Hors Théâtre de Verdun

Depuis la fermeture du théâtre, la programmation de Transversales a investi les murs de  l’église Jeanne d’Arc. Cette fois-ci, avec l’aide de Rémi Luchez, c’est tout le quartier de la  Cité Verte qui sera le cadre d’une création unique et éphémère. Après une semaine de  recherches au sein du quartier, et en lien avec ses habitants, Rémi Luchez mettra en  spectacle les lieux au cours d’une balade spectacle. Un moyen de (re)découvrir la Cité   Verte sous un nouveau regard.

Apéritif dinatoire préparé par le Centre social de la Cité Verte et offert par Transversales après le spectacle.

Organisé par Transversales, avec la participation du Centre social de la Cité Verte, dans le cadre de la politique de la Ville.

Diplômé du Centre National des Arts du Cirque de Châlons-en-Champagne en 2005, Rémi  Luchez est spécialisé en fil souple. Il a tourné pendant deux ans avec Toto Lacaille, création collective de la 17ème promotion du CNAC. En 2008, il est lauréat Jeunes Talents Cirque Europe pour le projet Miettes qu’il crée sous le regard de Pierre Déaux. Ce solo est créé en janvier 2009 et a joué près de 200 fois. En 2010, il réalise une tournée à vélo avec Miettes. En 2011, Rémi Luchez crée Nichons là avec Olivier Debelhoir. Spectacle sous chapiteau pour lequel il travaille une nouvelle spécialité d’objet en équilibre sur sa tête. En parallèle à son art de l’équilibre, Rémi Luchez mène depuis plusieurs années un travail de matières en sculptant le bois calciné, le métal, le verre, la porcelaine… En 2017, il souhaite croiser ces domaines. Il imagine un nouveau projet de création entre installation plastique et performance vivante pour l’espace public, Sec.

« Avec son pull troué, son visage maculé et son air ahuri, il a l’air de sortir d’un terrier ou d’une cave à charbon. Entre deux arbres, l’échassier pose ses piquets, déroule une mince bobine de fil de fer, joue de la pince. Avant de se cramponner à son perchoir avec une obstination presque imbécile. Accroupi, de dos, les deux pieds bien à l’écart, il fait surgir de belles images, en semblant se chauffer les mains au-dessus du vide… Plus tard, se sentant peut-être menacé, il réduira lui-même son espace à coup de serres. » Télérama

Organisé par Transversales, avec la participation du Centre social de la Cité Verte, dans le cadre de la politique de la Ville.

Diplômé du Centre National des Arts du Cirque de Châlons-en-Champagne en 2005, Rémi Luchez est spécialisé en fil souple. Il a tourné pendant deux ans avec Toto Lacaille, création collective de la 17ème promotion du CNAC. En 2008, il est lauréat Jeunes Talents Cirque Europe pour le projet Miettes qu’il crée sous le regard de Pierre Déaux. Ce solo est créé en janvier 2009 et a joué près de 200 fois. En 2010, il réalise une tournée à vélo avec Miettes. En 2011, Rémi Luchez crée Nichons là avec Olivier Debelhoir. Spectacle sous chapiteau pour lequel il travaille une nouvelle spécialité d’objet en équilibre sur sa tête. En parallèle à son art de l’équilibre, Rémi Luchez mène depuis plusieurs années un travail de matières en sculptant le bois calciné, le métal, le verre, la porcelaine… En 2017, il souhaite croiser ces domaines. Il imagine un nouveau projet de création entre installation plastique et  performance vivante pour l’espace public, Sec.

presse : « Un fil pas vraiment tendu et le début d’une épopée minimaliste durant laquelle Rémi Luchez ne cessera de bousculer en douceur notre vision de l’assurance et de  l’équilibre. » La Marseillaise

Après le formidable Cirque Poussière, (à Verdun en 2016), Julien Candy nous revient dans un nouveau solo, sorte de « Maxi Best Of » de ses pratiques.

Onze ans après la création de son solo Le Cirque Précaire et trois ans après celle du Cirque Poussière, Julien Candy poursuit sa trajectoire artistique, musicale, théâtrale et circassienne à travers ce nouveau spectacle. Il invite le public à prendre part dans cette création, un cirque musical, un voyage ludique et émouvant mais aussi incertain, unique et éphémère qui questionne l’art et la culture à travers le temps. Dans cette volonté d’interroger nos rapports au beau, à l’art, c’est un reflet de notre société qu’il dépeint.

« Ce spectacle naît du désir pressant de rendre compte de la perception de mon métier sur les dix dernières années, celle du cadre dans lequel celui-ci s’exprime (le milieu culturel) et finalement celle du monde dans lequel nous vivons : une histoire de la culture aujourd’hui dans une société capitaliste. Aujourd’hui, tout cela me donne envie d’en faire un   spectacle. » Julien Candy

Poète et virtuose, Julien Candy apprend le jonglage à cinq balles et le bilboquet, et ce après une éducation musicale en classe de violoncelle et contrebasse. Après une fulgurante mais néanmoins brillante carrière de chanteur lyrique, il poursuit son cursus théâtral à Paris auprès de l’école internationale Jacques Lecoq et à la Scuola Kiklos de Padoue en Italie. Après avoir fait ses armes en théâtre, il se tourne vers le cirque et crée en 2006 la Compagnie La Faux Populaire Le Mort aux Dents.
« Créée en 2006, la Compagnie la Faux Populaire est une compagnie étiquetée « de cirque » ; mais on peut y trouver des pelures de théâtre, des rognures de musiques, des éclats de danse et autres fruits à coques. » La Faux populaire
Les quatre spectacles de la compagnie sont des succès, ils cumulent chacun plus de 100 représentations. La compagnie a effectué en 2017, une résidence longue durée à Pierrefitte-sur-Aire, avec Transversales et l’association Au fil de l’Aire, pour la création de ce spectacle.

Après le formidable Cirque Poussière, (à Verdun en 2016), Julien Candy nous revient dans un nouveau solo, sorte de « Maxi Best Of » de ses pratiques.

Onze ans après la création de son solo Le Cirque Précaire et trois ans après celle du Cirque Poussière, Julien Candy poursuit sa trajectoire artistique, musicale, théâtrale et circassienne à travers ce nouveau spectacle. Il invite le public à prendre part dans cette création, un cirque musical, un voyage ludique et émouvant mais aussi incertain, unique et éphémère qui questionne l’art et la culture à travers le temps. Dans cette volonté d’interroger nos rapports au beau, à l’art, c’est un reflet de notre société qu’il dépeint.

« Ce spectacle naît du désir pressant de rendre compte de la perception de mon métier sur les dix dernières années, celle du cadre dans lequel celui-ci s’exprime (le milieu culturel) et finalement celle du monde dans lequel nous vivons : une histoire de la culture aujourd’hui dans une société capitaliste. Aujourd’hui, tout cela me donne envie d’en faire un   spectacle. » Julien Candy

Poète et virtuose, Julien Candy apprend le jonglage à cinq balles et le bilboquet, et ce après une éducation musicale en classe de violoncelle et contrebasse. Après une fulgurante mais néanmoins brillante carrière de chanteur lyrique, il poursuit son cursus théâtral à Paris auprès de l’école internationale Jacques Lecoq et à la Scuola Kiklos de Padoue en Italie. Après avoir fait ses armes en théâtre, il se tourne vers le cirque et crée en 2006 la Compagnie La Faux Populaire Le Mort aux Dents.
« Créée en 2006, la Compagnie la Faux Populaire est une compagnie étiquetée « de cirque » ; mais on peut y trouver des pelures de théâtre, des rognures de musiques, des éclats de danse et autres fruits à coques. » La Faux populaire
Les quatre spectacles de la compagnie sont des succès, ils cumulent chacun plus de 100 représentations. La compagnie a effectué en 2017, une résidence longue durée à Pierrefitte-sur-Aire, avec Transversales et l’association Au fil de l’Aire, pour la création de ce spectacle.

Après le formidable Cirque Poussière, (à Verdun en 2016), Julien Candy nous revient dans un nouveau solo, sorte de « Maxi Best Of » de ses pratiques.

Onze ans après la création de son solo Le Cirque Précaire et trois ans après celle du Cirque Poussière, Julien Candy poursuit sa trajectoire artistique, musicale, théâtrale et circassienne à travers ce nouveau spectacle. Il invite le public à prendre part dans cette création, un cirque musical, un voyage ludique et émouvant mais aussi incertain, unique et éphémère qui questionne l’art et la culture à travers le temps. Dans cette volonté d’interroger nos rapports au beau, à l’art, c’est un reflet de notre société qu’il dépeint.

« Ce spectacle naît du désir pressant de rendre compte de la perception de mon métier sur les dix dernières années, celle du cadre dans lequel celui-ci s’exprime (le milieu culturel) et finalement celle du monde dans lequel nous vivons : une histoire de la culture aujourd’hui dans une société capitaliste. Aujourd’hui, tout cela me donne envie d’en faire un   spectacle. » Julien Candy

Poète et virtuose, Julien Candy apprend le jonglage à cinq balles et le bilboquet, et ce après une éducation musicale en classe de violoncelle et contrebasse. Après une fulgurante mais néanmoins brillante carrière de chanteur lyrique, il poursuit son cursus théâtral à Paris auprès de l’école internationale Jacques Lecoq et à la Scuola Kiklos de Padoue en Italie. Après avoir fait ses armes en théâtre, il se tourne vers le cirque et crée en 2006 la Compagnie La Faux Populaire Le Mort aux Dents.
« Créée en 2006, la Compagnie la Faux Populaire est une compagnie étiquetée « de cirque » ; mais on peut y trouver des pelures de théâtre, des rognures de musiques, des éclats de danse et autres fruits à coques. » La Faux populaire
Les quatre spectacles de la compagnie sont des succès, ils cumulent chacun plus de 100 représentations. La compagnie a effectué en 2017, une résidence longue durée à Pierrefitte-sur-Aire, avec Transversales et l’association Au fil de l’Aire, pour la création de ce spectacle.

Après le formidable Cirque Poussière, (à Verdun en 2016), Julien Candy nous revient dans un nouveau solo, sorte de « Maxi Best Of » de ses pratiques.

Onze ans après la création de son solo Le Cirque Précaire et trois ans après celle du Cirque Poussière, Julien Candy poursuit sa trajectoire artistique, musicale, théâtrale et circassienne à travers ce nouveau spectacle. Il invite le public à prendre part dans cette création, un cirque musical, un voyage ludique et émouvant mais aussi incertain, unique et éphémère qui questionne l’art et la culture à travers le temps. Dans cette volonté d’interroger nos rapports au beau, à l’art, c’est un reflet de notre société qu’il dépeint.

« Ce spectacle naît du désir pressant de rendre compte de la perception de mon métier sur les dix dernières années, celle du cadre dans lequel celui-ci s’exprime (le milieu culturel) et finalement celle du monde dans lequel nous vivons : une histoire de la culture aujourd’hui dans une société capitaliste. Aujourd’hui, tout cela me donne envie d’en faire un   spectacle. » Julien Candy

Poète et virtuose, Julien Candy apprend le jonglage à cinq balles et le bilboquet, et ce après une éducation musicale en classe de violoncelle et contrebasse. Après une fulgurante mais néanmoins brillante carrière de chanteur lyrique, il poursuit son cursus théâtral à Paris auprès de l’école internationale Jacques Lecoq et à la Scuola Kiklos de Padoue en Italie. Après avoir fait ses armes en théâtre, il se tourne vers le cirque et crée en 2006 la Compagnie La Faux Populaire Le Mort aux Dents.
« Créée en 2006, la Compagnie la Faux Populaire est une compagnie étiquetée « de cirque » ; mais on peut y trouver des pelures de théâtre, des rognures de musiques, des éclats de danse et autres fruits à coques. » La Faux populaire
Les quatre spectacles de la compagnie sont des succès, ils cumulent chacun plus de 100 représentations. La compagnie a effectué en 2017, une résidence longue durée à Pierrefitte-sur-Aire, avec Transversales et l’association Au fil de l’Aire, pour la création de ce spectacle.

Après le formidable Cirque Poussière, (à Verdun en 2016), Julien Candy nous revient dans un nouveau solo, sorte de « Maxi Best Of » de ses pratiques.

Onze ans après la création de son solo Le Cirque Précaire et trois ans après celle du Cirque Poussière, Julien Candy poursuit sa trajectoire artistique, musicale, théâtrale et circassienne à travers ce nouveau spectacle. Il invite le public à prendre part dans cette création, un cirque musical, un voyage ludique et émouvant mais aussi incertain, unique et éphémère qui questionne l’art et la culture à travers le temps. Dans cette volonté d’interroger nos rapports au beau, à l’art, c’est un reflet de notre société qu’il dépeint.

« Ce spectacle naît du désir pressant de rendre compte de la perception de mon métier sur les dix dernières années, celle du cadre dans lequel celui-ci s’exprime (le milieu culturel) et finalement celle du monde dans lequel nous vivons : une histoire de la culture aujourd’hui dans une société capitaliste. Aujourd’hui, tout cela me donne envie d’en faire un   spectacle. » Julien Candy

Poète et virtuose, Julien Candy apprend le jonglage à cinq balles et le bilboquet, et ce après une éducation musicale en classe de violoncelle et contrebasse. Après une fulgurante mais néanmoins brillante carrière de chanteur lyrique, il poursuit son cursus théâtral à Paris auprès de l’école internationale Jacques Lecoq et à la Scuola Kiklos de Padoue en Italie. Après avoir fait ses armes en théâtre, il se tourne vers le cirque et crée en 2006 la Compagnie La Faux Populaire Le Mort aux Dents.
« Créée en 2006, la Compagnie la Faux Populaire est une compagnie étiquetée « de cirque » ; mais on peut y trouver des pelures de théâtre, des rognures de musiques, des éclats de danse et autres fruits à coques. » La Faux populaire
Les quatre spectacles de la compagnie sont des succès, ils cumulent chacun plus de 100 représentations. La compagnie a effectué en 2017, une résidence longue durée à Pierrefitte-sur-Aire, avec Transversales et l’association Au fil de l’Aire, pour la création de ce spectacle.

Tríptico c’est la rencontre entre le groupe vocal du Val de Meuse et le groupe vocal et instrumental péruvien Musocc Illary. Cette œuvre de Kato Rodriguez reflète l’histoire et la culture péruvienne. Le premier tableau s’ouvre sur la côte péruvienne avec une musique criolla d’influence hispanique. Le deuxième tableau à la musique rythmée afro-péruvienne puise ses racines dans le métissage des esclaves africains et amérindiens. Le troisième tableau transporte dans la cordillère des Andes, berceau de civilisations ancestrales avec ses yaravi, huano.

Mussocc Illary (« le renouveau » en langue quéchua) a été créé à Arequipa au Pérou en 1979. Cinq jeunes musiciens décident de former un groupe vocal et instrumental pour
promouvoir la richesse du folklore populaire de l’Amérique latine. Le groupe s’installe en France en 1993 et poursuit son travail de création en composant des œuvres instrumentales inspirées de la musique populaire et folklorique de tout le continent latino-américain. En 1996, Kato Rodriguez met en musique une cantate péruvienne de Celso Garrido Lecca, « Kuntur Wachana » que Musocc Illary donnera lors de nombreux concerts dans toute la France et pendant une tournée au Pérou et en Bolivie. En 2000, Kato Rodriguez compose la « Misa Andina », une mes se péruvienne dans laquelle les textes liturgiques sont accompagnés par des instruments traditionnels. Depuis, Musocc Illary multiplie les prestations en France, au Pérou, dans d’autres pays d’Amérique latine et également au Japon. C’est au cours de la saison 2016/2017 que les deux ensembles se sont rencontrés pour interpréter deux fois « Misa Andina » en Meuse et ont rencontré un grand succès.

Le groupe vocal du Val de Meuse, dirigé par Catherine Geniale, est composé de vingt choristes amateurs qui se réunissent depuis une dizaine d’année. Le groupe est animé par l’envie de chanter un répertoire essentiellement de musique sacrée et s’ouvre progressivement sur d’autres cultures. L’ensemble a déjà participé à plusieurs projets départementaux et c’est notamment lors de l’un d’eux qu’il a rencontré Kato Rodriguez.

En 2018, on fêtait les 40 ans de la mort de Jacques Brel. Pour cette occasion Olivier Vaillant  et Damien Buisson lui rendent hommage avec une « relecture » musicale et théâtrale d’une partie de son oeuvre. S’attaquer à un répertoire aussi riche et populaire que celui de Jacques Brel, dont la voix résonne encore, relève du pari. Pari relevé lors de la saison 2016-17 à la Comédie, où le spectacle a été présenté avec beaucoup de succès sous le titre Cabaret Brel, porté par le chanteur-compositeur Olivier Vaillant et son équipe. Les textes, des plus célèbres aux moins connus, sont dépouillés puis revêtus de leurs nouveaux habits et vivent une nouvelle vie plus contemporaine grâce à la mise en son, petites perles
électroniques rock et pop. Le grand Jacques n’est jamais loin, comme un guide attentif des débordements fous de cette bande d’artistes passionnés. Leur volonté farouche de s’affranchir de ce personnage à l’élocution et la gestuelle si singulières, sans jamais le trahir, permet d’entendre de nouveau ses très beaux textes, de lui redonner une nouvelle place à nos côtés, pas si loin d’une scène de rock ou d’un dance floor.

presse : « Une nouvelle lecture du répertoire du chanteur, anti-nostalgique » L’hebdo du vendredi
« La passion des mots et du sens des textes de Brel y rivalise avec la respiration empreinte de lucide liberté » Fulbert First

En 2018, on fêtait les 40 ans de la mort de Jacques Brel. Pour cette occasion Olivier Vaillant  et Damien Buisson lui rendent hommage avec une « relecture » musicale et théâtrale d’une partie de son oeuvre. S’attaquer à un répertoire aussi riche et populaire que celui de Jacques Brel, dont la voix résonne encore, relève du pari. Pari relevé lors de la saison 2016-17 à la Comédie, où le spectacle a été présenté avec beaucoup de succès sous le titre Cabaret Brel, porté par le chanteur-compositeur Olivier Vaillant et son équipe. Les textes, des plus célèbres aux moins connus, sont dépouillés puis revêtus de leurs nouveaux habits et vivent une nouvelle vie plus contemporaine grâce à la mise en son, petites perles
électroniques rock et pop. Le grand Jacques n’est jamais loin, comme un guide attentif des débordements fous de cette bande d’artistes passionnés. Leur volonté farouche de s’affranchir de ce personnage à l’élocution et la gestuelle si singulières, sans jamais le trahir, permet d’entendre de nouveau ses très beaux textes, de lui redonner une nouvelle place à nos côtés, pas si loin d’une scène de rock ou d’un dance floor.

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En 2018, on fêtait les 40 ans de la mort de Jacques Brel. Pour cette occasion Olivier Vaillant  et Damien Buisson lui rendent hommage avec une « relecture » musicale et théâtrale d’une partie de son oeuvre. S’attaquer à un répertoire aussi riche et populaire que celui de Jacques Brel, dont la voix résonne encore, relève du pari. Pari relevé lors de la saison 2016-17 à la Comédie, où le spectacle a été présenté avec beaucoup de succès sous le titre Cabaret Brel, porté par le chanteur-compositeur Olivier Vaillant et son équipe. Les textes, des plus célèbres aux moins connus, sont dépouillés puis revêtus de leurs nouveaux habits et vivent une nouvelle vie plus contemporaine grâce à la mise en son, petites perles
électroniques rock et pop. Le grand Jacques n’est jamais loin, comme un guide attentif des débordements fous de cette bande d’artistes passionnés. Leur volonté farouche de s’affranchir de ce personnage à l’élocution et la gestuelle si singulières, sans jamais le trahir, permet d’entendre de nouveau ses très beaux textes, de lui redonner une nouvelle place à nos côtés, pas si loin d’une scène de rock ou d’un dance floor.

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En 2018, on fêtait les 40 ans de la mort de Jacques Brel. Pour cette occasion Olivier Vaillant  et Damien Buisson lui rendent hommage avec une « relecture » musicale et théâtrale d’une partie de son oeuvre. S’attaquer à un répertoire aussi riche et populaire que celui de Jacques Brel, dont la voix résonne encore, relève du pari. Pari relevé lors de la saison 2016-17 à la Comédie, où le spectacle a été présenté avec beaucoup de succès sous le titre Cabaret Brel, porté par le chanteur-compositeur Olivier Vaillant et son équipe. Les textes, des plus célèbres aux moins connus, sont dépouillés puis revêtus de leurs nouveaux habits et vivent une nouvelle vie plus contemporaine grâce à la mise en son, petites perles
électroniques rock et pop. Le grand Jacques n’est jamais loin, comme un guide attentif des débordements fous de cette bande d’artistes passionnés. Leur volonté farouche de s’affranchir de ce personnage à l’élocution et la gestuelle si singulières, sans jamais le trahir, permet d’entendre de nouveau ses très beaux textes, de lui redonner une nouvelle place à nos côtés, pas si loin d’une scène de rock ou d’un dance floor.

presse : « Une nouvelle lecture du répertoire du chanteur, anti-nostalgique » L’hebdo du vendredi
« La passion des mots et du sens des textes de Brel y rivalise avec la respiration empreinte de lucide liberté » Fulbert First

En 2018, on fêtait les 40 ans de la mort de Jacques Brel. Pour cette occasion Olivier Vaillant  et Damien Buisson lui rendent hommage avec une « relecture » musicale et théâtrale d’une partie de son oeuvre. S’attaquer à un répertoire aussi riche et populaire que celui de Jacques Brel, dont la voix résonne encore, relève du pari. Pari relevé lors de la saison 2016-17 à la Comédie, où le spectacle a été présenté avec beaucoup de succès sous le titre Cabaret Brel, porté par le chanteur-compositeur Olivier Vaillant et son équipe. Les textes, des plus célèbres aux moins connus, sont dépouillés puis revêtus de leurs nouveaux habits et vivent une nouvelle vie plus contemporaine grâce à la mise en son, petites perles
électroniques rock et pop. Le grand Jacques n’est jamais loin, comme un guide attentif des débordements fous de cette bande d’artistes passionnés. Leur volonté farouche de s’affranchir de ce personnage à l’élocution et la gestuelle si singulières, sans jamais le trahir, permet d’entendre de nouveau ses très beaux textes, de lui redonner une nouvelle place à nos côtés, pas si loin d’une scène de rock ou d’un dance floor.

presse : « Une nouvelle lecture du répertoire du chanteur, anti-nostalgique » L’hebdo du vendredi
« La passion des mots et du sens des textes de Brel y rivalise avec la respiration empreinte de lucide liberté » Fulbert First

La pièce secoue parce qu’elle est plus que l’histoire d’un ridicule, elle est celle d’un monstre. Arnolphe aime Agnès, certainement, mais d’une telle façon que cet amour n’a plus figure, ni force, ni chance d’amour. Molière repeint aux couleurs d’une folie spéciale, et extrême, le vieux pitch du cocu. Comment peut-on se vanter de devenir le premier homme épargné par l’infidélité quand on aime aussi mal ! Les cornes qui le dégoûtent d’avance, c’est comme s’il les avait déjà, ce n’est qu’une question d’heure. Et de quelle école est-il question dans L’école des Femmes ? Allez savoir. Il y a bien sûr l’école drastique, imaginée par Arnolphe, et dont Agnès est l’unique pensionnaire et recluse. C’est aussi cette école ouverte, qui convoque le hasard, qui parasite les projets, paralyse les intentions, produit les accidents, agence les bizarreries et favorise les rencontres. Attachée à la transmission et au partage, la Compagnie des Géotrupes, sous la houlette de Christian Esnay, concrétise la volonté de Molière de porter le théâtre comme un « art démocratique », affichant ainsi l’affirmation sans cesse réinventée de fabriquer un théâtre populaire et exigeant.

Christian Esnay, comédien et metteur en scène, se forme dans l’atelier de Didier-Georges Gabily de 1988 à 1993. Parallèlement, il joue l’Odéon, La Colline, le TNB, le Festival d’Avignon, le Théâtre de la Cité Internationale… En tant que metteur en scène – et amateur de Shakespeare – il réalise son premier travail en 1998 au Maillon à Strasbourg avec Le Songe d’une nuit d’été, spectacle en appartement. En 2002, il crée sa compagnie Les Géotrupes. Depuis ses débuts, les expériences de travail de la compagnie travaillent à concrétiser « l’accessibilité au théâtre pour le plus grand nombre ».

presse : « Quoi en plus avec les Géotrupes ? Ce quelque chose de doux, comme du velours théâtre, qui enrobe comédiens et décors. Cette troupe qui nous accueille, comme absente, et qui nous trouble. Une couleur » L’humanité

La pièce secoue parce qu’elle est plus que l’histoire d’un ridicule, elle est celle d’un monstre. Arnolphe aime Agnès, certainement, mais d’une telle façon que cet amour n’a plus figure, ni force, ni chance d’amour. Molière repeint aux couleurs d’une folie spéciale, et extrême, le vieux pitch du cocu. Comment peut-on se vanter de devenir le premier homme épargné par l’infidélité quand on aime aussi mal ! Les cornes qui le dégoûtent d’avance, c’est comme s’il les avait déjà, ce n’est qu’une question d’heure. Et de quelle école est-il question dans L’école des Femmes ? Allez savoir. Il y a bien sûr l’école drastique, imaginée par Arnolphe, et dont Agnès est l’unique pensionnaire et recluse. C’est aussi cette école ouverte, qui convoque le hasard, qui parasite les projets, paralyse les intentions, produit les accidents, agence les bizarreries et favorise les rencontres. Attachée à la transmission et au partage, la Compagnie des Géotrupes, sous la houlette de Christian Esnay, concrétise la volonté de Molière de porter le théâtre comme un « art démocratique », affichant ainsi l’affirmation sans cesse réinventée de fabriquer un théâtre populaire et exigeant.

Christian Esnay, comédien et metteur en scène, se forme dans l’atelier de Didier-Georges Gabily de 1988 à 1993. Parallèlement, il joue l’Odéon, La Colline, le TNB, le Festival d’Avignon, le Théâtre de la Cité Internationale… En tant que metteur en scène – et amateur de Shakespeare – il réalise son premier travail en 1998 au Maillon à Strasbourg avec Le Songe d’une nuit d’été, spectacle en appartement. En 2002, il crée sa compagnie Les Géotrupes. Depuis ses débuts, les expériences de travail de la compagnie travaillent à concrétiser « l’accessibilité au théâtre pour le plus grand nombre ».

presse : « Quoi en plus avec les Géotrupes ? Ce quelque chose de doux, comme du velours théâtre, qui enrobe comédiens et décors. Cette troupe qui nous accueille, comme absente, et qui nous trouble. Une couleur » L’humanité

La pièce secoue parce qu’elle est plus que l’histoire d’un ridicule, elle est celle d’un monstre. Arnolphe aime Agnès, certainement, mais d’une telle façon que cet amour n’a plus figure, ni force, ni chance d’amour. Molière repeint aux couleurs d’une folie spéciale, et extrême, le vieux pitch du cocu. Comment peut-on se vanter de devenir le premier homme épargné par l’infidélité quand on aime aussi mal ! Les cornes qui le dégoûtent d’avance, c’est comme s’il les avait déjà, ce n’est qu’une question d’heure. Et de quelle école est-il question dans L’école des Femmes ? Allez savoir. Il y a bien sûr l’école drastique, imaginée par Arnolphe, et dont Agnès est l’unique pensionnaire et recluse. C’est aussi cette école ouverte, qui convoque le hasard, qui parasite les projets, paralyse les intentions, produit les accidents, agence les bizarreries et favorise les rencontres. Attachée à la transmission et au partage, la Compagnie des Géotrupes, sous la houlette de Christian Esnay, concrétise la volonté de Molière de porter le théâtre comme un « art démocratique », affichant ainsi l’affirmation sans cesse réinventée de fabriquer un théâtre populaire et exigeant.

Christian Esnay, comédien et metteur en scène, se forme dans l’atelier de Didier-Georges Gabily de 1988 à 1993. Parallèlement, il joue l’Odéon, La Colline, le TNB, le Festival d’Avignon, le Théâtre de la Cité Internationale… En tant que metteur en scène – et amateur de Shakespeare – il réalise son premier travail en 1998 au Maillon à Strasbourg avec Le Songe d’une nuit d’été, spectacle en appartement. En 2002, il crée sa compagnie Les Géotrupes. Depuis ses débuts, les expériences de travail de la compagnie travaillent à concrétiser « l’accessibilité au théâtre pour le plus grand nombre ».

presse : « Quoi en plus avec les Géotrupes ? Ce quelque chose de doux, comme du velours théâtre, qui enrobe comédiens et décors. Cette troupe qui nous accueille, comme absente, et qui nous trouble. Une couleur » L’humanité

La pièce secoue parce qu’elle est plus que l’histoire d’un ridicule, elle est celle d’un monstre. Arnolphe aime Agnès, certainement, mais d’une telle façon que cet amour n’a plus figure, ni force, ni chance d’amour. Molière repeint aux couleurs d’une folie spéciale, et extrême, le vieux pitch du cocu. Comment peut-on se vanter de devenir le premier homme épargné par l’infidélité quand on aime aussi mal ! Les cornes qui le dégoûtent d’avance, c’est comme s’il les avait déjà, ce n’est qu’une question d’heure. Et de quelle école est-il question dans L’école des Femmes ? Allez savoir. Il y a bien sûr l’école drastique, imaginée par Arnolphe, et dont Agnès est l’unique pensionnaire et recluse. C’est aussi cette école ouverte, qui convoque le hasard, qui parasite les projets, paralyse les intentions, produit les accidents, agence les bizarreries et favorise les rencontres. Attachée à la transmission et au partage, la Compagnie des Géotrupes, sous la houlette de Christian Esnay, concrétise la volonté de Molière de porter le théâtre comme un « art démocratique », affichant ainsi l’affirmation sans cesse réinventée de fabriquer un théâtre populaire et exigeant.

Christian Esnay, comédien et metteur en scène, se forme dans l’atelier de Didier-Georges Gabily de 1988 à 1993. Parallèlement, il joue l’Odéon, La Colline, le TNB, le Festival d’Avignon, le Théâtre de la Cité Internationale… En tant que metteur en scène – et amateur de Shakespeare – il réalise son premier travail en 1998 au Maillon à Strasbourg avec Le Songe d’une nuit d’été, spectacle en appartement. En 2002, il crée sa compagnie Les Géotrupes. Depuis ses débuts, les expériences de travail de la compagnie travaillent à concrétiser « l’accessibilité au théâtre pour le plus grand nombre ».

presse : « Quoi en plus avec les Géotrupes ? Ce quelque chose de doux, comme du velours théâtre, qui enrobe comédiens et décors. Cette troupe qui nous accueille, comme absente, et qui nous trouble. Une couleur » L’humanité

Diptyque poétique qui aborde le thème de la résistance incarnée par des femmes, « Les Folles » désignent avant tout ces mères argentines qui ont résisté à la dictature militaire suite à la disparition de 30 000 personnes, les Mères de la place de Mai. Dans un contexte politique autoritaire émerge alors une conscience collective, folle et viscérale, pour retrouver les familles disparues et défendre les droits humains.
Point de Croix est une métaphore de la pugnacité de ces femmes au foulard brodé à travers la figure de la brodeuse. Point après point, elle tente de convoquer le souvenir des disparus et opère une mue intime pour passer de la solitude endeuillée à la force du collectif.
Silencio es salud est l’enquête d’un Argentin immigré en Europe, Santiago Moreno, explorant le contexte politique de ces années sombres où la parole était dangereuse. Ce musicien/manipulateur s’empare des archives de l’époque, et orchestre nos sens pour nous faire partager la force d’une résistance et d’une mémoire collective en mouvement.
Ces deux solos sans parole sont associés à une exposition sur les Mères de la place de Mai présentant des photos historiques, une reconstitution en marionnettes et un court film animé.

La Mue/tte est une compagnie franco-argentine qui voit le jour à Nancy en 2014 suite à la rencontre d’une comédienne-marionnettiste nancéenne et d’un musicien-marionnettiste argentin, tous deux passionnés par la question du mouvement, de sa transmission et de sa
répercussion (son, images, manipulations). Delphine Bardot et Santiago Moreno  s’associent avec le projet de développer une recherche autour du théâtre visuel et musical, d’engager le corps et la marionnette en ce qu’ils ont de sonores et rythmiques, et la musique en ce qu’elle a de physique, à travers une certaine mécanique poétique du mouvement.

presse : « Dans un astucieux diptyque, La Mue/tte rend un vibrant hommage à ces femmes devenues emblématiques de la défense des droits de l’homme. Delphine Bardot évoque celles qui ont choisi de broder pour résister, mêlant la douceur du geste à la férocité du drame, tandis que Santiago Moreno utilise des photos et des vidéos tirées d’archives qui
rappellent la brutalité et le cynisme des dirigeants responsables de la disparition de 30 000 personnes. » TT TELERAMA

Diptyque poétique qui aborde le thème de la résistance incarnée par des femmes, « Les Folles » désignent avant tout ces mères argentines qui ont résisté à la dictature militaire suite à la disparition de 30 000 personnes, les Mères de la place de Mai. Dans un contexte politique autoritaire émerge alors une conscience collective, folle et viscérale, pour retrouver les familles disparues et défendre les droits humains.
Point de Croix est une métaphore de la pugnacité de ces femmes au foulard brodé à travers la figure de la brodeuse. Point après point, elle tente de convoquer le souvenir des disparus et opère une mue intime pour passer de la solitude endeuillée à la force du collectif.
Silencio es salud est l’enquête d’un Argentin immigré en Europe, Santiago Moreno, explorant le contexte politique de ces années sombres où la parole était dangereuse. Ce musicien/manipulateur s’empare des archives de l’époque, et orchestre nos sens pour nous faire partager la force d’une résistance et d’une mémoire collective en mouvement.
Ces deux solos sans parole sont associés à une exposition sur les Mères de la place de Mai présentant des photos historiques, une reconstitution en marionnettes et un court film animé.

La Mue/tte est une compagnie franco-argentine qui voit le jour à Nancy en 2014 suite à la rencontre d’une comédienne-marionnettiste nancéenne et d’un musicien-marionnettiste argentin, tous deux passionnés par la question du mouvement, de sa transmission et de sa
répercussion (son, images, manipulations). Delphine Bardot et Santiago Moreno  s’associent avec le projet de développer une recherche autour du théâtre visuel et musical, d’engager le corps et la marionnette en ce qu’ils ont de sonores et rythmiques, et la musique en ce qu’elle a de physique, à travers une certaine mécanique poétique du mouvement.

presse : « Dans un astucieux diptyque, La Mue/tte rend un vibrant hommage à ces femmes devenues emblématiques de la défense des droits de l’homme. Delphine Bardot évoque celles qui ont choisi de broder pour résister, mêlant la douceur du geste à la férocité du drame, tandis que Santiago Moreno utilise des photos et des vidéos tirées d’archives qui
rappellent la brutalité et le cynisme des dirigeants responsables de la disparition de 30 000 personnes. » TT TELERAMA

Diptyque poétique qui aborde le thème de la résistance incarnée par des femmes, « Les Folles » désignent avant tout ces mères argentines qui ont résisté à la dictature militaire suite à la disparition de 30 000 personnes, les Mères de la place de Mai. Dans un contexte politique autoritaire émerge alors une conscience collective, folle et viscérale, pour retrouver les familles disparues et défendre les droits humains.
Point de Croix est une métaphore de la pugnacité de ces femmes au foulard brodé à travers la figure de la brodeuse. Point après point, elle tente de convoquer le souvenir des disparus et opère une mue intime pour passer de la solitude endeuillée à la force du collectif.
Silencio es salud est l’enquête d’un Argentin immigré en Europe, Santiago Moreno, explorant le contexte politique de ces années sombres où la parole était dangereuse. Ce musicien/manipulateur s’empare des archives de l’époque, et orchestre nos sens pour nous faire partager la force d’une résistance et d’une mémoire collective en mouvement.
Ces deux solos sans parole sont associés à une exposition sur les Mères de la place de Mai présentant des photos historiques, une reconstitution en marionnettes et un court film animé.

La Mue/tte est une compagnie franco-argentine qui voit le jour à Nancy en 2014 suite à la rencontre d’une comédienne-marionnettiste nancéenne et d’un musicien-marionnettiste argentin, tous deux passionnés par la question du mouvement, de sa transmission et de sa
répercussion (son, images, manipulations). Delphine Bardot et Santiago Moreno  s’associent avec le projet de développer une recherche autour du théâtre visuel et musical, d’engager le corps et la marionnette en ce qu’ils ont de sonores et rythmiques, et la musique en ce qu’elle a de physique, à travers une certaine mécanique poétique du mouvement.

presse : « Dans un astucieux diptyque, La Mue/tte rend un vibrant hommage à ces femmes devenues emblématiques de la défense des droits de l’homme. Delphine Bardot évoque celles qui ont choisi de broder pour résister, mêlant la douceur du geste à la férocité du drame, tandis que Santiago Moreno utilise des photos et des vidéos tirées d’archives qui
rappellent la brutalité et le cynisme des dirigeants responsables de la disparition de 30 000 personnes. » TT TELERAMA

Diptyque poétique qui aborde le thème de la résistance incarnée par des femmes, « Les Folles » désignent avant tout ces mères argentines qui ont résisté à la dictature militaire suite à la disparition de 30 000 personnes, les Mères de la place de Mai. Dans un contexte politique autoritaire émerge alors une conscience collective, folle et viscérale, pour retrouver les familles disparues et défendre les droits humains.
Point de Croix est une métaphore de la pugnacité de ces femmes au foulard brodé à travers la figure de la brodeuse. Point après point, elle tente de convoquer le souvenir des disparus et opère une mue intime pour passer de la solitude endeuillée à la force du collectif.
Silencio es salud est l’enquête d’un Argentin immigré en Europe, Santiago Moreno, explorant le contexte politique de ces années sombres où la parole était dangereuse. Ce musicien/manipulateur s’empare des archives de l’époque, et orchestre nos sens pour nous faire partager la force d’une résistance et d’une mémoire collective en mouvement.
Ces deux solos sans parole sont associés à une exposition sur les Mères de la place de Mai présentant des photos historiques, une reconstitution en marionnettes et un court film animé.

La Mue/tte est une compagnie franco-argentine qui voit le jour à Nancy en 2014 suite à la rencontre d’une comédienne-marionnettiste nancéenne et d’un musicien-marionnettiste argentin, tous deux passionnés par la question du mouvement, de sa transmission et de sa
répercussion (son, images, manipulations). Delphine Bardot et Santiago Moreno  s’associent avec le projet de développer une recherche autour du théâtre visuel et musical, d’engager le corps et la marionnette en ce qu’ils ont de sonores et rythmiques, et la musique en ce qu’elle a de physique, à travers une certaine mécanique poétique du mouvement.

presse : « Dans un astucieux diptyque, La Mue/tte rend un vibrant hommage à ces femmes devenues emblématiques de la défense des droits de l’homme. Delphine Bardot évoque celles qui ont choisi de broder pour résister, mêlant la douceur du geste à la férocité du drame, tandis que Santiago Moreno utilise des photos et des vidéos tirées d’archives qui
rappellent la brutalité et le cynisme des dirigeants responsables de la disparition de 30 000 personnes. » TT TELERAMA

Diptyque poétique qui aborde le thème de la résistance incarnée par des femmes, « Les Folles » désignent avant tout ces mères argentines qui ont résisté à la dictature militaire suite à la disparition de 30 000 personnes, les Mères de la place de Mai. Dans un contexte politique autoritaire émerge alors une conscience collective, folle et viscérale, pour retrouver les familles disparues et défendre les droits humains.
Point de Croix est une métaphore de la pugnacité de ces femmes au foulard brodé à travers la figure de la brodeuse. Point après point, elle tente de convoquer le souvenir des disparus et opère une mue intime pour passer de la solitude endeuillée à la force du collectif.
Silencio es salud est l’enquête d’un Argentin immigré en Europe, Santiago Moreno, explorant le contexte politique de ces années sombres où la parole était dangereuse. Ce musicien/manipulateur s’empare des archives de l’époque, et orchestre nos sens pour nous faire partager la force d’une résistance et d’une mémoire collective en mouvement.
Ces deux solos sans parole sont associés à une exposition sur les Mères de la place de Mai présentant des photos historiques, une reconstitution en marionnettes et un court film animé.

La Mue/tte est une compagnie franco-argentine qui voit le jour à Nancy en 2014 suite à la rencontre d’une comédienne-marionnettiste nancéenne et d’un musicien-marionnettiste argentin, tous deux passionnés par la question du mouvement, de sa transmission et de sa
répercussion (son, images, manipulations). Delphine Bardot et Santiago Moreno  s’associent avec le projet de développer une recherche autour du théâtre visuel et musical, d’engager le corps et la marionnette en ce qu’ils ont de sonores et rythmiques, et la musique en ce qu’elle a de physique, à travers une certaine mécanique poétique du mouvement.

presse : « Dans un astucieux diptyque, La Mue/tte rend un vibrant hommage à ces femmes devenues emblématiques de la défense des droits de l’homme. Delphine Bardot évoque celles qui ont choisi de broder pour résister, mêlant la douceur du geste à la férocité du drame, tandis que Santiago Moreno utilise des photos et des vidéos tirées d’archives qui
rappellent la brutalité et le cynisme des dirigeants responsables de la disparition de 30 000 personnes. » TT TELERAMA

Circus I love you est un cirque utopiste. Avec une esthétique contemporaine et une large palette de disciplines de cirque (main à main, suspensions par les cheveux, roue allemande…), les artistes promeuvent la paix et l’amour. Avec une grande simplicité mais un risque toujours présent, les artistes dépassent leurs peurs et le risque de l’échec qui nous empêche tous d’avancer. A la fois musiciens et circassiens, les artistes jouent en live pendant le spectacle.
« On ne peut pas jouer un saut périlleux, ou même prétendre rattraper un acrobate qui tombe de haut. Le risque est toujours présent. La peur de l’échec nous empêche tous-toutes, un jour ou l’autre, d’essayer. La peur de l’inconnu nous empêche d’initier des aventures extraordinaires. La peur d’être jugé peut régulièrement empêcher d’assumer ce qui est important pour chacun. La peur rend docile et crée un besoin de sécurité, selon nous démesuré, qui pousse à la surconsommation. Faire face à nos peurs est un moyen de regagner notre liberté. » Circus I love you AB

Circus I love you AB est une jeune compagnie basée en Suède. Circus I love you est leur première création après deux ans de résidences et de recherches. Elle comprend huit artistes de cirque et musiciens originaires du Danemark, de Finlande, de France, de Norvège et de Suède. Mais ce multiculturalisme rend difficile le choix de s’implanter quelque part. C’est pourquoi la compagnie a décidé de ne pas s’installer et de planter son chapiteau aux quatre coins de l’Europe. Une vision artistique qui les pousse à convaincre toujours une nouvelle ville avec leur spectacle.

Circus I love you est un cirque utopiste. Avec une esthétique contemporaine et une large palette de disciplines de cirque (main à main, suspensions par les cheveux, roue allemande…), les artistes promeuvent la paix et l’amour. Avec une grande simplicité mais un risque toujours présent, les artistes dépassent leurs peurs et le risque de l’échec qui nous empêche tous d’avancer. A la fois musiciens et circassiens, les artistes jouent en live pendant le spectacle.
« On ne peut pas jouer un saut périlleux, ou même prétendre rattraper un acrobate qui tombe de haut. Le risque est toujours présent. La peur de l’échec nous empêche tous-toutes, un jour ou l’autre, d’essayer. La peur de l’inconnu nous empêche d’initier des aventures extraordinaires. La peur d’être jugé peut régulièrement empêcher d’assumer ce qui est important pour chacun. La peur rend docile et crée un besoin de sécurité, selon nous démesuré, qui pousse à la surconsommation. Faire face à nos peurs est un moyen de regagner notre liberté. » Circus I love you AB

Circus I love you AB est une jeune compagnie basée en Suède. Circus I love you est leur première création après deux ans de résidences et de recherches. Elle comprend huit artistes de cirque et musiciens originaires du Danemark, de Finlande, de France, de Norvège et de Suède. Mais ce multiculturalisme rend difficile le choix de s’implanter quelque part. C’est pourquoi la compagnie a décidé de ne pas s’installer et de planter son chapiteau aux quatre coins de l’Europe. Une vision artistique qui les pousse à convaincre toujours une nouvelle ville avec leur spectacle.