À Verdun

PROGRAMME

Antonio VIVALDI
Vedrò con mio diletto
Il Giustino
Domine Deus – Gloria

Claude DEBUSSY
Arabesque n°1
Ariettes oubliées
Clair de lune
Suite Bergamasque
Nuit d’étoiles
Beau soir
Feu d’artifice

Maurice RAVEL
Chants populaires

George CRUMB
Spring fire and Dream image
Three early songs

Inès Prisca commence très tôt l’étude de la musique dans la classe d’Emmanuelle Mousset au conservatoire Gustave Charpentier de Paris. À l’âge de 9 ans elle intègre la Maîtrise de Radio-France, où elle acquiert une solide formation musicale. Durant ce cursus, elle participe à de nombreux concerts sous la direction de chefs prestigieux tels que Kurt Masur, Georges Prêtre, Myung Whun Chung, Yutaka Sado, Marc Minkowski, Charles Dutoit, Riccardo Muti (…) Elle entre ensuite dans la classe de chant lyrique de Gisèle Fixe au conservatoire Erik Satie du 7ème arrondissement, tout en suivant des études universitaires en cinéma et audiovisuel à la Sorbonne Nouvelle et de jazz vocal au Conservatoire Nadia et Lili Boulanger, dans la classe de Guylenn Delassus. Elle suit une formation de comédienne au Studio spectacle Acting International avec Robert Cordier puis dans les workshops de Jack Waltzer. Elle suit actuellement un cursus de chant lyrique avec Caroline Fèvre.

Raphaël Laroche, formé au Conservatoire de Rouen par Ursula Von Lerber, il intègre ensuite le Pôle d‘Enseignement Supérieur de la musique Île-de-France où il obtient son diplôme dans la classe de Bruno Perbost en 2014. Parallèlement, il approfondit sa formation avec Marie-Joseph Jude, Jean-François Heisseret Pascal Nemirovski avec lequel il étudie un an à la Royal Academy of Music de Londres. Passionné par la pédagogie, il obtient son diplôme d’état au Pôle Sup’93 et enseigne depuis 2016 le piano au Conservatoire du Grand Verdun. En tant que soliste, accompagnateur et improvisateur il est amené à se produire régulièrement dans des événements comme le festival « tous en scène ! » ou « Il était une voix » au théâtre d’Aulnay-sous-bois avec Didier Grojsman. Il se produit en 2019 avec Inès Prisca dans un concert-théâtre, « Le bureau des enfers », présenté au théâtre du Gouvernail et à l’Auguste Théâtre ; ensemble, ils choisissent de commencer une nouvelle aventure musicale en duo.

« L’inspiration vient du livre de la psychologue américaine Robin Norwood « Ces femmes qui aiment trop ». Il s’agit de femmes qui recherchent pour leurs histoires d’amour un homme qui a besoin d’aide, qui est souvent soit alcoolique, soit addict aux drogues ou au jeu, soit violent… Ces femmes, à cause de leur passé, et souvent de ce qu’elles ont vécu  pendant l’enfance, deviennent elles-mêmes accros à ces hommes et à la relation qui s’instaure entre eux. Elles en ont besoin pour se sentir vivantes et accomplies, alors qu’elles sont dans un processus d’autodestruction. Les personnages principaux de La Table sont « La Femme Qui Aime Trop » et « Monsieur Renard ». « La Femme Qui Aime Trop » est passionnée, lunatique, créative et acrobatique. Monsieur Renard (un renard empaillé !) représente l’homme égoïste et manipulateur, incapable d’aimer mais qui veut l’amour de « la femme » pour son propre confort. La Table est la description d’une lutte qui se déroule entre les murs de la maison, dans un environnement privé, caché du monde extérieur, avec des apparences aussi parfaites que fausses… Avec ironie et autodérision, je veux raconter cette lutte à travers du cirque, et montrer que la clé d’une relation saine commence par l’amour de soi-même. L’idée est d’éloigner ce qui nous fait souffrir, de refuser l’idée que l’on doive souffrir, notamment par amour. » Tiziana Prota

Bassekou Kouyate est né à Garana, petit village multiethnique situé à 60 km de Ségou, sur les rives du fl euve Niger. Il est issu d’une longue lignée de griots. Dans les années 90, Bassekou commence à jouer le circuit traditionnel du sumu, sur lequel il rencontre Toumani Diabate (kora) ; avec celui-ci et Habib Koite, ils créent Symmetric Orchestra et vivent une première tournée en Europe fi n 90. La même année, Bassekou fait son premier voyage aux États-Unis, où il rencontre le musicien de blues afro-américain, Taj Mahal. Il épouse Amy Sacko, chanteuse griot originaire du nord-ouest du Mali. Ensemble, ils enregistrent plusieurs cassettes populaires et se produisent sur le circuit des mariages et à la télévision malienne où Amy est surnommée «la Tina Turner du Mali». En 2005, Bassekou est invité par Ali Farka Touré à jouer sur son album «Savane» et à le rejoindre sur scène pour sa dernière tournée à l’été 2005. La même année, Bassekou créé son groupe Ngoni Ba, un quatuor de ngonis de taille différente, incluant sa femme et des membres de sa famille. Depuis Bassekou Kouyate & Ngoni Ba ont fait le tour du monde en jouant de Central Park à NYC, au Royal Albert Hall à Londres, de Roskilde à Glastonbury. Il joue également avec Africa Express et avec des musiciens comme Sir Paul McCartney, John Paul Jones, Damon Albarn et bien d’autres.

« Le cinéma est un art qui se partage, se transmet. Nous accompagnant au fil de notre existence, par le souvenir qu’on en garde ou par les visionnages successifs, les «films de nos vies» donnent à lire nos histoires. Ma rencontre avec Pierre Maillet a eu lieu il y a vingt ans. Il y a entre nous ce plaisir du dialogue, la confiance, et ce goût pour les acteurs, le jeu, le cinéma. Car Pierre est un grand cinéphile, il collectionne chez lui des centaines de films. Ils font partie de sa vie. Avec la complicité de Tanguy Viel, nous avons imaginé un récit rendant sensible le cheminement d’un jeune homme qui, grâce au cinéma, sent grandir en lui un fort désir d’émancipation et de liberté. Un récit dont le cinéma serait le support, ou le prétexte. En revisitant avec humour les premiers émois cinématographiques de Pierre, nous dressons, non seulement son portrait mais aussi celui d’une génération. Le cinéma des années 80 et 90, les affiches gardées précieusement dans la chambre, les premiers vidéos-clubs, les films d’horreur vus en cachette. Puis, vient le cinéma d’auteur. Car les films offrent une pluralité d’identifications possibles, que chacun peut adopter ou récuser, apprenant ainsi à mieux élaborer sa propre identité. C’est cet apprentissage qui m’intéresse, la construction d’un parcours et la genèse d’une vie d’artiste. » Émilie Capliez

« Le cinéma est un art qui se partage, se transmet. Nous accompagnant au fil de notre existence, par le souvenir qu’on en garde ou par les visionnages successifs, les «films de nos vies» donnent à lire nos histoires. Ma rencontre avec Pierre Maillet a eu lieu il y a vingt ans. Il y a entre nous ce plaisir du dialogue, la confiance, et ce goût pour les acteurs, le jeu, le cinéma. Car Pierre est un grand cinéphile, il collectionne chez lui des centaines de films. Ils font partie de sa vie. Avec la complicité de Tanguy Viel, nous avons imaginé un récit rendant sensible le cheminement d’un jeune homme qui, grâce au cinéma, sent grandir en lui un fort désir d’émancipation et de liberté. Un récit dont le cinéma serait le support, ou le prétexte. En revisitant avec humour les premiers émois cinématographiques de Pierre, nous dressons, non seulement son portrait mais aussi celui d’une génération. Le cinéma des années 80 et 90, les affiches gardées précieusement dans la chambre, les premiers vidéos-clubs, les films d’horreur vus en cachette. Puis, vient le cinéma d’auteur. Car les films offrent une pluralité d’identifications possibles, que chacun peut adopter ou récuser, apprenant ainsi à mieux élaborer sa propre identité. C’est cet apprentissage qui m’intéresse, la construction d’un parcours et la genèse d’une vie d’artiste. » Émilie Capliez

« Le cinéma est un art qui se partage, se transmet. Nous accompagnant au fil de notre existence, par le souvenir qu’on en garde ou par les visionnages successifs, les «films de nos vies» donnent à lire nos histoires. Ma rencontre avec Pierre Maillet a eu lieu il y a vingt ans. Il y a entre nous ce plaisir du dialogue, la confiance, et ce goût pour les acteurs, le jeu, le cinéma. Car Pierre est un grand cinéphile, il collectionne chez lui des centaines de films. Ils font partie de sa vie. Avec la complicité de Tanguy Viel, nous avons imaginé un récit rendant sensible le cheminement d’un jeune homme qui, grâce au cinéma, sent grandir en lui un fort désir d’émancipation et de liberté. Un récit dont le cinéma serait le support, ou le prétexte. En revisitant avec humour les premiers émois cinématographiques de Pierre, nous dressons, non seulement son portrait mais aussi celui d’une génération. Le cinéma des années 80 et 90, les affiches gardées précieusement dans la chambre, les premiers vidéos-clubs, les films d’horreur vus en cachette. Puis, vient le cinéma d’auteur. Car les films offrent une pluralité d’identifications possibles, que chacun peut adopter ou récuser, apprenant ainsi à mieux élaborer sa propre identité. C’est cet apprentissage qui m’intéresse, la construction d’un parcours et la genèse d’une vie d’artiste. » Émilie Capliez

« Et puis, il y a eu cette loi votée en Russie en janvier 2017 pour la dépénalisation des violences domestiques. J’ai été bouleversée par la découverte de cette mesure et par les arguments soutenus au sein du débat public relayé par les médias. Cette loi, plébiscitée par le pouvoir et l’Eglise orthodoxe au nom d’une certaine idée de la famille et du respect de la figure d’autorité patriarcale, a été promulguée mardi 7 février 2017 par le président Poutine. Selon le ministère russe de l’Intérieur, « chaque jour, 36 000 femmes russes sont victimes de violences conjugales. 12 000 femmes décèdent, chaque année, sous les coups de leur conjoint ; soit une femme, toutes les quarante minutes ». Je n’arrivais / n’arrive toujours pas à comprendre qu’il soit possible de justifier un coup porté. Aucune représentation de la notion de famille ne peut légitimer la violence physique ou psychologique. J’ai ressenti une urgence personnelle à parler de ce sujet. Je souhaitais aborder la question du mutisme et de la solitude des femmes qui vivent dans la terreur de leur compagnon et qui ne savent pas comment ni à qui en parler. C’est pourquoi j’ai proposé à Sigrid de travailler avec moi à l’écriture d’une fiction sur la violence dans le cadre secret du couple. » Lena Paugam

presse : « Dans le tourbillon d’Avignon, il est parfois de ces petits miracles de beauté, d’intelligence et d’exigence artistique qui réussissent à transcender un sujet difficile et douloureux en une oeuvre véritable. Ces petits miracles nous montrent que le chemin vers l’excellence est possible et qu’il est synonyme d’émerveillement et d’émotion intense. » Julia Bianchi / Le coryphée

« Et puis, il y a eu cette loi votée en Russie en janvier 2017 pour la dépénalisation des violences domestiques. J’ai été bouleversée par la découverte de cette mesure et par les arguments soutenus au sein du débat public relayé par les médias. Cette loi, plébiscitée par le pouvoir et l’Eglise orthodoxe au nom d’une certaine idée de la famille et du respect de la figure d’autorité patriarcale, a été promulguée mardi 7 février 2017 par le président Poutine. Selon le ministère russe de l’Intérieur, « chaque jour, 36 000 femmes russes sont victimes de violences conjugales. 12 000 femmes décèdent, chaque année, sous les coups de leur conjoint ; soit une femme, toutes les quarante minutes ». Je n’arrivais / n’arrive toujours pas à comprendre qu’il soit possible de justifier un coup porté. Aucune représentation de la notion de famille ne peut légitimer la violence physique ou psychologique. J’ai ressenti une urgence personnelle à parler de ce sujet. Je souhaitais aborder la question du mutisme et de la solitude des femmes qui vivent dans la terreur de leur compagnon et qui ne savent pas comment ni à qui en parler. C’est pourquoi j’ai proposé à Sigrid de travailler avec moi à l’écriture d’une fiction sur la violence dans le cadre secret du couple. » Lena Paugam

presse : « Dans le tourbillon d’Avignon, il est parfois de ces petits miracles de beauté, d’intelligence et d’exigence artistique qui réussissent à transcender un sujet difficile et douloureux en une oeuvre véritable. Ces petits miracles nous montrent que le chemin vers l’excellence est possible et qu’il est synonyme d’émerveillement et d’émotion intense. » Julia Bianchi / Le coryphée

« Et puis, il y a eu cette loi votée en Russie en janvier 2017 pour la dépénalisation des violences domestiques. J’ai été bouleversée par la découverte de cette mesure et par les arguments soutenus au sein du débat public relayé par les médias. Cette loi, plébiscitée par le pouvoir et l’Eglise orthodoxe au nom d’une certaine idée de la famille et du respect de la figure d’autorité patriarcale, a été promulguée mardi 7 février 2017 par le président Poutine. Selon le ministère russe de l’Intérieur, « chaque jour, 36 000 femmes russes sont victimes de violences conjugales. 12 000 femmes décèdent, chaque année, sous les coups de leur conjoint ; soit une femme, toutes les quarante minutes ». Je n’arrivais / n’arrive toujours pas à comprendre qu’il soit possible de justifier un coup porté. Aucune représentation de la notion de famille ne peut légitimer la violence physique ou psychologique. J’ai ressenti une urgence personnelle à parler de ce sujet. Je souhaitais aborder la question du mutisme et de la solitude des femmes qui vivent dans la terreur de leur compagnon et qui ne savent pas comment ni à qui en parler. C’est pourquoi j’ai proposé à Sigrid de travailler avec moi à l’écriture d’une fiction sur la violence dans le cadre secret du couple. » Lena Paugam

presse : « Dans le tourbillon d’Avignon, il est parfois de ces petits miracles de beauté, d’intelligence et d’exigence artistique qui réussissent à transcender un sujet difficile et douloureux en une oeuvre véritable. Ces petits miracles nous montrent que le chemin vers l’excellence est possible et qu’il est synonyme d’émerveillement et d’émotion intense. » Julia Bianchi / Le coryphée

« Arrêtons un moment… ». Bérénice commence comme ça. On arrête un moment de vie, on le suspend tellement il est fort. Ce n’est pas juste, d’ailleurs, de dire cela car elle commence par la préface de Jean Racine, par cette voix que j’imagine du vieil homme : « C’est-à-dire que Titus, qui aimait passionnément Bérénice, et qui lui avait promis de l’épouser, la renvoya de Rome, malgré lui, malgré elle, dès les premiers jours de son empire. ». Et nous, assis autour d’une table, nous l’écoutons, prêts à bondir. On peut dire que Racine met la langue dans tous ces états. Mais il y a Rome : « Non, pas de reine étrangère ». Bérénice la juive, Titus le Romain et Antiochus l’Arabe. Qu’est-ce qui empêche d’aimer ? Pas de mélodie chez Racine mais l’existence du contrepoint toujours. Tout avance en même temps : ils jouent, ils sont le regard, et la préface… Le Théâtre écoute. Je n’arrive pas à envisager une distribution classique. Je me pose la question d’un groupe capable de recevoir la confidence de Racine. De la soutenir, de s’y plonger, de s’y laisser prendre. J’ai du mal à imaginer qu’un spectacle puisse être fini une fois les répétitions achevées. Nous avons commencé Bérénice avec cinq comédiens. Puis une autre version s’est imposée en tournée avec quatre resserrant le propos. Nouvelle approche d’une même mélodie. » Isabelle Lafon

presse : « Sans costumes d’époque, sans actualisation non plus, sans dire tout le texte pour en toucher le coeur, Isabelle Lafon et ses partenaires signent une version follement vibrante de la pièce de Racine. Une page de l’histoire des représentations de Bérénice s’écrit là devant nous. Reprenons-en le fil à celle de Planchon puis à la Bérénice d’Antoine Vitez. La Bérénice d’Isabelle Lafon semble comme regardée avec bienveillance et amicalité par ces maîtres disparus. Elle ne joue pas des pièces, elle va, le coeur battant, à leur rencontre. » Jean-Pierre Thibaudat – Médiapart

« Arrêtons un moment… ». Bérénice commence comme ça. On arrête un moment de vie, on le suspend tellement il est fort. Ce n’est pas juste, d’ailleurs, de dire cela car elle commence par la préface de Jean Racine, par cette voix que j’imagine du vieil homme : « C’est-à-dire que Titus, qui aimait passionnément Bérénice, et qui lui avait promis de l’épouser, la renvoya de Rome, malgré lui, malgré elle, dès les premiers jours de son empire. ». Et nous, assis autour d’une table, nous l’écoutons, prêts à bondir. On peut dire que Racine met la langue dans tous ces états. Mais il y a Rome : « Non, pas de reine étrangère ». Bérénice la juive, Titus le Romain et Antiochus l’Arabe. Qu’est-ce qui empêche d’aimer ? Pas de mélodie chez Racine mais l’existence du contrepoint toujours. Tout avance en même temps : ils jouent, ils sont le regard, et la préface… Le Théâtre écoute. Je n’arrive pas à envisager une distribution classique. Je me pose la question d’un groupe capable de recevoir la confidence de Racine. De la soutenir, de s’y plonger, de s’y laisser prendre. J’ai du mal à imaginer qu’un spectacle puisse être fini une fois les répétitions achevées. Nous avons commencé Bérénice avec cinq comédiens. Puis une autre version s’est imposée en tournée avec quatre resserrant le propos. Nouvelle approche d’une même mélodie. » Isabelle Lafon

presse : « Sans costumes d’époque, sans actualisation non plus, sans dire tout le texte pour en toucher le coeur, Isabelle Lafon et ses partenaires signent une version follement vibrante de la pièce de Racine. Une page de l’histoire des représentations de Bérénice s’écrit là devant nous. Reprenons-en le fil à celle de Planchon puis à la Bérénice d’Antoine Vitez. La Bérénice d’Isabelle Lafon semble comme regardée avec bienveillance et amicalité par ces maîtres disparus. Elle ne joue pas des pièces, elle va, le coeur battant, à leur rencontre. » Jean-Pierre Thibaudat – Médiapart

PROGRAMME

Jean Sébastien Bach : Invention en Ut, Aria de la 3eme suite
Arcangelo Corelli : Sonata
Halvorsen & Haendel : Passacaille
Christoph Moschberger : Tears for Pachelbel
Allan Botschinsky : interlude n°4
Luis Bonfa : Mahna de Carnaval
Astor Piazzolla : Bordel 1900 Tango Etude n°3, Libertango

Romain Leleu, 1er prix de trompette et de musique de chambre au CNSM de Paris, se perfectionne ensuite auprès de Reinhold Friedrich à Karlsruhe. Il est l’invité régulier de festivals internationaux (Roque d’Anthéron, Prades, Radio France Montpellier, Folle Journée de Nantes, Musiq3 de Bruxelles, Seoul Spring Festival…) et se produit régulièrement sur des scènes prestigieuses (Philharmonie du Luxembourg, Royal Albert Hall de Londres, l’Athéneum de Bucarest, Seoul Arts Center, Théâtre de l’Hermitage Saint Petersbourg, Cincinnati Museum Center, Théâtre des Champs Elysées,…). Il joue en soliste avec de grands orchestres (Orchestre National de France, Orchestre National du Capitole de Toulouse, Orchestre National de Lille, Orchestre de Chambre de Paris, Staatsorchester Frankfurt, Dresdner Kappellsolisten, Slovak Sinfonietta, …). En musique de chambre, il se produit régulièrement avec Thierry Escaich, Adam Laloum, François Dumont, Ibrahim Maalouf, Frank Braley…

Thomas Leleu : 1er Prix de Tuba au CNSM de Paris, il étudie ensuite à la Hochschule für Musik de Detmold avec Hans Nickel. Lauréat des Concours Internationaux de Markneukirchen (Allemagne), Jeju (Corée du Sud) et Luxembourg, Thomas est Tuba Solo de l’Orchestre Philharmonique de l’Opéra de Marseille. Il se produit dans de nombreux pays (Konzerthaus de Berlin, MITO SettembreMusica/Italie, Brucknerhaus de Linz/Autriche, Concert Hall/Singapour, Hong Kong City Hall, salle Gaveau, Théâtre du Châtelet, …) et avec différents orchestres (Orchestre National d’Ile de France, Hong Kong Sinfonietta, Junge Sinfonie/Berlin, l’Orchestre de Chambre de Paris, Santa Fe Symphonic Orchestra/Argentine,… Il fonde plusieurs ensembles uniques et inédits au tuba : « Thomas Leleu Sextet » (tuba et quintette à cordes), «tuba vs cello » (tuba et violoncelle). En 2018, il fonde le « Thomas Leleu Trio » (tuba, vibraphone et piano). Il forme également le Leleu Brothers + Félicien Brut (accordéon).

« Redonner corps et mouvements aux écrasées, aux meurtries, aux étouffées. Avec Battre encore, La Muette met en corps la puissance de l’icône féminine dans nos représentations pour écrire un anti-conte de fées très librement inspiré du destin des soeurs Mirabal, résistantes assassinées en 1960 par la dictature dominicaine. Documenté sans être documentaire, le spectacle réanime le feu de la révolte par un jardin intérieur où accueillir ce matrimoine encore négligé. Déconstruisant les clichés sur la place de la femme face au pouvoir, le corps féminin dans Battre encore se défait de l’emprise physique, intellectuelle, politique masculine. Le bal, où tout bascule, ce rite initiatique bourgeois pour jeunes femmes met au centre dans Battre encore le consentement et le droit au non. Entre liberté, transport et aliénation, ce trio de soeurs en corps à corps avec le pouvoir, la religion ou le machisme nous invite à la digression par des images à la limite des rêves et des cauchemars. Dans les pas de cette exploration fondamentale que représentent la lutte des femmes et la défense et l’égalité des droits de chacun déjà abordées dans L’Un dans l’Autre et Les Folles, le potentiel poétique et tragique de l’histoire des soeurs Mirabal permet de basculer dans l’écriture d’un conte aux drôles d’accents de réalisme magique à la Garcia Marquez avec La chronique de trois morts annoncées. » Delphine Bardot.

PROGRAMME

Joseph Haydn : Quatuor en si bémol majeur op.76 no 4, “Le ver de soleil”
Maurice Ravel : Quatuor à cordes en fa majeur
Antonín Dvorák : Quatuor No 10 en mi bémol majeur op. 51

Le Quatuor Takács, qui à présent entame sa quarante-sixième saison, est sans conteste l’un des meilleurs quatuors à cordes au monde. Il reçoit en 1977 sa première reconnaissance internationale au Concours de Quatuor à Cordes d’Evian en France. C’est en 1982 que le Quatuor Takács se produit pour la première fois en tournée en Amérique du Nord. Depuis 1986, il se produit régulièrement au Théâtre de la Ville et à l’Auditorium du Louvre à Paris. En 2001, le Quatuor reçoit la Croix de Chevalier de l’Ordre du Mérite de la République de Hongrie. Il remporte en 2011 le prix de la musique de chambre du Royal Philharmonic Society à Londres. En 2012, le magazine Gramophone proclame que le Quatuor Takács est le seul quatuor à cordes à rejoindre son Panthéon. En 2014, les Takács deviennent le premier quatuor à cordes à remporter le Wigmore Hall Medal. Le Quatuor Takács enregistre pour le label Hyperion Records – quatuors à cordes de Haydn, Schubert, Janácek, Smetana, Debussy et Britten, ainsi que des quintettes avec piano de César Franck et Chostakovitch avec Marc-André Hamelin, et des quintettes avec alto de Brahms avec Lawrence Power. Leurs CDs sur le label Decca London ont remporté trois Gramophone Awards, un Grammy Award, trois Japanese Record Academy Awards, Disque de l’Année du premier BBC Music Magazine Awards, et Album de l’Année dans la catégorie musique de chambre du Classical Brits. En juin 2020 l’altiste Richard O’Neill a rejoint le Quatuor Takács en remplacement de Geri Walther (qui a pris sa retraite après quinze années remarquables).

_jeanne_dark_, c’est le pseudo Instagram que s’est choisi Jeanne, une adolescente de 16 ans issue d’une famille catholique, qui vit dans une banlieue pavillonnaire d’Orléans. Depuis quelques mois, elle subit les railleries de ses camarades sur sa virginité. Un soir, alors qu’elle est seule dans sa chambre, elle décide de ne plus se taire et prend la parole en live sur Instagram.
Face au miroir que lui tend le smartphone, Jeanne se raconte, danse, filme, explose, se
métamorphose, oscillant entre mise à nu et mise en scène de soi.

Portée par Helena de Laurens, cette performance virtuose sera accessible certains soirs en live sur Instagram.

LE SPECTACLE EST JOUÉ EN LIVE SUR INSTAGRAM !

_jeanne_dark_, c’est le pseudo Instagram que s’est choisi Jeanne, une adolescente de 16 ans issue d’une famille catholique, qui vit dans une banlieue pavillonnaire d’Orléans. Depuis quelques mois, elle subit les railleries de ses camarades sur sa virginité. Un soir, alors qu’elle est seule dans sa chambre, elle décide de ne plus se taire et prend la parole en live sur Instagram.
Face au miroir que lui tend le smartphone, Jeanne se raconte, danse, filme, explose, se
métamorphose, oscillant entre mise à nu et mise en scène de soi.

Portée par Helena de Laurens, cette performance virtuose sera accessible certains soirs en live sur Instagram.

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_jeanne_dark_, c’est le pseudo Instagram que s’est choisi Jeanne, une adolescente de 16 ans issue d’une famille catholique, qui vit dans une banlieue pavillonnaire d’Orléans. Depuis quelques mois, elle subit les railleries de ses camarades sur sa virginité. Un soir, alors qu’elle est seule dans sa chambre, elle décide de ne plus se taire et prend la parole en live sur Instagram.
Face au miroir que lui tend le smartphone, Jeanne se raconte, danse, filme, explose, se
métamorphose, oscillant entre mise à nu et mise en scène de soi.

Portée par Helena de Laurens, cette performance virtuose sera accessible certains soirs en live sur Instagram.

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« Si je reviens aujourd’hui à ces sources gitanes, c’est parce qu’elles représentent bien plus qu’elles-mêmes. En réalité, au quartier Saint-Jacques de Perpignan, se rassemblent dans une cohabitation typiquement méditerranéenne, les cultures du Nord et du Sud de l’Europe, la France et l’Espagne, la culture régionale catalane et la culture maghrébine (de nombreuses familles gitanes sont mixtes). Il faut également parler de continuité humaine car les deux jeunes musiciens qui entourent Roberto Saadna dans ce nouveau projet Ma Gavali font partie de cette même famille avec qui je collabore depuis le début des années 1990. Roberto Junior, neveu du précédent, était venu chanter, âgé d’à peine une dizaine d’années seulement, à Nantes lors du festival d’Été, accompagné de son cousin Xinou et de nombreux membres de la famille. Il est là aujourd’hui, chanteur confirmé, avec son beau-frère Chris Mailhe et son oncle. Il poursuit la lignée de son père Mambo et de son autre oncle Bruno el Gitano, qui m’ont épaulé à l’époque de « Gitans ». La continuité vient également du fait que notre travail porte exclusivement sur un répertoire issu de mon univers musical. Nous poursuivons notre collaboration en accentuant les harmonies vocales dont sont dépositaires les membres de la famille Saadna, très spécifiques dans le monde du flamenco. Je poursuis à travers ce projet un idéal modeste mais têtu de ce que pourrait être une modernité méditerranéenne. » Titi Robin

« Je veux travailler sur les limites, sur les conflits, sur les obstacles. L’artiste de cirque est constamment en résistance contre une force, qu’il soit suspendu, en équilibre ou en train de jeter des objets vers le ciel. Je veux m’amuser avec ce que ces figures peuvent évoquer et les mettre en parallèle avec les combats que l’être social doit mener. Je veux creuser le concept de servitude volontaire d’Étienne de La Boétie. Une partie de l’analyse qu’on pourrait faire de cet ouvrage (Discours de la servitude volontaire – 1574) est que le fait de résister donne du pouvoir à la force qu’on est en train de combattre. Plus je lui résiste, plus je l’encourage jusqu’à un certain point. L’enjeu sociétal semble être de nos jours de résister à une force intangible et impalpable. Le cirque passe son temps à se jouer de cette force. Selon moi, l’artiste de cirque est proche du super-héros, du demi-dieu, il a des capacités extraordinaires. Il réalise des exploits impossibles pour le commun des mortels. Comme l’individu dans la société, l’artiste de cirque est en constante lutte contre des forces invisibles, lui se bat contre la pesanteur et la fin du mouvement. Il se bat encore plus fort contre son propre échec. J’aimerais redécouvrir la fragilité de l’artiste de cirque, qu’elle soit psychologique ou physique, témoigner de la beauté de la fragilité de l’humain. » Clément Dazin

*cirque sous chapiteau*

D’après Mérimée et Bizet

« Carmen n’est pas une histoire d’amour. Si c’en était une, ce serait un simple fait divers : un homme aime une femme qui ne l’aime plus alors il la tue. Mais pourquoi, au dernier acte, Carmen fait-elle face ? Il lui suffirait de dénoncer José, ou seulement de rentrer dans l’arène avec les autres… Elle ne le fait pas. Elle ne veut pas être moins forte que José. Elle refuse de lâcher le moindre pouce de terrain. Fuir devant José pour rester en vie, ce serait être moins que lui. En restant, elle l’oblige à la tuer et ce faisant elle le condamne au même titre qu’il la condamne. Carmen n’est pas une histoire d’amour, c’est l’inépuisable histoire du pouvoir et de la liberté. Carmen nous fait nous poser la question terrible : jusqu’où serais-je prêt à aller pour défendre ma liberté ? Question simple, mais inépuisable parce que sans réponse. Tout le monde peut la comprendre et chacun se la pose à des moments de sa vie, des fois sans même l’avoir formulée. Carmen n’est pas une histoire d’amour, c’est l’histoire du courage, des courages… L’histoire d’une défaite : la force, l’élégance, le panache de perdre en beauté. Le petit chapiteau où se jouera Je suis Carmen (je le connais bien pour y jouer depuis 18 ans Le tour complet du coeur) est entièrement dédié à la rencontre, il a changé ma vie d’artiste : être parmi plutôt que devant. On chante, on fait du cirque tout près des gens. On est à quelque centimètres. » Gilles Cailleau

*cirque sous chapiteau*

D’après Mérimée et Bizet

« Carmen n’est pas une histoire d’amour. Si c’en était une, ce serait un simple fait divers : un homme aime une femme qui ne l’aime plus alors il la tue. Mais pourquoi, au dernier acte, Carmen fait-elle face ? Il lui suffirait de dénoncer José, ou seulement de rentrer dans l’arène avec les autres… Elle ne le fait pas. Elle ne veut pas être moins forte que José. Elle refuse de lâcher le moindre pouce de terrain. Fuir devant José pour rester en vie, ce serait être moins que lui. En restant, elle l’oblige à la tuer et ce faisant elle le condamne au même titre qu’il la condamne. Carmen n’est pas une histoire d’amour, c’est l’inépuisable histoire du pouvoir et de la liberté. Carmen nous fait nous poser la question terrible : jusqu’où serais-je prêt à aller pour défendre ma liberté ? Question simple, mais inépuisable parce que sans réponse. Tout le monde peut la comprendre et chacun se la pose à des moments de sa vie, des fois sans même l’avoir formulée. Carmen n’est pas une histoire d’amour, c’est l’histoire du courage, des courages… L’histoire d’une défaite : la force, l’élégance, le panache de perdre en beauté. Le petit chapiteau où se jouera Je suis Carmen (je le connais bien pour y jouer depuis 18 ans Le tour complet du coeur) est entièrement dédié à la rencontre, il a changé ma vie d’artiste : être parmi plutôt que devant. On chante, on fait du cirque tout près des gens. On est à quelque centimètres. » Gilles Cailleau

*cirque sous chapiteau*

D’après Mérimée et Bizet

« Carmen n’est pas une histoire d’amour. Si c’en était une, ce serait un simple fait divers : un homme aime une femme qui ne l’aime plus alors il la tue. Mais pourquoi, au dernier acte, Carmen fait-elle face ? Il lui suffirait de dénoncer José, ou seulement de rentrer dans l’arène avec les autres… Elle ne le fait pas. Elle ne veut pas être moins forte que José. Elle refuse de lâcher le moindre pouce de terrain. Fuir devant José pour rester en vie, ce serait être moins que lui. En restant, elle l’oblige à la tuer et ce faisant elle le condamne au même titre qu’il la condamne. Carmen n’est pas une histoire d’amour, c’est l’inépuisable histoire du pouvoir et de la liberté. Carmen nous fait nous poser la question terrible : jusqu’où serais-je prêt à aller pour défendre ma liberté ? Question simple, mais inépuisable parce que sans réponse. Tout le monde peut la comprendre et chacun se la pose à des moments de sa vie, des fois sans même l’avoir formulée. Carmen n’est pas une histoire d’amour, c’est l’histoire du courage, des courages… L’histoire d’une défaite : la force, l’élégance, le panache de perdre en beauté. Le petit chapiteau où se jouera Je suis Carmen (je le connais bien pour y jouer depuis 18 ans Le tour complet du coeur) est entièrement dédié à la rencontre, il a changé ma vie d’artiste : être parmi plutôt que devant. On chante, on fait du cirque tout près des gens. On est à quelque centimètres. » Gilles Cailleau

*cirque sous chapiteau*

D’après Mérimée et Bizet

« Carmen n’est pas une histoire d’amour. Si c’en était une, ce serait un simple fait divers : un homme aime une femme qui ne l’aime plus alors il la tue. Mais pourquoi, au dernier acte, Carmen fait-elle face ? Il lui suffirait de dénoncer José, ou seulement de rentrer dans l’arène avec les autres… Elle ne le fait pas. Elle ne veut pas être moins forte que José. Elle refuse de lâcher le moindre pouce de terrain. Fuir devant José pour rester en vie, ce serait être moins que lui. En restant, elle l’oblige à la tuer et ce faisant elle le condamne au même titre qu’il la condamne. Carmen n’est pas une histoire d’amour, c’est l’inépuisable histoire du pouvoir et de la liberté. Carmen nous fait nous poser la question terrible : jusqu’où serais-je prêt à aller pour défendre ma liberté ? Question simple, mais inépuisable parce que sans réponse. Tout le monde peut la comprendre et chacun se la pose à des moments de sa vie, des fois sans même l’avoir formulée. Carmen n’est pas une histoire d’amour, c’est l’histoire du courage, des courages… L’histoire d’une défaite : la force, l’élégance, le panache de perdre en beauté. Le petit chapiteau où se jouera Je suis Carmen (je le connais bien pour y jouer depuis 18 ans Le tour complet du coeur) est entièrement dédié à la rencontre, il a changé ma vie d’artiste : être parmi plutôt que devant. On chante, on fait du cirque tout près des gens. On est à quelque centimètres. » Gilles Cailleau

D’après Molière

Le travail initial sur Dom Juan s’est fait lors d’un laboratoire au Conservatoire National avec Jean-Pierre Vincent, il y a quelques années déjà. Mon idée était de rassembler les spectateurs et les acteurs autour d’une grande table. Mais la table, cela s’est avéré compliqué, trop limité, alors j’ai dû opter pour un cercle. Dans les répétitions, les acteurs étaient attirés par le centre du cercle. Moi je voulais qu’ils restent assis sur le cercle avec les spectateurs, qu’ils luttent pour obtenir l’attention de tous. Plus tard, quand j’ai décidé d’en faire un spectacle, il a fallu s’adapter et le cercle de parole est devenu un dispositif quadri-frontal. Mais le geste est resté exactement le même. En ce qui concerne Tartuffe, ça s’est passé lors d’une date de tournée de Dom Juan. Julien Kosellec – un des comédiens de l’équipe – m’a soufflé l’idée de monter Tartuffe avec le même groupe. Une sorte de diptyque. Je me souviens avoir immédiatement décidé de le faire – et avec le même dispositif – sans même avoir pris le temps de relire la pièce… Ce n’était ni très prudent ni très sérieux comme approche mais la perspective de monter un spectacle dans un dispositif pensé pour un autre m’excitait pas mal. Et au final on peut dire qu’on a eu de la chance car le quadri-frontal trouve un écho pertinent dans Tartuffe. Un peu comme si les spectateurs se trouvaient chez Orgon. De témoins dans Dom Juan, ils deviennent complices dans Tartuffe.» interview de Jean de Pange par Walter Géhin

D’après Molière

Le travail initial sur Dom Juan s’est fait lors d’un laboratoire au Conservatoire National avec Jean-Pierre Vincent, il y a quelques années déjà. Mon idée était de rassembler les spectateurs et les acteurs autour d’une grande table. Mais la table, cela s’est avéré compliqué, trop limité, alors j’ai dû opter pour un cercle. Dans les répétitions, les acteurs étaient attirés par le centre du cercle. Moi je voulais qu’ils restent assis sur le cercle avec les spectateurs, qu’ils luttent pour obtenir l’attention de tous. Plus tard, quand j’ai décidé d’en faire un spectacle, il a fallu s’adapter et le cercle de parole est devenu un dispositif quadri-frontal. Mais le geste est resté exactement le même. En ce qui concerne Tartuffe, ça s’est passé lors d’une date de tournée de Dom Juan. Julien Kosellec – un des comédiens de l’équipe – m’a soufflé l’idée de monter Tartuffe avec le même groupe. Une sorte de diptyque. Je me souviens avoir immédiatement décidé de le faire – et avec le même dispositif – sans même avoir pris le temps de relire la pièce… Ce n’était ni très prudent ni très sérieux comme approche mais la perspective de monter un spectacle dans un dispositif pensé pour un autre m’excitait pas mal. Et au final on peut dire qu’on a eu de la chance car le quadri-frontal trouve un écho pertinent dans Tartuffe. Un peu comme si les spectateurs se trouvaient chez Orgon. De témoins dans Dom Juan, ils deviennent complices dans Tartuffe.» interview de Jean de Pange par Walter Géhin

D’après Molière

Le travail initial sur Dom Juan s’est fait lors d’un laboratoire au Conservatoire National avec Jean-Pierre Vincent, il y a quelques années déjà. Mon idée était de rassembler les spectateurs et les acteurs autour d’une grande table. Mais la table, cela s’est avéré compliqué, trop limité, alors j’ai dû opter pour un cercle. Dans les répétitions, les acteurs étaient attirés par le centre du cercle. Moi je voulais qu’ils restent assis sur le cercle avec les spectateurs, qu’ils luttent pour obtenir l’attention de tous. Plus tard, quand j’ai décidé d’en faire un spectacle, il a fallu s’adapter et le cercle de parole est devenu un dispositif quadri-frontal. Mais le geste est resté exactement le même. En ce qui concerne Tartuffe, ça s’est passé lors d’une date de tournée de Dom Juan. Julien Kosellec – un des comédiens de l’équipe – m’a soufflé l’idée de monter Tartuffe avec le même groupe. Une sorte de diptyque. Je me souviens avoir immédiatement décidé de le faire – et avec le même dispositif – sans même avoir pris le temps de relire la pièce… Ce n’était ni très prudent ni très sérieux comme approche mais la perspective de monter un spectacle dans un dispositif pensé pour un autre m’excitait pas mal. Et au final on peut dire qu’on a eu de la chance car le quadri-frontal trouve un écho pertinent dans Tartuffe. Un peu comme si les spectateurs se trouvaient chez Orgon. De témoins dans Dom Juan, ils deviennent complices dans Tartuffe.» interview de Jean de Pange par Walter Géhin

Marina Satti est née à Athènes et a grandi à Héraklion en Crète. Son père est d’origine soudanaise et sa mère est grecque. Dès son plus jeune âge, elle a été en contact avec une diversité de cultures et s’est intéressée au design et à la musique. Après avoir terminé ses études, elle a fréquenté l’école d’architecture de l’Université d’Athènes. Parallèlement, elle a commencé ses études de théâtre à l’école de théâtre Veaki et à la Central Stage School. En 2008, elle a obtenu son certificat en piano classique ainsi que son diplôme en chant classique, obtenant une excellente note et remportant le premier prix, appuyée par son coach vocal, Panos Dimas. En 2009, elle a participé à l’European Jazz Orchestra (EBU) représentant la Grèce, où elle a effectué une tournée dans toute l’Europe. En 2011, elle est diplômée du Berklee College of Music (Boston) après y avoir étudié l’écriture et la production contemporaines. Elle a collaboré avec divers artistes de renom, notamment Bobby McFerrin, Paco de Lucia, Wayne Shorter, Danilo Perez, Nikos Mamangakis, Nikos Kypourgos. En tant qu’actrice, elle a collaboré avec des institutions publiques, notamment le Théâtre national de Grèce, l’Opéra national de Grèce et le Festival Athènes et Epidaure, et est apparue dans des pièces de théâtre comme Once, Erotokritos, West Side Story, Un Violon sur Le Toit. En 2016, elle a créé « Fonés », constitué d’un groupe de femmes polyphoniques grecques qui l’accompagne sur scène. L’année suivante, elle a formé «Chóres», une chorale composée de cinquante femmes de tous âges.

PROGRAMME

Joseph Haydn : Trio en mi bémol mineur « Le Rêve de Jacob »
Arvo Pärt : Spiegel im Spiegel
Johannes Brahms : Trio n°1 en si majeur op. 8
Franz Schubert : Trio n°2 en mi bémol ; majeur op. 100

Denis Pascal est l’une des figures les plus originales du piano français. Il se produit en France et dans le monde entier comme soliste et comme musicien de chambre. Sa collaboration et son enregistrement avec l’orchestre Les Siècles de François-Xavier Roth des deux concertos de Chopin ont renouvelé les sonorités de ces oeuvres emblématiques. Soucieux de garder une conscience historique du répertoire, Denis Pascal sort des sentiers battus et donne des concerts à la fois marquants et ouverts à tous. II est professeur au CNSM de Paris.
Alexandre Pascal : Diplômé du CNSM de Paris, il poursuit sa formation à la Chapelle Reine Elisabeth à Bruxelles avec Augustin Dumay. Il a aussi étudié avec Maurizio Fuchs. Il s’est produit avec l’Orchestre de Caen et l’Orchestre de chambre de Paris. Il a également une intense activité de chambriste aux côtés de Lorenzo Gatto, Gary Hoffmann, Pierre et Théo Fouchenerret, Hortense Cartier-Bresson, Éric Le Sage, Svetlin Roussev, Lise Berthaud… Il s’est produit dans le cadre de nombreux festivals et joue un violon Jean-Baptiste Vuillaume de 1854.
Aurélien Pascal entre à 14 ans au CNSM de Paris puis intègre l’Académie Kronberg avec Frans Helmerson. Il a été primé aux concours Feuermann à la Philharmonie de Berlin, Paulo Cello à Helsinki et Reine Elisabeth à Bruxelles. Sa carrière se déploie aux quatre coins du monde avec les orchestres de Monte-Carlo, de Liège, des Pays de la Loire, le Deutsches Radio Orchester, le Hong-Kong Sinfonietta. Il est également chambriste avec Augustin Dumay, András Schiff, Renaud Capuçon…Il joue un violoncelle fabriqué à Rome en 1703 par David Tecchler.

« En mars 2019, je proposais à l’ensemble de l’équipe de notre précédent spectacle un thème de recherche et d’enquête pour une nouvelle création : la mort. Mon hypothèse de départ était : Est-ce que le rapport qu’une société entretient avec la mort dit quelque
chose d’elle-même? De son évolution? D’avril à décembre 2019,
je passais plusieurs mois dans des services de réanimation, je rencontrais des médecins en soins palliatifs, des psychologues.
Cette plongée dans la question de la mort se révéla abyssale : nos certitudes se fi ssuraient, chaque situation levant de nouveaux voiles, révélant de nouveaux points de vue. Regarder les humains face à la mort nous invitait à quitter toute bien-pensance et nous
faisait plonger dans le monde de la controverse, de la pensée complexe, dans l’altérité radicale. Nous avons entre 30 et 40 ans et nous avons considéré pendant longtemps que la mort était une chose bien triste qui n’arrivait qu’aux autres. Puis, la vie passant, il a bien fallu que la mort fasse irruption dans nos vies, défl agration inévitable dans l’immortalité qui était la nôtre.
Les insolents que nous fûmes apprirent le goût précieux de la vie : « Tout cela ne durera que peu, goutons-le avec délectation,
rions à gorge déployée et que le théâtre nous vienne en aide ! »
Ce spectacle est le récit d’une enquête intime et collective sur la
vie. Ce spectacle est un hommage à ce qui fait de nous des êtres
désirants et fraternels. Ce spectacle est dédié à ceux qui sont partis, aux absents qui nous accompagnent. Ce spectacle est une
déclaration d’amour À la vie ! » Élise Chatauret

** spectacle sous chapiteau **

L’origine du cirque est un rite qui met en scène nos instincts les plus secrets à l’égard de l’autre et de la mort. Le gladiateur qui affronte les fauves triomphe pour nous des peurs ancestrales selon un rite comparable à celui qu’accomplit aujourd’hui l’artiste au moment où il se jette dans le vide. Le cirque est une mise en situation violente du corps et de l’esprit. C’est le combat du circassien, son arme est son savoir-faire : la maîtrise de l’irréversible. Puiser sa force dans ses propres images brisées. Faire une véritable transfiguration de ces images de cirque ancrées dans la conscience collective, transformer quelque chose qui avant avait une forme et qui maintenant en prend une autre : « Une Oraison est une prière, une ultime prise de parole. A travers ce spectacle, je cherche à éveiller une prise de conscience pour rallumer nos lumières intellectuelles et poétiques ainsi que nos sensibilités profondes. En allumer de nouvelles, plus spirituelles, plus viscérales, plus authentiques, vers lesquelles on peut s’élever, et que l’on peut suivre. La quête d’une vérité concrète, qui se trouve dans le concret des corps. Avec l’onde nerveuse que provoque le geste circassien, mon acte artistique a pour ambition d’être vécu physiquement par le spectateur, et questionne quelque chose de mystique ou de surnaturel, ce que le cirque et la mort mettent en présence ensemble. » Marie Molliens

** spectacle sous chapiteau **

L’origine du cirque est un rite qui met en scène nos instincts les plus secrets à l’égard de l’autre et de la mort. Le gladiateur qui affronte les fauves triomphe pour nous des peurs ancestrales selon un rite comparable à celui qu’accomplit aujourd’hui l’artiste au moment où il se jette dans le vide. Le cirque est une mise en situation violente du corps et de l’esprit. C’est le combat du circassien, son arme est son savoir-faire : la maîtrise de l’irréversible. Puiser sa force dans ses propres images brisées. Faire une véritable transfiguration de ces images de cirque ancrées dans la conscience collective, transformer quelque chose qui avant avait une forme et qui maintenant en prend une autre : « Une Oraison est une prière, une ultime prise de parole. A travers ce spectacle, je cherche à éveiller une prise de conscience pour rallumer nos lumières intellectuelles et poétiques ainsi que nos sensibilités profondes. En allumer de nouvelles, plus spirituelles, plus viscérales, plus authentiques, vers lesquelles on peut s’élever, et que l’on peut suivre. La quête d’une vérité concrète, qui se trouve dans le concret des corps. Avec l’onde nerveuse que provoque le geste circassien, mon acte artistique a pour ambition d’être vécu physiquement par le spectateur, et questionne quelque chose de mystique ou de surnaturel, ce que le cirque et la mort mettent en présence ensemble. » Marie Molliens

** spectacle sous chapiteau **

L’origine du cirque est un rite qui met en scène nos instincts les plus secrets à l’égard de l’autre et de la mort. Le gladiateur qui affronte les fauves triomphe pour nous des peurs ancestrales selon un rite comparable à celui qu’accomplit aujourd’hui l’artiste au moment où il se jette dans le vide. Le cirque est une mise en situation violente du corps et de l’esprit. C’est le combat du circassien, son arme est son savoir-faire : la maîtrise de l’irréversible. Puiser sa force dans ses propres images brisées. Faire une véritable transfiguration de ces images de cirque ancrées dans la conscience collective, transformer quelque chose qui avant avait une forme et qui maintenant en prend une autre : « Une Oraison est une prière, une ultime prise de parole. A travers ce spectacle, je cherche à éveiller une prise de conscience pour rallumer nos lumières intellectuelles et poétiques ainsi que nos sensibilités profondes. En allumer de nouvelles, plus spirituelles, plus viscérales, plus authentiques, vers lesquelles on peut s’élever, et que l’on peut suivre. La quête d’une vérité concrète, qui se trouve dans le concret des corps. Avec l’onde nerveuse que provoque le geste circassien, mon acte artistique a pour ambition d’être vécu physiquement par le spectateur, et questionne quelque chose de mystique ou de surnaturel, ce que le cirque et la mort mettent en présence ensemble. » Marie Molliens

** spectacle sous chapiteau **

L’origine du cirque est un rite qui met en scène nos instincts les plus secrets à l’égard de l’autre et de la mort. Le gladiateur qui affronte les fauves triomphe pour nous des peurs ancestrales selon un rite comparable à celui qu’accomplit aujourd’hui l’artiste au moment où il se jette dans le vide. Le cirque est une mise en situation violente du corps et de l’esprit. C’est le combat du circassien, son arme est son savoir-faire : la maîtrise de l’irréversible. Puiser sa force dans ses propres images brisées. Faire une véritable transfiguration de ces images de cirque ancrées dans la conscience collective, transformer quelque chose qui avant avait une forme et qui maintenant en prend une autre : « Une Oraison est une prière, une ultime prise de parole. A travers ce spectacle, je cherche à éveiller une prise de conscience pour rallumer nos lumières intellectuelles et poétiques ainsi que nos sensibilités profondes. En allumer de nouvelles, plus spirituelles, plus viscérales, plus authentiques, vers lesquelles on peut s’élever, et que l’on peut suivre. La quête d’une vérité concrète, qui se trouve dans le concret des corps. Avec l’onde nerveuse que provoque le geste circassien, mon acte artistique a pour ambition d’être vécu physiquement par le spectateur, et questionne quelque chose de mystique ou de surnaturel, ce que le cirque et la mort mettent en présence ensemble. » Marie Molliens

** spectacle sous chapiteau **

L’origine du cirque est un rite qui met en scène nos instincts les plus secrets à l’égard de l’autre et de la mort. Le gladiateur qui affronte les fauves triomphe pour nous des peurs ancestrales selon un rite comparable à celui qu’accomplit aujourd’hui l’artiste au moment où il se jette dans le vide. Le cirque est une mise en situation violente du corps et de l’esprit. C’est le combat du circassien, son arme est son savoir-faire : la maîtrise de l’irréversible. Puiser sa force dans ses propres images brisées. Faire une véritable transfiguration de ces images de cirque ancrées dans la conscience collective, transformer quelque chose qui avant avait une forme et qui maintenant en prend une autre : « Une Oraison est une prière, une ultime prise de parole. A travers ce spectacle, je cherche à éveiller une prise de conscience pour rallumer nos lumières intellectuelles et poétiques ainsi que nos sensibilités profondes. En allumer de nouvelles, plus spirituelles, plus viscérales, plus authentiques, vers lesquelles on peut s’élever, et que l’on peut suivre. La quête d’une vérité concrète, qui se trouve dans le concret des corps. Avec l’onde nerveuse que provoque le geste circassien, mon acte artistique a pour ambition d’être vécu physiquement par le spectateur, et questionne quelque chose de mystique ou de surnaturel, ce que le cirque et la mort mettent en présence ensemble. » Marie Molliens

PROGRAMME

Antonio Vivaldi : Concerto pour cordes et basse continue
en sol mineur RV 156, Concertos Le printemps (op. 8 n° 1),
L’été (op. 8 n° 2), L’automne (op. 8 n° 3),
L’hiver (op. 8 n° 4), « Al Santo sepolcro » RV 169
Evaristo Felice Dall’Abaco : Concerto en ré mineur op. 2 n°1 tiré de Concerti a quattro da chiesa (c1712)
Charles Avison / Scarlatti : Concerto tiré des 12 Concertos pour clavecin de Domenico Scarlatti en ré majeur n° 6

Concerto Köln existe depuis plus de 30 ans. Cet orchestre au son si caractéristique compte parmi les plus grands ensembles dans le domaine de l‘interprétation historiquement informée. Solidement ancré dans la vie musicale de Cologne tout en étant régulièrement l‘invité des principales capitales musicales du monde entier et des grands festivals, Concerto Köln est, au niveau international, garant d‘une interprétation exceptionnelle de la musique ancienne. En février 2020 l’orchestre s’est produit aux États-Unis et au Canada, où les stations les plus importantes ont été Washington (Library of Congress) et New York (Lincoln Center). Depuis la saison 2018/19, et tout en conservant cette ligne, l‘orchestre a élargi son répertoire au XIXème siècle. Les jalons en ont été posés dès 2017 lors du projet musicologique «relectures de Wagner» (Wagner-Lesarten) sous la direction de Kent Nagano. Mayumi Hirasaki, Shunske Sato ou Evgeny Sviridov, premiers violons permanents, sont responsables de l‘orientation de cet orchestre autogéré. Depuis des années, les musiciens prouvent par leur choix de projets que qualité artistique et programmes appréciés du public ne sont pas incompatibles. Les classiques du répertoire, eux aussi, sont interprétés par Concerto Köln. La discographie de l‘ensemble comprend entretemps plus de 75 enregistrements, récompensés régulièrement par de nombreux prix comme l‘Echo classique, l‘Opus Klassik, le Grammy Award, le Prix de l‘Académie Charles Cros, le Prix Edison Award, le Prix de la critique allemande du Disque, le MIDEM Classical Award, le Choc du Monde de la Musique, le Choc de l’année ou le Diapason d’Or.

« Un imposant acteur shakespearien raconte (dans un anglais que nul ne peut comprendre) l’épopée à travers l’Europe et les siècles d’un homme – son ancêtre peut-être – qui, au bord d’un fjord au fin fond des îles Féroé, en une année sans doute oubliée depuis, au bord d’un fjord, donc, reçut la malédiction d’une sirène qu’il avait pêchée par mégarde sous les auspices d’une aurore boréale joliment grêlée par un convoi tardif de grues en route vers l’Afrique. Voilà pour la genèse de l’histoire. L’homme traverse ensuite terres et mers, enchaîne périple sur périple et finit roi peut-être, ou mendiant, ou écartelé et battu sur une roue dans une contrée sauvage, à moins que ce ne soit d’une mort décevante, de retour au logis familial, un beau soir de printemps rempli de mouches et taons, accueilli par sa vieille mère n’ayant pas eu vraiment le temps de s’interroger sur le sens de la vie. L’acteur, dont la dimension ne peut être contestée, est accompagné par un factotum, acteur de complément, dont la compétence peut certainement être discutée et qui est aussi malingre que l’autre est généreux… » Olivier Martin Salvan, Pierre Guillois

« Un imposant acteur shakespearien raconte (dans un anglais que nul ne peut comprendre) l’épopée à travers l’Europe et les siècles d’un homme – son ancêtre peut-être – qui, au bord d’un fjord au fin fond des îles Féroé, en une année sans doute oubliée depuis, au bord d’un fjord, donc, reçut la malédiction d’une sirène qu’il avait pêchée par mégarde sous les auspices d’une aurore boréale joliment grêlée par un convoi tardif de grues en route vers l’Afrique. Voilà pour la genèse de l’histoire. L’homme traverse ensuite terres et mers, enchaîne périple sur périple et finit roi peut-être, ou mendiant, ou écartelé et battu sur une roue dans une contrée sauvage, à moins que ce ne soit d’une mort décevante, de retour au logis familial, un beau soir de printemps rempli de mouches et taons, accueilli par sa vieille mère n’ayant pas eu vraiment le temps de s’interroger sur le sens de la vie. L’acteur, dont la dimension ne peut être contestée, est accompagné par un factotum, acteur de complément, dont la compétence peut certainement être discutée et qui est aussi malingre que l’autre est généreux… » Olivier Martin Salvan, Pierre Guillois

« Un imposant acteur shakespearien raconte (dans un anglais que nul ne peut comprendre) l’épopée à travers l’Europe et les siècles d’un homme – son ancêtre peut-être – qui, au bord d’un fjord au fin fond des îles Féroé, en une année sans doute oubliée depuis, au bord d’un fjord, donc, reçut la malédiction d’une sirène qu’il avait pêchée par mégarde sous les auspices d’une aurore boréale joliment grêlée par un convoi tardif de grues en route vers l’Afrique. Voilà pour la genèse de l’histoire. L’homme traverse ensuite terres et mers, enchaîne périple sur périple et finit roi peut-être, ou mendiant, ou écartelé et battu sur une roue dans une contrée sauvage, à moins que ce ne soit d’une mort décevante, de retour au logis familial, un beau soir de printemps rempli de mouches et taons, accueilli par sa vieille mère n’ayant pas eu vraiment le temps de s’interroger sur le sens de la vie. L’acteur, dont la dimension ne peut être contestée, est accompagné par un factotum, acteur de complément, dont la compétence peut certainement être discutée et qui est aussi malingre que l’autre est généreux… » Olivier Martin Salvan, Pierre Guillois