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Totó est la synthèse rieuse des tambours africains et des soneros cubains, des danses endiablées et des humbles prières. Toto chante comme un feu follet, embarquant ses musiciens dans une sarabande où la tradition se nourrit de l’actualité…

Cette diva Afro-Colombienne, légende vivante du continent, parmi les dernières grandes voix d’Amérique Latine célèbre en 2015 ses 50 ans de carrière artistique. Cette immense artiste, très estimée par les nouvelles générations, est vue à travers le monde comme une figure légendaire, et continue d’influencer la création moderne. A la fois chanteuse et danseuse, Totó la Momposina a gagné le respect et l’admiration par la puissance et la spontanéité de ses prestations.
Dès son plus jeune âge, Totó a voyagé de village en village pour apprendre les rythmes et les danses, ainsi que l’art des « cantadoras » (chanteuses traditionnelles des villages) sa voix puissante et sa présence scénique lui donnent très vite une grande réputation, elle commence alors des tournées internationales à travers les Amériques et l’Europe.

Presse : « Le folklore colombien par l’une de ses figures les plus charismatiques, une diva à la voix puissante et capiteuse, dont les performances scéniques en habit coloré, portées par les tambours africains et les rythmes endiablés du merengue, de la chalupa ou de la guaracha, tiennent autant de la danse de joie que de l’incantation chamanique. » Anne Berthod, Télérama.

8m3, c’est le volume de la scène. Trop petite pour 2 artistes, trop petite pour faire du cirque. 8 m3, c’est 2 solos, l’un après l’autre, l’un avant l’autre, l’un sans l’autre ???

« Nous sommes dans la plus petite des cabanes. Didier André et Jean-Paul Lefeuvre, n’ont pas besoin de plus de 8m3 ? I s’agit de deux pièces pour artistes solitaires. L’un rêve de la chance perdue du grand jongleur qu’il a été. Sa partenaire l’a quitté après l’échec de leur duo de jonglage, et depuis il regarde cette vidéo en boucle sur une vieille télé. De ses souvenirs surgissent de manière impromptue toute une série de petits moments de magie et d’illusion. Didier André a un regard qui transforme sa solitude en profonde tristesse, mais son visage peut s’émerveiller subitement. Jean-Paul Lefeuvre plonge lui aussi de manière surprenante dans ce minuscule environnement qu’il conquiert laborieusement et consciencieusement. »

L’atelier Lefeuvre & André : Jean-Paul et Didier sont façonnés par des parcours différents que rien ne prédestinait au chapiteau ou encore moins à la scène. En 1985, ils tombent par hasard sur la documentation annonçant l’ouverture de ce qui deviendra le CNAC de Chalons en Champagne et décident de tenter leur chance. La première promotion présente son spectacle de fin d’étude en 1989. Une tournée plus tard, Jean-Paul et Didier fondent avec six anciens du CNAC, le Cirque O. En 1994, leurs chemins se séparent avant de se retrouver en 2001.

presse : « Didier André et Jean Paul Lefeuvre intègrent à leur façon et avec talent, tout en légèreté et fluidité : les images sur écran et téléviseur de manière interactive, si bien qu’on ne sait plus qui, où, comment : qui est derrière l’image, qui est dans l’image ? » Karl Harb, Salzburger Nachrichten

8m3, c’est le volume de la scène. Trop petite pour 2 artistes, trop petite pour faire du cirque. 8 m3, c’est 2 solos, l’un après l’autre, l’un avant l’autre, l’un sans l’autre ???

« Nous sommes dans la plus petite des cabanes. Didier André et Jean-Paul Lefeuvre, n’ont pas besoin de plus de 8m3 ? I s’agit de deux pièces pour artistes solitaires. L’un rêve de la chance perdue du grand jongleur qu’il a été. Sa partenaire l’a quitté après l’échec de leur duo de jonglage, et depuis il regarde cette vidéo en boucle sur une vieille télé. De ses souvenirs surgissent de manière impromptue toute une série de petits moments de magie et d’illusion. Didier André a un regard qui transforme sa solitude en profonde tristesse, mais son visage peut s’émerveiller subitement. Jean-Paul Lefeuvre plonge lui aussi de manière surprenante dans ce minuscule environnement qu’il conquiert laborieusement et consciencieusement. »

L’atelier Lefeuvre & André : Jean-Paul et Didier sont façonnés par des parcours différents que rien ne prédestinait au chapiteau ou encore moins à la scène. En 1985, ils tombent par hasard sur la documentation annonçant l’ouverture de ce qui deviendra le CNAC de Chalons en Champagne et décident de tenter leur chance. La première promotion présente son spectacle de fin d’étude en 1989. Une tournée plus tard, Jean-Paul et Didier fondent avec six anciens du CNAC, le Cirque O. En 1994, leurs chemins se séparent avant de se retrouver en 2001.

presse : « Didier André et Jean Paul Lefeuvre intègrent à leur façon et avec talent, tout en légèreté et fluidité : les images sur écran et téléviseur de manière interactive, si bien qu’on ne sait plus qui, où, comment : qui est derrière l’image, qui est dans l’image ? » Karl Harb, Salzburger Nachrichten

8m3, c’est le volume de la scène. Trop petite pour 2 artistes, trop petite pour faire du cirque. 8 m3, c’est 2 solos, l’un après l’autre, l’un avant l’autre, l’un sans l’autre ???

« Nous sommes dans la plus petite des cabanes. Didier André et Jean-Paul Lefeuvre, n’ont pas besoin de plus de 8m3 ? I s’agit de deux pièces pour artistes solitaires. L’un rêve de la chance perdue du grand jongleur qu’il a été. Sa partenaire l’a quitté après l’échec de leur duo de jonglage, et depuis il regarde cette vidéo en boucle sur une vieille télé. De ses souvenirs surgissent de manière impromptue toute une série de petits moments de magie et d’illusion. Didier André a un regard qui transforme sa solitude en profonde tristesse, mais son visage peut s’émerveiller subitement. Jean-Paul Lefeuvre plonge lui aussi de manière surprenante dans ce minuscule environnement qu’il conquiert laborieusement et consciencieusement. »

L’atelier Lefeuvre & André : Jean-Paul et Didier sont façonnés par des parcours différents que rien ne prédestinait au chapiteau ou encore moins à la scène. En 1985, ils tombent par hasard sur la documentation annonçant l’ouverture de ce qui deviendra le CNAC de Chalons en Champagne et décident de tenter leur chance. La première promotion présente son spectacle de fin d’étude en 1989. Une tournée plus tard, Jean-Paul et Didier fondent avec six anciens du CNAC, le Cirque O. En 1994, leurs chemins se séparent avant de se retrouver en 2001.

presse : « Didier André et Jean Paul Lefeuvre intègrent à leur façon et avec talent, tout en légèreté et fluidité : les images sur écran et téléviseur de manière interactive, si bien qu’on ne sait plus qui, où, comment : qui est derrière l’image, qui est dans l’image ? » Karl Harb, Salzburger Nachrichten

Marc Coppey, que nous avions accueilli en 2014, fut reçu à 18 ans 1er prix au Concours Bach de Leipzig. Il sera accompagné de Peter Laul, pianiste russe, 1er prix du Concours International Scriabin de Moscou en 2000, soliste et chambriste réputé. Au programme, Bach, Schubert, Dvorak, Debussy…

Jean-Sébastien Bach: Sonate N° 3 en sol mineur, BWV 1029
Frédéric Chopin : Sonate Opus 65
David Popper : Fantaisie sur des petites chansons russes
Camille Saint-Saëns : Le cygne
Gabriel Fauré : Papillons
Claude Debussy : La fille aux cheveux de lin
David Popper : Danse des elfes
Antonin Dvorak : Klid
Maurice Ravel : Pièce en forme de Habanera
Manuel de Falla : Danse rituelle du feu
Bohuslav Martinu : Variations sur un thème de Rossini

Sharon Shannon est l’une des musiciennes les plus douées d’Irlande. Virtuose, pleine d’une énergie et d’un entrain contagieux, la musique de Sharon Shannon a ceci de précieux qu’elle invite irrésistiblement à la joie et à la danse. Ce concert est à la fois proposé à l’abonnement et au réseau.

Sharon Shannon n’est pas née de la dernière averse. Native de Clare sur la côte ouest de l’Irlande, une région historiquement ancrée dans la musique et issue d’une famille de musiciens, elle a forgé son style au zinc des pubs et des tavernes des comtés de l’île verte. Virtuose et sans complexe, elle est la musicienne la plus douée d’Irlande en ce qui concerne son instrument de prédilection : l’accordéon diatonique. Une maîtrise qui lui vaut très vite la fascination de la scène locale et internationale. Elle débute sa carrière en solo en 1988, fonde le groupe Arcardy, joue avec des pointures de la musique irlandaise, comme Adam Clayton de U2, Sinéad O’Connor, Kate Bush. Rejointe par le multi instrumentiste et chanteur Alan Connor, ils nous proposent tous deux une combinaison étincelante, avec l’accordéon déchirant de Sharon Shannon et le jeu électrique d’Alan Connor qui procure une énergie et un son à la fois puissant et captivant.

Presse : « Alan Connor n’accompagne pas juste Sharon Shannon au piano, la véritable étendue de son talent commence à briller lorsqu’il utilise des boucles en direct sur sa guitare, qui lui apportent la basse et la rythmique… le rythme s’accélère, il alterne entre guitare et piano jusqu’à ce que finalement se termine un frénétique duo piano guitare qui laisse le public sans voix. » Neil McFayden, Live Review

Sharon Shannon est l’une des musiciennes les plus douées d’Irlande. Virtuose, pleine d’une énergie et d’un entrain contagieux, la musique de Sharon Shannon a ceci de précieux qu’elle invite irrésistiblement à la joie et à la danse. Ce concert est à la fois proposé à l’abonnement et au réseau.

Sharon Shannon n’est pas née de la dernière averse. Native de Clare sur la côte ouest de l’Irlande, une région historiquement ancrée dans la musique et issue d’une famille de musiciens, elle a forgé son style au zinc des pubs et des tavernes des comtés de l’île verte. Virtuose et sans complexe, elle est la musicienne la plus douée d’Irlande en ce qui concerne son instrument de prédilection : l’accordéon diatonique. Une maîtrise qui lui vaut très vite la fascination de la scène locale et internationale. Elle débute sa carrière en solo en 1988, fonde le groupe Arcardy, joue avec des pointures de la musique irlandaise, comme Adam Clayton de U2, Sinéad O’Connor, Kate Bush. Rejointe par le multi instrumentiste et chanteur Alan Connor, ils nous proposent tous deux une combinaison étincelante, avec l’accordéon déchirant de Sharon Shannon et le jeu électrique d’Alan Connor qui procure une énergie et un son à la fois puissant et captivant.

Presse : « Alan Connor n’accompagne pas juste Sharon Shannon au piano, la véritable étendue de son talent commence à briller lorsqu’il utilise des boucles en direct sur sa guitare, qui lui apportent la basse et la rythmique… le rythme s’accélère, il alterne entre guitare et piano jusqu’à ce que finalement se termine un frénétique duo piano guitare qui laisse le public sans voix. » Neil McFayden, Live Review

Sharon Shannon est l’une des musiciennes les plus douées d’Irlande. Virtuose, pleine d’une énergie et d’un entrain contagieux, la musique de Sharon Shannon a ceci de précieux qu’elle invite irrésistiblement à la joie et à la danse. Ce concert est à la fois proposé à l’abonnement et au réseau.

Sharon Shannon n’est pas née de la dernière averse. Native de Clare sur la côte ouest de l’Irlande, une région historiquement ancrée dans la musique et issue d’une famille de musiciens, elle a forgé son style au zinc des pubs et des tavernes des comtés de l’île verte. Virtuose et sans complexe, elle est la musicienne la plus douée d’Irlande en ce qui concerne son instrument de prédilection : l’accordéon diatonique. Une maîtrise qui lui vaut très vite la fascination de la scène locale et internationale. Elle débute sa carrière en solo en 1988, fonde le groupe Arcardy, joue avec des pointures de la musique irlandaise, comme Adam Clayton de U2, Sinéad O’Connor, Kate Bush. Rejointe par le multi instrumentiste et chanteur Alan Connor, ils nous proposent tous deux une combinaison étincelante, avec l’accordéon déchirant de Sharon Shannon et le jeu électrique d’Alan Connor qui procure une énergie et un son à la fois puissant et captivant.

Presse : « Alan Connor n’accompagne pas juste Sharon Shannon au piano, la véritable étendue de son talent commence à briller lorsqu’il utilise des boucles en direct sur sa guitare, qui lui apportent la basse et la rythmique… le rythme s’accélère, il alterne entre guitare et piano jusqu’à ce que finalement se termine un frénétique duo piano guitare qui laisse le public sans voix. » Neil McFayden, Live Review

Sharon Shannon est l’une des musiciennes les plus douées d’Irlande. Virtuose, pleine d’une énergie et d’un entrain contagieux, la musique de Sharon Shannon a ceci de précieux qu’elle invite irrésistiblement à la joie et à la danse. Ce concert est à la fois proposé à l’abonnement et au réseau.

Sharon Shannon n’est pas née de la dernière averse. Native de Clare sur la côte ouest de l’Irlande, une région historiquement ancrée dans la musique et issue d’une famille de musiciens, elle a forgé son style au zinc des pubs et des tavernes des comtés de l’île verte. Virtuose et sans complexe, elle est la musicienne la plus douée d’Irlande en ce qui concerne son instrument de prédilection : l’accordéon diatonique. Une maîtrise qui lui vaut très vite la fascination de la scène locale et internationale. Elle débute sa carrière en solo en 1988, fonde le groupe Arcardy, joue avec des pointures de la musique irlandaise, comme Adam Clayton de U2, Sinéad O’Connor, Kate Bush. Rejointe par le multi instrumentiste et chanteur Alan Connor, ils nous proposent tous deux une combinaison étincelante, avec l’accordéon déchirant de Sharon Shannon et le jeu électrique d’Alan Connor qui procure une énergie et un son à la fois puissant et captivant.

Presse : « Alan Connor n’accompagne pas juste Sharon Shannon au piano, la véritable étendue de son talent commence à briller lorsqu’il utilise des boucles en direct sur sa guitare, qui lui apportent la basse et la rythmique… le rythme s’accélère, il alterne entre guitare et piano jusqu’à ce que finalement se termine un frénétique duo piano guitare qui laisse le public sans voix. » Neil McFayden, Live Review

Sharon Shannon est l’une des musiciennes les plus douées d’Irlande. Virtuose, pleine d’une énergie et d’un entrain contagieux, la musique de Sharon Shannon a ceci de précieux qu’elle invite irrésistiblement à la joie et à la danse. Ce concert est à la fois proposé à l’abonnement et au réseau.

Sharon Shannon n’est pas née de la dernière averse. Native de Clare sur la côte ouest de l’Irlande, une région historiquement ancrée dans la musique et issue d’une famille de musiciens, elle a forgé son style au zinc des pubs et des tavernes des comtés de l’île verte. Virtuose et sans complexe, elle est la musicienne la plus douée d’Irlande en ce qui concerne son instrument de prédilection : l’accordéon diatonique. Une maîtrise qui lui vaut très vite la fascination de la scène locale et internationale. Elle débute sa carrière en solo en 1988, fonde le groupe Arcardy, joue avec des pointures de la musique irlandaise, comme Adam Clayton de U2, Sinéad O’Connor, Kate Bush. Rejointe par le multi instrumentiste et chanteur Alan Connor, ils nous proposent tous deux une combinaison étincelante, avec l’accordéon déchirant de Sharon Shannon et le jeu électrique d’Alan Connor qui procure une énergie et un son à la fois puissant et captivant.

Presse : « Alan Connor n’accompagne pas juste Sharon Shannon au piano, la véritable étendue de son talent commence à briller lorsqu’il utilise des boucles en direct sur sa guitare, qui lui apportent la basse et la rythmique… le rythme s’accélère, il alterne entre guitare et piano jusqu’à ce que finalement se termine un frénétique duo piano guitare qui laisse le public sans voix. » Neil McFayden, Live Review

Slow futur est une danse jonglée sur un tapis roulant, à la fois épurée et spectaculaire. Slow futur est aussi un concert, une fusion du cirque avec la musique nouvelle, remarquable, produite par le groupe Zombie Zombie, une des références européennes pour la musique électronique.

Deux humains, un long tapis roulant… qui défile comme le temps qui passe, comme la vie… Portés par une musique originale du groupe Zombie Zombie, ludique, effrénée, envoûtante, les deux tentent l’unité face au mouvement qui les emporte, comme pour conjurer une ultime et inéluctable solitude. Dispositif scénographique et agrès de cirque, le tapis devient le sujet d’une curieuse écriture chorégraphique à la fois verticale (le jonglage) et horizontale (le déplacement). Entre immobilité en mouvement, ralentis hypnotiques et accélérations fulgurantes, Slow futur déroule une montée en puissance progressive, immergeant acteurs et spectateurs dans une expérience physique collective du son et de la lumière. Entre abstraction et représentation de la réalité, Slow futur questionne la condition humaine, sa dimension robotique, la coopération entre les êtres humains, la solitude.

Elsa Guérin et Martin Palisse développent depuis 2000 un rapport singulier au jonglage, aux accents minimalistes et sensibles, et s’emploient à la création d’objets artistiques interrogeant le potentiel théâtral et chorégraphique du jonglage. Ils ont créé ensemble plusieurs pièces, diffusées en France et à l’étranger et mis en scène à plusieurs reprises le couple et le drame humain en général, dans des tonalités parfois burlesques et parfois plus tragiques (Dans quel sens ?, Skratch, Une nuit sur Terre, BODYnoBODY, SomeBODY, POST, BLIND / Action, Still life).  En janvier 2014, Martin Palisse devient directeur du Sirque Pôle national des arts du cirque de Nexon en Limousin, premier artiste nommé à la direction d’une telle structure. En 2015, Elsa Guérin est associée au Sirque comme artiste – auteure.

Zombie Zombie est un groupe de musique composé d’Etienne Jaumet aux synthétiseurs analogiques, Cosmic Neman à la batterie, et Doc Schonberg aux percussions. Leur musique peut être qualifiée d’électronique, bien qu’ils n’utilisent pas d’ordinateurs, ni de technologie numérique.

presse : « Le cirque intervient d’une manière nouvelle. L’art du jonglage lui aussi retourne à sa fonction première et métaphorique. Les balles blanches ressemblent à des atomes que le mouvement entraîne. L’être humain dans l’impulsion du monde la recrée à son tour. Les montées en puissance de la musique combinées à l’accélération impressionnante des jongleurs ont fait jubiler le public. » Thibault Boixière, Unidivers

Pour cette première création commune, Pauline Drünert (marionnettiste), Tina
Speidel (musicienne) et Etta Streicher (poète et comédienne) ont pu se faire accompagner par Ilka Schönbein, une référence en matière de marionnette. Un pur régal d’inventivité et de poésie.

Le mouton, le chat, le cochon, le poisson, le rat, la mouche et l’oiseau ont tous des projets en tête : brouter l’herbe, patauger dans la boue, grimper aux arbres et plein d’autres choses encore. L’araignée aussi est bien occupée : elle « tricote » sa toile. C’est d’ailleurs ce qu’elle sait faire de mieux. Elle tricote et rêve de se mettre bientôt une mouche sous la dent. Trois artistes entremêlent marionnettes, contes, musique et destinée pour tisser une petite histoire sur le fait de ne pas se laisser distraire, sur la sérénité et la ténacité, sur la patience qui ne tient qu’à un fil et sur le monde tapageur.

Pauline Drünert, initiatrice du projet, a été formée à l’école supérieure de Stuttgart. Depuis 2012, son travail est intimement lié à la musique. Etta Streicher est une comédienne pratiquant la rencontre artistique depuis 1999, dans l’ensemble des pays germanophones
dans des domaines aussi divers que la scène, la rue, l’art visuel. Tina Speidel, musicienne,
comédienne et clown aime parcourir le monde. Ses recherches l’ont conduite à travailler à travers toute l’Europe avec des créateurs comptant parmi les plus grands.

Pour cette première création commune, Pauline Drünert (marionnettiste), Tina
Speidel (musicienne) et Etta Streicher (poète et comédienne) ont pu se faire accompagner par Ilka Schönbein, une référence en matière de marionnette. Un pur régal d’inventivité et de poésie.

Le mouton, le chat, le cochon, le poisson, le rat, la mouche et l’oiseau ont tous des projets en tête : brouter l’herbe, patauger dans la boue, grimper aux arbres et plein d’autres choses encore. L’araignée aussi est bien occupée : elle « tricote » sa toile. C’est d’ailleurs ce qu’elle sait faire de mieux. Elle tricote et rêve de se mettre bientôt une mouche sous la dent. Trois artistes entremêlent marionnettes, contes, musique et destinée pour tisser une petite histoire sur le fait de ne pas se laisser distraire, sur la sérénité et la ténacité, sur la patience qui ne tient qu’à un fil et sur le monde tapageur.

Pauline Drünert, initiatrice du projet, a été formée à l’école supérieure de Stuttgart. Depuis 2012, son travail est intimement lié à la musique. Etta Streicher est une comédienne pratiquant la rencontre artistique depuis 1999, dans l’ensemble des pays germanophones
dans des domaines aussi divers que la scène, la rue, l’art visuel. Tina Speidel, musicienne,
comédienne et clown aime parcourir le monde. Ses recherches l’ont conduite à travailler à travers toute l’Europe avec des créateurs comptant parmi les plus grands.

Pour cette première création commune, Pauline Drünert (marionnettiste), Tina
Speidel (musicienne) et Etta Streicher (poète et comédienne) ont pu se faire accompagner par Ilka Schönbein, une référence en matière de marionnette. Un pur régal d’inventivité et de poésie.

Le mouton, le chat, le cochon, le poisson, le rat, la mouche et l’oiseau ont tous des projets en tête : brouter l’herbe, patauger dans la boue, grimper aux arbres et plein d’autres choses encore. L’araignée aussi est bien occupée : elle « tricote » sa toile. C’est d’ailleurs ce qu’elle sait faire de mieux. Elle tricote et rêve de se mettre bientôt une mouche sous la dent. Trois artistes entremêlent marionnettes, contes, musique et destinée pour tisser une petite histoire sur le fait de ne pas se laisser distraire, sur la sérénité et la ténacité, sur la patience qui ne tient qu’à un fil et sur le monde tapageur.

Pauline Drünert, initiatrice du projet, a été formée à l’école supérieure de Stuttgart. Depuis 2012, son travail est intimement lié à la musique. Etta Streicher est une comédienne pratiquant la rencontre artistique depuis 1999, dans l’ensemble des pays germanophones
dans des domaines aussi divers que la scène, la rue, l’art visuel. Tina Speidel, musicienne,
comédienne et clown aime parcourir le monde. Ses recherches l’ont conduite à travailler à travers toute l’Europe avec des créateurs comptant parmi les plus grands.

« Avec Loin de Linden, on plonge dans l’histoire de la Belgique, dans celle de deux familles, quasiment adversaires mais cependant liées. Pour ce spectacle, Giuseppe Nolobile ne pouvait mieux choisir que Véronique Dumont et Valérie Bauchau, étincelantes toutes deux. » Marie Baudet, La libre Belgique.

« Quand j’ai lu Loin de Linden, j’ai tout de suite pensé qu’il s’agissait d’une œuvre intime à vocation universelle. À travers le prisme de ces deux deux vies touchantes et représentatives d’une société, on comprend que c’est de la Belgique dont il est question. La Belgique du siècle passé, avec ses mutations sociales sans précédent. En mettant en scène ce texte de Veronika Mabardi je souhaite inviter le public à s’immerger totalement dans la vie des femmes et des hommes qui ont été pris dans le courant de ces années folles. À l’heure où les partis radicaux font des percées significatives dans le nord du pays, où l’on souhaite des divorces communautaires, il m’a semblé intéressant de proposer une création qui, parmi d’autres, peut apporter un modeste éclairage sur notre histoire commune. Sans être moralisatrice, Loin de Linden est une œuvre qui interroge notre propre rapport à l’autre. » G. Lonobile

Presse : « Tout les sépare -la langue, le caractère, le parcours (l’une a voyagé à travers le monde, l’autre n’a jamais quitté sa région natale)- et pourtant, cette rencontre improbable retisse les morceaux éparpillés du puzzle attachant qu’est l’histoire belge. On en ressort la gorge nouée. » C.Makereel, Maad

Diktat est le premier solo de Sandrine Juglair, acrobate formée au CNAC, jusqu’ici interprète (notamment ces trois dernières années au Cirque Plume). Son projet Diktat, une tragi-comédie témoignant de la difficulté d’être, a été primé au concours européen Circus Next.

Seule en scène, une femme se prépare à affronter et séduire les gens qui sont venus la regarder. 4,3,2,1… Pour elle, il y a urgence à être (57 minutes, 33 secondes et 68 centièmes), à devenir et à mourir. Elle met tout en œuvre pour captiver son public, usant de tous les registres, du jeu clownesque au jeu le plus intime ; troublant les frontières entre acteur et personnage. La dictature du regard de l’autre l’emprisonne dans ses obsessions, l’obligeant à exécuter ce qu’on attend d’elle. Une lutte s’engage alors entre son désir de reconnaissance et sa résistance aux normes ; entre ce qui s’impose de l’extérieur et son propre diktat. Diktat est une tragi-comédie où l’urgence de faire témoigne de la difficulté d’être. Diktat ou comme une parole jamais aboutie devient le seul moyen de se faire comprendre.

Sandrine Juglair est sortie du CNAC en 2008, acrobate au mât chinois, elle a d’abord participé au spectacle de sortie La part du loup, mis en piste par Fatou Traoré. Elle travaille par la suite pour différents projets, avec La scabreuse, l’Opéra La Scala de Milan. En 2011, elle créée une forme courte avec Jean-Charles Gaume J’aurais voulu. Elle a intégré le Cirque Plume pour Tempus Fugit. Forte de ces expériences, elle créé son solo Diktat.

Réflexion désopilante mais sérieuse sur le couple : « Comment ne faire qu’à deux, l’autre étant à la fois indispensable et en même temps la personne de trop sur le chemin de l’harmonie ? » Sophie Borthwick et Pierre Pilatte nous entrainent dans leur histoire du couple de l’âge des cavernes à nos jours.

« Le plus vieux couple au monde franchit le temps pour venir nous parler de la fascination qu’exerce sur la nature hermaphrodite de l’huître qui change d’identité sexuelle comme de kilt. Il semble que la vie à deux soit bénie des dieux et qu’elle serait totalement parfaite si le principe du conjoint était réduit à sa plus infime expression. Bien avant que la théorie de la relativité voie le jour, ils se sont attaqués à la délicate équation de ne faire qu’un à deux. Ils sont aussi anciens qu’une falaise de calcaire, aussi modernes qu’une cuisine en kit et adeptes naturels du paradoxe. Ce sont nos ancêtres, ils ont un moment oublié de mourir et leur voix nous parvient chargée d’enseignements afin que les unions futures soient consacrées sous le signe de l’ostréiculture, et donc chargées de grâces infinies. » Jean Cagnard

1 WATT est une compagnie que l’on décrira burlesque ou absurde ou surréaliste ou tout cela à la fois voire rien de tout cela. Elle a été créée en 2004 notamment par Pierre Pilatte, artiste de rue pour de multiples compagnies aux compositions tragi-comiques, et Sophie Borthwick, formée à l’école Jacques Lecoq à Paris qui a notamment travaillé sur le clown et la danse. Le premier spectacle créé par ce tandem, Comme un dimanche, interrogeait déjà la notion de couple.

Presse : Le duo rejoue les différentes étapes d’une union, entre réjouissances quotidiennes et réminiscences des actes du passé. Il y a du clown, du burlesque dans leur relation, travaillée dans la physicalité, mais aussi à travers les aspects du son, des accessoires et des costumes qui construisent tout l’univers étrange et unique du spectacle. N.Yokel, La Terrasse

Réflexion désopilante mais sérieuse sur le couple : « Comment ne faire qu’à deux, l’autre étant à la fois indispensable et en même temps la personne de trop sur le chemin de l’harmonie ? » Sophie Borthwick et Pierre Pilatte nous entrainent dans leur histoire du couple de l’âge des cavernes à nos jours.

« Le plus vieux couple au monde franchit le temps pour venir nous parler de la fascination qu’exerce sur la nature hermaphrodite de l’huître qui change d’identité sexuelle comme de kilt. Il semble que la vie à deux soit bénie des dieux et qu’elle serait totalement parfaite si le principe du conjoint était réduit à sa plus infime expression. Bien avant que la théorie de la relativité voie le jour, ils se sont attaqués à la délicate équation de ne faire qu’un à deux. Ils sont aussi anciens qu’une falaise de calcaire, aussi modernes qu’une cuisine en kit et adeptes naturels du paradoxe. Ce sont nos ancêtres, ils ont un moment oublié de mourir et leur voix nous parvient chargée d’enseignements afin que les unions futures soient consacrées sous le signe de l’ostréiculture, et donc chargées de grâces infinies. » Jean Cagnard

1 WATT est une compagnie que l’on décrira burlesque ou absurde ou surréaliste ou tout cela à la fois voire rien de tout cela. Elle a été créée en 2004 notamment par Pierre Pilatte, artiste de rue pour de multiples compagnies aux compositions tragi-comiques, et Sophie Borthwick, formée à l’école Jacques Lecoq à Paris qui a notamment travaillé sur le clown et la danse. Le premier spectacle créé par ce tandem, Comme un dimanche, interrogeait déjà la notion de couple.

Presse : Le duo rejoue les différentes étapes d’une union, entre réjouissances quotidiennes et réminiscences des actes du passé. Il y a du clown, du burlesque dans leur relation, travaillée dans la physicalité, mais aussi à travers les aspects du son, des accessoires et des costumes qui construisent tout l’univers étrange et unique du spectacle. N.Yokel, La Terrasse

Réflexion désopilante mais sérieuse sur le couple : « Comment ne faire qu’à deux, l’autre étant à la fois indispensable et en même temps la personne de trop sur le chemin de l’harmonie ? » Sophie Borthwick et Pierre Pilatte nous entrainent dans leur histoire du couple de l’âge des cavernes à nos jours.

« Le plus vieux couple au monde franchit le temps pour venir nous parler de la fascination qu’exerce sur la nature hermaphrodite de l’huître qui change d’identité sexuelle comme de kilt. Il semble que la vie à deux soit bénie des dieux et qu’elle serait totalement parfaite si le principe du conjoint était réduit à sa plus infime expression. Bien avant que la théorie de la relativité voie le jour, ils se sont attaqués à la délicate équation de ne faire qu’un à deux. Ils sont aussi anciens qu’une falaise de calcaire, aussi modernes qu’une cuisine en kit et adeptes naturels du paradoxe. Ce sont nos ancêtres, ils ont un moment oublié de mourir et leur voix nous parvient chargée d’enseignements afin que les unions futures soient consacrées sous le signe de l’ostréiculture, et donc chargées de grâces infinies. » Jean Cagnard

1 WATT est une compagnie que l’on décrira burlesque ou absurde ou surréaliste ou tout cela à la fois voire rien de tout cela. Elle a été créée en 2004 notamment par Pierre Pilatte, artiste de rue pour de multiples compagnies aux compositions tragi-comiques, et Sophie Borthwick, formée à l’école Jacques Lecoq à Paris qui a notamment travaillé sur le clown et la danse. Le premier spectacle créé par ce tandem, Comme un dimanche, interrogeait déjà la notion de couple.

Presse : Le duo rejoue les différentes étapes d’une union, entre réjouissances quotidiennes et réminiscences des actes du passé. Il y a du clown, du burlesque dans leur relation, travaillée dans la physicalité, mais aussi à travers les aspects du son, des accessoires et des costumes qui construisent tout l’univers étrange et unique du spectacle. N.Yokel, La Terrasse

Monté avec dépouillement et simplicité, servi par une distribution parfaite, cette première pièce de Beckett écrite en 1948 est toujours aussi fascinante. « On ne se lasse pas de ce dialogue ressassé dont Beckett par bonheur n’a jamais fourni les clés. » Jean-Pierre Léonardini, L’humanité.

« L’ambition du projet est de partager totalement avec le public la situation proposée par Beckett : faire du théâtre pour ne pas mourir… la mort étant la fin de la représentation. On se propose donc de poser en acte la problématique de Beckett : à chaque instant, la représentation interrogera sa fin. C’est à la fois son enjeu et sa nécessité, par le fait que l’acteur et le spectateur seront confrontés ensemble à leur propre existence, et à la condition humaine, à travers leur questionnement commun et constant sur la représentation : va-t-elle continuer, comment va-t-elle continuer si elle continue, et d’ailleurs qu’est-ce qu’on fait là tous ensemble, dans cette salle de théâtre et dans le monde ? C’est la vie, dans sa dérision et sa vanité, qui est en jeu, c’est-à-dire non seulement ce dont il est question, mais ce qui s’éprouve, pour tous, au présent. » Yann-Joël Collin

La Nuit surprise par le jour est un groupe issu de l’École de Chaillot d’Antoine Vitez, réuni autour de Stéphane Braunschweig puis autour de Didier-Georges Gabily. Créée en 1993, la compagnie est d’abord née de la volonté de ses membres fondateurs (dont Yann-Joël Collin, le metteur en scène) de poser en acte, sur le plateau, les questions de la fabrication à vue et de la relation directe au public, où le présent de la représentation est d’abord mis en jeu. Yann-Joël Collin a notamment joué sous la direction de Jean-Pierre Vincent, Georges Lavaudant, Olivier Py…

Presse : « L’originalité de la mise en scène réside ici dans le fait que les quatre personnages ne sont pas seuls : ils sont en compagnie du public. En effet, il semble que celui-ci n’assiste pas à la représentation de En attendant Godot, mais attend, lui aussi, ce fameux absent. (…) L’idée est astucieuse car elle permet l’adhésion complète du spectateur et offre un nouvel éclairage, plus direct, plus intuitif sur la pièce, dont le public devient l’acteur d’une certaine manière. » O. Bérenger, Théâtre-Act

Une semaine de péché traite aussi du travail. Dans le roman suédois de Folke Fridell, le héros, prolétaire décide un jour de ne pas se rendre à son travail débutant ainsi une semaine de péché. Ce projet proposé par la compagnie lorraine de L’escalier est porté par Jean-Marc Bourg, excellent comédien, fabuleux diseur.

 « Une semaine de péché est un roman écrit par Folke Fridell : d’abord ouvrier en textile, il s’est ensuite consacré à la littérature et au syndicalisme. Le portrait d’un homme ordinaire, que ses interrogations sur sa condition mènent à se révolter, Konrad Johnson. Une figure de héros, porteur de ces notions même de travail et de liberté que je considère aujourd’hui nécessaire d’interroger. Une semaine de péché est une épopée faite de rebondissements, où l’on devient le témoin d’un parcours initiatique, héroïque et humaniste. Ce texte demeure plus que jamais d’actualité, dans un monde où les rapports entre l’individu et la société sont de plus en plus incompréhensibles…. Une semaine de péché nous invite à réfléchir sur notre relation au travail, à son sens et à sa valeur, sa place dans notre vie, à questionner la notion de liberté et notre faculté à vivre au milieu des autres… » Sandrine Gironde

Sandrine Gironde crée en 1994 la Compagnie l’escalier, après une maîtrise d’études théâtrales à la Sorbonne Nouvelle. De nombreux spectacles qu’elle a mis en scène interrogent le rapport et les rencontres possibles entre le théâtre, la poésie et la musique.

Jean-Marc Bourg est comédien et metteur en scène, il multiplie les expériences, les chantiers et les performances. Il a joué (entre autres) sous la direction de Jean-Claude Fall, Jacques Kraemer, Jacques Allaire … ainsi que dans la plupart de ses propres mises en scène. Il a dirigé deux compagnies : Abattoir et Labyrinthes dans lesquelles Il a mis en scène de Sophocle, Shakespeare, François Bon, Beckett, Villiers de l’Isle-Adam, Claudel, Marivaux, Pirandello, Daniel Lemahieu, Marion Aubert, Laurent Gaudé, Emmanuel Darley, et David Lescot.Particulièrement sensible à la poésie, il a fondé et dirige les éditions Faï fio depuis 2013.

Une semaine de péché traite aussi du travail. Dans le roman suédois de Folke Fridell, le héros, prolétaire décide un jour de ne pas se rendre à son travail débutant ainsi une semaine de péché. Ce projet proposé par la compagnie lorraine de L’escalier est porté par Jean-Marc Bourg, excellent comédien, fabuleux diseur.

 « Une semaine de péché est un roman écrit par Folke Fridell : d’abord ouvrier en textile, il s’est ensuite consacré à la littérature et au syndicalisme. Le portrait d’un homme ordinaire, que ses interrogations sur sa condition mènent à se révolter, Konrad Johnson. Une figure de héros, porteur de ces notions même de travail et de liberté que je considère aujourd’hui nécessaire d’interroger. Une semaine de péché est une épopée faite de rebondissements, où l’on devient le témoin d’un parcours initiatique, héroïque et humaniste. Ce texte demeure plus que jamais d’actualité, dans un monde où les rapports entre l’individu et la société sont de plus en plus incompréhensibles…. Une semaine de péché nous invite à réfléchir sur notre relation au travail, à son sens et à sa valeur, sa place dans notre vie, à questionner la notion de liberté et notre faculté à vivre au milieu des autres… » Sandrine Gironde

Sandrine Gironde crée en 1994 la Compagnie l’escalier, après une maîtrise d’études théâtrales à la Sorbonne Nouvelle. De nombreux spectacles qu’elle a mis en scène interrogent le rapport et les rencontres possibles entre le théâtre, la poésie et la musique.

Jean-Marc Bourg est comédien et metteur en scène, il multiplie les expériences, les chantiers et les performances. Il a joué (entre autres) sous la direction de Jean-Claude Fall, Jacques Kraemer, Jacques Allaire … ainsi que dans la plupart de ses propres mises en scène. Il a dirigé deux compagnies : Abattoir et Labyrinthes dans lesquelles Il a mis en scène de Sophocle, Shakespeare, François Bon, Beckett, Villiers de l’Isle-Adam, Claudel, Marivaux, Pirandello, Daniel Lemahieu, Marion Aubert, Laurent Gaudé, Emmanuel Darley, et David Lescot.Particulièrement sensible à la poésie, il a fondé et dirige les éditions Faï fio depuis 2013.

Une semaine de péché traite aussi du travail. Dans le roman suédois de Folke Fridell, le héros, prolétaire décide un jour de ne pas se rendre à son travail débutant ainsi une semaine de péché. Ce projet proposé par la compagnie lorraine de L’escalier est porté par Jean-Marc Bourg, excellent comédien, fabuleux diseur.

 « Une semaine de péché est un roman écrit par Folke Fridell : d’abord ouvrier en textile, il s’est ensuite consacré à la littérature et au syndicalisme. Le portrait d’un homme ordinaire, que ses interrogations sur sa condition mènent à se révolter, Konrad Johnson. Une figure de héros, porteur de ces notions même de travail et de liberté que je considère aujourd’hui nécessaire d’interroger. Une semaine de péché est une épopée faite de rebondissements, où l’on devient le témoin d’un parcours initiatique, héroïque et humaniste. Ce texte demeure plus que jamais d’actualité, dans un monde où les rapports entre l’individu et la société sont de plus en plus incompréhensibles…. Une semaine de péché nous invite à réfléchir sur notre relation au travail, à son sens et à sa valeur, sa place dans notre vie, à questionner la notion de liberté et notre faculté à vivre au milieu des autres… » Sandrine Gironde

Sandrine Gironde crée en 1994 la Compagnie l’escalier, après une maîtrise d’études théâtrales à la Sorbonne Nouvelle. De nombreux spectacles qu’elle a mis en scène interrogent le rapport et les rencontres possibles entre le théâtre, la poésie et la musique.

Jean-Marc Bourg est comédien et metteur en scène, il multiplie les expériences, les chantiers et les performances. Il a joué (entre autres) sous la direction de Jean-Claude Fall, Jacques Kraemer, Jacques Allaire … ainsi que dans la plupart de ses propres mises en scène. Il a dirigé deux compagnies : Abattoir et Labyrinthes dans lesquelles Il a mis en scène de Sophocle, Shakespeare, François Bon, Beckett, Villiers de l’Isle-Adam, Claudel, Marivaux, Pirandello, Daniel Lemahieu, Marion Aubert, Laurent Gaudé, Emmanuel Darley, et David Lescot.Particulièrement sensible à la poésie, il a fondé et dirige les éditions Faï fio depuis 2013.

Cet ensemble à vents est composé de 2 clarinettes, 2 bassons et 2 cors. Les formations de ce type existent depuis la fin du XVIIIe siècle et c’est Mozart qui le premier a écrit pour elles. La flûte enchantée, la Sérénade en Mi bémol majeur seront au programme de cet ensemble à la très belle sonorité.

Wolfgang Amadeus Mozart : Ouverture – Die Zauberflöte (K620, 1791), arr. J. Stumpf, c.1792
Wolfgang Amadeus Mozart : Sérenade, en Mi bémol Majeur, KV 375 (1781)
Frédéric Duvernoy : Duo en Fa pour 2 cors
Conradin Kreutzer : Duo en si bémol pour 2 clarinettes
Christoff Ernst Friedrich Weyse : Duo en si bémol pour 2 bassons
Ludwig van Beethoven: Sextuor en mi bémol Opus 71

Harmoniemusik. A l’automne 1782, l’Empereur Joseph II crée son K. K. Harmonie, un orchestre d’instruments à vent composé de huit musiciens: 2 hautbois, 2 clarinettes, 2 cors et 2 bassons. Il instaure ainsi une mode qui est rapidement adoptée par la noblesse de Vienne et de ses environs, et plus tard, à travers toute l’Europe. Le rôle de ces ensembles était d’offrir un divertissement, un peu comme la radio et le CD à notre époque

Ce spectacle raconte avec malice un monde dans lequel le travail manque tout autant qu’il pèse ou rebute. Vincent Thomasset s’est amusé pendant des années à répondre négativement à des offres d’emplois absurdes. Puis il en a fait un spectacle. « C’est vif, ludique, facétieux, et pas si léger que ça ». Le Canard enchaîné

« Au départ des Lettres de non-motivation, un protocole simple : Julien Prévieux, artiste plasticien, répond à des offres d’emploi par la négative. En jouant avec ce qui l’entoure, il met à jour les rapports de force, les mécanismes à l’œuvre entre celui qui cherche du travail et ceux qui en offrent. Si les Lettres de non motivation n’ont pas été écrites pour la scène, elles portent en elles, tout ce qui fait théâtre. La notion de travail est centrale, avec comme corolaire, celle de contrainte : comment rentrer dans les cadres pour arriver à les dépasser ? Puis, si tant est que cela soit possible, essayer de s’en affranchir. Le spectateur accompagne une communauté d’interprètes qui essaient de se fondre au mieux dans les différents personnages et postures que proposent les textes. » Vincent Thomasset

« Ces lettres sont l’œuvre de Julien Prévieux (lauréat au prix Marcel Duchamp 2014) qui décide de mettre de l’huile sur le feu en regard du statut de suspicion dans lequel on cantonne les chômeurs. La démultiplication de l’expression d’une non motivation très détaillée à ne pas répondre à une offre d’emploi produit forcément le rire, un appel d’air salutaire en ces temps où baisser la tête et avoir le nez sur le guidon semble être tout ce qu’il nous est offert d’expérimenter. » Patrick Sourd, Les inrocks

L’Avare compte sans aucun doute parmi les pièces les plus célèbres de Molière. Jacques Osinski la met en scène avec rigueur, intransigeance et malice autour d’un avare, Jean-Claude Frissung, absolument remarquable. Molière est souvent un pur régal, c’est encore le cas cette fois ci.

« En lisant un extrait du journal de Stendhal, je songe à L’Avare de Molière, à l’exigence des fils envers leurs pères, à l’exigence des pères envers leurs fils, aux enfants qui croient que tout leur est dû, aux parents qui pensent que leurs rejetons leur appartiennent pour toujours… Plus que le personnage d’Harpagon, c’est le fonctionnement de la cellule familiale que j’ai envie de décortiquer. Alors qu’il est peut-être l’un des personnages les moins excusables de Molière, j’ai envie de lui trouver des circonstances atténuantes, de voir en lui un homme malheureux, en son rapport à l’argent et à l’usure, une névrose privée plutôt qu’un ridicule. L’Avare est une pièce étrange : Commencée comme un drame, elle s’affirme en comédie pour finir dans un invraisemblable romanesque. J’ai envie de la monter comme un roman policier : avec un vrai suspens. Comme dans les romans policiers, la vérité des âmes éclate sans maque. A l’abri du cercle intime, les personnages s’envoient à la figure des vérités que l’on préfère taire en société ». Jacques Osinski

Presse : « Jacques Osinski suggère que l’actualité sidérante de la pièce tient au fait qu’elle dénonce non tant le règne de l’argent que les petits marquis contemporains qui spéculent en se jouant de ceux qui le gagnent ». Catherine Robert, La Terrasse. « Il y a du Molière en Frissung : Il s’avance seul sur la scène, dépouillé de sa fameuse cassette pleine d’or. Désarmé, désarmant, mais tellement confiant dans la puissance du théâtre ». Emmanuelle Bouchez, Télérama

La compagnie L‘aurore boréale a été fondée en 2014 après six années passées par Jacques Osinski à la direction du CDN des Alpes qu’il dirige jusqu’en 2013. Il a emmené avec lui sa troupe de collaborateurs et de comédiens fidèles. Ensemble, ils retournent aussi régulièrement aux classiques, se mettant au service des textes pour un théâtre d’une sobriété qui n’exclut pas l’intensité.

L’Avare compte sans aucun doute parmi les pièces les plus célèbres de Molière. Jacques Osinski la met en scène avec rigueur, intransigeance et malice autour d’un avare, Jean-Claude Frissung, absolument remarquable. Molière est souvent un pur régal, c’est encore le cas cette fois ci.

« En lisant un extrait du journal de Stendhal, je songe à L’Avare de Molière, à l’exigence des fils envers leurs pères, à l’exigence des pères envers leurs fils, aux enfants qui croient que tout leur est dû, aux parents qui pensent que leurs rejetons leur appartiennent pour toujours… Plus que le personnage d’Harpagon, c’est le fonctionnement de la cellule familiale que j’ai envie de décortiquer. Alors qu’il est peut-être l’un des personnages les moins excusables de Molière, j’ai envie de lui trouver des circonstances atténuantes, de voir en lui un homme malheureux, en son rapport à l’argent et à l’usure, une névrose privée plutôt qu’un ridicule. L’Avare est une pièce étrange : Commencée comme un drame, elle s’affirme en comédie pour finir dans un invraisemblable romanesque. J’ai envie de la monter comme un roman policier : avec un vrai suspens. Comme dans les romans policiers, la vérité des âmes éclate sans maque. A l’abri du cercle intime, les personnages s’envoient à la figure des vérités que l’on préfère taire en société ». Jacques Osinski

Presse : « Jacques Osinski suggère que l’actualité sidérante de la pièce tient au fait qu’elle dénonce non tant le règne de l’argent que les petits marquis contemporains qui spéculent en se jouant de ceux qui le gagnent ». Catherine Robert, La Terrasse. « Il y a du Molière en Frissung : Il s’avance seul sur la scène, dépouillé de sa fameuse cassette pleine d’or. Désarmé, désarmant, mais tellement confiant dans la puissance du théâtre ». Emmanuelle Bouchez, Télérama

La compagnie L‘aurore boréale a été fondée en 2014 après six années passées par Jacques Osinski à la direction du CDN des Alpes qu’il dirige jusqu’en 2013. Il a emmené avec lui sa troupe de collaborateurs et de comédiens fidèles. Ensemble, ils retournent aussi régulièrement aux classiques, se mettant au service des textes pour un théâtre d’une sobriété qui n’exclut pas l’intensité.

L’Orchestre de Picardie est une formation « Mozart » avec un effectif de 37 musiciens. Il a été fondé en 1984. Son activité est extrêmement diverse et conséquente, des enregistrements de prestige aux concerts décentralisés. Il s’implique par ailleurs dans plusieurs réseaux européens et participe régulièrement à des festivals prestigieux comme la Folle Journée de Nantes.

Peter-Jan Wagemans : Viderunt omnes
Arthur Honegger : Symphonie n°4 Deliciae Basiliensis H.191
Ludwig van Beethoven : Concerto en Ré majeur pour violon et orchestre, op.61

Pureté et noblesse de style, don de poésie (sublime mouvement lent !) mais aussi alliance de virtuosité et de simplicité sans façons (le Finale, d’allure populaire)…. On n’en finirait pas d’énumérer  les exigences requises pour affronter le Concerto en ré de Beethoven, l’Himalaya de tous les violonistes. La talentueuse Deborah Nemtanu relèvera le défi dans un programme qui propose également la belle et très « pastorale » Symphonie n° 4 d’Arthur Honegger (1946). Sous-titrée Deliciae basiliensis, l’œuvre est une évocation de la ville de Bâle et de ses environs alpestres auxquels le grand musicien français (d’ascendance suisse allemande) souhaitait rendre hommage.  En ouverture, le « psaume biblique » instrumental, Viderunt omnes (1988), permettra de faire connaissance avec Peter-Jan Wagemans, une importante figure de la musique néerlandaise d’aujourd’hui.

D’après Histoire passionnante de la vie d’un petit ramoneur savoyard de Joseph-Laurent Fénix

C’est l’histoire d’un petit ramoneur savoyard se retrouvant engagé comme tant d’autres dans le premier conflit mondial. Il en ressortira meurtri à tout jamais : « gueule cassée », presque fou. Yves Thouvenel, dont on se souvient du spectacle sur Desnos, nous retracera la vie de cet homme, humble et tragique.

« Joseph-Laurent Fénix nait en 1892 en Savoie, dans une famille modeste. À douze ans, il part pour Dole, lui qui n’a jamais pris le train. Il gagne sa vie et devient petit ramoneur. Commence alors un périple de plusieurs années à travers la Savoie… Arrive la première guerre, une torpille française lui emporte la moitié de la figure. En se suicidant, un soir d’armistice, n’a-t-il pas voulu non seulement en finir avec la douleur de vivre, mais aussi mettre un point d’orgue à la pathétique et orgueilleuse image qu’il s’était forgée lui-même ?  Cet homme déréglé, détruit à la guerre par la cruauté et la méchanceté, n’a-t-il pas voulu dans un dernier élan se venger et condamner la société tout entière, prendre sa revanche sur la bêtise et la médiocrité humaine ? » Hervé Lang

A partir du manuscrit original, Yves Thouvenel propose ce spectacle donnant à entendre le souffle de cette écriture d’illettré tel que porté sur son carnet. Mais aussi à voir l’écriture elle-même par un sur titrage régulier de l’écrit manuscrit.

Le carnet : un mois avant son suicide, J-L Fénix confie à un ami journaliste ami un cahier d’écolier dans lequel est consigné phonétiquement, sans orthographe, sa vie de sous-prolétaire paysan gardien de moutons, de chèvres, de vaches, jusqu’à devenir petit ramoneur. En 1979, l’éditeur Michel Chomarat publie ce cahier sous une orthographe remaniée afin de le rendre lisible.

D’après Histoire passionnante de la vie d’un petit ramoneur savoyard de Joseph-Laurent Fénix

C’est l’histoire d’un petit ramoneur savoyard se retrouvant engagé comme tant d’autres dans le premier conflit mondial. Il en ressortira meurtri à tout jamais : « gueule cassée », presque fou. Yves Thouvenel, dont on se souvient du spectacle sur Desnos, nous retracera la vie de cet homme, humble et tragique.

« Joseph-Laurent Fénix nait en 1892 en Savoie, dans une famille modeste. À douze ans, il part pour Dole, lui qui n’a jamais pris le train. Il gagne sa vie et devient petit ramoneur. Commence alors un périple de plusieurs années à travers la Savoie… Arrive la première guerre, une torpille française lui emporte la moitié de la figure. En se suicidant, un soir d’armistice, n’a-t-il pas voulu non seulement en finir avec la douleur de vivre, mais aussi mettre un point d’orgue à la pathétique et orgueilleuse image qu’il s’était forgée lui-même ?  Cet homme déréglé, détruit à la guerre par la cruauté et la méchanceté, n’a-t-il pas voulu dans un dernier élan se venger et condamner la société tout entière, prendre sa revanche sur la bêtise et la médiocrité humaine ? » Hervé Lang

A partir du manuscrit original, Yves Thouvenel propose ce spectacle donnant à entendre le souffle de cette écriture d’illettré tel que porté sur son carnet. Mais aussi à voir l’écriture elle-même par un sur titrage régulier de l’écrit manuscrit.

Le carnet : un mois avant son suicide, J-L Fénix confie à un ami journaliste ami un cahier d’écolier dans lequel est consigné phonétiquement, sans orthographe, sa vie de sous-prolétaire paysan gardien de moutons, de chèvres, de vaches, jusqu’à devenir petit ramoneur. En 1979, l’éditeur Michel Chomarat publie ce cahier sous une orthographe remaniée afin de le rendre lisible.

D’après Histoire passionnante de la vie d’un petit ramoneur savoyard de Joseph-Laurent Fénix

C’est l’histoire d’un petit ramoneur savoyard se retrouvant engagé comme tant d’autres dans le premier conflit mondial. Il en ressortira meurtri à tout jamais : « gueule cassée », presque fou. Yves Thouvenel, dont on se souvient du spectacle sur Desnos, nous retracera la vie de cet homme, humble et tragique.

« Joseph-Laurent Fénix nait en 1892 en Savoie, dans une famille modeste. À douze ans, il part pour Dole, lui qui n’a jamais pris le train. Il gagne sa vie et devient petit ramoneur. Commence alors un périple de plusieurs années à travers la Savoie… Arrive la première guerre, une torpille française lui emporte la moitié de la figure. En se suicidant, un soir d’armistice, n’a-t-il pas voulu non seulement en finir avec la douleur de vivre, mais aussi mettre un point d’orgue à la pathétique et orgueilleuse image qu’il s’était forgée lui-même ?  Cet homme déréglé, détruit à la guerre par la cruauté et la méchanceté, n’a-t-il pas voulu dans un dernier élan se venger et condamner la société tout entière, prendre sa revanche sur la bêtise et la médiocrité humaine ? » Hervé Lang

A partir du manuscrit original, Yves Thouvenel propose ce spectacle donnant à entendre le souffle de cette écriture d’illettré tel que porté sur son carnet. Mais aussi à voir l’écriture elle-même par un sur titrage régulier de l’écrit manuscrit.

Le carnet : un mois avant son suicide, J-L Fénix confie à un ami journaliste ami un cahier d’écolier dans lequel est consigné phonétiquement, sans orthographe, sa vie de sous-prolétaire paysan gardien de moutons, de chèvres, de vaches, jusqu’à devenir petit ramoneur. En 1979, l’éditeur Michel Chomarat publie ce cahier sous une orthographe remaniée afin de le rendre lisible.

D’après Histoire passionnante de la vie d’un petit ramoneur savoyard de Joseph-Laurent Fénix

C’est l’histoire d’un petit ramoneur savoyard se retrouvant engagé comme tant d’autres dans le premier conflit mondial. Il en ressortira meurtri à tout jamais : « gueule cassée », presque fou. Yves Thouvenel, dont on se souvient du spectacle sur Desnos, nous retracera la vie de cet homme, humble et tragique.

« Joseph-Laurent Fénix nait en 1892 en Savoie, dans une famille modeste. À douze ans, il part pour Dole, lui qui n’a jamais pris le train. Il gagne sa vie et devient petit ramoneur. Commence alors un périple de plusieurs années à travers la Savoie… Arrive la première guerre, une torpille française lui emporte la moitié de la figure. En se suicidant, un soir d’armistice, n’a-t-il pas voulu non seulement en finir avec la douleur de vivre, mais aussi mettre un point d’orgue à la pathétique et orgueilleuse image qu’il s’était forgée lui-même ?  Cet homme déréglé, détruit à la guerre par la cruauté et la méchanceté, n’a-t-il pas voulu dans un dernier élan se venger et condamner la société tout entière, prendre sa revanche sur la bêtise et la médiocrité humaine ? » Hervé Lang

A partir du manuscrit original, Yves Thouvenel propose ce spectacle donnant à entendre le souffle de cette écriture d’illettré tel que porté sur son carnet. Mais aussi à voir l’écriture elle-même par un sur titrage régulier de l’écrit manuscrit.

Le carnet : un mois avant son suicide, J-L Fénix confie à un ami journaliste ami un cahier d’écolier dans lequel est consigné phonétiquement, sans orthographe, sa vie de sous-prolétaire paysan gardien de moutons, de chèvres, de vaches, jusqu’à devenir petit ramoneur. En 1979, l’éditeur Michel Chomarat publie ce cahier sous une orthographe remaniée afin de le rendre lisible.

D’après Histoire passionnante de la vie d’un petit ramoneur savoyard de Joseph-Laurent Fénix

C’est l’histoire d’un petit ramoneur savoyard se retrouvant engagé comme tant d’autres dans le premier conflit mondial. Il en ressortira meurtri à tout jamais : « gueule cassée », presque fou. Yves Thouvenel, dont on se souvient du spectacle sur Desnos, nous retracera la vie de cet homme, humble et tragique.

« Joseph-Laurent Fénix nait en 1892 en Savoie, dans une famille modeste. À douze ans, il part pour Dole, lui qui n’a jamais pris le train. Il gagne sa vie et devient petit ramoneur. Commence alors un périple de plusieurs années à travers la Savoie… Arrive la première guerre, une torpille française lui emporte la moitié de la figure. En se suicidant, un soir d’armistice, n’a-t-il pas voulu non seulement en finir avec la douleur de vivre, mais aussi mettre un point d’orgue à la pathétique et orgueilleuse image qu’il s’était forgée lui-même ?  Cet homme déréglé, détruit à la guerre par la cruauté et la méchanceté, n’a-t-il pas voulu dans un dernier élan se venger et condamner la société tout entière, prendre sa revanche sur la bêtise et la médiocrité humaine ? » Hervé Lang

A partir du manuscrit original, Yves Thouvenel propose ce spectacle donnant à entendre le souffle de cette écriture d’illettré tel que porté sur son carnet. Mais aussi à voir l’écriture elle-même par un sur titrage régulier de l’écrit manuscrit.

Le carnet : un mois avant son suicide, J-L Fénix confie à un ami journaliste ami un cahier d’écolier dans lequel est consigné phonétiquement, sans orthographe, sa vie de sous-prolétaire paysan gardien de moutons, de chèvres, de vaches, jusqu’à devenir petit ramoneur. En 1979, l’éditeur Michel Chomarat publie ce cahier sous une orthographe remaniée afin de le rendre lisible.

La pièce : un monde qui pourrait être l’Antarctique victime d’un réchauffement climatique dont les conséquences directes sont la fonte des glaces et la dérive des icebergs sur lesquels les animaux et les humains tentent de survivre en espérant que quelqu’un viendra à leur secours.

Dans Frigomonde la notion du vivre ensemble prend toute sa dimension… Le spectacle nous emmène dans un univers presque abstrait, intemporel, mais où la fonte des glaces nous rappelle la fragilité de notre terre malmenée sur le plan écologique par les hommes et leurs besoins sans cesse en augmentation. Dans son texte, Karin Serres montre l’aspect féroce et individualiste de la lutte pour la survie, le refus de l’autre dès que s’amenuisent les conditions de vie, cet instant critique dans lequel chaque groupe se pense comme la seule continuité possible de l’existant. Karin Serres a inventé des langages pourtant étrangement compréhensibles et résolument ludiques, comme une sorte de mixage des syllabes au service de l’invention d’un autre espace émotionnel parlé, une manière différente d’aller à l’essentiel des ressentis des personnages.

Un air nouveau souffle sur le flamenco contemporain avec la jeune chanteuse Rocío Márquez dont le talent explose depuis 2008 sur la plupart des scènes européennes. Les puristes frémiront peut-être, les autres ne manqueront pas de s’enthousiasmer pour cette « nouvelle vague » andalouse.

Rocío Márquez a réussi un tour de force incroyable : celui de mettre tout le monde d’accord. Les néophytes, à qui elle ouvre d’emblée par la pureté et la douceur de sa voix les portes d’un monde, le Flamenco, jugé souvent dur et hermétique ; les exigeants aficionados (amateurs éclairés), convaincus par son talent et sa maîtrise des palos (styles, formes) les plus rythmiques ; et les plus orthodoxes du flamenco. La jeune andalouse, née en 1985 près de Séville, défie les clichés : Paya (non gitane), elle chante le flamenco depuis l’âge de neuf ans sans tenir compte des propos grinçants sur son allure non conforme aux canons supposés d’une cantaora (chanteuse). En 2012 la sortie de son 1er album                   « Claridad », la propulse dans le club très fermé des non gitans étant parvenus à s’imposer dans le monde du Flamenco tout en l’ouvrant au grand public. En choisissant de placer son nouvel album « El Niño » sous l’étoile de Pepe Marchena (1903-1976), Rocío Márquez se positionne clairement dans la famille des rénovateurs du flamenco, tout en affirmant une vision noble et populaire de cet art.

Presse : « Avec une voix aussi pénétrante que son regard, Rocío Márquez, impose un silence béat. Certains décèleront de la « magie blanche » dans son cante, d’autres une surprenante résurrection du chant traditionnel ? On y verra ce qu’on voudra, la chanteuse sait manier tous les styles de palos en y ajoutant une fraicheur et une féminité ravageuse. » Emilie Cailleau, L’Express, janvier 2015.

Dorothée Munyaneza, rwandaise, avait douze ans : Samedi détente était alors une émission de radio immanquable sur laquelle on dansait, on chantait. « Puis un jour, le 6 avril, tout a basculé ». Un spectacle magnifique et poignant racontant le terrible génocide du Rwanda.

Samedi Détente ; c’était le rendez-vous. Une émission pendant laquelle on écoutait des musiques venues d’ailleurs. Depuis le 6 avril, jour où tout a basculé, je n’ai plus écouté d’émissions de Samedi Détente mais il m’arrive parfois d’entendre des chansons qui passaient durant cette émission et tout me revient, je revis la musique et mon corps se met à bouger. En 2014, pour la 20^ème commémoration du génocide rwandais, je vais créer un nouveau Samedi Détente qui redonnera vie à ceux-là, aux disparus. Je crois autant en l’humour qu’au ton tragique pour parler de ce drame. Samedi Détente parlera de ces instants de paix avant la guerre, de ces instants de vie avant la mort, de ces instants de rires avant les larmes, de la mémoire avec laquelle on vit, parfois même heureux, mais dont le souvenir demeure et parfois refait surface à l’écoute d’une chanson ou à l’évocation d’un nom de celui ou celle qui n’est plus. Dorothée Munyaneza

Dorothée Munyaneza est originaire de la communauté des Tutsis du Rwanda où elle a passé son enfance, aujourd’hui de nationalité britannique. Elle est fille d’un pasteur ayant œuvré pour le rapprochement des communautés au Rwanda. Repérée par Terry George pour la BO de son film Hotel Rwanda au groupe Afro Celt Sound System à sa collaboration avec le guitariste Sébastien Martel, elle collabore avec plusieurs chorégraphes contemporains, notamment François Verret. Elle crée en 2013, la compagnie Kadidi pour créer ses propres pièces.

Presse : « Musique, mouvement des corps et récits résonnent pour dire les choses sans désespoir, dire des choses qui ne pourraient sans doute pas être dites autrement que par la création. Un moment de partage intense et généreux, mêlant les ténèbres et la lumière, et célébrant malgré tout la grandeur de la vie ». A.Santi, La Terrasse

Spectacle sur la surveillance, rencontre entre théâtre, vidéo et musique actuelle, écho d’un monde où tout est sous contrôle. Porté par Vidal Bini, danseur, et Gurshad Shaheman, acteur, de Contrôle, on retient aussi l’extraordinaire performance du musicien Anthony Laguerre du groupe rock nancéen Filiamotsa.

« Ce spectacle est né d’une rencontre avec le musicien Anthony Laguerre, compositeur et batteur du groupe rock Filiamotsa. Ce qui m’a immédiatement impressionnée, c’était de constater à quel point sa musique, rock et puissante, s’alliait avec une grande finesse aux textes que j’avais choisis. Les mots se glissaient dans la musique et l’alliance des deux dégageait un souffle, une force qui nous étonnait nous-mêmes. Nous décidons alors de pousser plus loin notre collaboration et de développer un spectacle autour de ce thème. Le contrôle et la surveillance s’ancrent avant toute chose dans le corps et ce dès l’enfance. Ces phénomènes sont inscrits en nous et font partie intégrante de nos apprentissages. La musique a créé un rapport de groupe entre nous tous et cette énergie rock transparaît sur scène. » Perrine Maurin

Les patries imaginaires est une compagnie transdisciplinaire fondée en 2003 par Perrine Maurin, comédienne et metteur en scène, et Lino Tonelotto, plasticien, vidéaste et scénographe. La résidence de recherche artistique au CCAM de Vandoeuvre (2013-2015) a permis à la compagnie de développer un travail sur la question du documentaire et de l’engagement sur scène.

Presse : « Terrifiant spectacle que ce Contrôle interprété par 3 artistes hors pair, acteur, danseur et musicien déchaînés en scène. (…) On en sort remués, mais pas désespérés, la vitalité des acteurs ouvre une lumière au bout du tunnel. » Edith Rappoport, Blog journal de bord d’une accro

Spectacle sur la surveillance, rencontre entre théâtre, vidéo et musique actuelle, écho d’un monde où tout est sous contrôle. Porté par Vidal Bini, danseur, et Gurshad Shaheman, acteur, de Contrôle, on retient aussi l’extraordinaire performance du musicien Anthony Laguerre du groupe rock nancéen Filiamotsa.

« Ce spectacle est né d’une rencontre avec le musicien Anthony Laguerre, compositeur et batteur du groupe rock Filiamotsa. Ce qui m’a immédiatement impressionnée, c’était de constater à quel point sa musique, rock et puissante, s’alliait avec une grande finesse aux textes que j’avais choisis. Les mots se glissaient dans la musique et l’alliance des deux dégageait un souffle, une force qui nous étonnait nous-mêmes. Nous décidons alors de pousser plus loin notre collaboration et de développer un spectacle autour de ce thème. Le contrôle et la surveillance s’ancrent avant toute chose dans le corps et ce dès l’enfance. Ces phénomènes sont inscrits en nous et font partie intégrante de nos apprentissages. La musique a créé un rapport de groupe entre nous tous et cette énergie rock transparaît sur scène. » Perrine Maurin

Les patries imaginaires est une compagnie transdisciplinaire fondée en 2003 par Perrine Maurin, comédienne et metteur en scène, et Lino Tonelotto, plasticien, vidéaste et scénographe. La résidence de recherche artistique au CCAM de Vandoeuvre (2013-2015) a permis à la compagnie de développer un travail sur la question du documentaire et de l’engagement sur scène.

Presse : « Terrifiant spectacle que ce Contrôle interprété par 3 artistes hors pair, acteur, danseur et musicien déchaînés en scène. (…) On en sort remués, mais pas désespérés, la vitalité des acteurs ouvre une lumière au bout du tunnel. » Edith Rappoport, Blog journal de bord d’une accro

Spectacle sur la surveillance, rencontre entre théâtre, vidéo et musique actuelle, écho d’un monde où tout est sous contrôle. Porté par Vidal Bini, danseur, et Gurshad Shaheman, acteur, de Contrôle, on retient aussi l’extraordinaire performance du musicien Anthony Laguerre du groupe rock nancéen Filiamotsa.

« Ce spectacle est né d’une rencontre avec le musicien Anthony Laguerre, compositeur et batteur du groupe rock Filiamotsa. Ce qui m’a immédiatement impressionnée, c’était de constater à quel point sa musique, rock et puissante, s’alliait avec une grande finesse aux textes que j’avais choisis. Les mots se glissaient dans la musique et l’alliance des deux dégageait un souffle, une force qui nous étonnait nous-mêmes. Nous décidons alors de pousser plus loin notre collaboration et de développer un spectacle autour de ce thème. Le contrôle et la surveillance s’ancrent avant toute chose dans le corps et ce dès l’enfance. Ces phénomènes sont inscrits en nous et font partie intégrante de nos apprentissages. La musique a créé un rapport de groupe entre nous tous et cette énergie rock transparaît sur scène. » Perrine Maurin

Les patries imaginaires est une compagnie transdisciplinaire fondée en 2003 par Perrine Maurin, comédienne et metteur en scène, et Lino Tonelotto, plasticien, vidéaste et scénographe. La résidence de recherche artistique au CCAM de Vandoeuvre (2013-2015) a permis à la compagnie de développer un travail sur la question du documentaire et de l’engagement sur scène.

Presse : « Terrifiant spectacle que ce Contrôle interprété par 3 artistes hors pair, acteur, danseur et musicien déchaînés en scène. (…) On en sort remués, mais pas désespérés, la vitalité des acteurs ouvre une lumière au bout du tunnel. » Edith Rappoport, Blog journal de bord d’une accro