souvient de « Mets-moi au trou petit gendarme » et du « Juke box », entre autres. Pour ce projet solo, Hélène Géhin est mise en scène par Laurent Fraunié (comme pour « Petit gendarme »).

La cie Mamaille existe depuis 2001. Implantée en Meuse et spécialisée dans les spectacles musicaux et le théâtre avec musique, elle a généré une dizaine de créations allant de la pièce radiophonique à l’orchestre de 15 musiciens en passant par l’opérette : La Philharmonie du Bon vide, Hélène et Ivan chantent les Classiques, Les Quatre Petites Filles, La Grande Mamaille, Le Lit, Mets-moi au trou Petit Gendarme!, Le Surf, Mozart et les Indiens, Pêche dans les Marécages de l’Oubli, Oedipe à la Poste, Le Juke Box d’Hélène et Ivan, Eleanor, Motu. Plusieurs de ces spectacles ont été mis en scène par Laurent Fraunié (cie Label Brut). On peut résumer la couleur Mamaille à quelques mots : humour, énergie, poésie, imprévisibilité… et précision !

« Une comédienne et chanteuse, Hélène, entreprend un projet ambitieux : monter une grande trilogie à partir de trois tragédies grecques de Sophocle et l’adapter en opéra. Elle se lance à corps perdu dans cette entreprise et entame le travail avec une naïveté déconcertante. Elle se heurte bientôt à de nombreux murs et connaît bien des difficultés dès lors qu’elle se confronte à son metteur en scène ou aux professionnels du spectacle. Lentement mais indéniablement, voire fatalement, elle découvre – à ses dépens, la profondeur des mythes et des personnages. Le public la suit dans son cheminement, dans son parcours initiatique qu’elle mène avec un désir jamais entamé et une urgence toujours plus forte. Il assiste aux répétitions, il la voit se transformer -parfois malgré elle- en héroïnes grecques : Jocaste, Antigone, Ismène et retrace avec elle la grande histoire des Labdacides. La comédienne, hantée par tout ce que cette histoire véhicule, avance dans sa création qui prend parfois des chemins inattendus. Pendant toute cette traversée, Hélène fait se croiser le sublime et le dérisoire, l’universel et l’absurde dans un mélange clownesque et improbable. » Mamaille

La Cie Mamaille est un des partenaires réguliers de Transversales. On connaît son humour et sa musicalité inventive. On se souvient de « Mets-moi au trou petit gendarme » et du « Juke box », entre autres. Pour ce projet solo, Hélène Géhin est mise en scène par Laurent Fraunié (comme pour « Petit gendarme »).

La cie Mamaille existe depuis 2001. Implantée en Meuse et spécialisée dans les spectacles musicaux et le théâtre avec musique, elle a généré une dizaine de créations allant de la pièce radiophonique à l’orchestre de 15 musiciens en passant par l’opérette : La Philharmonie du Bon vide, Hélène et Ivan chantent les Classiques, Les Quatre Petites Filles, La Grande Mamaille, Le Lit, Mets-moi au trou Petit Gendarme!, Le Surf, Mozart et les Indiens, Pêche dans les Marécages de l’Oubli, Oedipe à la Poste, Le Juke Box d’Hélène et Ivan, Eleanor, Motu. Plusieurs de ces spectacles ont été mis en scène par Laurent Fraunié (cie Label Brut). On peut résumer la couleur Mamaille à quelques mots : humour, énergie, poésie, imprévisibilité… et précision !

« Une comédienne et chanteuse, Hélène, entreprend un projet ambitieux : monter une grande trilogie à partir de trois tragédies grecques de Sophocle et l’adapter en opéra. Elle se lance à corps perdu dans cette entreprise et entame le travail avec une naïveté déconcertante. Elle se heurte bientôt à de nombreux murs et connaît bien des difficultés dès lors qu’elle se confronte à son metteur en scène ou aux professionnels du spectacle. Lentement mais indéniablement, voire fatalement, elle découvre – à ses dépens, la profondeur des mythes et des personnages. Le public la suit dans son cheminement, dans son parcours initiatique qu’elle mène avec un désir jamais entamé et une urgence toujours plus forte. Il assiste aux répétitions, il la voit se transformer -parfois malgré elle- en héroïnes grecques : Jocaste, Antigone, Ismène et retrace avec elle la grande histoire des Labdacides. La comédienne, hantée par tout ce que cette histoire véhicule, avance dans sa création qui prend parfois des chemins inattendus. Pendant toute cette traversée, Hélène fait se croiser le sublime et le dérisoire, l’universel et l’absurde dans un mélange clownesque et improbable. » Mamaille

La Cie Mamaille est un des partenaires réguliers de Transversales. On connaît son humour et sa musicalité inventive. On se souvient de « Mets-moi au trou petit gendarme » et du « Juke box », entre autres. Pour ce projet solo, Hélène Géhin est mise en scène par Laurent Fraunié (comme pour « Petit gendarme »).

La cie Mamaille existe depuis 2001. Implantée en Meuse et spécialisée dans les spectacles musicaux et le théâtre avec musique, elle a généré une dizaine de créations allant de la pièce radiophonique à l’orchestre de 15 musiciens en passant par l’opérette : La Philharmonie du Bon vide, Hélène et Ivan chantent les Classiques, Les Quatre Petites Filles, La Grande Mamaille, Le Lit, Mets-moi au trou Petit Gendarme!, Le Surf, Mozart et les Indiens, Pêche dans les Marécages de l’Oubli, Oedipe à la Poste, Le Juke Box d’Hélène et Ivan, Eleanor, Motu. Plusieurs de ces spectacles ont été mis en scène par Laurent Fraunié (cie Label Brut). On peut résumer la couleur Mamaille à quelques mots : humour, énergie, poésie, imprévisibilité… et précision !

Marian Badoi est né en 1987 en Roumanie dans la ville de Ditesti, là où, jadis, les rois venaient recruter pour leurs fêtes les meilleurs musiciens du pays. Fils et petit-fils de musiciens (son grand–père, violoniste virtuose, son père, accordéoniste de talent), Marian se voit offrir un accordéon le jour même de sa naissance si bien qu’à 27 ans, il possède 24 ans de pratique musicale derrière lui. A l’âge de 14 ans, il débarque à Paris avec son père ; ils jouent dans le métro pour gagner leur vie.
Sa musicalité exceptionnelle, sa virtuosité, son inspiration et son talent d’improvisateur surprennent. En 2006 il découvre Django Reinhardt, le Jazz Manouche et sympathise avec Benoit Convert, guitariste de ce style devenu très à la mode. Plus tard, à Lyon, le grand Richard Galliano l’écoute jouer avec intérêt mais c’est en 2012 que Paco Ibanez lui propose d’assurer ses premières parties. La même année, il rencontre Olivier Kikteff, guitariste des Doigts de l’Homme et Tanguy Blum, contrebassiste du même groupe. L’entente entre ces superbes musiciens est spontanée et ils décident de former le Marian Badoï Trio».

L’accordéoniste Marian Madoï émigre en France au début des années 2000 : il y découvre le jazz manouche qu’il confronte à sa tradition. « Accompagné par Olivier Kikteff (guitare) et Tanguy Blum (contrebasse), il fait tournoyer jazz manouche et tradition rom dans un tourbillon enchanteur » Jazz News

presse : «Des musiciens surdoués au service d’un projet fort et original qui marie le jazz manouche à l’authenticité de la musique tzigane, amenée par les superbes improvisations de Marian Badoï.» Utopia