Pour les scolaires

**représentations scolaires uniquement**

d’après Charles Dickens

« Dickens décrit avec justesse la tendance qu’ont les individus à classer autrui sur une échelle de valeurs de richesse et de possession. Ici, c’est un enfant qui se trouve confronté à un rejet et qui comprend instantanément qu’il ne détient pas les codes qu’il faut pour réussir. La construction d’un sentiment de honte de soi et des siens est en marche et se cristallise tout au long de son adolescence. Dickens nous parle de notre société contemporaine qui n’a pas changé. Ce mécanisme de hiérarchisation est toujours à l’oeuvre. Derrière la différence sociale, il y a la souffrance d’un sentiment d’infériorité. L’auteur nous parle de cette souffrance, d’une perte de confiance provoquée par ce que d’autres exhibent et que l’on ne possède pas. Ainsi les différences sociales s’inscrivent en nous, durablement, dans nos corps et nos actes. Mais Dickens apporte une vision optimiste à la fin de ce voyage initiatique puisque le personnage principal comprend qu’il a succombé à des mirages, des signes, qui n’ont que la valeur qu’on veut bien leur accorder. Soulever ces questions devant un public jeune nous semble pertinent. Pip, le personnage principal a honte ; il est montré du doigt, pauvre, mal habillé, sans instruction. À sa souffrance, s’ajoute la culpabilité d’avoir dû rejeter sa propre famille, et plus tard de devenir à son tour égoïste et vaniteux. Dickens propose comme résolution à ce problème un changement de regard qui rend les puissants parfois peu fréquentables et les plus faibles parfois dignes d’être admirés. » Cie Mamaille

**représentations scolaires uniquement**

d’après Charles Dickens

« Dickens décrit avec justesse la tendance qu’ont les individus à classer autrui sur une échelle de valeurs de richesse et de possession. Ici, c’est un enfant qui se trouve confronté à un rejet et qui comprend instantanément qu’il ne détient pas les codes qu’il faut pour réussir. La construction d’un sentiment de honte de soi et des siens est en marche et se cristallise tout au long de son adolescence. Dickens nous parle de notre société contemporaine qui n’a pas changé. Ce mécanisme de hiérarchisation est toujours à l’oeuvre. Derrière la différence sociale, il y a la souffrance d’un sentiment d’infériorité. L’auteur nous parle de cette souffrance, d’une perte de confiance provoquée par ce que d’autres exhibent et que l’on ne possède pas. Ainsi les différences sociales s’inscrivent en nous, durablement, dans nos corps et nos actes. Mais Dickens apporte une vision optimiste à la fin de ce voyage initiatique puisque le personnage principal comprend qu’il a succombé à des mirages, des signes, qui n’ont que la valeur qu’on veut bien leur accorder. Soulever ces questions devant un public jeune nous semble pertinent. Pip, le personnage principal a honte ; il est montré du doigt, pauvre, mal habillé, sans instruction. À sa souffrance, s’ajoute la culpabilité d’avoir dû rejeter sa propre famille, et plus tard de devenir à son tour égoïste et vaniteux. Dickens propose comme résolution à ce problème un changement de regard qui rend les puissants parfois peu fréquentables et les plus faibles parfois dignes d’être admirés. » Cie Mamaille

**représentations scolaires uniquement**

d’après Charles Dickens

« Dickens décrit avec justesse la tendance qu’ont les individus à classer autrui sur une échelle de valeurs de richesse et de possession. Ici, c’est un enfant qui se trouve confronté à un rejet et qui comprend instantanément qu’il ne détient pas les codes qu’il faut pour réussir. La construction d’un sentiment de honte de soi et des siens est en marche et se cristallise tout au long de son adolescence. Dickens nous parle de notre société contemporaine qui n’a pas changé. Ce mécanisme de hiérarchisation est toujours à l’oeuvre. Derrière la différence sociale, il y a la souffrance d’un sentiment d’infériorité. L’auteur nous parle de cette souffrance, d’une perte de confiance provoquée par ce que d’autres exhibent et que l’on ne possède pas. Ainsi les différences sociales s’inscrivent en nous, durablement, dans nos corps et nos actes. Mais Dickens apporte une vision optimiste à la fin de ce voyage initiatique puisque le personnage principal comprend qu’il a succombé à des mirages, des signes, qui n’ont que la valeur qu’on veut bien leur accorder. Soulever ces questions devant un public jeune nous semble pertinent. Pip, le personnage principal a honte ; il est montré du doigt, pauvre, mal habillé, sans instruction. À sa souffrance, s’ajoute la culpabilité d’avoir dû rejeter sa propre famille, et plus tard de devenir à son tour égoïste et vaniteux. Dickens propose comme résolution à ce problème un changement de regard qui rend les puissants parfois peu fréquentables et les plus faibles parfois dignes d’être admirés. » Cie Mamaille

**représentations scolaires uniquement**

d’après Charles Dickens

« Dickens décrit avec justesse la tendance qu’ont les individus à classer autrui sur une échelle de valeurs de richesse et de possession. Ici, c’est un enfant qui se trouve confronté à un rejet et qui comprend instantanément qu’il ne détient pas les codes qu’il faut pour réussir. La construction d’un sentiment de honte de soi et des siens est en marche et se cristallise tout au long de son adolescence. Dickens nous parle de notre société contemporaine qui n’a pas changé. Ce mécanisme de hiérarchisation est toujours à l’oeuvre. Derrière la différence sociale, il y a la souffrance d’un sentiment d’infériorité. L’auteur nous parle de cette souffrance, d’une perte de confiance provoquée par ce que d’autres exhibent et que l’on ne possède pas. Ainsi les différences sociales s’inscrivent en nous, durablement, dans nos corps et nos actes. Mais Dickens apporte une vision optimiste à la fin de ce voyage initiatique puisque le personnage principal comprend qu’il a succombé à des mirages, des signes, qui n’ont que la valeur qu’on veut bien leur accorder. Soulever ces questions devant un public jeune nous semble pertinent. Pip, le personnage principal a honte ; il est montré du doigt, pauvre, mal habillé, sans instruction. À sa souffrance, s’ajoute la culpabilité d’avoir dû rejeter sa propre famille, et plus tard de devenir à son tour égoïste et vaniteux. Dickens propose comme résolution à ce problème un changement de regard qui rend les puissants parfois peu fréquentables et les plus faibles parfois dignes d’être admirés. » Cie Mamaille

**représentations scolaires uniquement**

d’après Charles Dickens

« Dickens décrit avec justesse la tendance qu’ont les individus à classer autrui sur une échelle de valeurs de richesse et de possession. Ici, c’est un enfant qui se trouve confronté à un rejet et qui comprend instantanément qu’il ne détient pas les codes qu’il faut pour réussir. La construction d’un sentiment de honte de soi et des siens est en marche et se cristallise tout au long de son adolescence. Dickens nous parle de notre société contemporaine qui n’a pas changé. Ce mécanisme de hiérarchisation est toujours à l’oeuvre. Derrière la différence sociale, il y a la souffrance d’un sentiment d’infériorité. L’auteur nous parle de cette souffrance, d’une perte de confiance provoquée par ce que d’autres exhibent et que l’on ne possède pas. Ainsi les différences sociales s’inscrivent en nous, durablement, dans nos corps et nos actes. Mais Dickens apporte une vision optimiste à la fin de ce voyage initiatique puisque le personnage principal comprend qu’il a succombé à des mirages, des signes, qui n’ont que la valeur qu’on veut bien leur accorder. Soulever ces questions devant un public jeune nous semble pertinent. Pip, le personnage principal a honte ; il est montré du doigt, pauvre, mal habillé, sans instruction. À sa souffrance, s’ajoute la culpabilité d’avoir dû rejeter sa propre famille, et plus tard de devenir à son tour égoïste et vaniteux. Dickens propose comme résolution à ce problème un changement de regard qui rend les puissants parfois peu fréquentables et les plus faibles parfois dignes d’être admirés. » Cie Mamaille

**représentations scolaires uniquement**

« Nous vivons à l’intérieur de notre corps mais nous ne connaissons que peu ses potentialités. Nous n’avons pas toujours la possibilité de regarder les autres de près pour noter nos différences. Parce que nous n’osons pas, parce que nous ne le faisons pas, tout simplement. Le point de départ de la création est le corps. Le corps comme outil, le corps comme centre de communication, le corps comme objet, le corps comme espace vivant. Ce corps si identique aux autres et si différent à la fois. Les capacités presque infinies dont il dispose, sa singularité, sa fragilité et sa beauté complexe. Mes pistes de recherche ont été d’explorer la thématique corporelle via les relations que nous entretenons au quotidien avec notre propre corps. Au travers des grimaces, des sensations, des bruits, des gestes, des mimiques, des émotions, j’ai voulu éprouver la dualité du corps fonctionnel et du corps imaginé. Ce spectacle est avant tout une performance circassienne qui refuse le parti pris de la naïveté et de l’infantilisation. Il souhaite faire une parenthèse temporelle pour apprendre de l’autre et de nous-même, pour être curieux, pour oser demander, pour regarder la vie. Ma volonté est de présenter aux enfants un spectacle qui puisse éveiller leur curiosité, leur montrant le pouvoir de leur corps en leur révélant toutes ses capacités.» Coline Garcia

**représentations scolaires uniquement**

« Nous vivons à l’intérieur de notre corps mais nous ne connaissons que peu ses potentialités. Nous n’avons pas toujours la possibilité de regarder les autres de près pour noter nos différences. Parce que nous n’osons pas, parce que nous ne le faisons pas, tout simplement. Le point de départ de la création est le corps. Le corps comme outil, le corps comme centre de communication, le corps comme objet, le corps comme espace vivant. Ce corps si identique aux autres et si différent à la fois. Les capacités presque infinies dont il dispose, sa singularité, sa fragilité et sa beauté complexe. Mes pistes de recherche ont été d’explorer la thématique corporelle via les relations que nous entretenons au quotidien avec notre propre corps. Au travers des grimaces, des sensations, des bruits, des gestes, des mimiques, des émotions, j’ai voulu éprouver la dualité du corps fonctionnel et du corps imaginé. Ce spectacle est avant tout une performance circassienne qui refuse le parti pris de la naïveté et de l’infantilisation. Il souhaite faire une parenthèse temporelle pour apprendre de l’autre et de nous-même, pour être curieux, pour oser demander, pour regarder la vie. Ma volonté est de présenter aux enfants un spectacle qui puisse éveiller leur curiosité, leur montrant le pouvoir de leur corps en leur révélant toutes ses capacités.» Coline Garcia

**représentations scolaires uniquement**

« Nous vivons à l’intérieur de notre corps mais nous ne connaissons que peu ses potentialités. Nous n’avons pas toujours la possibilité de regarder les autres de près pour noter nos différences. Parce que nous n’osons pas, parce que nous ne le faisons pas, tout simplement. Le point de départ de la création est le corps. Le corps comme outil, le corps comme centre de communication, le corps comme objet, le corps comme espace vivant. Ce corps si identique aux autres et si différent à la fois. Les capacités presque infinies dont il dispose, sa singularité, sa fragilité et sa beauté complexe. Mes pistes de recherche ont été d’explorer la thématique corporelle via les relations que nous entretenons au quotidien avec notre propre corps. Au travers des grimaces, des sensations, des bruits, des gestes, des mimiques, des émotions, j’ai voulu éprouver la dualité du corps fonctionnel et du corps imaginé. Ce spectacle est avant tout une performance circassienne qui refuse le parti pris de la naïveté et de l’infantilisation. Il souhaite faire une parenthèse temporelle pour apprendre de l’autre et de nous-même, pour être curieux, pour oser demander, pour regarder la vie. Ma volonté est de présenter aux enfants un spectacle qui puisse éveiller leur curiosité, leur montrant le pouvoir de leur corps en leur révélant toutes ses capacités.» Coline Garcia

**représentations scolaires uniquement**

« Nous vivons à l’intérieur de notre corps mais nous ne connaissons que peu ses potentialités. Nous n’avons pas toujours la possibilité de regarder les autres de près pour noter nos différences. Parce que nous n’osons pas, parce que nous ne le faisons pas, tout simplement. Le point de départ de la création est le corps. Le corps comme outil, le corps comme centre de communication, le corps comme objet, le corps comme espace vivant. Ce corps si identique aux autres et si différent à la fois. Les capacités presque infinies dont il dispose, sa singularité, sa fragilité et sa beauté complexe. Mes pistes de recherche ont été d’explorer la thématique corporelle via les relations que nous entretenons au quotidien avec notre propre corps. Au travers des grimaces, des sensations, des bruits, des gestes, des mimiques, des émotions, j’ai voulu éprouver la dualité du corps fonctionnel et du corps imaginé. Ce spectacle est avant tout une performance circassienne qui refuse le parti pris de la naïveté et de l’infantilisation. Il souhaite faire une parenthèse temporelle pour apprendre de l’autre et de nous-même, pour être curieux, pour oser demander, pour regarder la vie. Ma volonté est de présenter aux enfants un spectacle qui puisse éveiller leur curiosité, leur montrant le pouvoir de leur corps en leur révélant toutes ses capacités.» Coline Garcia

**représentations scolaires uniquement**

« Nous vivons à l’intérieur de notre corps mais nous ne connaissons que peu ses potentialités. Nous n’avons pas toujours la possibilité de regarder les autres de près pour noter nos différences. Parce que nous n’osons pas, parce que nous ne le faisons pas, tout simplement. Le point de départ de la création est le corps. Le corps comme outil, le corps comme centre de communication, le corps comme objet, le corps comme espace vivant. Ce corps si identique aux autres et si différent à la fois. Les capacités presque infinies dont il dispose, sa singularité, sa fragilité et sa beauté complexe. Mes pistes de recherche ont été d’explorer la thématique corporelle via les relations que nous entretenons au quotidien avec notre propre corps. Au travers des grimaces, des sensations, des bruits, des gestes, des mimiques, des émotions, j’ai voulu éprouver la dualité du corps fonctionnel et du corps imaginé. Ce spectacle est avant tout une performance circassienne qui refuse le parti pris de la naïveté et de l’infantilisation. Il souhaite faire une parenthèse temporelle pour apprendre de l’autre et de nous-même, pour être curieux, pour oser demander, pour regarder la vie. Ma volonté est de présenter aux enfants un spectacle qui puisse éveiller leur curiosité, leur montrant le pouvoir de leur corps en leur révélant toutes ses capacités.» Coline Garcia

« Si je reviens aujourd’hui à ces sources gitanes, c’est parce qu’elles représentent bien plus qu’elles-mêmes. En réalité, au quartier Saint-Jacques de Perpignan, se rassemblent dans une cohabitation typiquement méditerranéenne, les cultures du Nord et du Sud de l’Europe, la France et l’Espagne, la culture régionale catalane et la culture maghrébine (de nombreuses familles gitanes sont mixtes). Il faut également parler de continuité humaine car les deux jeunes musiciens qui entourent Roberto Saadna dans ce nouveau projet Ma Gavali font partie de cette même famille avec qui je collabore depuis le début des années 1990. Roberto Junior, neveu du précédent, était venu chanter, âgé d’à peine une dizaine d’années seulement, à Nantes lors du festival d’Été, accompagné de son cousin Xinou et de nombreux membres de la famille. Il est là aujourd’hui, chanteur confirmé, avec son beau-frère Chris Mailhe et son oncle. Il poursuit la lignée de son père Mambo et de son autre oncle Bruno el Gitano, qui m’ont épaulé à l’époque de « Gitans ». La continuité vient également du fait que notre travail porte exclusivement sur un répertoire issu de mon univers musical. Nous poursuivons notre collaboration en accentuant les harmonies vocales dont sont dépositaires les membres de la famille Saadna, très spécifiques dans le monde du flamenco. Je poursuis à travers ce projet un idéal modeste mais têtu de ce que pourrait être une modernité méditerranéenne. » Titi Robin

Comme l’individu dans la société, l’artiste de cirque est en constante lutte contre des forces invisibles, il se bat essentiellement contre la pesanteur et la fin du mouvement. Le plus grand combat reste celui qu’il mène contre lui-même. Inops est une réflexion sur la surpuissance, l’impuissance et la résistance au travers de différentes disciplines de cirque. Imaginé avec six artistes de cirque et quatre milles gobelets en plastique, Inops invoquera l’impuissance personnelle et aussi celle du groupe à travers le jeu, l’acrobatie, le jonglage, le tissu et la bascule.

*cirque sous chapiteau*

D’après Mérimée et Bizet

« Carmen n’est pas une histoire d’amour. Si c’en était une, ce serait un simple fait divers : un homme aime une femme qui ne l’aime plus alors il la tue. Mais pourquoi, au dernier acte, Carmen fait-elle face ? Il lui suffirait de dénoncer José, ou seulement de rentrer dans l’arène avec les autres… Elle ne le fait pas. Elle ne veut pas être moins forte que José. Elle refuse de lâcher le moindre pouce de terrain. Fuir devant José pour rester en vie, ce serait être moins que lui. En restant, elle l’oblige à la tuer et ce faisant elle le condamne au même titre qu’il la condamne. Carmen n’est pas une histoire d’amour, c’est l’inépuisable histoire du pouvoir et de la liberté. Carmen nous fait nous poser la question terrible : jusqu’où serais-je prêt à aller pour défendre ma liberté ? Question simple, mais inépuisable parce que sans réponse. Tout le monde peut la comprendre et chacun se la pose à des moments de sa vie, des fois sans même l’avoir formulée. Carmen n’est pas une histoire d’amour, c’est l’histoire du courage, des courages… L’histoire d’une défaite : la force, l’élégance, le panache de perdre en beauté. Le petit chapiteau où se jouera Je suis Carmen (je le connais bien pour y jouer depuis 18 ans Le tour complet du coeur) est entièrement dédié à la rencontre, il a changé ma vie d’artiste : être parmi plutôt que devant. On chante, on fait du cirque tout près des gens. On est à quelque centimètres. » Gilles Cailleau

*cirque sous chapiteau*

D’après Mérimée et Bizet

« Carmen n’est pas une histoire d’amour. Si c’en était une, ce serait un simple fait divers : un homme aime une femme qui ne l’aime plus alors il la tue. Mais pourquoi, au dernier acte, Carmen fait-elle face ? Il lui suffirait de dénoncer José, ou seulement de rentrer dans l’arène avec les autres… Elle ne le fait pas. Elle ne veut pas être moins forte que José. Elle refuse de lâcher le moindre pouce de terrain. Fuir devant José pour rester en vie, ce serait être moins que lui. En restant, elle l’oblige à la tuer et ce faisant elle le condamne au même titre qu’il la condamne. Carmen n’est pas une histoire d’amour, c’est l’inépuisable histoire du pouvoir et de la liberté. Carmen nous fait nous poser la question terrible : jusqu’où serais-je prêt à aller pour défendre ma liberté ? Question simple, mais inépuisable parce que sans réponse. Tout le monde peut la comprendre et chacun se la pose à des moments de sa vie, des fois sans même l’avoir formulée. Carmen n’est pas une histoire d’amour, c’est l’histoire du courage, des courages… L’histoire d’une défaite : la force, l’élégance, le panache de perdre en beauté. Le petit chapiteau où se jouera Je suis Carmen (je le connais bien pour y jouer depuis 18 ans Le tour complet du coeur) est entièrement dédié à la rencontre, il a changé ma vie d’artiste : être parmi plutôt que devant. On chante, on fait du cirque tout près des gens. On est à quelque centimètres. » Gilles Cailleau

*cirque sous chapiteau*

D’après Mérimée et Bizet

« Carmen n’est pas une histoire d’amour. Si c’en était une, ce serait un simple fait divers : un homme aime une femme qui ne l’aime plus alors il la tue. Mais pourquoi, au dernier acte, Carmen fait-elle face ? Il lui suffirait de dénoncer José, ou seulement de rentrer dans l’arène avec les autres… Elle ne le fait pas. Elle ne veut pas être moins forte que José. Elle refuse de lâcher le moindre pouce de terrain. Fuir devant José pour rester en vie, ce serait être moins que lui. En restant, elle l’oblige à la tuer et ce faisant elle le condamne au même titre qu’il la condamne. Carmen n’est pas une histoire d’amour, c’est l’inépuisable histoire du pouvoir et de la liberté. Carmen nous fait nous poser la question terrible : jusqu’où serais-je prêt à aller pour défendre ma liberté ? Question simple, mais inépuisable parce que sans réponse. Tout le monde peut la comprendre et chacun se la pose à des moments de sa vie, des fois sans même l’avoir formulée. Carmen n’est pas une histoire d’amour, c’est l’histoire du courage, des courages… L’histoire d’une défaite : la force, l’élégance, le panache de perdre en beauté. Le petit chapiteau où se jouera Je suis Carmen (je le connais bien pour y jouer depuis 18 ans Le tour complet du coeur) est entièrement dédié à la rencontre, il a changé ma vie d’artiste : être parmi plutôt que devant. On chante, on fait du cirque tout près des gens. On est à quelque centimètres. » Gilles Cailleau

*cirque sous chapiteau*

D’après Mérimée et Bizet

« Carmen n’est pas une histoire d’amour. Si c’en était une, ce serait un simple fait divers : un homme aime une femme qui ne l’aime plus alors il la tue. Mais pourquoi, au dernier acte, Carmen fait-elle face ? Il lui suffirait de dénoncer José, ou seulement de rentrer dans l’arène avec les autres… Elle ne le fait pas. Elle ne veut pas être moins forte que José. Elle refuse de lâcher le moindre pouce de terrain. Fuir devant José pour rester en vie, ce serait être moins que lui. En restant, elle l’oblige à la tuer et ce faisant elle le condamne au même titre qu’il la condamne. Carmen n’est pas une histoire d’amour, c’est l’inépuisable histoire du pouvoir et de la liberté. Carmen nous fait nous poser la question terrible : jusqu’où serais-je prêt à aller pour défendre ma liberté ? Question simple, mais inépuisable parce que sans réponse. Tout le monde peut la comprendre et chacun se la pose à des moments de sa vie, des fois sans même l’avoir formulée. Carmen n’est pas une histoire d’amour, c’est l’histoire du courage, des courages… L’histoire d’une défaite : la force, l’élégance, le panache de perdre en beauté. Le petit chapiteau où se jouera Je suis Carmen (je le connais bien pour y jouer depuis 18 ans Le tour complet du coeur) est entièrement dédié à la rencontre, il a changé ma vie d’artiste : être parmi plutôt que devant. On chante, on fait du cirque tout près des gens. On est à quelque centimètres. » Gilles Cailleau

D’après Molière

Le travail initial sur Dom Juan s’est fait lors d’un laboratoire au Conservatoire National avec Jean-Pierre Vincent, il y a quelques années déjà. Mon idée était de rassembler les spectateurs et les acteurs autour d’une grande table. Mais la table, cela s’est avéré compliqué, trop limité, alors j’ai dû opter pour un cercle. Dans les répétitions, les acteurs étaient attirés par le centre du cercle. Moi je voulais qu’ils restent assis sur le cercle avec les spectateurs, qu’ils luttent pour obtenir l’attention de tous. Plus tard, quand j’ai décidé d’en faire un spectacle, il a fallu s’adapter et le cercle de parole est devenu un dispositif quadri-frontal. Mais le geste est resté exactement le même. En ce qui concerne Tartuffe, ça s’est passé lors d’une date de tournée de Dom Juan. Julien Kosellec – un des comédiens de l’équipe – m’a soufflé l’idée de monter Tartuffe avec le même groupe. Une sorte de diptyque. Je me souviens avoir immédiatement décidé de le faire – et avec le même dispositif – sans même avoir pris le temps de relire la pièce… Ce n’était ni très prudent ni très sérieux comme approche mais la perspective de monter un spectacle dans un dispositif pensé pour un autre m’excitait pas mal. Et au final on peut dire qu’on a eu de la chance car le quadri-frontal trouve un écho pertinent dans Tartuffe. Un peu comme si les spectateurs se trouvaient chez Orgon. De témoins dans Dom Juan, ils deviennent complices dans Tartuffe.» interview de Jean de Pange par Walter Géhin

D’après Molière

Le travail initial sur Dom Juan s’est fait lors d’un laboratoire au Conservatoire National avec Jean-Pierre Vincent, il y a quelques années déjà. Mon idée était de rassembler les spectateurs et les acteurs autour d’une grande table. Mais la table, cela s’est avéré compliqué, trop limité, alors j’ai dû opter pour un cercle. Dans les répétitions, les acteurs étaient attirés par le centre du cercle. Moi je voulais qu’ils restent assis sur le cercle avec les spectateurs, qu’ils luttent pour obtenir l’attention de tous. Plus tard, quand j’ai décidé d’en faire un spectacle, il a fallu s’adapter et le cercle de parole est devenu un dispositif quadri-frontal. Mais le geste est resté exactement le même. En ce qui concerne Tartuffe, ça s’est passé lors d’une date de tournée de Dom Juan. Julien Kosellec – un des comédiens de l’équipe – m’a soufflé l’idée de monter Tartuffe avec le même groupe. Une sorte de diptyque. Je me souviens avoir immédiatement décidé de le faire – et avec le même dispositif – sans même avoir pris le temps de relire la pièce… Ce n’était ni très prudent ni très sérieux comme approche mais la perspective de monter un spectacle dans un dispositif pensé pour un autre m’excitait pas mal. Et au final on peut dire qu’on a eu de la chance car le quadri-frontal trouve un écho pertinent dans Tartuffe. Un peu comme si les spectateurs se trouvaient chez Orgon. De témoins dans Dom Juan, ils deviennent complices dans Tartuffe.» interview de Jean de Pange par Walter Géhin

D’après Molière

Le travail initial sur Dom Juan s’est fait lors d’un laboratoire au Conservatoire National avec Jean-Pierre Vincent, il y a quelques années déjà. Mon idée était de rassembler les spectateurs et les acteurs autour d’une grande table. Mais la table, cela s’est avéré compliqué, trop limité, alors j’ai dû opter pour un cercle. Dans les répétitions, les acteurs étaient attirés par le centre du cercle. Moi je voulais qu’ils restent assis sur le cercle avec les spectateurs, qu’ils luttent pour obtenir l’attention de tous. Plus tard, quand j’ai décidé d’en faire un spectacle, il a fallu s’adapter et le cercle de parole est devenu un dispositif quadri-frontal. Mais le geste est resté exactement le même. En ce qui concerne Tartuffe, ça s’est passé lors d’une date de tournée de Dom Juan. Julien Kosellec – un des comédiens de l’équipe – m’a soufflé l’idée de monter Tartuffe avec le même groupe. Une sorte de diptyque. Je me souviens avoir immédiatement décidé de le faire – et avec le même dispositif – sans même avoir pris le temps de relire la pièce… Ce n’était ni très prudent ni très sérieux comme approche mais la perspective de monter un spectacle dans un dispositif pensé pour un autre m’excitait pas mal. Et au final on peut dire qu’on a eu de la chance car le quadri-frontal trouve un écho pertinent dans Tartuffe. Un peu comme si les spectateurs se trouvaient chez Orgon. De témoins dans Dom Juan, ils deviennent complices dans Tartuffe.» interview de Jean de Pange par Walter Géhin

Marina Satti est née à Athènes et a grandi à Héraklion en Crète. Son père est d’origine soudanaise et sa mère est grecque. Dès son plus jeune âge, elle a été en contact avec une diversité de cultures et s’est intéressée au design et à la musique. Après avoir terminé ses études, elle a fréquenté l’école d’architecture de l’Université d’Athènes. Parallèlement, elle a commencé ses études de théâtre à l’école de théâtre Veaki et à la Central Stage School. En 2008, elle a obtenu son certificat en piano classique ainsi que son diplôme en chant classique, obtenant une excellente note et remportant le premier prix, appuyée par son coach vocal, Panos Dimas. En 2009, elle a participé à l’European Jazz Orchestra (EBU) représentant la Grèce, où elle a effectué une tournée dans toute l’Europe. En 2011, elle est diplômée du Berklee College of Music (Boston) après y avoir étudié l’écriture et la production contemporaines. Elle a collaboré avec divers artistes de renom, notamment Bobby McFerrin, Paco de Lucia, Wayne Shorter, Danilo Perez, Nikos Mamangakis, Nikos Kypourgos. En tant qu’actrice, elle a collaboré avec des institutions publiques, notamment le Théâtre national de Grèce, l’Opéra national de Grèce et le Festival Athènes et Epidaure, et est apparue dans des pièces de théâtre comme Once, Erotokritos, West Side Story, Un Violon sur Le Toit. En 2016, elle a créé « Fonés », constitué d’un groupe de femmes polyphoniques grecques qui l’accompagne sur scène. L’année suivante, elle a formé «Chóres», une chorale composée de cinquante femmes de tous âges.

PROGRAMME

Joseph Haydn : Trio en mi bémol mineur « Le Rêve de Jacob »
Arvo Pärt : Spiegel im Spiegel
Johannes Brahms : Trio n°1 en si majeur op. 8
-entracte 15 min-
Franz Schubert : Trio n°2 en mi bémol ; majeur op. 100

Chez les Pascal, la musique se pratique en famille. On ne présente plus le père, Denis Pascal, pianiste d’exception tant en soliste qu’en partenaire apprécié de musique de chambre, qui a mis en route un cycle d’enregistrements de Schubert pour le label La Música dont le troisième volume paraîtra sous peu, et professeur parmi les plus estimés du Conservatoire National Supérieur de Paris. Les mélomanes connaissent aussi déjà bien son fils Aurélien Pascal, l’une des étoiles les plus brillantes de la nouvelle génération du violoncelle français, qui a triomphé au Concours International Feuermann en 2014 à la Philharmonie de Berlin en remportant le Grand Prix, le Prix Spécial du Public et le Prix de la meilleure interprétation du concerto d’Ernst Toch – entre autres ! – et qui se produit aujourd’hui dans le monde entier en soliste avec les orchestres les plus prestigieux. Il a livré en 2019 un CD « All’Ungarese » (La Música) unanimement salué par la critique, récompensé d’un CHOC de Classica et d’un Diapason Découverte. Mais la famille compte aussi un violoniste, Alexandre Pascal, d’un an l’aîné d’Aurélien, Révélation Classique ADAMI et Lauréat de la Fondation Banque Populaire, qui a pour sa part travaillé auprès d’Olivier Charlier au CNSM avant de se perfectionner avec Augustin Dumay à la prestigieuse Chapelle Reine Elisabeth, et qui se produit désormais dans les salles et festivals les plus réputés.

En 2021 paraît chez le label La Música le premier enregistrement du Trio Pascal, consacré aux Trios n°1 op.99 et n°2 op.100 de Schubert. Cet enregistrement, salué par la critique, démontre à merveille comment les liens familiaux unissant ces trois instrumentistes d’exception suscite une complicité et une osmose musicale à nulle autre pareille.

« En mars 2019, je proposais à l’ensemble de l’équipe de notre précédent spectacle un thème de recherche et d’enquête pour une nouvelle création : la mort. Mon hypothèse de départ était : Est-ce que le rapport qu’une société entretient avec la mort dit quelque
chose d’elle-même? De son évolution? D’avril à décembre 2019,
je passais plusieurs mois dans des services de réanimation, je rencontrais des médecins en soins palliatifs, des psychologues.
Cette plongée dans la question de la mort se révéla abyssale : nos certitudes se fi ssuraient, chaque situation levant de nouveaux voiles, révélant de nouveaux points de vue. Regarder les humains face à la mort nous invitait à quitter toute bien-pensance et nous
faisait plonger dans le monde de la controverse, de la pensée complexe, dans l’altérité radicale. Nous avons entre 30 et 40 ans et nous avons considéré pendant longtemps que la mort était une chose bien triste qui n’arrivait qu’aux autres. Puis, la vie passant, il a bien fallu que la mort fasse irruption dans nos vies, défl agration inévitable dans l’immortalité qui était la nôtre.
Les insolents que nous fûmes apprirent le goût précieux de la vie : « Tout cela ne durera que peu, goutons-le avec délectation,
rions à gorge déployée et que le théâtre nous vienne en aide ! »
Ce spectacle est le récit d’une enquête intime et collective sur la
vie. Ce spectacle est un hommage à ce qui fait de nous des êtres
désirants et fraternels. Ce spectacle est dédié à ceux qui sont partis, aux absents qui nous accompagnent. Ce spectacle est une
déclaration d’amour À la vie ! » Élise Chatauret

** spectacle sous chapiteau **

L’origine du cirque est un rite qui met en scène nos instincts les plus secrets à l’égard de l’autre et de la mort. Le gladiateur qui affronte les fauves triomphe pour nous des peurs ancestrales selon un rite comparable à celui qu’accomplit aujourd’hui l’artiste au moment où il se jette dans le vide. Le cirque est une mise en situation violente du corps et de l’esprit. C’est le combat du circassien, son arme est son savoir-faire : la maîtrise de l’irréversible. Puiser sa force dans ses propres images brisées. Faire une véritable transfiguration de ces images de cirque ancrées dans la conscience collective, transformer quelque chose qui avant avait une forme et qui maintenant en prend une autre : « Une Oraison est une prière, une ultime prise de parole. A travers ce spectacle, je cherche à éveiller une prise de conscience pour rallumer nos lumières intellectuelles et poétiques ainsi que nos sensibilités profondes. En allumer de nouvelles, plus spirituelles, plus viscérales, plus authentiques, vers lesquelles on peut s’élever, et que l’on peut suivre. La quête d’une vérité concrète, qui se trouve dans le concret des corps. Avec l’onde nerveuse que provoque le geste circassien, mon acte artistique a pour ambition d’être vécu physiquement par le spectateur, et questionne quelque chose de mystique ou de surnaturel, ce que le cirque et la mort mettent en présence ensemble. » Marie Molliens

** spectacle sous chapiteau **

L’origine du cirque est un rite qui met en scène nos instincts les plus secrets à l’égard de l’autre et de la mort. Le gladiateur qui affronte les fauves triomphe pour nous des peurs ancestrales selon un rite comparable à celui qu’accomplit aujourd’hui l’artiste au moment où il se jette dans le vide. Le cirque est une mise en situation violente du corps et de l’esprit. C’est le combat du circassien, son arme est son savoir-faire : la maîtrise de l’irréversible. Puiser sa force dans ses propres images brisées. Faire une véritable transfiguration de ces images de cirque ancrées dans la conscience collective, transformer quelque chose qui avant avait une forme et qui maintenant en prend une autre : « Une Oraison est une prière, une ultime prise de parole. A travers ce spectacle, je cherche à éveiller une prise de conscience pour rallumer nos lumières intellectuelles et poétiques ainsi que nos sensibilités profondes. En allumer de nouvelles, plus spirituelles, plus viscérales, plus authentiques, vers lesquelles on peut s’élever, et que l’on peut suivre. La quête d’une vérité concrète, qui se trouve dans le concret des corps. Avec l’onde nerveuse que provoque le geste circassien, mon acte artistique a pour ambition d’être vécu physiquement par le spectateur, et questionne quelque chose de mystique ou de surnaturel, ce que le cirque et la mort mettent en présence ensemble. » Marie Molliens

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L’origine du cirque est un rite qui met en scène nos instincts les plus secrets à l’égard de l’autre et de la mort. Le gladiateur qui affronte les fauves triomphe pour nous des peurs ancestrales selon un rite comparable à celui qu’accomplit aujourd’hui l’artiste au moment où il se jette dans le vide. Le cirque est une mise en situation violente du corps et de l’esprit. C’est le combat du circassien, son arme est son savoir-faire : la maîtrise de l’irréversible. Puiser sa force dans ses propres images brisées. Faire une véritable transfiguration de ces images de cirque ancrées dans la conscience collective, transformer quelque chose qui avant avait une forme et qui maintenant en prend une autre : « Une Oraison est une prière, une ultime prise de parole. A travers ce spectacle, je cherche à éveiller une prise de conscience pour rallumer nos lumières intellectuelles et poétiques ainsi que nos sensibilités profondes. En allumer de nouvelles, plus spirituelles, plus viscérales, plus authentiques, vers lesquelles on peut s’élever, et que l’on peut suivre. La quête d’une vérité concrète, qui se trouve dans le concret des corps. Avec l’onde nerveuse que provoque le geste circassien, mon acte artistique a pour ambition d’être vécu physiquement par le spectateur, et questionne quelque chose de mystique ou de surnaturel, ce que le cirque et la mort mettent en présence ensemble. » Marie Molliens

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L’origine du cirque est un rite qui met en scène nos instincts les plus secrets à l’égard de l’autre et de la mort. Le gladiateur qui affronte les fauves triomphe pour nous des peurs ancestrales selon un rite comparable à celui qu’accomplit aujourd’hui l’artiste au moment où il se jette dans le vide. Le cirque est une mise en situation violente du corps et de l’esprit. C’est le combat du circassien, son arme est son savoir-faire : la maîtrise de l’irréversible. Puiser sa force dans ses propres images brisées. Faire une véritable transfiguration de ces images de cirque ancrées dans la conscience collective, transformer quelque chose qui avant avait une forme et qui maintenant en prend une autre : « Une Oraison est une prière, une ultime prise de parole. A travers ce spectacle, je cherche à éveiller une prise de conscience pour rallumer nos lumières intellectuelles et poétiques ainsi que nos sensibilités profondes. En allumer de nouvelles, plus spirituelles, plus viscérales, plus authentiques, vers lesquelles on peut s’élever, et que l’on peut suivre. La quête d’une vérité concrète, qui se trouve dans le concret des corps. Avec l’onde nerveuse que provoque le geste circassien, mon acte artistique a pour ambition d’être vécu physiquement par le spectateur, et questionne quelque chose de mystique ou de surnaturel, ce que le cirque et la mort mettent en présence ensemble. » Marie Molliens

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L’origine du cirque est un rite qui met en scène nos instincts les plus secrets à l’égard de l’autre et de la mort. Le gladiateur qui affronte les fauves triomphe pour nous des peurs ancestrales selon un rite comparable à celui qu’accomplit aujourd’hui l’artiste au moment où il se jette dans le vide. Le cirque est une mise en situation violente du corps et de l’esprit. C’est le combat du circassien, son arme est son savoir-faire : la maîtrise de l’irréversible. Puiser sa force dans ses propres images brisées. Faire une véritable transfiguration de ces images de cirque ancrées dans la conscience collective, transformer quelque chose qui avant avait une forme et qui maintenant en prend une autre : « Une Oraison est une prière, une ultime prise de parole. A travers ce spectacle, je cherche à éveiller une prise de conscience pour rallumer nos lumières intellectuelles et poétiques ainsi que nos sensibilités profondes. En allumer de nouvelles, plus spirituelles, plus viscérales, plus authentiques, vers lesquelles on peut s’élever, et que l’on peut suivre. La quête d’une vérité concrète, qui se trouve dans le concret des corps. Avec l’onde nerveuse que provoque le geste circassien, mon acte artistique a pour ambition d’être vécu physiquement par le spectateur, et questionne quelque chose de mystique ou de surnaturel, ce que le cirque et la mort mettent en présence ensemble. » Marie Molliens

PROGRAMME

Antonio Vivaldi : Concerto pour cordes et basse continue
en sol mineur RV 156, Concertos Le printemps (op. 8 n° 1),
L’été (op. 8 n° 2), L’automne (op. 8 n° 3),
L’hiver (op. 8 n° 4), « Al Santo sepolcro » RV 169
Evaristo Felice Dall’Abaco : Concerto en ré mineur op. 2 n°1 tiré de Concerti a quattro da chiesa (c1712)
Charles Avison / Scarlatti : Concerto tiré des 12 Concertos pour clavecin de Domenico Scarlatti en ré majeur n° 6

Concerto Köln existe depuis plus de 30 ans. Cet orchestre au son si caractéristique compte parmi les plus grands ensembles dans le domaine de l‘interprétation historiquement informée. Solidement ancré dans la vie musicale de Cologne tout en étant régulièrement l‘invité des principales capitales musicales du monde entier et des grands festivals, Concerto Köln est, au niveau international, garant d‘une interprétation exceptionnelle de la musique ancienne. En février 2020 l’orchestre s’est produit aux États-Unis et au Canada, où les stations les plus importantes ont été Washington (Library of Congress) et New York (Lincoln Center). Depuis la saison 2018/19, et tout en conservant cette ligne, l‘orchestre a élargi son répertoire au XIXème siècle. Les jalons en ont été posés dès 2017 lors du projet musicologique «relectures de Wagner» (Wagner-Lesarten) sous la direction de Kent Nagano. Mayumi Hirasaki, Shunske Sato ou Evgeny Sviridov, premiers violons permanents, sont responsables de l‘orientation de cet orchestre autogéré. Depuis des années, les musiciens prouvent par leur choix de projets que qualité artistique et programmes appréciés du public ne sont pas incompatibles. Les classiques du répertoire, eux aussi, sont interprétés par Concerto Köln. La discographie de l‘ensemble comprend entretemps plus de 75 enregistrements, récompensés régulièrement par de nombreux prix comme l‘Echo classique, l‘Opus Klassik, le Grammy Award, le Prix de l‘Académie Charles Cros, le Prix Edison Award, le Prix de la critique allemande du Disque, le MIDEM Classical Award, le Choc du Monde de la Musique, le Choc de l’année ou le Diapason d’Or.

« Un imposant acteur shakespearien raconte (dans un anglais que nul ne peut comprendre) l’épopée à travers l’Europe et les siècles d’un homme – son ancêtre peut-être – qui, au bord d’un fjord au fin fond des îles Féroé, en une année sans doute oubliée depuis, au bord d’un fjord, donc, reçut la malédiction d’une sirène qu’il avait pêchée par mégarde sous les auspices d’une aurore boréale joliment grêlée par un convoi tardif de grues en route vers l’Afrique. Voilà pour la genèse de l’histoire. L’homme traverse ensuite terres et mers, enchaîne périple sur périple et finit roi peut-être, ou mendiant, ou écartelé et battu sur une roue dans une contrée sauvage, à moins que ce ne soit d’une mort décevante, de retour au logis familial, un beau soir de printemps rempli de mouches et taons, accueilli par sa vieille mère n’ayant pas eu vraiment le temps de s’interroger sur le sens de la vie. L’acteur, dont la dimension ne peut être contestée, est accompagné par un factotum, acteur de complément, dont la compétence peut certainement être discutée et qui est aussi malingre que l’autre est généreux… » Olivier Martin Salvan, Pierre Guillois

Durée : 1h20
Spectacle tout public

« Un imposant acteur shakespearien raconte (dans un anglais que nul ne peut comprendre) l’épopée à travers l’Europe et les siècles d’un homme – son ancêtre peut-être – qui, au bord d’un fjord au fin fond des îles Féroé, en une année sans doute oubliée depuis, au bord d’un fjord, donc, reçut la malédiction d’une sirène qu’il avait pêchée par mégarde sous les auspices d’une aurore boréale joliment grêlée par un convoi tardif de grues en route vers l’Afrique. Voilà pour la genèse de l’histoire. L’homme traverse ensuite terres et mers, enchaîne périple sur périple et finit roi peut-être, ou mendiant, ou écartelé et battu sur une roue dans une contrée sauvage, à moins que ce ne soit d’une mort décevante, de retour au logis familial, un beau soir de printemps rempli de mouches et taons, accueilli par sa vieille mère n’ayant pas eu vraiment le temps de s’interroger sur le sens de la vie. L’acteur, dont la dimension ne peut être contestée, est accompagné par un factotum, acteur de complément, dont la compétence peut certainement être discutée et qui est aussi malingre que l’autre est généreux… » Olivier Martin Salvan, Pierre Guillois

Durée : 1h20
Spectacle tout public

« Un imposant acteur shakespearien raconte (dans un anglais que nul ne peut comprendre) l’épopée à travers l’Europe et les siècles d’un homme – son ancêtre peut-être – qui, au bord d’un fjord au fin fond des îles Féroé, en une année sans doute oubliée depuis, au bord d’un fjord, donc, reçut la malédiction d’une sirène qu’il avait pêchée par mégarde sous les auspices d’une aurore boréale joliment grêlée par un convoi tardif de grues en route vers l’Afrique. Voilà pour la genèse de l’histoire. L’homme traverse ensuite terres et mers, enchaîne périple sur périple et finit roi peut-être, ou mendiant, ou écartelé et battu sur une roue dans une contrée sauvage, à moins que ce ne soit d’une mort décevante, de retour au logis familial, un beau soir de printemps rempli de mouches et taons, accueilli par sa vieille mère n’ayant pas eu vraiment le temps de s’interroger sur le sens de la vie. L’acteur, dont la dimension ne peut être contestée, est accompagné par un factotum, acteur de complément, dont la compétence peut certainement être discutée et qui est aussi malingre que l’autre est généreux… » Olivier Martin Salvan, Pierre Guillois

Durée : 1h20
Spectacle tout public