À Verdun

Noémi Boutin est une musicienne aussi complète que singulière qui développe un langage éminemment virtuose : passionnée d’aventures artistiques inattendues, elle nous propose ici trois des suites pour violoncelle de J.S. Bach, magnifiques, accompagnée dans sa « sensibilité et sa musicalité » (Roland Pidoux) par l’étonnant jongleur Jörg Müller.

Triptyque composé des célèbres suites de J.S Bach, dont la violoncelliste Noémi Boutin  exprime toute la délicatesse et l’élégance infinie. Sa musique vient s’enlacer autour de trois tableaux vivants interprétés par le circassien, équilibriste et danseur, Jörg Müller. A chaque fois, il « met en image » cette envoûtante Sarabande de Bach.
Noémi Boutin entre au Conservatoire National Supérieur de Musique de Paris à 14 ans et y développe avec son violoncelle un langage virtuose et sensible. Elle révèle sa vocation de chambriste avec le Trio Boutin, puis avec le Trio Cérès. Elle est aujourd’hui une artiste singulière et bien dans son temps, menant de front une carrière de soliste et des aventures artistiques inédites et éclectiques avec notamment Fantazio, Benjamin Colin, Pierre Meunier, Mathurin Bolze… Son engagement envers la musique contemporaine l’a conduite à travailler avec des compositeurs venus de divers horizons musicaux. Avec la flûtiste Sylvaine Hélary, elle crée en 2013 le duo Myssil, puis en 2014 le spectacle pour jeunes oreilles Entre Chien et Loup, chaleureusement salué par la presse et le public.
Noémi Boutin est une musicienne aussi complète que singulière qui développe un langage éminemment virtuose : passionnée d’aventures artistiques inattendues, elle nous propose ici trois des suites pour violoncelle de J.S. Bach, magnifiques, accompagnée dans sa « sensibilité et sa musicalité » (Roland Pidoux) par l’étonnant jongleur Jörg Müller.
Jörg Müller est diplômé du Centre National des Arts du Cirque de Châlons-en-Champagne depuis 1994. Depuis 2005, il travaille sur le thème de l’équilibre qui se traduit par de multiples spectacles et dessins. Jörg Müller exécute des figures de jonglage de son invention à l’aide d’objets suspendus ; le mouvement des objets à l’horizontale prend une grande ampleur et provoque un rapport inédit entre le jongleur et les objets.

presse : « Noémi Boutin interprète des sommets de délicatesse et d’élégance qui mettent en lumière les nuances infinies de son instrument. Aux arpèges de la violoncelliste répondent les jongleries de Jörg Müller, qui travaille l’équilibre des choses dans des performances à la limite du réel. » L’Est Républicain

Jean-Pierre Larroche (A Distances) a su créer un genre bien à lui ; atypique, éternel
malicieux, il est un maître de la manipulation d’objets. Son univers, d’un esthétisme remarquable, est loufoque tout autant que savant. L’expérience que propose cette toute nouvelle création repose sur la notion d’accident et sur la musicalité des accidents (!) A bon entendeur…

« Un musicien joue avec ses instruments électroniques : claviers, table de mixage, modules d’effets… Il est entouré de cette petite foule d’appareils interconnectés, des câbles circulent dans tous les sens. Ils sont – homme et machines – rassemblés sur un plateau suspendu. La musique qu’on entend est pour ainsi dire rotative. Elle avance en ne cessant jamais de se transformer dans une sorte d’empilement de formes tournantes. Elle pourrait presque tourner comme ça indéfinitivement s’il n’y avait les Accidents. Les Accidents viennent tous de l’extérieur du plateau, ils lui tombent parfois littéralement dessus. Ce sont des événements matériels, donc sonores, et le musicien les absorbe systématiquement en les captant au micro pour les fixer, les transformer, les garder en mémoire et les injecter dans sa musique. Le musicien fait son de toute occasion. Les Accidents surprennent le musicien qui semble cependant les attendre ou s’y préparer ou bien encore les devancer. » Compagnie les ateliers du spectacle

Réalisateur de théâtre, Jean-Pierre Larroche anime avec un collectif d’artistes la compagnie les ateliers du spectacle depuis sa création en 1988. Ses spectacles sont écrits avec ses dessins, ses mots et les auteurs qui l’accompagnent (Nathalie Quintane, Léo Larroche, Frédéric Révérend, Paul Valéry…). Il tire beaucoup de fils sur scène, manie la craie et le pinceau, joue avec les mots, trafique les causes et leurs effets, machine la scène avec des dispositifs d’actions à distance. Il travaille aussi comme scénographe pour des metteurs en scène de théâtre et chorégraphes. Il réalise des objets, quelques machines. Il est aussi architecte et construit des cabanes.

presse : « Peut-on encore étonner des adultes ? Oui, on peut. Du moins si on s’appelle Jean-Pierre Larroche et qu’on éprouve un plaisir profond devant les objets, ceux de l’inattendu et du hasard. Avec raison on l’appelle le maître de cérémonie du théâtre d’objets. Grandiose. » Ronny V. Wangenheim – Ruhr Nachrichten (Allemagne)
« Les productions de la compagnie les ateliers du spectacle font partie de ces représentations qui inventent, hors des sentiers battus, des oeuvres originales qui plaisent à des publics de tous les âges.» Naly Gérard – La vie

Jean-Pierre Larroche (A Distances) a su créer un genre bien à lui ; atypique, éternel
malicieux, il est un maître de la manipulation d’objets. Son univers, d’un esthétisme remarquable, est loufoque tout autant que savant. L’expérience que propose cette toute nouvelle création repose sur la notion d’accident et sur la musicalité des accidents (!) A bon entendeur…

« Un musicien joue avec ses instruments électroniques : claviers, table de mixage, modules d’effets… Il est entouré de cette petite foule d’appareils interconnectés, des câbles circulent dans tous les sens. Ils sont – homme et machines – rassemblés sur un plateau suspendu. La musique qu’on entend est pour ainsi dire rotative. Elle avance en ne cessant jamais de se transformer dans une sorte d’empilement de formes tournantes. Elle pourrait presque tourner comme ça indéfinitivement s’il n’y avait les Accidents. Les Accidents viennent tous de l’extérieur du plateau, ils lui tombent parfois littéralement dessus. Ce sont des événements matériels, donc sonores, et le musicien les absorbe systématiquement en les captant au micro pour les fixer, les transformer, les garder en mémoire et les injecter dans sa musique. Le musicien fait son de toute occasion. Les Accidents surprennent le musicien qui semble cependant les attendre ou s’y préparer ou bien encore les devancer. » Compagnie les ateliers du spectacle

Réalisateur de théâtre, Jean-Pierre Larroche anime avec un collectif d’artistes la compagnie les ateliers du spectacle depuis sa création en 1988. Ses spectacles sont écrits avec ses dessins, ses mots et les auteurs qui l’accompagnent (Nathalie Quintane, Léo Larroche, Frédéric Révérend, Paul Valéry…). Il tire beaucoup de fils sur scène, manie la craie et le pinceau, joue avec les mots, trafique les causes et leurs effets, machine la scène avec des dispositifs d’actions à distance. Il travaille aussi comme scénographe pour des metteurs en scène de théâtre et chorégraphes. Il réalise des objets, quelques machines. Il est aussi architecte et construit des cabanes.

presse : « Peut-on encore étonner des adultes ? Oui, on peut. Du moins si on s’appelle Jean-Pierre Larroche et qu’on éprouve un plaisir profond devant les objets, ceux de l’inattendu et du hasard. Avec raison on l’appelle le maître de cérémonie du théâtre d’objets. Grandiose. » Ronny V. Wangenheim – Ruhr Nachrichten (Allemagne)
« Les productions de la compagnie les ateliers du spectacle font partie de ces représentations qui inventent, hors des sentiers battus, des oeuvres originales qui plaisent à des publics de tous les âges.» Naly Gérard – La vie

Dans le cadre du Festival des Solidarités et du 50ème anniversaire du Centre Social et Culturel de la Glorieux-Cité Verte de Verdun, repas servi à 19h par l’Amatrami

Girma Bèyènè est un monument de la musique éthiopienne. Après un exil aux Etats-Unis, il revient sur scène en compagnie du groupe français Akalé Wubé : la « renaissance du septuagénaire » (Le Monde) est jubilatoire : « le spectacle est un recueil de mélodies et de syncopes cuivrées entêtantes qui mettent en valeur le swing du vieux crooner. » (Télérama)

Il est des étoiles qui s’éclipsent sans qu’on s’en aperçoive. Et puis un jour elles réapparaissent comme par enchantement… C’est ce qui est arrivé à Girma Bèyènè, musicien glorieux mais maladivement modeste, séducteur mais foudroyé par l’amour, expert en effacement mais rebelle toujours. Depuis le début des années 1960 et pendant vingt ans, Girma Bèyènè a été l’un des artistes les plus créatifs et prolifiques de la scène musicale éthiopienne. Et parmi les plus reconnus et célébrés. Après la chute de l’empereur Haylé-Sellassié (1974) et les turbulences qui suivirent, Girma quitte son pays en 1981. Sans compter les fatalités de la vie qui se ligueront peu après pour éloigner Girma de la scène publique. Le premier vrai retour de Girma dans son cher pays eut lieu à l’invitation du 7ème Ethiopian Music(s) Festival d’Addis Abeba en 2008. Girma Bèyènè s’associe avec le groupe français d’Akalé Wubé dont le groove lyrique et épuré démange les gambettes et réjouit les synapses.

presse : « Les musiciens d’Akalé Wubé n’ont jamais groové avec autant de bonheur, jamais joué avec autant de jubilation. » Break Musical
« Le septuagénaire renaît au contact de l’esprit musical éclairé de ces épatants musiciens ! » Le Monde
« Ils nous procurent une écoute rafraîchissante, revigorante et dépaysante ! » Jazz Radio

Alexander Vantournhout, jeune circassien flamand très remarqué sur le plan européen, s’est inspiré de l’univers de l’auteur russe absurde Daniil Harms pour fabriquer le spectacle : humour, danse, magie, cirque, contorsions loufoques et invraisemblables, voilà les quelques éléments qui composent cette œuvre rocambolesque et chorégraphique aux accents contestataires.

Red Haired Men est une performance intégrant la microprose (textes très courts) de Harms à des éléments de danse, cirque, contorsion, théâtre de marionnettes, magie et ventriloquie. C’est un spectacle phare du cirque européen contemporain dont l’acrobatie chorégraphique est l’élément principal.
« Les personnages principaux disparaissent dans des moments d’illusion comique, faisant penser aux fêtes foraines ; des prothèses permettent aux corps de se contorsionner et de prendre des formes bizarres et nouvelles. Ce mélange de disciplines artistiques reflète l’esprit anarchique et polyphonique de l’oeuvre de Harms. Ses textes correspondent au rythme des disciplines performatives « populaires » telles que le cirque : ils sont courts, denses, virtuoses, séquentiels, et ils finissent souvent par une chute (au sens littéraire) – déroutante ou déconcertante. » Alexander Vantournhout

Alexander Vantournhout a étudié à l’ESAC ( Bruxelles), et la danse contemporaine à P.A.R.T.S. (Performing Arts Research and Training Studios, Bruxelles). En 2013, il a travaillé en tant qu’acteur avec Rolf Alme, fondateur du Norwegian Theatre Academy (NO). Depuis, il est l’auteur de plusieurs solos. ANECKXANDER (2015) est lauréat de CircusNext 2014, ainsi que du Prix Jeune Théâtre et du Prix du public à Theater Aan Zee (Ostende, 2015). Alexander est ambassadeur culturel de la Ville de Roulers (2016-2018), artiste associé à PERPLX (Marke, 2017-2019), et artiste en résidence au Vooruit, à Gand (2017-2021). Son langage physique porte les influences d’une éducation et de circonstances de travail variées.

Daniil Harms poète, auteur de nouvelles et homme de théâtre russe, est la figure de proue de l’avant-garde soviétique des années 1920. Le régime soviétique l’empêche de publier ses oeuvres. Il se consacre alors au seul genre littéraire qui lui était encore autorisé : la littérature pour enfants. Ses histoires sont loin d’être conventionnelles. Elles sont absurdes, cruelles et arbitraires. Considéré en son temps comme excentrique et adversaire du régime, la majeure partie de son oeuvre est publiée clandestinement.

presse : « Hypnose ludique, moments d’observation et de réflexion… Chaque fragment choisi prend le temps de résonner dans la chorégraphie. Alexander Vantournhout tire ainsi une conscience aiguë du détail capable de retenir l’attention. Red Haired Men prend ainsi les traits d’un quatuor chorégraphique à la fois drôle et profond. » Paris-Art

La troupe des Dramaticules nous offre ici une forme de spectacle total : dynamique, inventif, résolument moderne, sans s’éloigner du texte de Shakespeare mais au contraire en le rapprochant du public dans une mise en scène immersive : « une réussite spectaculaire, un phénomène théâtral ! »

Pièce des pièces et classique des classiques, Hamlet nous renvoie en plein visage notre héritage, le poids écrasant des anciens et le cynisme de notre époque. Quelle est notre place là-dedans ? L’Histoire s’est-elle arrêtée avant même que nous n’ayons pu y jouer quelque rôle ? Il y a dans la jeunesse d’aujourd’hui, comme chez Hamlet, la nostalgie d’une époque non vécue. « Comme décor, un Elseneur démoli, on ne sait par qui, avec accessoires et éléments scéniques éparpillés un peu partout, disponibles pour n’importe quel caprice : un beau désordre bien calculé. Dispositif vidéo multiCam ostensible, avec acteurs cadreurs et surfaces de projection diverses. Les costumes sont anachroniques et délibérément théâtraux. Tout se fait et se défait à vue, les coulisses faisant partie intégrante du terrain de jeu. Sur le plateau, les artifices théâtraux sont revendiqués comme accessoires et comme signes. Tout l’arsenal du faux pour faire plus vrai. » Jérémie Le Louët

Jérémie Le Louët effectue sa formation théâtrale dans les classes de Stéphane Auvray-Nauroy et de Michel Fau aux cours Florent. En octobre 2002, il réunit un groupe de comédiens de sa génération avec lequel naît la Compagnie des Dramaticules. Dès lors, il interroge les notions d’interprétation et de représentation en portant un regard critique sur le jeu. En février 2003, il crée Macbett de Ionesco au Théâtre le Proscenium. Il y pose les bases de son travail sur le tempo, la dynamique et le phrasé que l’on retrouve dans ses créations suivantes.

presse : « Le théâtre offre parfois des moments de jubilation absolue, lorsque tout concourt à plaire à l’esprit autant qu’aux sens. Le dernier spectacle de la compagnie des Dramaticules est de ceux-là, et Jérémie Le Louët et son équipe ont réalisé un travail d’une exceptionnelle qualité. » Catherine Robert – La Terrasse
« Il est peu commode de décrire la créativité et la profusion des motifs sauf à écrire que la troupe crée un univers scénique et musical envoûtant entre Stanley Kubrick et Ivo von Hove avec la folie délirante de Amadeus de Milos Forman. Sauf à indiquer que rarement une partition jeu-lumière-vidéo n’a su fabriquer une telle cohérence esthétique. » David Rofé-Sarfati – toutelaculture.com

La troupe des Dramaticules nous offre ici une forme de spectacle total : dynamique, inventif, résolument moderne, sans s’éloigner du texte de Shakespeare mais au contraire en le rapprochant du public dans une mise en scène immersive : « une réussite spectaculaire, un phénomène théâtral ! »

Pièce des pièces et classique des classiques, Hamlet nous renvoie en plein visage notre héritage, le poids écrasant des anciens et le cynisme de notre époque. Quelle est notre place là-dedans ? L’Histoire s’est-elle arrêtée avant même que nous n’ayons pu y jouer quelque rôle ? Il y a dans la jeunesse d’aujourd’hui, comme chez Hamlet, la nostalgie d’une époque non vécue. « Comme décor, un Elseneur démoli, on ne sait par qui, avec accessoires et éléments scéniques éparpillés un peu partout, disponibles pour n’importe quel caprice : un beau désordre bien calculé. Dispositif vidéo multiCam ostensible, avec acteurs cadreurs et surfaces de projection diverses. Les costumes sont anachroniques et délibérément théâtraux. Tout se fait et se défait à vue, les coulisses faisant partie intégrante du terrain de jeu. Sur le plateau, les artifices théâtraux sont revendiqués comme accessoires et comme signes. Tout l’arsenal du faux pour faire plus vrai. » Jérémie Le Louët

Jérémie Le Louët effectue sa formation théâtrale dans les classes de Stéphane Auvray-Nauroy et de Michel Fau aux cours Florent. En octobre 2002, il réunit un groupe de comédiens de sa génération avec lequel naît la Compagnie des Dramaticules. Dès lors, il interroge les notions d’interprétation et de représentation en portant un regard critique sur le jeu. En février 2003, il crée Macbett de Ionesco au Théâtre le Proscenium. Il y pose les bases de son travail sur le tempo, la dynamique et le phrasé que l’on retrouve dans ses créations suivantes.

presse : « Le théâtre offre parfois des moments de jubilation absolue, lorsque tout concourt à plaire à l’esprit autant qu’aux sens. Le dernier spectacle de la compagnie des Dramaticules est de ceux-là, et Jérémie Le Louët et son équipe ont réalisé un travail d’une exceptionnelle qualité. » Catherine Robert – La Terrasse
« Il est peu commode de décrire la créativité et la profusion des motifs sauf à écrire que la troupe crée un univers scénique et musical envoûtant entre Stanley Kubrick et Ivo von Hove avec la folie délirante de Amadeus de Milos Forman. Sauf à indiquer que rarement une partition jeu-lumière-vidéo n’a su fabriquer une telle cohérence esthétique. » David Rofé-Sarfati – toutelaculture.com

Giuliani : concerto pour guitare op. 30
Boccherini : quintette pour guitare et quatuor à cordes G. 448
Marchiele : Nazca pour guitare et quatuor à cordes

Exigeant, excellent, éclectique, le quatuor déploie depuis des années un répertoire d’une impressionnante envergure. Son approche des trois compositeurs Giuliani, Marchelie et Boccherini est époustouflante : « Tout y est dans une sorte de grandeur abstraite. La musique, rien que la musique. » (Le Monde) ; le guitariste Simon Schembri les accompagne dans ce quintette original d’une remarquable qualité.

Créé au début des années 80 par quatre étudiants du Conservatoire National Supérieur de Paris, tous premiers prix d’instrument et de musique de chambre, le Quatuor Parisii a récemment célébré son trentième anniversaire. La clé de voûte de son itinéraire, l’art de la recherche du son parfait combiné à la conviction que la musique doit vivre de l’intérieur, lui est léguée par son maître Maurice Crut. Les musiciens du Quatuor Parisii déploient au fil des ans un répertoire d’une impressionnante envergure et une qualité d’interprétation rarement égalée. Ils attachent également beaucoup d’importance à soutenir la création et ils ont ainsi contribué à révéler nombre de compositeurs contemporains. Le Quatuor Parisii compte à coup sûr parmi les ensembles de chambre les plus importants de ces trente dernières années.
La guitare est un instrument très populaire lorsque Simon Schembri la découvre à l’âge de six ans à Malte, son île natale. À quatorze ans, Simon Schembri est récompensé par la Licence de la Royal Schools of Music de Londres. Dans la foulée il intègre la classe d’Alexandre Lagoya au Conservatoire National supérieur de Musique de Paris où il obtient le premier prix. Un Malta Music Awards a rendu honneur à sa carrière. Simon Schembri se situe dans la lignée de l’école guitaristique fondée par Tarrega au 19ème siècle, dont se sont inspirés les célèbres Ida Presti et Alexandre Lagoya. La sonorité puissante mais néanmoins noble et veloutée, la richesse de l’expression et l’intelligence musicale de Simon Schembri font de lui un guitariste salué par la critique.

presse : « Trajectoires tirées au cordeau, éclairages évolutifs, options ludiques… Tout y est dans une sorte de grandeur abstraite. La musique, rien que la musique. » Le Monde
« La clarté du jeu de Simon Schembri et la qualité de son expression musicale donnent vie aux oeuvres qu’il interprète. » François Lodéon – France Musique

Après une carrière de chanteur, bassiste, auteur et compositeur avec d’autres formations cubaines, Maikel Dinza évolue depuis 2015 avec son groupe Soneros de la Juventud qui lui permet de mettre en exergue toutes ses qualités. Déjà remarqué par les publics d’Amérique latine et des Caraïbes, il est considéré comme l’un des meilleurs espoirs cubains.

Maikel Dinza Hechavarria est né à Santiago de Cuba au sein d’une famille de musiciens. A sept ans il étudie le violoncelle. Plus tard, il intégrera l’orchestre de chambre Camerata Esteban Salas puis le groupe Salsa Chula, comme directeur musical, chanteur, compositeur et arrangeur. En 2010 il fera partie du groupe Yuli y Habana C et obtiendra, avec ses compositions, la reconnaissance du public et des danseurs. Il travaillera aussi comme bassiste et chanteur pour le disque Alma de Sonero de Mayito Rivera qui rencontrera un large succès sur le marché latino international. En 2014, il intègre l’orchestre de Manolito Simonet y su trabuco comme chanteur et compositeur. Il effectue aussi plusieurs tournées internationales comme bassiste avec Maikel Blanco y Salsa Mayor ainsi que Timberos Allstar. Depuis 2015, Maikel évolue sous son propre nom comme directeur, arrangeur et voix lead. Il est accompagné de son groupe Soneros de la Juventud, un projet qui démontre toutes ses qualités d’auteur, de compositeur et d’interprète. Regalando Corazones, son premier album sorti en 2017, lui permit de rencontrer son public à Cuba et en Amérique latine. Son nouvel album Pa que bailen to est nominé au Cubadisco 2019 (Victoires de la musique cubaine).

presse : « Nous pouvons faire confiance à des talents comme Dinza. L’héritage des grands et inégalables Benny, Pacho, Cuní, Faz, Pío Leyva et Plana, figures de premier rang de la musique cubaine, est entre de bonnes mains avec Maikel Dinza, vraie relève toujours attachée à la tradition musicale du pays. » Cesar Pédroso (Pupy) fondateur de Los Van Van

Julien Campani et Léo Cohen-Paperman, à la tête de leur jeune compagnie rémoise se sont attelés avec humour et impertinence à la tâche apparemment impossible d’une pièce sur « les vies intimes et politiques » de Jacques Chirac. « Jacky », comme ils préfèrent l’appeler, et ses multiples visages sont l’objet de cette « enquête théâtrale ».

Cette pièce ambitionne d’être la première d’une série de huit ayant pour objet les présidents de la Vème République, de Charles de Gaulle (opéra de poche et mélancolique : « Avant que de mourir je veux tirer un roi ») à Emmanuel Macron (temps de coaching en développement personnel :
« Never respect the rules »). « Je ferme les yeux et je me souviens. En 1995, Jacques Chirac est élu président de la République. Je le revois en esprit. J’ai six ans. De quoi ce souvenir est-il le nom ? Chirac c’est pour moi l’image de l’enfance, d’une insouciance partagée, l’idée que rien n’est grave. Je me rappelle 1995. Le marché, la liberté, le bonheur. Finis les idéologies, les haines, les génocides. Le XXème siècle des catastrophes allait bientôt finir. Je rouvre les yeux. En 2018, l’Histoire est redevenue tragique. En 2018, Jacques Chirac, sénile, sans douleur, sans peine et sans mémoire, contemple les murs de sa chambre dans un hospice. Il ne sourit pas. Il va bientôt mourir. Personne ne fait attention à lui. » Léo Cohen-Paperman

La compagnie des Animaux en Paradis, créée en 2009, est dirigée par Léo Cohen-Paperman. Elle est, depuis 2012, implantée à Reims.
Après une formation à la mise en scène au Conservatoire National Supérieur
d’Art Dramatique, Léo Cohen-Paperman a mis en scène plusieurs spectacles dont : Petit et Grand d’après Andersen, Les Nuits blanches d’après Dostoïevski, Les Lettres de mon moulin d’Alphonse Daudet, Mourir sur scène d’après Dalida et Hanokh Levin… Il a collaboré, en tant qu’assistant à la mise en scène, avec Olivier Py, Jean-Pierre Garnier et Christine Berg. Il intervient régulièrement dans le cadre d’ateliers et de stages avec des lycéens, collégiens, étudiants ou de jeunes acteurs.
Julien Campani s’est formé au Conservatoire National Supérieur d’Art Dramatique (promotion 2012). Pendant 5 ans, il tourne dans Le Bourgeois Gentilhomme mis en scène par Denis Podalydès. Il est membre fondateur du Festival du Nouveau Théâ tre Populaire à Fontaine-Guérin où il a joué dans une vingtaine de spectacles notamment sous la direction de Léo Cohen-Paperman.

« La metteuse en scène Julie Berès, à partir des témoignages de jeunes femmes issues de l’immigration, évoque la radicalisation, la misogynie et le racisme. » (Causette). Cette pièce délibérément d’aujourd’hui mobilise de nombreuses disciplines (théâtre, danse, musique) ; « elles campent avec une énergie communicative des personnages troublants et insaisissables. » (L’Humanité)

Entre fidélité et refus du poids de l’héritage, entre désirs immenses et sentiments d’impasse de l’époque, Julie Berès entreprend de sonder les rêves et les révoltes de quatre jeunes femmes héroïnes de ce spectacle. « À travers les témoignages, s’entrecroisent des bribes d’aveux, de souvenirs contradictoires, d’évidentes soumissions, de nostalgies ambivalentes, de révoltes dans le désir de faire entendre, à travers les événements intimes et douloureux, les mythes et mythologies inconscients et collectifs. Chacune des femmes à sa manière témoigne d’un NON, posé comme acte fondateur. Non aux volontés du père, non face aux injonctions de la société, de la famille, de la tradition. Non face à la double peine que sont le racisme et le machisme. S’opposer pour pouvoir danser tous les jours, faire du théâtre, écrire, prier. Arracher sa liberté. Nous souhaitions raconter l’histoire de victoires, de victorieuses, d’obstinées, de désobéissantes. » Julie Berès

Julie Berès, passe la plupart de son enfance en Afrique. Après une rencontre avec Ariane Mnouchkine, lors d’un stage au Théâtre du Soleil, elle décide en 1997 d’intégrer le Conservatoire National Supérieur d’Art Dramatique de Paris. En 2001, elle fonde la compagnie Les Cambrioleurs, dont elle assure la direction artistique et qu’elle choisit ensuite d’implanter à Brest, où elle développe un important programme d’actions culturelles. Elle réunit à ses côtés des créateurs issus de différentes disciplines (auteurs, vidéastes, plasticiens…) pour inventer une écriture scénique où chaque langage s’affirme. Elle est accompagnée par le Théâtre National de Chaillot dès ses premiers spectacles.

presse : « Elles campent avec une énergie communicative et une force explosive des personnages troublants et insaisissables, dont le discours autour du désir, de la vie spirituelle et de l’oppression masculine nous hante bien après la fin de cet enthousiasmant spectacle. » l’Humanité
« Ce qui frappe dans sa mise en scène est qu’avec un rien elle parvient à créer des intensités, des contrastes, un genre de sophistication, une ombre chinoise, une extraction du sol sur le plateau, si bien que chacun des aveux s’apparente à une fouille archéologique, trésor douloureux qu’il faut à la fois garder et transformer. » Anne Diatkine – Libération

« La metteuse en scène Julie Berès, à partir des témoignages de jeunes femmes issues de l’immigration, évoque la radicalisation, la misogynie et le racisme. » (Causette). Cette pièce délibérément d’aujourd’hui mobilise de nombreuses disciplines (théâtre, danse, musique) ; « elles campent avec une énergie communicative des personnages troublants et insaisissables. » (L’Humanité)

Entre fidélité et refus du poids de l’héritage, entre désirs immenses et sentiments d’impasse de l’époque, Julie Berès entreprend de sonder les rêves et les révoltes de quatre jeunes femmes héroïnes de ce spectacle. « À travers les témoignages, s’entrecroisent des bribes d’aveux, de souvenirs contradictoires, d’évidentes soumissions, de nostalgies ambivalentes, de révoltes dans le désir de faire entendre, à travers les événements intimes et douloureux, les mythes et mythologies inconscients et collectifs. Chacune des femmes à sa manière témoigne d’un NON, posé comme acte fondateur. Non aux volontés du père, non face aux injonctions de la société, de la famille, de la tradition. Non face à la double peine que sont le racisme et le machisme. S’opposer pour pouvoir danser tous les jours, faire du théâtre, écrire, prier. Arracher sa liberté. Nous souhaitions raconter l’histoire de victoires, de victorieuses, d’obstinées, de désobéissantes. » Julie Berès

Julie Berès, passe la plupart de son enfance en Afrique. Après une rencontre avec Ariane Mnouchkine, lors d’un stage au Théâtre du Soleil, elle décide en 1997 d’intégrer le Conservatoire National Supérieur d’Art Dramatique de Paris. En 2001, elle fonde la compagnie Les Cambrioleurs, dont elle assure la direction artistique et qu’elle choisit ensuite d’implanter à Brest, où elle développe un important programme d’actions culturelles. Elle réunit à ses côtés des créateurs issus de différentes disciplines (auteurs, vidéastes, plasticiens…) pour inventer une écriture scénique où chaque langage s’affirme. Elle est accompagnée par le Théâtre National de Chaillot dès ses premiers spectacles.

presse : « Elles campent avec une énergie communicative et une force explosive des personnages troublants et insaisissables, dont le discours autour du désir, de la vie spirituelle et de l’oppression masculine nous hante bien après la fin de cet enthousiasmant spectacle. » l’Humanité
« Ce qui frappe dans sa mise en scène est qu’avec un rien elle parvient à créer des intensités, des contrastes, un genre de sophistication, une ombre chinoise, une extraction du sol sur le plateau, si bien que chacun des aveux s’apparente à une fouille archéologique, trésor douloureux qu’il faut à la fois garder et transformer. » Anne Diatkine – Libération

Le clown équilibriste Rémi Luchez, déjà accueilli en septembre 2018 à la Cité Verte, est un drôle d’oiseau. Il est accompagné pour ce spectacle de Lola Calvet, superbe chanteuse occitane. L’homme Canon nous fait vivre l’ivresse dans la sobriété et la jubilation dans la retenue.

Le regard perçant, la silhouette plutôt frêle, Rémi Luchez met en scène un spectacle d’équilibres sensible et virtuose. Des équilibres d’objets, des objets en équilibre, du jeu et une voix, celle de Lola Calvet. Les grands exploits reposent souvent sur de petits riens, et c’est bien ce qui nous touche et nous impressionne… « Mon processus de création débute par un travail de recherche autour d’une obsession (marcher sur un fil le plus petit possible, monter une construction instable sur sa tête… ) pour y trouver le sens, le plaisir, la finesse et les émotions. L’homme canon a été créé pour être joué au festival Plantez là. J’avais envie de reprendre des numéros d’équilibres d’objets travaillés pour d’autres spectacles et des tentatives jamais testées devant du public. Il y avait aussi un numéro d’équilibre sur brique que je ne savais pas comment finir. J’ai alors décidé de m’envoler… » Rémi Luchez

Diplômé du Centre National des Arts du Cirque de Châlons-en-Champagne en 2005, Rémi Luchez est spécialisé en fil souple. Il a tourné pendant deux ans avec Toto Lacaille, création collective de la 17ème promotion du CNAC. En 2008, il est lauréat Jeunes Talents Cirque Europe pour le projet Miettes qu’il crée sous le regard de Pierre Déaux. Ce solo est créé en janvier 2009 et est joué près de 200 fois. En 2010, il réalise une tournée à vélo avec Miettes. En 2011, Rémi Luchez crée Nichons là avec Olivier Debelhoir, spectacle sous chapiteau pour lequel il travaille une nouvelle spécialité d’objet en équilibre sur sa tête. En parallèle à son art de l’équilibre, Rémi Luchez mène depuis plusieurs années un travail de matières en sculptant le bois calciné, le métal, le verre, la porcelaine…

Eddy Pallaro, déjà repéré pour ses qualités d’auteur et d’acteur, interroge ici, dans ce joli spectacle qui est aussi sa première mise en scène, le rapport que chacun entretient avec la solitude, les autres, le couple avec la réalité souvent imparfaite. « Les deux comédiens dessinent leur personnage avec une vérité éclatante et persuasive. » (La Terrasse)

Qu’est-ce que l’intime ? Intimités interroge la vie et les êtres. Pour essayer de comprendre un homme enfermé dans sa solitude et son appartement, une femme va créer un terrain d’échange et d’égalité entre eux : un don d’intimité à intimité. « Je m’intéresse à l’humain dans toutes ses dimensions. Nous sommes faits de réalité, mais aussi de pensées, de fantasmes, de mémoire et de rêves. Nos actions, nos sentiments, trouvent leurs sources dans les zones les plus profondes. Il arrive que des parts de nous se révèlent et éclairent notre réalité d’une lumière nouvelle. Nous sommes des êtres de paroles et de silences. Zones d’ombre et de lumière cohabitent en nous de façon égale. Notre représentation reste incomplète. Elle est toujours mouvante. Nous sommes des êtres de fiction en équilibre entre deux mondes. De la réalité où nous sommes, nous imaginons sans cesse la part qui nous manque. Nous inventons l’autre et nous nous inventons nous-même. » Eddy Pallaro

Après une dizaine d’années consacrées à la pratique d’acteur, Eddy Pallaro mène un travail d’auteur. La plupart de ses pièces sont éditées chez Actes Sud-Papiers, aux éditions Lansman ou aux éditions Crater. Il écrit également pour le cirque, la danse, et collabore avec Jean-Baptiste André, Frédéric Cellé, Sébastien Lefrançois, Yun Chane. Il fait partie du collectif d’auteurs La Coopérative d’Écriture. En 2016, il fonde L’atelier des fictions et initie un travail de mise en scène avec sa pièce Intimités. Eddy a fait longuement partie de la compagnie Trois Six Trente et à ce titre a été très souvent présent à Verdun entre 1998 et 2008. Depuis sa relation avec Transversales est restée vivante.

presse : « Les deux comédiens dessinent leur personnage avec une vérité éclatante et persuasive. Apparence de rudesse et de brutalité rustique chez Jean-Louis Coulloc’h qui ne fait que cacher une grande sensibilité et de savants atermoiements du coeur. Avec Cécile Coustillac, c’est toute la splendeur avertie du personnage qui surgit, éclairé de conviction existentielle, sous des dehors de fragilité et de tremblements. Un combat physique et mental que chacun tient avec dignité : égalité des points partout. Un spectacle dense et intense qui exige tension en alerte et silence, de sorte que le public ressent, à maintes reprises, comme le souffle passant des sentiments. » Véronique Hotte – La Terrasse

Fauré : Pelléas et Mélisande – suite op.80
Tailleferre : concertino pour harpe et orchestre
Mendelssohn : symphonie n°3 écossaise

Ce spectacle, résultant d’un partenariat avec le musée de Picardie, associe musique symphonique et art pictural. En effet, le concerto pour piano et orchestre de Germaine Tailleferre sublime le parcours visuel du vidéaste Bertrand Coynault à travers une des pièces maîtresses du musée d’Amiens lors d’une déambulation visuelle et sonore. Fauré (Pelléas et Mélisande – suite op.80) et Mendelssohn (Symphonie n°3 Ecossaise) complètent ce joli programme.

Fondé en 1984 l’Orchestre de Picardie a pour mission la production, la transmission et la diffusion de la musique symphonique. Depuis sa création, il a évolué pour atteindre un effectif dit « Mannheim » de 37 musiciens permanents. La mission d’intérêt général qu’il développe à travers une saison de concerts dans les territoires de sa région, les réseaux européens qu’il a créés, les partenariats durables dont il bénéficie, concourent à déterminer une identité unique et témoignent de la modernité du projet qu’il conduit.
Arie van Beek est né à Rotterdam. Il est d’abord percussionniste dans les orchestres radiophoniques des Pays-Bas avant de s’orienter vers la direction d’orchestre. Ses professeurs de direction sont Edo de Waart et David Porcelijn. Après avoir été le directeur musical de l’Orchestre d’Auvergne de 1994 à 2010, il est depuis 2011 directeur musical de l’Orchestre de Picardie. Depuis septembre 2013, il est également directeur musical de l’Orchestre de Chambre de Genève. Il est par ailleurs chef permanent du Doelen Ensemble à Rotterdam ainsi que chef d’orchestre, professeur au Codarts-Conservatoire Supérieur de Musique de Rotterdam.
Emilie Gastaud s’est formée auprès de Frédérique Cambreling, à laquelle elle doit son amour de la harpe. En 2006, elle obtient le 2ème Prix à l’unanimité au Concours International de harpe de Lille, le Prix Spedidam et le Prix de la SACEM. En 2008, à l’issue de son Premier Prix, mention très bien à l’unanimité au Conservatoire National Supérieur de Musique de Paris, Emilie Gastaud obtient une mention d’honneur en finale du concours international Lily Laskine. Son intégration en 2008 dans la prestigieuse Académie Karajan lui donne une expérience professionnelle unique au sein de l’Orchestre Philharmonique de Berlin. Elle joue alors sous la baguette des plus grands chefs. Elle est actuellement première harpe solo de l’Orchestre National de France.

Vardan Hovanissian est un virtuose du doudouk arménien, cet instrument à anche double à la sonorité langoureuse. Il joue avec Emre Gültekin, jouant du saz, ce luth à manche long typique de la musique traditionnelle turque. Ensemble ils « réconcilient deux traditions musicales vibrantes » par une
« musique douce et pleine d’espoir poétique, un peu plus de cent ans après le génocide arménien » Télérama

Depuis qu’il a été initié au doudouk par son maître Khachik Khachatryan, Vardan Hovanissian est devenu l’un des ambassadeurs talentueux de cet instrument à anche double très ancien, dont la sonorité mélancolique reflète l’âme arménienne. Il y a plus de dix ans, il a trouvé son âme soeur musicale en Emre Gültekin, qui a appris l’art du saz turc auprès de Talip Özkan et son père Lütfü Gültekin. Chantés en arménien et en turc, les textes entrent en résonance avec la sonorité mélancolique du doudouk arménien et le travail virtuose du saz et du tanbûr. Les deux musiciens tissent des liens entre les langues et les styles au gré de leur musique et de leurs instruments. Ils s’inspirent des répertoires traditionnels, ramenant à la vie quelques trésors enfouis du passé, et les complètent par des nouvelles compositions abordant des sujets contemporains. Un duo qui permet d’envisager l’Histoire d’une manière plus positive.

presse : « Un travail intense qui atteint des sommets de haute qualité, éveillant des réflexions et des émotions profondes » Ciro de Rosa – Blogfoolk
« Tradition, poésie, compositions récentes, sobriété, retenue, délicatesse, envolées des instruments et des voix à travers les petites histoires et la grande Histoire, tels sont les ingrédients d’un disque d’une étonnante dignité humaine. » Etienne Bours 5planètes – Des mondes de musiques

Aurélie Van Den Daele et ses talentueux complices du Deug Doen Group adaptent aevc énergie l’oeuvre de David Hare, décrivant l’échec des travaillistes à l’élection générale de 1992 au Royaume-Uni. Cette
« mise en scène audacieuse et rock’n roll » (Le Figaro) interroge la question de la politique aujourd’hui. Sitcom ou tragédie ?

Angleterre. Hier. Après des années de thatchérisme, des élections sont déclenchées et George Jones, leader de l’opposition ne peut que remporter ces élections : il doit gagner. Et pourtant… « Pour lutter contre l’effondrement de notre démocratie, contre l’effacement du fond au profit de la forme et pour combattre le culte de l’image, j’ai choisi de me plonger dans cette pièce qui met en scène un moment de bascule : celui où le fond du débat politique s’est effacé au profit de la forme. L’Absence de guerre est un thriller politique qui nous transporte dans un monde étrangement semblable au nôtre. Un monde où notre machine démocratique s’est sclérosée, perdant son sens. Mais l’intrigue est aussi pleinement humaine : l’ennemi politique du départ, le leader des conservateurs, est comme l’arbre qui cache la forêt. Les coups de feu viennent toujours du camp de George. » Aurélie Van Dan Daele

Le DEUG DOEN GROUP (DDG) est un groupe de travail. Artistiquement il réunit des forces vives de la création : un collectif technique, le collectif INVIVO qui conçoit les dispositifs scéniques (scénographie, lumières et vidéo, son), des interprètes, des auteurs et des dramaturges autour d’une metteure en scène à l’initiative des projets : Aurélie Van Den Daele. Elle est artiste associée au Théâtre de l’Aquarium, et à la Ferme de Bel Ebat-Théâtre de Guyancourt. A partir de 2019, elle sera artiste associée au Centre Dramatique National de Montluçon et à la Faïencerie de Creil.

presse : « La scénographie particulièrement brillante fait le lien entre les projections sur écran et présence des acteurs sur scène. La caméra violente d’une certaine façon notre perception. Elle agit comme une araignée, gobeuse de mouches qui cerne de toutes parts les protagonistes. La démonstration est imparable, cyniquement effrayante. Elle interpellera tout citoyen » Le Monde

Décrite par la presse internationale comme une « révélation, une pianiste exceptionnelle », Béatrice se produit à travers l’Europe et l’Amérique. « Avec sa sonorité ronde, ample et charpentée, Béatrice Berrut signe ainsi un des meilleurs albums lisztiens de notre époque.» Maciej Chizynski, Resmusica

Béatrice Berrut est décrite par la presse internationale comme une « révélation, une pianiste exceptionnelle » (Plain Dealer, Cleveland) qui « séduit par les différentes couches de génie et de beauté de son jeu » (Irish Times). Elle se produit à travers l’Europe et l’Amérique dans des salles prestigieuses telles la Philharmonie de Berlin, le Preston Bradley Hall de Chicago, le Wigmore Hall de Londres, la Tonhalle de Zurich, en récital ou en soliste avec des orchestres tels l’Orchestre Philharmonique de Dortmund, la Philharmonie Südwestfalen, l’Orchestre National des Pays de la Loire, l’Orchestre de la Radio Suisse Italienne, le North Czech Philharmonic… Elle se forme à la Hochschule für Musik « Hanns Eisler » de Berlin, où elle suivra durant cinq ans l’enseignement de Galina Iwanzowa, élève de Heinrich Neuhaus, et est également titulaire d’un Artist Diploma de la Royal Irish Academy of Music de Dublin, où elle s’est perfectionnée dans la classe de John O’Conor. Artiste aux multiples facettes, Béatrice Berrut s’adonne à la transcription d’oeuvres symphoniques pour le piano, et écrit sa musique, ce qui lui permet de parcourir les scènes et les festivals avec des programmes de récitals originaux et inédits. Sa discographie est louangée par la critique internationale, Fanfare Record Magazine compare ses interprétations à celles d’Horowitz et Classica parle de son album Liszt : Metanoia comme l’un des plus remarquables de ces dernières années.

presse : « Même les vibrations les plus infimes trouvent, sous les doigts de la pianiste suisse, une plénitude à leur mesure. » Jérémie Bigorie – Classica
« Dans un timing comparable à celui de Brendel (c’est-à-dire excellent), elle se jette à corps perdu dans cette fresque enflammée sans non plus tomber dans des excès de pathos. Son phrasé très naturel, lyrique, ample, sa façon d’unifier les divers épisodes en font une lecture organique. » Julian Sykes – Le Temps

La célèbre compagnie Akoreacro défend, depuis 10 ans, un cirque populaire, nouveau, et de grande qualité acrobatique. Viscéral et généreux, ce collectif d’artistes revendique un langage unique entre musique et acrobatie. Le spectacle « ne laisse pas une minute de répit : alternant prouesses impressionnantes et humour décalé » (Le soir)

Dans ton coeur est le premier spectacle du metteur en scène Pierre Guillois au sein de la compagnie. Ce maître-ès-dérision invente à cette occasion un langage commun entre l’écriture et l’acrobatie. À partir du quotidien d’un couple surgissent des situations banales qui dérapent et donnent naissance à de folles acrobaties. Les artistes d’Akoreacro entrelacent les gestes familiers aux pirouettes les plus incroyables et subliment les petits riens en prouesses de plus en plus dingues. L’électroménager s’en mêle, tandis que les corps s’envolent avec grâce au milieu de ce charivari acrobatique et musical.
« Les acrobaties riment parfois avec caresses, d’autres fois avec torgnoles. Les artistes qui volent sous le chapiteau planent par instant, s’entrechoquent peu après. Les mastards tout en muscle réceptionnent en douceur ou éjectent brutalement les corps légers qui leur sont confiés. Tel est le cirque. Le rire s’empare du chapiteau devenu fou à force d’amour enflammé et de ruptures sanglantes, sous l’envoûtante musique mi-ange mi-diable qui accompagne cette fresque enchantée de nos petites turpitudes. » Pierre Guillois

presse : « Résolument familial, Dans ton coeur ne vous laisse pas une minute de répit, alternant prouesses impressionnantes et moments plus décalés. Rarement a-t-on vu un spectacle de cirque se dépenser avec autant d’énergie. La performance acrobatique et les corps sculpturaux se mettent au service d’une fable comique et parodique sur le bonheur conjugal. » Catherine Makereel – Le soir Wallonie

La célèbre compagnie Akoreacro défend, depuis 10 ans, un cirque populaire, nouveau, et de grande qualité acrobatique. Viscéral et généreux, ce collectif d’artistes revendique un langage unique entre musique et acrobatie. Le spectacle « ne laisse pas une minute de répit : alternant prouesses impressionnantes et humour décalé » (Le soir)

Dans ton coeur est le premier spectacle du metteur en scène Pierre Guillois au sein de la compagnie. Ce maître-ès-dérision invente à cette occasion un langage commun entre l’écriture et l’acrobatie. À partir du quotidien d’un couple surgissent des situations banales qui dérapent et donnent naissance à de folles acrobaties. Les artistes d’Akoreacro entrelacent les gestes familiers aux pirouettes les plus incroyables et subliment les petits riens en prouesses de plus en plus dingues. L’électroménager s’en mêle, tandis que les corps s’envolent avec grâce au milieu de ce charivari acrobatique et musical.
« Les acrobaties riment parfois avec caresses, d’autres fois avec torgnoles. Les artistes qui volent sous le chapiteau planent par instant, s’entrechoquent peu après. Les mastards tout en muscle réceptionnent en douceur ou éjectent brutalement les corps légers qui leur sont confiés. Tel est le cirque. Le rire s’empare du chapiteau devenu fou à force d’amour enflammé et de ruptures sanglantes, sous l’envoûtante musique mi-ange mi-diable qui accompagne cette fresque enchantée de nos petites turpitudes. » Pierre Guillois

presse : « Résolument familial, Dans ton coeur ne vous laisse pas une minute de répit, alternant prouesses impressionnantes et moments plus décalés. Rarement a-t-on vu un spectacle de cirque se dépenser avec autant d’énergie. La performance acrobatique et les corps sculpturaux se mettent au service d’une fable comique et parodique sur le bonheur conjugal. » Catherine Makereel – Le soir Wallonie

La célèbre compagnie Akoreacro défend, depuis 10 ans, un cirque populaire, nouveau, et de grande qualité acrobatique. Viscéral et généreux, ce collectif d’artistes revendique un langage unique entre musique et acrobatie. Le spectacle « ne laisse pas une minute de répit : alternant prouesses impressionnantes et humour décalé » (Le soir)

Dans ton coeur est le premier spectacle du metteur en scène Pierre Guillois au sein de la compagnie. Ce maître-ès-dérision invente à cette occasion un langage commun entre l’écriture et l’acrobatie. À partir du quotidien d’un couple surgissent des situations banales qui dérapent et donnent naissance à de folles acrobaties. Les artistes d’Akoreacro entrelacent les gestes familiers aux pirouettes les plus incroyables et subliment les petits riens en prouesses de plus en plus dingues. L’électroménager s’en mêle, tandis que les corps s’envolent avec grâce au milieu de ce charivari acrobatique et musical.
« Les acrobaties riment parfois avec caresses, d’autres fois avec torgnoles. Les artistes qui volent sous le chapiteau planent par instant, s’entrechoquent peu après. Les mastards tout en muscle réceptionnent en douceur ou éjectent brutalement les corps légers qui leur sont confiés. Tel est le cirque. Le rire s’empare du chapiteau devenu fou à force d’amour enflammé et de ruptures sanglantes, sous l’envoûtante musique mi-ange mi-diable qui accompagne cette fresque enchantée de nos petites turpitudes. » Pierre Guillois

presse : « Résolument familial, Dans ton coeur ne vous laisse pas une minute de répit, alternant prouesses impressionnantes et moments plus décalés. Rarement a-t-on vu un spectacle de cirque se dépenser avec autant d’énergie. La performance acrobatique et les corps sculpturaux se mettent au service d’une fable comique et parodique sur le bonheur conjugal. » Catherine Makereel – Le soir Wallonie

La célèbre compagnie Akoreacro défend, depuis 10 ans, un cirque populaire, nouveau, et de grande qualité acrobatique. Viscéral et généreux, ce collectif d’artistes revendique un langage unique entre musique et acrobatie. Le spectacle « ne laisse pas une minute de répit : alternant prouesses impressionnantes et humour décalé » (Le soir)

Dans ton coeur est le premier spectacle du metteur en scène Pierre Guillois au sein de la compagnie. Ce maître-ès-dérision invente à cette occasion un langage commun entre l’écriture et l’acrobatie. À partir du quotidien d’un couple surgissent des situations banales qui dérapent et donnent naissance à de folles acrobaties. Les artistes d’Akoreacro entrelacent les gestes familiers aux pirouettes les plus incroyables et subliment les petits riens en prouesses de plus en plus dingues. L’électroménager s’en mêle, tandis que les corps s’envolent avec grâce au milieu de ce charivari acrobatique et musical.
« Les acrobaties riment parfois avec caresses, d’autres fois avec torgnoles. Les artistes qui volent sous le chapiteau planent par instant, s’entrechoquent peu après. Les mastards tout en muscle réceptionnent en douceur ou éjectent brutalement les corps légers qui leur sont confiés. Tel est le cirque. Le rire s’empare du chapiteau devenu fou à force d’amour enflammé et de ruptures sanglantes, sous l’envoûtante musique mi-ange mi-diable qui accompagne cette fresque enchantée de nos petites turpitudes. » Pierre Guillois

presse : « Résolument familial, Dans ton coeur ne vous laisse pas une minute de répit, alternant prouesses impressionnantes et moments plus décalés. Rarement a-t-on vu un spectacle de cirque se dépenser avec autant d’énergie. La performance acrobatique et les corps sculpturaux se mettent au service d’une fable comique et parodique sur le bonheur conjugal. » Catherine Makereel – Le soir Wallonie