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« Et puis, il y a eu cette loi votée en Russie en janvier 2017 pour la dépénalisation des violences domestiques. J’ai été bouleversée par la découverte de cette mesure et par les arguments soutenus au sein du débat public relayé par les médias. Cette loi, plébiscitée par le pouvoir et l’Eglise orthodoxe au nom d’une certaine idée de la famille et du respect de la figure d’autorité patriarcale, a été promulguée mardi 7 février 2017 par le président Poutine. Selon le ministère russe de l’Intérieur, « chaque jour, 36 000 femmes russes sont victimes de violences conjugales. 12 000 femmes décèdent, chaque année, sous les coups de leur conjoint ; soit une femme, toutes les quarante minutes ». Je n’arrivais / n’arrive toujours pas à comprendre qu’il soit possible de justifier un coup porté. Aucune représentation de la notion de famille ne peut légitimer la violence physique ou psychologique. J’ai ressenti une urgence personnelle à parler de ce sujet. Je souhaitais aborder la question du mutisme et de la solitude des femmes qui vivent dans la terreur de leur compagnon et qui ne savent pas comment ni à qui en parler. C’est pourquoi j’ai proposé à Sigrid de travailler avec moi à l’écriture d’une fiction sur la violence dans le cadre secret du couple. » Lena Paugam

presse : « Dans le tourbillon d’Avignon, il est parfois de ces petits miracles de beauté, d’intelligence et d’exigence artistique qui réussissent à transcender un sujet difficile et douloureux en une oeuvre véritable. Ces petits miracles nous montrent que le chemin vers l’excellence est possible et qu’il est synonyme d’émerveillement et d’émotion intense. » Julia Bianchi / Le coryphée

« Et puis, il y a eu cette loi votée en Russie en janvier 2017 pour la dépénalisation des violences domestiques. J’ai été bouleversée par la découverte de cette mesure et par les arguments soutenus au sein du débat public relayé par les médias. Cette loi, plébiscitée par le pouvoir et l’Eglise orthodoxe au nom d’une certaine idée de la famille et du respect de la figure d’autorité patriarcale, a été promulguée mardi 7 février 2017 par le président Poutine. Selon le ministère russe de l’Intérieur, « chaque jour, 36 000 femmes russes sont victimes de violences conjugales. 12 000 femmes décèdent, chaque année, sous les coups de leur conjoint ; soit une femme, toutes les quarante minutes ». Je n’arrivais / n’arrive toujours pas à comprendre qu’il soit possible de justifier un coup porté. Aucune représentation de la notion de famille ne peut légitimer la violence physique ou psychologique. J’ai ressenti une urgence personnelle à parler de ce sujet. Je souhaitais aborder la question du mutisme et de la solitude des femmes qui vivent dans la terreur de leur compagnon et qui ne savent pas comment ni à qui en parler. C’est pourquoi j’ai proposé à Sigrid de travailler avec moi à l’écriture d’une fiction sur la violence dans le cadre secret du couple. » Lena Paugam

presse : « Dans le tourbillon d’Avignon, il est parfois de ces petits miracles de beauté, d’intelligence et d’exigence artistique qui réussissent à transcender un sujet difficile et douloureux en une oeuvre véritable. Ces petits miracles nous montrent que le chemin vers l’excellence est possible et qu’il est synonyme d’émerveillement et d’émotion intense. » Julia Bianchi / Le coryphée

« Boris, il est artiste de cirque. Trappeur des banlieues, amoureux des ours et des chansons d’amour des années 80, il est seul dans sa yourte et plein dans sa tête. Son enjeu : ses jeux. Devant cent personnes, il tisse ses digressions, ses visions. Son accordéon, c’est son piment. Ça l’occupe de plus en plus ces derniers temps. Ça l’excite, le multiplie. En revanche, son looper le pose, le rafraîchit. Il s’invente de l’air. Le vent se lève dans sa tête et le tient en équilibre. Cow boy actuel, funambule de proximité, sa barbe, je me demande bien ce qu’il en est… Mon ami Boris, c’est l’autre, dans ma tête, peut-être bien celui de la soirée disco, qui toque à la porte du chapiteau mais que je tiens pas tellement à laisser entrer de suite car on est déjà beaucoup trop. » Pierre Déaux

« On essaie toujours de faire le spectacle du siècle. Pierre m’avait bien dit en début de création il y a 2 ans et demi : « ton problème, c’est que tu essaies de faire le spectacle du siècle ». Du coup, j’ai essayé de le faire mentir et de prendre ça à la légère. Mais je n’ai pas réussi. J’ai cherché à faire le spectacle du siècle. Du moins mon spectacle du siècle. Y suis-je arrivé ? Peut-être… » Olivier Debelhoir

presse : « En fait, il est complétement barré, Boris, et très attachant. Il est seul dans sa yourte et plein dans sa tête. De digressions en visions, il nous embarque dans son monde peuplé d’anti-héros. Quand le vent se lève entre ses neurones, il tient malgré tout l’équilibre. C’est très vite l’escalade avec lui, il va tout schuss, mais jamais droit dans le mur. Funambule de proximité, il vole haut. Chapeau bas ! » Léa Martinelli / Les trois coups

LA REPRÉSENTATION DU 19/11 EST ANNULÉE.

CELLES DU 17 et 18  SONT MAINTENUES

« Le cinéma est un art qui se partage, se transmet. Nous accompagnant au fil de notre existence, par le souvenir qu’on en garde ou par les visionnages successifs, les «films de nos vies» donnent à lire nos histoires. Ma rencontre avec Pierre Maillet a eu lieu il y a vingt ans. Il y a entre nous ce plaisir du dialogue, la confiance, et ce goût pour les acteurs, le jeu, le cinéma. Car Pierre est un grand cinéphile, il collectionne chez lui des centaines de films. Ils font partie de sa vie. Avec la complicité de Tanguy Viel, nous avons imaginé un récit rendant sensible le cheminement d’un jeune homme qui, grâce au cinéma, sent grandir en lui un fort désir d’émancipation et de liberté. Un récit dont le cinéma serait le support, ou le prétexte. En revisitant avec humour les premiers émois cinématographiques de Pierre, nous dressons, non seulement son portrait mais aussi celui d’une génération. Le cinéma des années 80 et 90, les affiches gardées précieusement dans la chambre, les premiers vidéos-clubs, les films d’horreur vus en cachette. Puis, vient le cinéma d’auteur. Car les films offrent une pluralité d’identifications possibles, que chacun peut adopter ou récuser, apprenant ainsi à mieux élaborer sa propre identité. C’est cet apprentissage qui m’intéresse, la construction d’un parcours et la genèse d’une vie d’artiste. » Émilie Capliez

« Boris, il est artiste de cirque. Trappeur des banlieues, amoureux des ours et des chansons d’amour des années 80, il est seul dans sa yourte et plein dans sa tête. Son enjeu : ses jeux. Devant cent personnes, il tisse ses digressions, ses visions. Son accordéon, c’est son piment. Ça l’occupe de plus en plus ces derniers temps. Ça l’excite, le multiplie. En revanche, son looper le pose, le rafraîchit. Il s’invente de l’air. Le vent se lève dans sa tête et le tient en équilibre. Cow boy actuel, funambule de proximité, sa barbe, je me demande bien ce qu’il en est… Mon ami Boris, c’est l’autre, dans ma tête, peut-être bien celui de la soirée disco, qui toque à la porte du chapiteau mais que je tiens pas tellement à laisser entrer de suite car on est déjà beaucoup trop. » Pierre Déaux

« On essaie toujours de faire le spectacle du siècle. Pierre m’avait bien dit en début de création il y a 2 ans et demi : « ton problème, c’est que tu essaies de faire le spectacle du siècle ». Du coup, j’ai essayé de le faire mentir et de prendre ça à la légère. Mais je n’ai pas réussi. J’ai cherché à faire le spectacle du siècle. Du moins mon spectacle du siècle. Y suis-je arrivé ? Peut-être… » Olivier Debelhoir

presse : « En fait, il est complétement barré, Boris, et très attachant. Il est seul dans sa yourte et plein dans sa tête. De digressions en visions, il nous embarque dans son monde peuplé d’anti-héros. Quand le vent se lève entre ses neurones, il tient malgré tout l’équilibre. C’est très vite l’escalade avec lui, il va tout schuss, mais jamais droit dans le mur. Funambule de proximité, il vole haut. Chapeau bas ! » Léa Martinelli / Les trois coups

« Le cinéma est un art qui se partage, se transmet. Nous accompagnant au fil de notre existence, par le souvenir qu’on en garde ou par les visionnages successifs, les «films de nos vies» donnent à lire nos histoires. Ma rencontre avec Pierre Maillet a eu lieu il y a vingt ans. Il y a entre nous ce plaisir du dialogue, la confiance, et ce goût pour les acteurs, le jeu, le cinéma. Car Pierre est un grand cinéphile, il collectionne chez lui des centaines de films. Ils font partie de sa vie. Avec la complicité de Tanguy Viel, nous avons imaginé un récit rendant sensible le cheminement d’un jeune homme qui, grâce au cinéma, sent grandir en lui un fort désir d’émancipation et de liberté. Un récit dont le cinéma serait le support, ou le prétexte. En revisitant avec humour les premiers émois cinématographiques de Pierre, nous dressons, non seulement son portrait mais aussi celui d’une génération. Le cinéma des années 80 et 90, les affiches gardées précieusement dans la chambre, les premiers vidéos-clubs, les films d’horreur vus en cachette. Puis, vient le cinéma d’auteur. Car les films offrent une pluralité d’identifications possibles, que chacun peut adopter ou récuser, apprenant ainsi à mieux élaborer sa propre identité. C’est cet apprentissage qui m’intéresse, la construction d’un parcours et la genèse d’une vie d’artiste. » Émilie Capliez

« Le cinéma est un art qui se partage, se transmet. Nous accompagnant au fil de notre existence, par le souvenir qu’on en garde ou par les visionnages successifs, les «films de nos vies» donnent à lire nos histoires. Ma rencontre avec Pierre Maillet a eu lieu il y a vingt ans. Il y a entre nous ce plaisir du dialogue, la confiance, et ce goût pour les acteurs, le jeu, le cinéma. Car Pierre est un grand cinéphile, il collectionne chez lui des centaines de films. Ils font partie de sa vie. Avec la complicité de Tanguy Viel, nous avons imaginé un récit rendant sensible le cheminement d’un jeune homme qui, grâce au cinéma, sent grandir en lui un fort désir d’émancipation et de liberté. Un récit dont le cinéma serait le support, ou le prétexte. En revisitant avec humour les premiers émois cinématographiques de Pierre, nous dressons, non seulement son portrait mais aussi celui d’une génération. Le cinéma des années 80 et 90, les affiches gardées précieusement dans la chambre, les premiers vidéos-clubs, les films d’horreur vus en cachette. Puis, vient le cinéma d’auteur. Car les films offrent une pluralité d’identifications possibles, que chacun peut adopter ou récuser, apprenant ainsi à mieux élaborer sa propre identité. C’est cet apprentissage qui m’intéresse, la construction d’un parcours et la genèse d’une vie d’artiste. » Émilie Capliez

Bassekou Kouyate est né à Garana, petit village multiethnique situé à 60 km de Ségou, sur les rives du fl euve Niger. Il est issu d’une longue lignée de griots. Dans les années 90, Bassekou commence à jouer le circuit traditionnel du sumu, sur lequel il rencontre Toumani Diabate (kora) ; avec celui-ci et Habib Koite, ils créent Symmetric Orchestra et vivent une première tournée en Europe fi n 90. La même année, Bassekou fait son premier voyage aux États-Unis, où il rencontre le musicien de blues afro-américain, Taj Mahal. Il épouse Amy Sacko, chanteuse griot originaire du nord-ouest du Mali. Ensemble, ils enregistrent plusieurs cassettes populaires et se produisent sur le circuit des mariages et à la télévision malienne où Amy est surnommée «la Tina Turner du Mali». En 2005, Bassekou est invité par Ali Farka Touré à jouer sur son album «Savane» et à le rejoindre sur scène pour sa dernière tournée à l’été 2005. La même année, Bassekou créé son groupe Ngoni Ba, un quatuor de ngonis de taille différente, incluant sa femme et des membres de sa famille. Depuis Bassekou Kouyate & Ngoni Ba ont fait le tour du monde en jouant de Central Park à NYC, au Royal Albert Hall à Londres, de Roskilde à Glastonbury. Il joue également avec Africa Express et avec des musiciens comme Sir Paul McCartney, John Paul Jones, Damon Albarn et bien d’autres.

« L’inspiration vient du livre de la psychologue américaine Robin Norwood « Ces femmes qui aiment trop ». Il s’agit de femmes qui recherchent pour leurs histoires d’amour un homme qui a besoin d’aide, qui est souvent soit alcoolique, soit addict aux drogues ou au jeu, soit violent… Ces femmes, à cause de leur passé, et souvent de ce qu’elles ont vécu  pendant l’enfance, deviennent elles-mêmes accros à ces hommes et à la relation qui s’instaure entre eux. Elles en ont besoin pour se sentir vivantes et accomplies, alors qu’elles sont dans un processus d’autodestruction. Les personnages principaux de La Table sont « La Femme Qui Aime Trop » et « Monsieur Renard ». « La Femme Qui Aime Trop » est passionnée, lunatique, créative et acrobatique. Monsieur Renard (un renard empaillé !) représente l’homme égoïste et manipulateur, incapable d’aimer mais qui veut l’amour de « la femme » pour son propre confort. La Table est la description d’une lutte qui se déroule entre les murs de la maison, dans un environnement privé, caché du monde extérieur, avec des apparences aussi parfaites que fausses… Avec ironie et autodérision, je veux raconter cette lutte à travers du cirque, et montrer que la clé d’une relation saine commence par l’amour de soi-même. L’idée est d’éloigner ce qui nous fait souffrir, de refuser l’idée que l’on doive souffrir, notamment par amour. » Tiziana Prota

PROGRAMME

Antonio VIVALDI
Vedrò con mio diletto
Il Giustino
Domine Deus – Gloria

Claude DEBUSSY
Arabesque n°1
Ariettes oubliées
Clair de lune
Suite Bergamasque
Nuit d’étoiles
Beau soir
Feu d’artifice

Maurice RAVEL
Chants populaires

George CRUMB
Spring fire and Dream image
Three early songs

Inès Prisca commence très tôt l’étude de la musique dans la classe d’Emmanuelle Mousset au conservatoire Gustave Charpentier de Paris. À l’âge de 9 ans elle intègre la Maîtrise de Radio-France, où elle acquiert une solide formation musicale. Durant ce cursus, elle participe à de nombreux concerts sous la direction de chefs prestigieux tels que Kurt Masur, Georges Prêtre, Myung Whun Chung, Yutaka Sado, Marc Minkowski, Charles Dutoit, Riccardo Muti (…) Elle entre ensuite dans la classe de chant lyrique de Gisèle Fixe au conservatoire Erik Satie du 7ème arrondissement, tout en suivant des études universitaires en cinéma et audiovisuel à la Sorbonne Nouvelle et de jazz vocal au Conservatoire Nadia et Lili Boulanger, dans la classe de Guylenn Delassus. Elle suit une formation de comédienne au Studio spectacle Acting International avec Robert Cordier puis dans les workshops de Jack Waltzer. Elle suit actuellement un cursus de chant lyrique avec Caroline Fèvre.

Raphaël Laroche, formé au Conservatoire de Rouen par Ursula Von Lerber, il intègre ensuite le Pôle d‘Enseignement Supérieur de la musique Île-de-France où il obtient son diplôme dans la classe de Bruno Perbost en 2014. Parallèlement, il approfondit sa formation avec Marie-Joseph Jude, Jean-François Heisseret Pascal Nemirovski avec lequel il étudie un an à la Royal Academy of Music de Londres. Passionné par la pédagogie, il obtient son diplôme d’état au Pôle Sup’93 et enseigne depuis 2016 le piano au Conservatoire du Grand Verdun. En tant que soliste, accompagnateur et improvisateur il est amené à se produire régulièrement dans des événements comme le festival « tous en scène ! » ou « Il était une voix » au théâtre d’Aulnay-sous-bois avec Didier Grojsman. Il se produit en 2019 avec Inès Prisca dans un concert-théâtre, « Le bureau des enfers », présenté au théâtre du Gouvernail et à l’Auguste Théâtre ; ensemble, ils choisissent de commencer une nouvelle aventure musicale en duo.

D’après le conte Barbe Bleue, de Charles Perrault, Tirés des contes de Ma Mère L’Oye.

DON’T YOU SEE IT COMING, est un solo entre désarticulation et iconographie pensé tel un jeu sardonique, créé et interprété
par Sarah Baltzinger, ccompagnée par le musicien Guillaume Jullien au plateau.
Considéré comme un récit transgressif, Barbe-Bleue est une lecture merveilleuse pour raconter les blessures du passé qui
viennent entraver le présent et notre besoin fantasmé d’être sauvé par l’autre. Prenant l’oeuvre de Charles Perrault comme
point de départ, la nouvelle création de Sarah Baltzinger et du musicien Guillaume Jullien illustre la façon dont s’exercent
nos relations interpersonnelles, entre hédonisme et fascination pour le danger. Au travers d’une esthétique contemporaine
inspirée du baroque et d’un mariage entre le son et le geste, les deux artistes explorent des liens qui se tissent et se défont
pour aboutir à une réflexion sur notre désir antinomique d’appartenance et de liberté, d’attachement et d’émancipation.
Cette création est le deuxième volet d’une recherche menée de 2018 à 2020 sur la thématique de l’héritage et la transmission.

TARIF UNIQUE 6€

**représentations scolaires uniquement**

« Le projet est né lors d’actions de médiation auprès d’enfants d’écoles primaires. Nous avons été très surpris de leur adhésion très directe à notre démarche singulière mélant danse butô et sons de contrebasse. En réponse, nous avons voulu créer un spectacle qui leur serait dédié, nourri de nos univers. Mais comment passer du côté sombre, obscur, caractéristique du butô à la lumière ? Le choix du paresseux, Namakemono en japonais, nous est apparu évident. Le butô maitrise la lenteur et sa technique, comme sa profondeur, permet de donner une vie grotesque et amusante à cet animal bien étrange qu’est Namakemono. Un premier spectacle / essais est né, Namakemono, où l’impossibilité de dresser l’indomptable. Un Ours, maître en domptage, tente de dresser un Paresseux. Il n’a peut-être pas choisi le bon animal pour exercer ses talents de dompteur, car le Namakemono est certes bien sympathique, mais lent et… paresseux ! La lenteur de la danse butô crée le personnage du Paresseux, qui à son tour crée naturellement la chorégraphie. La technique du butô qui permet d’exprimer les émotions intérieures va permettre de créer le caractère du personnage : les mimiques grotesques et les expressions démoniaques du butô vont se transformer ici en expressions tendres du Paresseux. C’est un exemple de passage de l’obscur à la lumière. La gestuelle joue un grand rôle dans la compréhension de l’histoire et le passage des émotions. Le réel (les gestes courants) et l’irréel (la lenteur des mouvements de Namakemono) se mêleront pour créer un monde imaginaire. » Emmanuel Fleitz

**représentations scolaires uniquement**

« Le projet est né lors d’actions de médiation auprès d’enfants d’écoles primaires. Nous avons été très surpris de leur adhésion très directe à notre démarche singulière mélant danse butô et sons de contrebasse. En réponse, nous avons voulu créer un spectacle qui leur serait dédié, nourri de nos univers. Mais comment passer du côté sombre, obscur, caractéristique du butô à la lumière ? Le choix du paresseux, Namakemono en japonais, nous est apparu évident. Le butô maitrise la lenteur et sa technique, comme sa profondeur, permet de donner une vie grotesque et amusante à cet animal bien étrange qu’est Namakemono. Un premier spectacle / essais est né, Namakemono, où l’impossibilité de dresser l’indomptable. Un Ours, maître en domptage, tente de dresser un Paresseux. Il n’a peut-être pas choisi le bon animal pour exercer ses talents de dompteur, car le Namakemono est certes bien sympathique, mais lent et… paresseux ! La lenteur de la danse butô crée le personnage du Paresseux, qui à son tour crée naturellement la chorégraphie. La technique du butô qui permet d’exprimer les émotions intérieures va permettre de créer le caractère du personnage : les mimiques grotesques et les expressions démoniaques du butô vont se transformer ici en expressions tendres du Paresseux. C’est un exemple de passage de l’obscur à la lumière. La gestuelle joue un grand rôle dans la compréhension de l’histoire et le passage des émotions. Le réel (les gestes courants) et l’irréel (la lenteur des mouvements de Namakemono) se mêleront pour créer un monde imaginaire. » Emmanuel Fleitz

**représentations scolaires uniquement**

« Le projet est né lors d’actions de médiation auprès d’enfants d’écoles primaires. Nous avons été très surpris de leur adhésion très directe à notre démarche singulière mélant danse butô et sons de contrebasse. En réponse, nous avons voulu créer un spectacle qui leur serait dédié, nourri de nos univers. Mais comment passer du côté sombre, obscur, caractéristique du butô à la lumière ? Le choix du paresseux, Namakemono en japonais, nous est apparu évident. Le butô maitrise la lenteur et sa technique, comme sa profondeur, permet de donner une vie grotesque et amusante à cet animal bien étrange qu’est Namakemono. Un premier spectacle / essais est né, Namakemono, où l’impossibilité de dresser l’indomptable. Un Ours, maître en domptage, tente de dresser un Paresseux. Il n’a peut-être pas choisi le bon animal pour exercer ses talents de dompteur, car le Namakemono est certes bien sympathique, mais lent et… paresseux ! La lenteur de la danse butô crée le personnage du Paresseux, qui à son tour crée naturellement la chorégraphie. La technique du butô qui permet d’exprimer les émotions intérieures va permettre de créer le caractère du personnage : les mimiques grotesques et les expressions démoniaques du butô vont se transformer ici en expressions tendres du Paresseux. C’est un exemple de passage de l’obscur à la lumière. La gestuelle joue un grand rôle dans la compréhension de l’histoire et le passage des émotions. Le réel (les gestes courants) et l’irréel (la lenteur des mouvements de Namakemono) se mêleront pour créer un monde imaginaire. » Emmanuel Fleitz

**représentations scolaires uniquement**

« Le projet est né lors d’actions de médiation auprès d’enfants d’écoles primaires. Nous avons été très surpris de leur adhésion très directe à notre démarche singulière mélant danse butô et sons de contrebasse. En réponse, nous avons voulu créer un spectacle qui leur serait dédié, nourri de nos univers. Mais comment passer du côté sombre, obscur, caractéristique du butô à la lumière ? Le choix du paresseux, Namakemono en japonais, nous est apparu évident. Le butô maitrise la lenteur et sa technique, comme sa profondeur, permet de donner une vie grotesque et amusante à cet animal bien étrange qu’est Namakemono. Un premier spectacle / essais est né, Namakemono, où l’impossibilité de dresser l’indomptable. Un Ours, maître en domptage, tente de dresser un Paresseux. Il n’a peut-être pas choisi le bon animal pour exercer ses talents de dompteur, car le Namakemono est certes bien sympathique, mais lent et… paresseux ! La lenteur de la danse butô crée le personnage du Paresseux, qui à son tour crée naturellement la chorégraphie. La technique du butô qui permet d’exprimer les émotions intérieures va permettre de créer le caractère du personnage : les mimiques grotesques et les expressions démoniaques du butô vont se transformer ici en expressions tendres du Paresseux. C’est un exemple de passage de l’obscur à la lumière. La gestuelle joue un grand rôle dans la compréhension de l’histoire et le passage des émotions. Le réel (les gestes courants) et l’irréel (la lenteur des mouvements de Namakemono) se mêleront pour créer un monde imaginaire. » Emmanuel Fleitz

Paru en 1945, Black Boy est le premier roman écrit par un noir sur ses conditions de vie. L’auteur y raconte son enfance et son adolescence dans le sud ségrégationniste américain du début du xxe siècle ; confronté à l’injustice, à la misère, à la violence des rapports entre noirs et blancs, il réussit à sortir du carcan dans lequel on veut l’enfermer grâce à sa découverte de la lecture et de l’écriture…
Le spectacle propose une “vibration” sensible de ce roman aussi mythique que bouleversant, qui mêle sur scène un comédien, un musicien et un illustrateur de bande dessinée.

Concert spectacle dessiné

« C’est l’histoire de cinq frères qui se connaissent déjà… Mais qui se rencontrent pour la première fois ! Dans une Fiat Panda… Nous sommes des hommes non ? Alors parlons- en, avec humour, risques et dérision. Dans ce nouveau projet, le Cirque la Compagnie a décidé d’écrire et de mettre en scène un récit. Comment mettre en piste une histoire avec des corps sans texte, et du cirque ? Comment faire naître des personnages singuliers et les mettre ensemble ? Comment mettre notre technique au service de la dramaturgie ? … Dans un esprit tragi-comique, nous voulons raconter l’histoire d’une famille, questionner des thèmes comme la fraternité, l’entraide, la mixité sociale… Mais aussi, comme pourrait le faire Beckett par l’absurde, aborder carrément des questions comme l’amour, la solitude, la mort, ou ceci, ou cela, et puis tout ça… Le spectacle sera co-mis en scène. Cela peut paraître étrange mais c’est simple. Nous sommes avant tout un Cirque, avec une vision de la vie, de la scène et de ce qu’il s’y passe. Nous tenons tous les cinq à garder un regard sur la création de ce spectacle. Nous voulons que chacun d’entre nous puisse donner son plein potentiel, mais aussi influencer les choix artistiques pour permettre au spectacle d’évoluer et de grandir. Pandax n’appartiendra pas à un individu mais à une entité qui nous réunit tous : le Cirque la Compagnie. » Cirque la Compagnie

presse : « Découverts en 2017 au Festival mondial du cirque de demain à Paris d’où ils étaient repartis sous une extraordinaire pluie de récompenses, ces artistes franco-suisses épatent par leur créativité, leur humour noir et leur dynamisme. Leur cirque est très concret, avec de la bascule, du mât chinois, de l’échelle libre, du lancer de couteaux… Il est aussi plein de chansons détournées et de drôleries. L’ensemble est furieusement enthousiasmant.» Télérama-Sortir/TTT

« C’est l’histoire de cinq frères qui se connaissent déjà… Mais qui se rencontrent pour la première fois ! Dans une Fiat Panda… Nous sommes des hommes non ? Alors parlons- en, avec humour, risques et dérision. Dans ce nouveau projet, le Cirque la Compagnie a décidé d’écrire et de mettre en scène un récit. Comment mettre en piste une histoire avec des corps sans texte, et du cirque ? Comment faire naître des personnages singuliers et les mettre ensemble ? Comment mettre notre technique au service de la dramaturgie ? … Dans un esprit tragi-comique, nous voulons raconter l’histoire d’une famille, questionner des thèmes comme la fraternité, l’entraide, la mixité sociale… Mais aussi, comme pourrait le faire Beckett par l’absurde, aborder carrément des questions comme l’amour, la solitude, la mort, ou ceci, ou cela, et puis tout ça… Le spectacle sera co-mis en scène. Cela peut paraître étrange mais c’est simple. Nous sommes avant tout un Cirque, avec une vision de la vie, de la scène et de ce qu’il s’y passe. Nous tenons tous les cinq à garder un regard sur la création de ce spectacle. Nous voulons que chacun d’entre nous puisse donner son plein potentiel, mais aussi influencer les choix artistiques pour permettre au spectacle d’évoluer et de grandir. Pandax n’appartiendra pas à un individu mais à une entité qui nous réunit tous : le Cirque la Compagnie. » Cirque la Compagnie

presse : « Découverts en 2017 au Festival mondial du cirque de demain à Paris d’où ils étaient repartis sous une extraordinaire pluie de récompenses, ces artistes franco-suisses épatent par leur créativité, leur humour noir et leur dynamisme. Leur cirque est très concret, avec de la bascule, du mât chinois, de l’échelle libre, du lancer de couteaux… Il est aussi plein de chansons détournées et de drôleries. L’ensemble est furieusement enthousiasmant.» Télérama-Sortir/TTT

« C’est l’histoire de cinq frères qui se connaissent déjà… Mais qui se rencontrent pour la première fois ! Dans une Fiat Panda… Nous sommes des hommes non ? Alors parlons- en, avec humour, risques et dérision. Dans ce nouveau projet, le Cirque la Compagnie a décidé d’écrire et de mettre en scène un récit. Comment mettre en piste une histoire avec des corps sans texte, et du cirque ? Comment faire naître des personnages singuliers et les mettre ensemble ? Comment mettre notre technique au service de la dramaturgie ? … Dans un esprit tragi-comique, nous voulons raconter l’histoire d’une famille, questionner des thèmes comme la fraternité, l’entraide, la mixité sociale… Mais aussi, comme pourrait le faire Beckett par l’absurde, aborder carrément des questions comme l’amour, la solitude, la mort, ou ceci, ou cela, et puis tout ça… Le spectacle sera co-mis en scène. Cela peut paraître étrange mais c’est simple. Nous sommes avant tout un Cirque, avec une vision de la vie, de la scène et de ce qu’il s’y passe. Nous tenons tous les cinq à garder un regard sur la création de ce spectacle. Nous voulons que chacun d’entre nous puisse donner son plein potentiel, mais aussi influencer les choix artistiques pour permettre au spectacle d’évoluer et de grandir. Pandax n’appartiendra pas à un individu mais à une entité qui nous réunit tous : le Cirque la Compagnie. » Cirque la Compagnie

presse : « Découverts en 2017 au Festival mondial du cirque de demain à Paris d’où ils étaient repartis sous une extraordinaire pluie de récompenses, ces artistes franco-suisses épatent par leur créativité, leur humour noir et leur dynamisme. Leur cirque est très concret, avec de la bascule, du mât chinois, de l’échelle libre, du lancer de couteaux… Il est aussi plein de chansons détournées et de drôleries. L’ensemble est furieusement enthousiasmant.» Télérama-Sortir/TTT

« Les hauts et les bas que l’on rencontre, ce sont à la fois nos succès et nos échecs. Face aux épreuves que nous traversons dans la vie, nous ne réagissons pas de la même façon : cela dépend de nos vécus, de nos personnalités. Ce que l’on exprime à travers Des Hauts et Débat, c’est qu’être au plus bas, fait aussi prendre de la hauteur. »

 « Enfermés dans nos villages et ne pouvant nous déplacer, nous avons réussi à voyager à travers notre imagination. C’est en rêvant, que l’on commence à se mouvoir. Nous questionnons le public : Où se situe le voyage ? Faut-il nécessairement aller à des milliers de kilomètres de chez soi pour voyager ? Ou bien peut-on voyager simplement par l’imaginaire ? Une musique que l’on entend, une paire de basket que l’on chausse, une odeur que l’on sent.»

Ala’Eddine et Kévin prennent souvent la route pour se rendre à des battles hip hop en France, en Europe et au-delà. En 2016, ils se retrouvent tous deux à Constantine, et les rencontres qu’ils y font les bouleversent. L’idée de partager leurs expériences de voyages par le biais d’un spectacle voit le jour. Dans cette création, le duo de breakdancers nous invite à le suivre dans un véritable road trip au parfum de parcours initiatique.

TARIF UNIQUE DE 6€ ; RÉSERVATIONS AUPRÈS DE TRANSVERSALES

« Les hauts et les bas que l’on rencontre, ce sont à la fois nos succès et nos échecs. Face aux épreuves que nous traversons dans la vie, nous ne réagissons pas de la même façon : cela dépend de nos vécus, de nos personnalités. Ce que l’on exprime à travers Des Hauts et Débat, c’est qu’être au plus bas, fait aussi prendre de la hauteur. »

 « Enfermés dans nos villages et ne pouvant nous déplacer, nous avons réussi à voyager à travers notre imagination. C’est en rêvant, que l’on commence à se mouvoir. Nous questionnons le public : Où se situe le voyage ? Faut-il nécessairement aller à des milliers de kilomètres de chez soi pour voyager ? Ou bien peut-on voyager simplement par l’imaginaire ? Une musique que l’on entend, une paire de basket que l’on chausse, une odeur que l’on sent.»

Ala’Eddine et Kévin prennent souvent la route pour se rendre à des battles hip hop en France, en Europe et au-delà. En 2016, ils se retrouvent tous deux à Constantine, et les rencontres qu’ils y font les bouleversent. L’idée de partager leurs expériences de voyages par le biais d’un spectacle voit le jour. Dans cette création, le duo de breakdancers nous invite à le suivre dans un véritable road trip au parfum de parcours initiatique.

RESERVATIONS AUPRES DE L’ASGF AU 06 85 81 67 21

10€ tarif plein // 8€ tarif réduit (chômeurs, étudiants et personnes en situation de handicap)

« Les hauts et les bas que l’on rencontre, ce sont à la fois nos succès et nos échecs. Face aux épreuves que nous traversons dans la vie, nous ne réagissons pas de la même façon : cela dépend de nos vécus, de nos personnalités. Ce que l’on exprime à travers Des Hauts et Débat, c’est qu’être au plus bas, fait aussi prendre de la hauteur. »

 « Enfermés dans nos villages et ne pouvant nous déplacer, nous avons réussi à voyager à travers notre imagination. C’est en rêvant, que l’on commence à se mouvoir. Nous questionnons le public : Où se situe le voyage ? Faut-il nécessairement aller à des milliers de kilomètres de chez soi pour voyager ? Ou bien peut-on voyager simplement par l’imaginaire ? Une musique que l’on entend, une paire de basket que l’on chausse, une odeur que l’on sent.»

Ala’Eddine et Kévin prennent souvent la route pour se rendre à des battles hip hop en France, en Europe et au-delà. En 2016, ils se retrouvent tous deux à Constantine, et les rencontres qu’ils y font les bouleversent. L’idée de partager leurs expériences de voyages par le biais d’un spectacle voit le jour. Dans cette création, le duo de breakdancers nous invite à le suivre dans un véritable road trip au parfum de parcours initiatique.

RESERVATIONS AUPRES DES CHATERN’ELLES AU 06 33 28 99 81 OU AU 06 42 10 68 37

10€ tarif plein // 8€ tarif réduit (lycéens et étudiants)

PROGRAMME

D’ADAMO : Sur vestiges
SCHUBERT : Quintette en ut pour deux violoncelles

Jeune prodige, Noémi Boutin rentre au Conservatoire National Supérieur de Musique de Paris à l’âge de 14 ans. Lauréate de nombreux concours en France et à l’étranger (« Révélation classique » de l’ADAMI, lauréate de la Fondation Natexis…), elle se produit en soliste auprès de diverses formations (Orchestre de la Radio de Munich, l’Orchestre des Pays de Savoie, l’Orchestre de Chambre de Toulouse, l’Orchestre de Chambre d’Auvergne…). Elle est l’invitée des plus grandes scènes et festivals (Philharmonie de Paris, Musée d’Orsay, Salle Cortot, la Roque d’Anthéron, L’Orangerie de Sceaux, Flâneries Musicales de Reims, Festival Berlioz, Festival Radio France Montpellier…) ainsi qu’au Japon, en Chine, Espagne, Italie, Norvège… Noémi Boutin est également chambriste, avec le Trio Cérès (Prix ARD de Münich – 2007). Elle poursuit aujourd’hui ce travail aux côtés du Quatuor Béla dont elle est l’invitée régulière. Enfin, passionnée d’aventures artistiques inédites et inattendues, Noémi Boutin partage la scène avec les plus grands circassiens, comédiens ou encore musiciens de jazz, tels que Mathurin Bolze, Jörg Müller, Sylvaine Hélary, Marc Ducret, Pierre Meunier…

Quatuor Bela : depuis 15 ans, « les enfants terribles du quatuor français » écrivent un parcours singulier, entre tradition et modernité. Attachés au répertoire ancien du quatuor à cordes, qu’ils défendent au sein des programmations classiques d’excellence en France et à l’étranger (Philharmonie de Paris, Théâtre Mariinsky, BeethovenFest…), les musiciens du quatuor Béla ont à coeur d’inscrire la tradition du quatuor à cordes dans la vie musicale contemporaine. Leur travail de créations en lien avec des compositeurs de différentes générations a été couronné en 2015 par le Prix de la Presse Musicale Internationale. Le jeu du quatuor Béla se met volontiers, ces dernières années, au service des compositeurs d’Europe centrale du début du 20ème siècle comme Janacek, Bartok, Szymanovsky, Webern…

Nous convoquons avec «Le  reste est silence », quatre  des grandes figures des textes de William Shakespeare :   le Roi Lear, Macbeth, Hamlet et Othello que nous avons revisité grâce au filtre de l’improvisation des actrices et acteurs et à une réécriture au plateau.

Ils sont là, quinze personnages, devant nous, sur la scène de théâtre. Leur histoire est passée, ils ont en commun un même et unique destin : la mort. Ils reviennent parce qu’ils sont insatisfaits de l’issue systématiquement tragique de leur histoire. Ils sont là pour voir s’il n’y a pas mieux à faire, s’ils peuvent se réapproprier leur destin autrement.

Ils vont alors rejouer les scènes de leur vie, se servant mutuellement des partenaires présents  pour pouvoir le faire. Chacun va tenter d’aider l’autre pour s’en sortir.

Il s’agit de trouver la ou les failles de ces destins écrits, de se réapproprier cet espace- temps qui est offert, de transformer cette scène de théâtre.

C’est l’histoire de personnages qui veulent prendre le pouvoir sur leur auteur Shakespeare.

C’est l’histoire d’interprètes qui veulent prendre la place au plateau et dans la vie.

Avec «Le reste est silence», nous souhaitons proposer aux interprètes de « La Mue du Lotus » et de la compagnie Tout va bien ! comme matière de recherche des figures théâtrales très fortes et une parole classique, celle de Shakespeare, à priori et au départ, plus éloignée d’eux pour voir comment ce glissement entre l’intime et le  jeu peut continuer à opérer sur le plateau.

Voir comment la folie, la bizarrerie, le décalage, la sensibilité portés différemment par tous ces  actrices et acteurs peuvent faire se révéler un autre endroit de cette parole classique, comme un endroit caché qui grâce à la capacité de ces actrices et acteurs à faire basculer le plateau de manière inattendue serait révélé autrement.

Moulin de Dompcevrin, 19h30
réservations auprès de Cap Chantraine au 06 15 09 39 70 ; tarif : 10 €

« Teatro Naturale ? est une petite odyssée personnelle. C’est une histoire de formation, celle d’un jeune homme parti d’Italie à dix-sept ans, en 1978, à la découverte de la France, accueilli par une famille de réfugiés Républicains espagnols passés par l’Algérie. Ce jeune homme, c’était moi qui découvrait en un été l’amour et cinquante ans de culture et d’histoire de la Méditerranée, mêlant l’Italie des années de plomb, à l’Espagne de la Guerre Civile puis à la dictature de Franco, à l’Algérie coloniale puis en guerre pour son indépendance. La rencontre de l’amour m’a ouvert les chemins de la connaissance, m’a fait manger pour la première fois le couscous et fait découvrir « L’Etranger » d’Albert Camus, un livre qui a changé ma vie. Dans ce spectacle s’entrelacent et se confondent le passé et le présent ; le passé de l’histoire que nous racontons et le présent du spectacle que nous sommes en train de faire. Parce que le théâtre se fait seulement au présent et parle seulement d’aujourd’hui même quand on raconte une histoire d’autrefois. Et puis pendant le spectacle nous faisons le couscous. Ce n’est certes pas un plat italien, mais pour moi le couscous et les pâtes ce sont les mêmes choses : les saveurs du souvenir d’une expérience qui vivent dans le présent. » Stefano Pasquini

presse : « Il y a la nostalgie et l’émotion mais aussi le rire et une fraternité qui nait du partage. Elle nous rappelle combien il est important, en ces temps sombres, de s’assoir et de se regarder dans les yeux, d’échanger des souvenirs et des pensées. Le Teatro delle Ariette a ainsi offert à Turin une leçon de transparence, de générosité, de « simple » mais précieuse humanité. » Laura Bevione/ PaneAcquaCulture.net

Musée de la Bière de Stenay, 19h30
réservations auprès de Transversales au 03 29 86 10 10 ; tarif : 8 €

« Teatro Naturale ? est une petite odyssée personnelle. C’est une histoire de formation, celle d’un jeune homme parti d’Italie à dix-sept ans, en 1978, à la découverte de la France, accueilli par une famille de réfugiés Républicains espagnols passés par l’Algérie. Ce jeune homme, c’était moi qui découvrait en un été l’amour et cinquante ans de culture et d’histoire de la Méditerranée, mêlant l’Italie des années de plomb, à l’Espagne de la Guerre Civile puis à la dictature de Franco, à l’Algérie coloniale puis en guerre pour son indépendance. La rencontre de l’amour m’a ouvert les chemins de la connaissance, m’a fait manger pour la première fois le couscous et fait découvrir « L’Etranger » d’Albert Camus, un livre qui a changé ma vie. Dans ce spectacle s’entrelacent et se confondent le passé et le présent ; le passé de l’histoire que nous racontons et le présent du spectacle que nous sommes en train de faire. Parce que le théâtre se fait seulement au présent et parle seulement d’aujourd’hui même quand on raconte une histoire d’autrefois. Et puis pendant le spectacle nous faisons le couscous. Ce n’est certes pas un plat italien, mais pour moi le couscous et les pâtes ce sont les mêmes choses : les saveurs du souvenir d’une expérience qui vivent dans le présent. » Stefano Pasquini

presse : « Il y a la nostalgie et l’émotion mais aussi le rire et une fraternité qui nait du partage. Elle nous rappelle combien il est important, en ces temps sombres, de s’assoir et de se regarder dans les yeux, d’échanger des souvenirs et des pensées. Le Teatro delle Ariette a ainsi offert à Turin une leçon de transparence, de générosité, de « simple » mais précieuse humanité. » Laura Bevione/ PaneAcquaCulture.net

Salle des fêtes de Grand Failly, 19h30
réservations auprès de ASGF au 06 85 81 67 21 ; tarif : 10 € ; 8 €
(chômeurs, étudiants et personnes en situation de handicap)

« Teatro Naturale ? est une petite odyssée personnelle. C’est une histoire de formation, celle d’un jeune homme parti d’Italie à dix-sept ans, en 1978, à la découverte de la France, accueilli par une famille de réfugiés Républicains espagnols passés par l’Algérie. Ce jeune homme, c’était moi qui découvrait en un été l’amour et cinquante ans de culture et d’histoire de la Méditerranée, mêlant l’Italie des années de plomb, à l’Espagne de la Guerre Civile puis à la dictature de Franco, à l’Algérie coloniale puis en guerre pour son indépendance. La rencontre de l’amour m’a ouvert les chemins de la connaissance, m’a fait manger pour la première fois le couscous et fait découvrir « L’Etranger » d’Albert Camus, un livre qui a changé ma vie. Dans ce spectacle s’entrelacent et se confondent le passé et le présent ; le passé de l’histoire que nous racontons et le présent du spectacle que nous sommes en train de faire. Parce que le théâtre se fait seulement au présent et parle seulement d’aujourd’hui même quand on raconte une histoire d’autrefois. Et puis pendant le spectacle nous faisons le couscous. Ce n’est certes pas un plat italien, mais pour moi le couscous et les pâtes ce sont les mêmes choses : les saveurs du souvenir d’une expérience qui vivent dans le présent. » Stefano Pasquini

presse : « Il y a la nostalgie et l’émotion mais aussi le rire et une fraternité qui nait du partage. Elle nous rappelle combien il est important, en ces temps sombres, de s’assoir et de se regarder dans les yeux, d’échanger des souvenirs et des pensées. Le Teatro delle Ariette a ainsi offert à Turin une leçon de transparence, de générosité, de « simple » mais précieuse humanité. » Laura Bevione/ PaneAcquaCulture.net

Salle des fêtes de Damvillers, 19h30
réservations auprès d’Annette Cros au 06 33 06 57 82 ; tarif : 8 € ; 4 € (- 18 ans)

« Teatro Naturale ? est une petite odyssée personnelle. C’est une histoire de formation, celle d’un jeune homme parti d’Italie à dix-sept ans, en 1978, à la découverte de la France, accueilli par une famille de réfugiés Républicains espagnols passés par l’Algérie. Ce jeune homme, c’était moi qui découvrait en un été l’amour et cinquante ans de culture et d’histoire de la Méditerranée, mêlant l’Italie des années de plomb, à l’Espagne de la Guerre Civile puis à la dictature de Franco, à l’Algérie coloniale puis en guerre pour son indépendance. La rencontre de l’amour m’a ouvert les chemins de la connaissance, m’a fait manger pour la première fois le couscous et fait découvrir « L’Etranger » d’Albert Camus, un livre qui a changé ma vie. Dans ce spectacle s’entrelacent et se confondent le passé et le présent ; le passé de l’histoire que nous racontons et le présent du spectacle que nous sommes en train de faire. Parce que le théâtre se fait seulement au présent et parle seulement d’aujourd’hui même quand on raconte une histoire d’autrefois. Et puis pendant le spectacle nous faisons le couscous. Ce n’est certes pas un plat italien, mais pour moi le couscous et les pâtes ce sont les mêmes choses : les saveurs du souvenir d’une expérience qui vivent dans le présent. » Stefano Pasquini

presse : « Il y a la nostalgie et l’émotion mais aussi le rire et une fraternité qui nait du partage. Elle nous rappelle combien il est important, en ces temps sombres, de s’assoir et de se regarder dans les yeux, d’échanger des souvenirs et des pensées. Le Teatro delle Ariette a ainsi offert à Turin une leçon de transparence, de générosité, de « simple » mais précieuse humanité. » Laura Bevione/ PaneAcquaCulture.net

Salle des fêtes de Belleray, 19h30
réservations auprès de Transversales au 03 29 86 10 10 ; tarif : 8 €

« Teatro Naturale ? est une petite odyssée personnelle. C’est une histoire de formation, celle d’un jeune homme parti d’Italie à dix-sept ans, en 1978, à la découverte de la France, accueilli par une famille de réfugiés Républicains espagnols passés par l’Algérie. Ce jeune homme, c’était moi qui découvrait en un été l’amour et cinquante ans de culture et d’histoire de la Méditerranée, mêlant l’Italie des années de plomb, à l’Espagne de la Guerre Civile puis à la dictature de Franco, à l’Algérie coloniale puis en guerre pour son indépendance. La rencontre de l’amour m’a ouvert les chemins de la connaissance, m’a fait manger pour la première fois le couscous et fait découvrir « L’Etranger » d’Albert Camus, un livre qui a changé ma vie. Dans ce spectacle s’entrelacent et se confondent le passé et le présent ; le passé de l’histoire que nous racontons et le présent du spectacle que nous sommes en train de faire. Parce que le théâtre se fait seulement au présent et parle seulement d’aujourd’hui même quand on raconte une histoire d’autrefois. Et puis pendant le spectacle nous faisons le couscous. Ce n’est certes pas un plat italien, mais pour moi le couscous et les pâtes ce sont les mêmes choses : les saveurs du souvenir d’une expérience qui vivent dans le présent. » Stefano Pasquini

presse : « Il y a la nostalgie et l’émotion mais aussi le rire et une fraternité qui nait du partage. Elle nous rappelle combien il est important, en ces temps sombres, de s’assoir et de se regarder dans les yeux, d’échanger des souvenirs et des pensées. Le Teatro delle Ariette a ainsi offert à Turin une leçon de transparence, de générosité, de « simple » mais précieuse humanité. » Laura Bevione/ PaneAcquaCulture.net

Voilà bientôt vingt ans qu’ils se tirent le maillot avec une complicité toujours plus naturelle et un amour de la blague bien faite qui ne tolère pas le compromis. Patiemment, année après année, Jean-Paul Lefeuvre et Didier André affirment leur attachement à une forme d’artisanat modeste, faisant d’eux les adeptes d’une sorte de “slow cirque”. Ce nouveau spectacle aspire à un minimalisme qui met en scène l’esprit même de cet artisanat. Exploitant jusqu’au trognon des accessoires trouvés au fond de leur atelier (une planche, une truelle, une boule de pétanque, une masse de chantier…), ils détournent ces ustensiles d’apparence banale avec une dextérité méticuleuse. Entre leurs mains, ces objets mis en mouvement et en lumière ont plus qu’une âme, ils deviennent complices, partenaires. Le cercle n’étant plus leur rayon, ils évoluent désormais dans un rectangle qui évoque tour à tour un terrain de pétanque, un court de tennis ou un billard géant mais dont toujours le règlement intérieur est celui du bac à sable : toutes les fantaisies sont permises à condition qu’elles s’incarnent avec application. Se prendre au jeu sans se prendre au sérieux, voilà la plus périlleuse de leurs acrobaties. Tout ceci contribue à créer un univers où l’absurde s’étire jusqu’au rire, où la poésie apparait comme le dénominateur commun de tous leurs efforts…

presse : « Ils font la paire, Didier et Jean-Paul, tant et si bien que, même en solos, ils sont inséparables. Tantôt adversaires, tantôt complices, ils ne peuvent s’empêcher de se titiller. Pourtant, ils ne peuvent pas se passer l’un de l’autre. Dégaines tordantes, mimiques hilarantes, postures toujours très justes, les numéros sont loufoques et pleins de malice, avec juste ce qu’il faut de mélancolie. Et comme ce ne sont pas que des clowns, ces acrobates réalisent de belles prouesses : pelles, tuyaux et autres agrès inattendus sont détournés pour le plus grand plaisir du public qui finit bluffé. Ils sont fortiches, Jean-Paul et Didier. » Léna Martinelli / France Culture

CONCERT FAISANT PARTI DE L’ABONNEMENT 20/21

Après Klami et Alwâne, Djazia Satour revient avec un nouvel album intitulé Aswât (Des voix) qui explore, dans la veine subtile et personnelle que nous lui connaissons, l’héritage musical algérien. On reconnaît encore dans les compositions originales qu’elle propose les influences les plus actuelles, empruntées notamment à la folk indie et au groove d’une pop pétillante. L’inspiration s’infléchit cependant de façon marquée vers les genres traditionnels qui ont bercé ses premières années.
Les textes évoquent sur un ton à la fois intuitif et distancié les thèmes de la dépossession, de l’exil et de l’errance (Ida, Taleb Laman, Chouf Elil), en appelant à la mémoire et à l’amour qui avivent la nostalgie des lieux désertés et des gens disparus (Souâl, Loun Liyam, Yama Tal). Ce sont autant de voix qui répercutent le tumulte du monde, dont La mélodie des vents (Neghmat Erriah) entrelace « les cris et les lamentations ». Elles ne pouvaient donc mieux s’exprimer aujourd’hui qu’en arabe, langue d’écriture de toutes les chansons.

Cette aventure musicale, menée par Nedjim Bouizzoul, a traversé les frontières et a pris racines en France en 2014, après 10 ans passés à Montréal. Le groupe est aujourd’hui basé entre Paris, Rennes et La Rochelle. Dans son parcours musical, Nedjim Bouizzoul, en partant de l’Afrique du Nord et en remontant jusqu’en Inde, a clairement emprunté le chemin, en sens inverse, des gens du voyage : il s’inspire de Césaria Evora, de Bob Marley, en passant par Anoushka Shankar ou encore Paco De Lucia, pour apporter une musique colorée de voyages. Une fusion entre rumba gitane, flamenco et musiques traditionnelles d’Afrique du nord telles que le gnawa et le chaâbi. Qu’il chante en arabe, sa langue maternelle, en français ou en espagnol, Nedjim Bouizzoul raconte des histoires qui oscillent entre réalisme et espoir, douceur et fureur. Il chante l’exil en retraçant les joies et les détresses qui parsèment le parcours de la terre d’origine à la terre d’accueil, et vice-versa. À travers sa poésie, il propose une réflexion sur la diversité culturelle et sur la nécessité de vivre unis, malgré les différences.

presse : « Sans artifices, la musique de Labess fusionne, mélange et bouscule les codes des musiques traditionnelles. Elle vous entraîne dans une heureuse déambulation entre l’Afrique du Nord, l’Andalousie et l’Inde, escales inévitables et ports d’attaches centraux d’un groupe qui rend ainsi hommage à l’itinéraire historique des gens du voyage. » Onorient

Grange de Tilly sur Meuse, 20h30
réservations auprès d’Arcature au 03 29 87 63 62 ou 03 29 87 58 62 ; tarif : 6 €

« En septembre 2018 on me propose d’effectuer un atelier d’écriture dans le centre d’accueil pour migrants d’Ivry. Écrire une chanson en français avec des adultes et des enfants. Intéressé par l’opportunité d’entrer dans ce lieu, j’accepte la proposition. Des yourtes et des chambres numérotées et réparties par rues, un centre de santé, un petit terrain bitumé pour le sport. Des femmes seules et des familles cohabitent. Une ribambelle d’enfants erre dans cette ancienne usine réaménagée en centre d’accueil. Très vite le mandat pour lequel je suis là me semble restreint et difficilement réalisable… J’abandonne l’idée mais je continue à venir. De manière complètement intuitive et joyeuse, on se met à chanter des chansons, je filme. Je comprends alors que le projet se dessine de lui-même, et qu’ici la légèreté n’est pas interdite par la violence de la situation. Je ne veux pas leur demander de se raconter, pas susciter le débat. Je veux juste qu’ils soient des individus qui participent à la création d’un objet artistique, et qu’ils soient perçus comme tels, juste accueillir ce qu’ils me donnent, comme on accueillerait des voisins. » Manuel Merlot

Salle des fêtes de Chatel Chéhéry, 20h30
réservations auprès de Chatel Loisirs au 06 79 43 41 87 ; tarif : 8 €

« En septembre 2018 on me propose d’effectuer un atelier d’écriture dans le centre d’accueil pour migrants d’Ivry. Écrire une chanson en français avec des adultes et des enfants. Intéressé par l’opportunité d’entrer dans ce lieu, j’accepte la proposition. Des yourtes et des chambres numérotées et réparties par rues, un centre de santé, un petit terrain bitumé pour le sport. Des femmes seules et des familles cohabitent. Une ribambelle d’enfants erre dans cette ancienne usine réaménagée en centre d’accueil. Très vite le mandat pour lequel je suis là me semble restreint et difficilement réalisable… J’abandonne l’idée mais je continue à venir. De manière complètement intuitive et joyeuse, on se met à chanter des chansons, je filme. Je comprends alors que le projet se dessine de lui-même, et qu’ici la légèreté n’est pas interdite par la violence de la situation. Je ne veux pas leur demander de se raconter, pas susciter le débat. Je veux juste qu’ils soient des individus qui participent à la création d’un objet artistique, et qu’ils soient perçus comme tels, juste accueillir ce qu’ils me donnent, comme on accueillerait des voisins. » Manuel Merlot

Salle des fêtes de Damvillers, 20h30
réservations auprès d’Annette CROS au 06 33 06 57 82 ; tarif : 8 € ; 4 € (-18 ans)

« En septembre 2018 on me propose d’effectuer un atelier d’écriture dans le centre d’accueil pour migrants d’Ivry. Écrire une chanson en français avec des adultes et des enfants. Intéressé par l’opportunité d’entrer dans ce lieu, j’accepte la proposition. Des yourtes et des chambres numérotées et réparties par rues, un centre de santé, un petit terrain bitumé pour le sport. Des femmes seules et des familles cohabitent. Une ribambelle d’enfants erre dans cette ancienne usine réaménagée en centre d’accueil. Très vite le mandat pour lequel je suis là me semble restreint et difficilement réalisable… J’abandonne l’idée mais je continue à venir. De manière complètement intuitive et joyeuse, on se met à chanter des chansons, je filme. Je comprends alors que le projet se dessine de lui-même, et qu’ici la légèreté n’est pas interdite par la violence de la situation. Je ne veux pas leur demander de se raconter, pas susciter le débat. Je veux juste qu’ils soient des individus qui participent à la création d’un objet artistique, et qu’ils soient perçus comme tels, juste accueillir ce qu’ils me donnent, comme on accueillerait des voisins. » Manuel Merlot

LA REPRÉSENTATION DU 7 JUILLET 2021 A L’ÉGLISE JEANNE D’ARC EST ANNULÉE

« En septembre 2018 on me propose d’effectuer un atelier d’écriture dans le centre d’accueil pour migrants d’Ivry. Écrire une chanson en français avec des adultes et des enfants. Intéressé par l’opportunité d’entrer dans ce lieu, j’accepte la proposition. Des yourtes et des chambres numérotées et réparties par rues, un centre de santé, un petit terrain bitumé pour le sport. Des femmes seules et des familles cohabitent. Une ribambelle d’enfants erre dans cette ancienne usine réaménagée en centre d’accueil. Très vite le mandat pour lequel je suis là me semble restreint et difficilement réalisable… J’abandonne l’idée mais je continue à venir. De manière complètement intuitive et joyeuse, on se met à chanter des chansons, je filme. Je comprends alors que le projet se dessine de lui-même, et qu’ici la légèreté n’est pas interdite par la violence de la situation. Je ne veux pas leur demander de se raconter, pas susciter le débat. Je veux juste qu’ils soient des individus qui participent à la création d’un objet artistique, et qu’ils soient perçus comme tels, juste accueillir ce qu’ils me donnent, comme on accueillerait des voisins. » Manuel Merlot

« La première fois que j’ai rencontré Erik, il m’a dit qu’il ne connaissait rien à la musique harmonique ! Et moi je lui ai répondu que je ne connaissais rien à la musique modale. », se souvient Rodolphe Burger. C’est ainsi qu’ils se sont rencontrés et, malgré toutes leurs différences, vite bien entendus. De ce dialogue est né le projet Before Bach, présenté en 2004. À la clef, un album du même nom, où ce triangle aux oreilles pointues, renforcé d’une section rythmique, trouvait un territoire d’expression commun entre la musique modale que laboure depuis des années le chanteur breton – et collecteur de sons – Erik Marchand et l’esprit rock blues à partir duquel le guitariste et chanteur Rodolphe Burger mène ses propres extrapolations. Quinze ans plus tard, ils redescendent à la mine, creuser toujours plus profond, histoire d’en extraire un nouveau répertoire. D’où le nom de cette création, Glück Auf, la devise des mineurs de Sainte-Marie-Aux-Mines qui peut se traduire par Inch Allah. Ils ont à leurs côtés une nouvelle partenaire, la violoniste et chanteuse Pauline Willerval, adepte du violon bulgare gadulka et férue tout autant de musiques traditionnelles. « On se propose des morceaux des uns ou des autres. », reprend Burger. Un blues dédié à John Henry, ce colosse qui incarne le working class hero par excellence, un thème de Titi Robin qu’ils ont customisé, un morceau albanais, des pentatoniques jouées en Épire, une chanson turque, ou encore un chant breton dédié à Manuel Kerjean, maître d’Erik Marchand et paysan de Plouray…

Représentations :

• 7 et 8 janvier à l’école de La clé des Champs à Charny sur Meuse
• 11 et 12 janvier à l’école Bernard Courteaux à Dun sur Meuse

« Le gribouillis est le fil qu’on attrape au début de chaque pensée ; une sorte de brouillon. Au début ça ressemble à rien. C’est le premier jet, qu’on montre fièrement quand on est enfant. Quand on est adulte on préfère montrer une version plus aboutie. Le gribouillis est le moment où tout est permis, où on a encore le choix. On peut prendre n’importe quel chemin. C’est le présent. Tout ce qui vient après est la conséquence du gribouillis, le futur. Le gribouillis, ça reste un point de suspension, le moment où ça bascule. Le gribouillis rassure quand il est accompagné d’une explication. Le gribouillis inquiète quand il est isolé et quand il est noir ; il peut être associé à une certaine confusion de la pensée. On a toujours l’image du gribouillis au-dessus de la tête pour exprimer un esprit embrumé ou en colère ; la tête farcie, le ras le bol, la dépression. Quand il est en couleur, c’est plutôt la joie, la naïveté, l’instant heureux, c’est lié à l’enfance et tous les possibles. La jouissance. Le gribouillis a la forme d’un cerveau. Et paradoxalement, c’est l’anti cerveau, c’est la pensée qui s’échappe quand on ne la contient pas, quand on laisse le cerveau vagabonder. » Estelle Charles

presse : « Ce que Gribouillis nous raconte : des artistes, un plasticien, une costumière, un musicien, réunis sur un plateau de théâtre, démêlent, pour nous et avec nous, les fils et les ressorts de la création, nous ouvrant à leur monde et à son infinie richesse poétique tout en nous offrant la possibilité de réinventer le nôtre ». Graziella Végis/ Spirale

Représentations :

• 7 et 8 janvier à l’école de La clé des Champs à Charny sur Meuse
• 11 et 12 janvier à l’école Bernard Courteaux à Dun sur Meuse

« Le gribouillis est le fil qu’on attrape au début de chaque pensée ; une sorte de brouillon. Au début ça ressemble à rien. C’est le premier jet, qu’on montre fièrement quand on est enfant. Quand on est adulte on préfère montrer une version plus aboutie. Le gribouillis est le moment où tout est permis, où on a encore le choix. On peut prendre n’importe quel chemin. C’est le présent. Tout ce qui vient après est la conséquence du gribouillis, le futur. Le gribouillis, ça reste un point de suspension, le moment où ça bascule. Le gribouillis rassure quand il est accompagné d’une explication. Le gribouillis inquiète quand il est isolé et quand il est noir ; il peut être associé à une certaine confusion de la pensée. On a toujours l’image du gribouillis au-dessus de la tête pour exprimer un esprit embrumé ou en colère ; la tête farcie, le ras le bol, la dépression. Quand il est en couleur, c’est plutôt la joie, la naïveté, l’instant heureux, c’est lié à l’enfance et tous les possibles. La jouissance. Le gribouillis a la forme d’un cerveau. Et paradoxalement, c’est l’anti cerveau, c’est la pensée qui s’échappe quand on ne la contient pas, quand on laisse le cerveau vagabonder. » Estelle Charles

presse : « Ce que Gribouillis nous raconte : des artistes, un plasticien, une costumière, un musicien, réunis sur un plateau de théâtre, démêlent, pour nous et avec nous, les fils et les ressorts de la création, nous ouvrant à leur monde et à son infinie richesse poétique tout en nous offrant la possibilité de réinventer le nôtre ». Graziella Végis/ Spirale

Représentations :

• 7 et 8 janvier à l’école de La clé des Champs à Charny sur Meuse
• 11 et 12 janvier à l’école Bernard Courteaux à Dun sur Meuse

« Le gribouillis est le fil qu’on attrape au début de chaque pensée ; une sorte de brouillon. Au début ça ressemble à rien. C’est le premier jet, qu’on montre fièrement quand on est enfant. Quand on est adulte on préfère montrer une version plus aboutie. Le gribouillis est le moment où tout est permis, où on a encore le choix. On peut prendre n’importe quel chemin. C’est le présent. Tout ce qui vient après est la conséquence du gribouillis, le futur. Le gribouillis, ça reste un point de suspension, le moment où ça bascule. Le gribouillis rassure quand il est accompagné d’une explication. Le gribouillis inquiète quand il est isolé et quand il est noir ; il peut être associé à une certaine confusion de la pensée. On a toujours l’image du gribouillis au-dessus de la tête pour exprimer un esprit embrumé ou en colère ; la tête farcie, le ras le bol, la dépression. Quand il est en couleur, c’est plutôt la joie, la naïveté, l’instant heureux, c’est lié à l’enfance et tous les possibles. La jouissance. Le gribouillis a la forme d’un cerveau. Et paradoxalement, c’est l’anti cerveau, c’est la pensée qui s’échappe quand on ne la contient pas, quand on laisse le cerveau vagabonder. » Estelle Charles

presse : « Ce que Gribouillis nous raconte : des artistes, un plasticien, une costumière, un musicien, réunis sur un plateau de théâtre, démêlent, pour nous et avec nous, les fils et les ressorts de la création, nous ouvrant à leur monde et à son infinie richesse poétique tout en nous offrant la possibilité de réinventer le nôtre ». Graziella Végis/ Spirale

Représentations :

• 7 et 8 janvier à l’école de La clé des Champs à Charny sur Meuse
• 11 et 12 janvier à l’école Bernard Courteaux à Dun sur Meuse

« Le gribouillis est le fil qu’on attrape au début de chaque pensée ; une sorte de brouillon. Au début ça ressemble à rien. C’est le premier jet, qu’on montre fièrement quand on est enfant. Quand on est adulte on préfère montrer une version plus aboutie. Le gribouillis est le moment où tout est permis, où on a encore le choix. On peut prendre n’importe quel chemin. C’est le présent. Tout ce qui vient après est la conséquence du gribouillis, le futur. Le gribouillis, ça reste un point de suspension, le moment où ça bascule. Le gribouillis rassure quand il est accompagné d’une explication. Le gribouillis inquiète quand il est isolé et quand il est noir ; il peut être associé à une certaine confusion de la pensée. On a toujours l’image du gribouillis au-dessus de la tête pour exprimer un esprit embrumé ou en colère ; la tête farcie, le ras le bol, la dépression. Quand il est en couleur, c’est plutôt la joie, la naïveté, l’instant heureux, c’est lié à l’enfance et tous les possibles. La jouissance. Le gribouillis a la forme d’un cerveau. Et paradoxalement, c’est l’anti cerveau, c’est la pensée qui s’échappe quand on ne la contient pas, quand on laisse le cerveau vagabonder. » Estelle Charles

presse : « Ce que Gribouillis nous raconte : des artistes, un plasticien, une costumière, un musicien, réunis sur un plateau de théâtre, démêlent, pour nous et avec nous, les fils et les ressorts de la création, nous ouvrant à leur monde et à son infinie richesse poétique tout en nous offrant la possibilité de réinventer le nôtre ». Graziella Végis/ Spirale

Représentations :

• 7 et 8 janvier à l’école de La clé des Champs à Charny sur Meuse
• 11 et 12 janvier à l’école Bernard Courteaux à Dun sur Meuse

« Le gribouillis est le fil qu’on attrape au début de chaque pensée ; une sorte de brouillon. Au début ça ressemble à rien. C’est le premier jet, qu’on montre fièrement quand on est enfant. Quand on est adulte on préfère montrer une version plus aboutie. Le gribouillis est le moment où tout est permis, où on a encore le choix. On peut prendre n’importe quel chemin. C’est le présent. Tout ce qui vient après est la conséquence du gribouillis, le futur. Le gribouillis, ça reste un point de suspension, le moment où ça bascule. Le gribouillis rassure quand il est accompagné d’une explication. Le gribouillis inquiète quand il est isolé et quand il est noir ; il peut être associé à une certaine confusion de la pensée. On a toujours l’image du gribouillis au-dessus de la tête pour exprimer un esprit embrumé ou en colère ; la tête farcie, le ras le bol, la dépression. Quand il est en couleur, c’est plutôt la joie, la naïveté, l’instant heureux, c’est lié à l’enfance et tous les possibles. La jouissance. Le gribouillis a la forme d’un cerveau. Et paradoxalement, c’est l’anti cerveau, c’est la pensée qui s’échappe quand on ne la contient pas, quand on laisse le cerveau vagabonder. » Estelle Charles

presse : « Ce que Gribouillis nous raconte : des artistes, un plasticien, une costumière, un musicien, réunis sur un plateau de théâtre, démêlent, pour nous et avec nous, les fils et les ressorts de la création, nous ouvrant à leur monde et à son infinie richesse poétique tout en nous offrant la possibilité de réinventer le nôtre ». Graziella Végis/ Spirale