Jeune public

**représentations scolaires uniquement**

« Le projet est né lors d’actions de médiation auprès d’enfants d’écoles primaires. Nous avons été très surpris de leur adhésion très directe à notre démarche singulière mélant danse butô et sons de contrebasse. En réponse, nous avons voulu créer un spectacle qui leur serait dédié, nourri de nos univers. Mais comment passer du côté sombre, obscur, caractéristique du butô à la lumière ? Le choix du paresseux, Namakemono en japonais, nous est apparu évident. Le butô maitrise la lenteur et sa technique, comme sa profondeur, permet de donner une vie grotesque et amusante à cet animal bien étrange qu’est Namakemono. Un premier spectacle / essais est né, Namakemono, où l’impossibilité de dresser l’indomptable. Un Ours, maître en domptage, tente de dresser un Paresseux. Il n’a peut-être pas choisi le bon animal pour exercer ses talents de dompteur, car le Namakemono est certes bien sympathique, mais lent et… paresseux ! La lenteur de la danse butô crée le personnage du Paresseux, qui à son tour crée naturellement la chorégraphie. La technique du butô qui permet d’exprimer les émotions intérieures va permettre de créer le caractère du personnage : les mimiques grotesques et les expressions démoniaques du butô vont se transformer ici en expressions tendres du Paresseux. C’est un exemple de passage de l’obscur à la lumière. La gestuelle joue un grand rôle dans la compréhension de l’histoire et le passage des émotions. Le réel (les gestes courants) et l’irréel (la lenteur des mouvements de Namakemono) se mêleront pour créer un monde imaginaire. » Emmanuel Fleitz

**représentations scolaires uniquement**

« Avec Hippocampe, nous avons souhaité partir d’un matériel brut, concret, qui n’appelle pas de prime abord à une poésie aérienne : le bois. Le cube de bois évoque la géométrie, il a une certaine pesanteur. Il peut être un matériel de construction qui sert à l’urbanisation. Notre idée était de partir de là et, tel un jeu de construction enfantin (on pensera au kapla qui permet de réaliser tellement d’objets différents avec des petites planches de bois ayant toutes la même forme), de m’éloigner petit à petit des règles de la géométrie et de la pesanteur pour proposer un monde qui ne réponde à aucune de nos lois fondamentales terrestres. De ces troubles de l’imaginaire naîtront des émotions, et le voyage pourra commencer. Au départ : trois comédiens, trois constructeurs. Ils manipulent des cubes, les empilent, les déplacent. On dirait une ville qui se dessine, avec ses routes et ses paysages urbains. Les formes géométriques se font et se défont au rythme de leurs envies. Mais petit à petit, les objets résistent et nos constructeurs découvrent que les objets qu’ils animent sont comme vivants, qu’ils ont une volonté propre, cachée. S’ils prennent le temps de les observer, s’ils gagnent leur confiance, les matériaux acceptent de révéler leur mystère et commencent à se reconstruire eux-mêmes, révélant une richesse bien plus complexe que celle imaginée par nos artistes. Alors du cube et de la ligne, d’autres formes apparaissent, se combinent, pour créer une sorte de bestiaire abstrait et imaginaire… » Martine Waniowski

**représentations scolaires uniquement**

« Avec Hippocampe, nous avons souhaité partir d’un matériel brut, concret, qui n’appelle pas de prime abord à une poésie aérienne : le bois. Le cube de bois évoque la géométrie, il a une certaine pesanteur. Il peut être un matériel de construction qui sert à l’urbanisation. Notre idée était de partir de là et, tel un jeu de construction enfantin (on pensera au kapla qui permet de réaliser tellement d’objets différents avec des petites planches de bois ayant toutes la même forme), de m’éloigner petit à petit des règles de la géométrie et de la pesanteur pour proposer un monde qui ne réponde à aucune de nos lois fondamentales terrestres. De ces troubles de l’imaginaire naîtront des émotions, et le voyage pourra commencer. Au départ : trois comédiens, trois constructeurs. Ils manipulent des cubes, les empilent, les déplacent. On dirait une ville qui se dessine, avec ses routes et ses paysages urbains. Les formes géométriques se font et se défont au rythme de leurs envies. Mais petit à petit, les objets résistent et nos constructeurs découvrent que les objets qu’ils animent sont comme vivants, qu’ils ont une volonté propre, cachée. S’ils prennent le temps de les observer, s’ils gagnent leur confiance, les matériaux acceptent de révéler leur mystère et commencent à se reconstruire eux-mêmes, révélant une richesse bien plus complexe que celle imaginée par nos artistes. Alors du cube et de la ligne, d’autres formes apparaissent, se combinent, pour créer une sorte de bestiaire abstrait et imaginaire… » Martine Waniowski

**représentations scolaires uniquement**

« Avec Hippocampe, nous avons souhaité partir d’un matériel brut, concret, qui n’appelle pas de prime abord à une poésie aérienne : le bois. Le cube de bois évoque la géométrie, il a une certaine pesanteur. Il peut être un matériel de construction qui sert à l’urbanisation. Notre idée était de partir de là et, tel un jeu de construction enfantin (on pensera au kapla qui permet de réaliser tellement d’objets différents avec des petites planches de bois ayant toutes la même forme), de m’éloigner petit à petit des règles de la géométrie et de la pesanteur pour proposer un monde qui ne réponde à aucune de nos lois fondamentales terrestres. De ces troubles de l’imaginaire naîtront des émotions, et le voyage pourra commencer. Au départ : trois comédiens, trois constructeurs. Ils manipulent des cubes, les empilent, les déplacent. On dirait une ville qui se dessine, avec ses routes et ses paysages urbains. Les formes géométriques se font et se défont au rythme de leurs envies. Mais petit à petit, les objets résistent et nos constructeurs découvrent que les objets qu’ils animent sont comme vivants, qu’ils ont une volonté propre, cachée. S’ils prennent le temps de les observer, s’ils gagnent leur confiance, les matériaux acceptent de révéler leur mystère et commencent à se reconstruire eux-mêmes, révélant une richesse bien plus complexe que celle imaginée par nos artistes. Alors du cube et de la ligne, d’autres formes apparaissent, se combinent, pour créer une sorte de bestiaire abstrait et imaginaire… » Martine Waniowski

**représentations scolaires uniquement**

« Avec Hippocampe, nous avons souhaité partir d’un matériel brut, concret, qui n’appelle pas de prime abord à une poésie aérienne : le bois. Le cube de bois évoque la géométrie, il a une certaine pesanteur. Il peut être un matériel de construction qui sert à l’urbanisation. Notre idée était de partir de là et, tel un jeu de construction enfantin (on pensera au kapla qui permet de réaliser tellement d’objets différents avec des petites planches de bois ayant toutes la même forme), de m’éloigner petit à petit des règles de la géométrie et de la pesanteur pour proposer un monde qui ne réponde à aucune de nos lois fondamentales terrestres. De ces troubles de l’imaginaire naîtront des émotions, et le voyage pourra commencer. Au départ : trois comédiens, trois constructeurs. Ils manipulent des cubes, les empilent, les déplacent. On dirait une ville qui se dessine, avec ses routes et ses paysages urbains. Les formes géométriques se font et se défont au rythme de leurs envies. Mais petit à petit, les objets résistent et nos constructeurs découvrent que les objets qu’ils animent sont comme vivants, qu’ils ont une volonté propre, cachée. S’ils prennent le temps de les observer, s’ils gagnent leur confiance, les matériaux acceptent de révéler leur mystère et commencent à se reconstruire eux-mêmes, révélant une richesse bien plus complexe que celle imaginée par nos artistes. Alors du cube et de la ligne, d’autres formes apparaissent, se combinent, pour créer une sorte de bestiaire abstrait et imaginaire… » Martine Waniowski

**représentations scolaires uniquement**

« Avec Hippocampe, nous avons souhaité partir d’un matériel brut, concret, qui n’appelle pas de prime abord à une poésie aérienne : le bois. Le cube de bois évoque la géométrie, il a une certaine pesanteur. Il peut être un matériel de construction qui sert à l’urbanisation. Notre idée était de partir de là et, tel un jeu de construction enfantin (on pensera au kapla qui permet de réaliser tellement d’objets différents avec des petites planches de bois ayant toutes la même forme), de m’éloigner petit à petit des règles de la géométrie et de la pesanteur pour proposer un monde qui ne réponde à aucune de nos lois fondamentales terrestres. De ces troubles de l’imaginaire naîtront des émotions, et le voyage pourra commencer. Au départ : trois comédiens, trois constructeurs. Ils manipulent des cubes, les empilent, les déplacent. On dirait une ville qui se dessine, avec ses routes et ses paysages urbains. Les formes géométriques se font et se défont au rythme de leurs envies. Mais petit à petit, les objets résistent et nos constructeurs découvrent que les objets qu’ils animent sont comme vivants, qu’ils ont une volonté propre, cachée. S’ils prennent le temps de les observer, s’ils gagnent leur confiance, les matériaux acceptent de révéler leur mystère et commencent à se reconstruire eux-mêmes, révélant une richesse bien plus complexe que celle imaginée par nos artistes. Alors du cube et de la ligne, d’autres formes apparaissent, se combinent, pour créer une sorte de bestiaire abstrait et imaginaire… » Martine Waniowski

**représentations scolaires uniquement**

d’après Charles Dickens

« Dickens décrit avec justesse la tendance qu’ont les individus à classer autrui sur une échelle de valeurs de richesse et de possession. Ici, c’est un enfant qui se trouve confronté à un rejet et qui comprend instantanément qu’il ne détient pas les codes qu’il faut pour réussir. La construction d’un sentiment de honte de soi et des siens est en marche et se cristallise tout au long de son adolescence. Dickens nous parle de notre société contemporaine qui n’a pas changé. Ce mécanisme de hiérarchisation est toujours à l’oeuvre. Derrière la différence sociale, il y a la souffrance d’un sentiment d’infériorité. L’auteur nous parle de cette souffrance, d’une perte de confiance provoquée par ce que d’autres exhibent et que l’on ne possède pas. Ainsi les différences sociales s’inscrivent en nous, durablement, dans nos corps et nos actes. Mais Dickens apporte une vision optimiste à la fin de ce voyage initiatique puisque le personnage principal comprend qu’il a succombé à des mirages, des signes, qui n’ont que la valeur qu’on veut bien leur accorder. Soulever ces questions devant un public jeune nous semble pertinent. Pip, le personnage principal a honte ; il est montré du doigt, pauvre, mal habillé, sans instruction. À sa souffrance, s’ajoute la culpabilité d’avoir dû rejeter sa propre famille, et plus tard de devenir à son tour égoïste et vaniteux. Dickens propose comme résolution à ce problème un changement de regard qui rend les puissants parfois peu fréquentables et les plus faibles parfois dignes d’être admirés. » Cie Mamaille

**représentations scolaires uniquement**

d’après Charles Dickens

« Dickens décrit avec justesse la tendance qu’ont les individus à classer autrui sur une échelle de valeurs de richesse et de possession. Ici, c’est un enfant qui se trouve confronté à un rejet et qui comprend instantanément qu’il ne détient pas les codes qu’il faut pour réussir. La construction d’un sentiment de honte de soi et des siens est en marche et se cristallise tout au long de son adolescence. Dickens nous parle de notre société contemporaine qui n’a pas changé. Ce mécanisme de hiérarchisation est toujours à l’oeuvre. Derrière la différence sociale, il y a la souffrance d’un sentiment d’infériorité. L’auteur nous parle de cette souffrance, d’une perte de confiance provoquée par ce que d’autres exhibent et que l’on ne possède pas. Ainsi les différences sociales s’inscrivent en nous, durablement, dans nos corps et nos actes. Mais Dickens apporte une vision optimiste à la fin de ce voyage initiatique puisque le personnage principal comprend qu’il a succombé à des mirages, des signes, qui n’ont que la valeur qu’on veut bien leur accorder. Soulever ces questions devant un public jeune nous semble pertinent. Pip, le personnage principal a honte ; il est montré du doigt, pauvre, mal habillé, sans instruction. À sa souffrance, s’ajoute la culpabilité d’avoir dû rejeter sa propre famille, et plus tard de devenir à son tour égoïste et vaniteux. Dickens propose comme résolution à ce problème un changement de regard qui rend les puissants parfois peu fréquentables et les plus faibles parfois dignes d’être admirés. » Cie Mamaille

**représentations scolaires uniquement**

d’après Charles Dickens

« Dickens décrit avec justesse la tendance qu’ont les individus à classer autrui sur une échelle de valeurs de richesse et de possession. Ici, c’est un enfant qui se trouve confronté à un rejet et qui comprend instantanément qu’il ne détient pas les codes qu’il faut pour réussir. La construction d’un sentiment de honte de soi et des siens est en marche et se cristallise tout au long de son adolescence. Dickens nous parle de notre société contemporaine qui n’a pas changé. Ce mécanisme de hiérarchisation est toujours à l’oeuvre. Derrière la différence sociale, il y a la souffrance d’un sentiment d’infériorité. L’auteur nous parle de cette souffrance, d’une perte de confiance provoquée par ce que d’autres exhibent et que l’on ne possède pas. Ainsi les différences sociales s’inscrivent en nous, durablement, dans nos corps et nos actes. Mais Dickens apporte une vision optimiste à la fin de ce voyage initiatique puisque le personnage principal comprend qu’il a succombé à des mirages, des signes, qui n’ont que la valeur qu’on veut bien leur accorder. Soulever ces questions devant un public jeune nous semble pertinent. Pip, le personnage principal a honte ; il est montré du doigt, pauvre, mal habillé, sans instruction. À sa souffrance, s’ajoute la culpabilité d’avoir dû rejeter sa propre famille, et plus tard de devenir à son tour égoïste et vaniteux. Dickens propose comme résolution à ce problème un changement de regard qui rend les puissants parfois peu fréquentables et les plus faibles parfois dignes d’être admirés. » Cie Mamaille

**représentations scolaires uniquement**

d’après Charles Dickens

« Dickens décrit avec justesse la tendance qu’ont les individus à classer autrui sur une échelle de valeurs de richesse et de possession. Ici, c’est un enfant qui se trouve confronté à un rejet et qui comprend instantanément qu’il ne détient pas les codes qu’il faut pour réussir. La construction d’un sentiment de honte de soi et des siens est en marche et se cristallise tout au long de son adolescence. Dickens nous parle de notre société contemporaine qui n’a pas changé. Ce mécanisme de hiérarchisation est toujours à l’oeuvre. Derrière la différence sociale, il y a la souffrance d’un sentiment d’infériorité. L’auteur nous parle de cette souffrance, d’une perte de confiance provoquée par ce que d’autres exhibent et que l’on ne possède pas. Ainsi les différences sociales s’inscrivent en nous, durablement, dans nos corps et nos actes. Mais Dickens apporte une vision optimiste à la fin de ce voyage initiatique puisque le personnage principal comprend qu’il a succombé à des mirages, des signes, qui n’ont que la valeur qu’on veut bien leur accorder. Soulever ces questions devant un public jeune nous semble pertinent. Pip, le personnage principal a honte ; il est montré du doigt, pauvre, mal habillé, sans instruction. À sa souffrance, s’ajoute la culpabilité d’avoir dû rejeter sa propre famille, et plus tard de devenir à son tour égoïste et vaniteux. Dickens propose comme résolution à ce problème un changement de regard qui rend les puissants parfois peu fréquentables et les plus faibles parfois dignes d’être admirés. » Cie Mamaille

**représentations scolaires uniquement**

d’après Charles Dickens

« Dickens décrit avec justesse la tendance qu’ont les individus à classer autrui sur une échelle de valeurs de richesse et de possession. Ici, c’est un enfant qui se trouve confronté à un rejet et qui comprend instantanément qu’il ne détient pas les codes qu’il faut pour réussir. La construction d’un sentiment de honte de soi et des siens est en marche et se cristallise tout au long de son adolescence. Dickens nous parle de notre société contemporaine qui n’a pas changé. Ce mécanisme de hiérarchisation est toujours à l’oeuvre. Derrière la différence sociale, il y a la souffrance d’un sentiment d’infériorité. L’auteur nous parle de cette souffrance, d’une perte de confiance provoquée par ce que d’autres exhibent et que l’on ne possède pas. Ainsi les différences sociales s’inscrivent en nous, durablement, dans nos corps et nos actes. Mais Dickens apporte une vision optimiste à la fin de ce voyage initiatique puisque le personnage principal comprend qu’il a succombé à des mirages, des signes, qui n’ont que la valeur qu’on veut bien leur accorder. Soulever ces questions devant un public jeune nous semble pertinent. Pip, le personnage principal a honte ; il est montré du doigt, pauvre, mal habillé, sans instruction. À sa souffrance, s’ajoute la culpabilité d’avoir dû rejeter sa propre famille, et plus tard de devenir à son tour égoïste et vaniteux. Dickens propose comme résolution à ce problème un changement de regard qui rend les puissants parfois peu fréquentables et les plus faibles parfois dignes d’être admirés. » Cie Mamaille

**représentations scolaires uniquement**

« Nous vivons à l’intérieur de notre corps mais nous ne connaissons que peu ses potentialités. Nous n’avons pas toujours la possibilité de regarder les autres de près pour noter nos différences. Parce que nous n’osons pas, parce que nous ne le faisons pas, tout simplement. Le point de départ de la création est le corps. Le corps comme outil, le corps comme centre de communication, le corps comme objet, le corps comme espace vivant. Ce corps si identique aux autres et si différent à la fois. Les capacités presque infinies dont il dispose, sa singularité, sa fragilité et sa beauté complexe. Mes pistes de recherche ont été d’explorer la thématique corporelle via les relations que nous entretenons au quotidien avec notre propre corps. Au travers des grimaces, des sensations, des bruits, des gestes, des mimiques, des émotions, j’ai voulu éprouver la dualité du corps fonctionnel et du corps imaginé. Ce spectacle est avant tout une performance circassienne qui refuse le parti pris de la naïveté et de l’infantilisation. Il souhaite faire une parenthèse temporelle pour apprendre de l’autre et de nous-même, pour être curieux, pour oser demander, pour regarder la vie. Ma volonté est de présenter aux enfants un spectacle qui puisse éveiller leur curiosité, leur montrant le pouvoir de leur corps en leur révélant toutes ses capacités.» Coline Garcia

**représentations scolaires uniquement**

« Nous vivons à l’intérieur de notre corps mais nous ne connaissons que peu ses potentialités. Nous n’avons pas toujours la possibilité de regarder les autres de près pour noter nos différences. Parce que nous n’osons pas, parce que nous ne le faisons pas, tout simplement. Le point de départ de la création est le corps. Le corps comme outil, le corps comme centre de communication, le corps comme objet, le corps comme espace vivant. Ce corps si identique aux autres et si différent à la fois. Les capacités presque infinies dont il dispose, sa singularité, sa fragilité et sa beauté complexe. Mes pistes de recherche ont été d’explorer la thématique corporelle via les relations que nous entretenons au quotidien avec notre propre corps. Au travers des grimaces, des sensations, des bruits, des gestes, des mimiques, des émotions, j’ai voulu éprouver la dualité du corps fonctionnel et du corps imaginé. Ce spectacle est avant tout une performance circassienne qui refuse le parti pris de la naïveté et de l’infantilisation. Il souhaite faire une parenthèse temporelle pour apprendre de l’autre et de nous-même, pour être curieux, pour oser demander, pour regarder la vie. Ma volonté est de présenter aux enfants un spectacle qui puisse éveiller leur curiosité, leur montrant le pouvoir de leur corps en leur révélant toutes ses capacités.» Coline Garcia

**représentations scolaires uniquement**

« Nous vivons à l’intérieur de notre corps mais nous ne connaissons que peu ses potentialités. Nous n’avons pas toujours la possibilité de regarder les autres de près pour noter nos différences. Parce que nous n’osons pas, parce que nous ne le faisons pas, tout simplement. Le point de départ de la création est le corps. Le corps comme outil, le corps comme centre de communication, le corps comme objet, le corps comme espace vivant. Ce corps si identique aux autres et si différent à la fois. Les capacités presque infinies dont il dispose, sa singularité, sa fragilité et sa beauté complexe. Mes pistes de recherche ont été d’explorer la thématique corporelle via les relations que nous entretenons au quotidien avec notre propre corps. Au travers des grimaces, des sensations, des bruits, des gestes, des mimiques, des émotions, j’ai voulu éprouver la dualité du corps fonctionnel et du corps imaginé. Ce spectacle est avant tout une performance circassienne qui refuse le parti pris de la naïveté et de l’infantilisation. Il souhaite faire une parenthèse temporelle pour apprendre de l’autre et de nous-même, pour être curieux, pour oser demander, pour regarder la vie. Ma volonté est de présenter aux enfants un spectacle qui puisse éveiller leur curiosité, leur montrant le pouvoir de leur corps en leur révélant toutes ses capacités.» Coline Garcia

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« Nous vivons à l’intérieur de notre corps mais nous ne connaissons que peu ses potentialités. Nous n’avons pas toujours la possibilité de regarder les autres de près pour noter nos différences. Parce que nous n’osons pas, parce que nous ne le faisons pas, tout simplement. Le point de départ de la création est le corps. Le corps comme outil, le corps comme centre de communication, le corps comme objet, le corps comme espace vivant. Ce corps si identique aux autres et si différent à la fois. Les capacités presque infinies dont il dispose, sa singularité, sa fragilité et sa beauté complexe. Mes pistes de recherche ont été d’explorer la thématique corporelle via les relations que nous entretenons au quotidien avec notre propre corps. Au travers des grimaces, des sensations, des bruits, des gestes, des mimiques, des émotions, j’ai voulu éprouver la dualité du corps fonctionnel et du corps imaginé. Ce spectacle est avant tout une performance circassienne qui refuse le parti pris de la naïveté et de l’infantilisation. Il souhaite faire une parenthèse temporelle pour apprendre de l’autre et de nous-même, pour être curieux, pour oser demander, pour regarder la vie. Ma volonté est de présenter aux enfants un spectacle qui puisse éveiller leur curiosité, leur montrant le pouvoir de leur corps en leur révélant toutes ses capacités.» Coline Garcia

**représentations scolaires uniquement**

« Nous vivons à l’intérieur de notre corps mais nous ne connaissons que peu ses potentialités. Nous n’avons pas toujours la possibilité de regarder les autres de près pour noter nos différences. Parce que nous n’osons pas, parce que nous ne le faisons pas, tout simplement. Le point de départ de la création est le corps. Le corps comme outil, le corps comme centre de communication, le corps comme objet, le corps comme espace vivant. Ce corps si identique aux autres et si différent à la fois. Les capacités presque infinies dont il dispose, sa singularité, sa fragilité et sa beauté complexe. Mes pistes de recherche ont été d’explorer la thématique corporelle via les relations que nous entretenons au quotidien avec notre propre corps. Au travers des grimaces, des sensations, des bruits, des gestes, des mimiques, des émotions, j’ai voulu éprouver la dualité du corps fonctionnel et du corps imaginé. Ce spectacle est avant tout une performance circassienne qui refuse le parti pris de la naïveté et de l’infantilisation. Il souhaite faire une parenthèse temporelle pour apprendre de l’autre et de nous-même, pour être curieux, pour oser demander, pour regarder la vie. Ma volonté est de présenter aux enfants un spectacle qui puisse éveiller leur curiosité, leur montrant le pouvoir de leur corps en leur révélant toutes ses capacités.» Coline Garcia