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Noémi Boutin est une musicienne aussi complète que singulière qui développe un langage éminemment virtuose : passionnée d’aventures artistiques inattendues, elle nous propose ici trois des suites pour violoncelle de J.S. Bach, magnifiques, accompagnée dans sa « sensibilité et sa musicalité » (Roland Pidoux) par l’étonnant jongleur Jörg Müller.

Triptyque composé des célèbres suites de J.S Bach, dont la violoncelliste Noémi Boutin  exprime toute la délicatesse et l’élégance infinie. Sa musique vient s’enlacer autour de trois tableaux vivants interprétés par le circassien, équilibriste et danseur, Jörg Müller. A chaque fois, il « met en image » cette envoûtante Sarabande de Bach.
Noémi Boutin entre au Conservatoire National Supérieur de Musique de Paris à 14 ans et y développe avec son violoncelle un langage virtuose et sensible. Elle révèle sa vocation de chambriste avec le Trio Boutin, puis avec le Trio Cérès. Elle est aujourd’hui une artiste singulière et bien dans son temps, menant de front une carrière de soliste et des aventures artistiques inédites et éclectiques avec notamment Fantazio, Benjamin Colin, Pierre Meunier, Mathurin Bolze… Son engagement envers la musique contemporaine l’a conduite à travailler avec des compositeurs venus de divers horizons musicaux. Avec la flûtiste Sylvaine Hélary, elle crée en 2013 le duo Myssil, puis en 2014 le spectacle pour jeunes oreilles Entre Chien et Loup, chaleureusement salué par la presse et le public.
Noémi Boutin est une musicienne aussi complète que singulière qui développe un langage éminemment virtuose : passionnée d’aventures artistiques inattendues, elle nous propose ici trois des suites pour violoncelle de J.S. Bach, magnifiques, accompagnée dans sa « sensibilité et sa musicalité » (Roland Pidoux) par l’étonnant jongleur Jörg Müller.
Jörg Müller est diplômé du Centre National des Arts du Cirque de Châlons-en-Champagne depuis 1994. Depuis 2005, il travaille sur le thème de l’équilibre qui se traduit par de multiples spectacles et dessins. Jörg Müller exécute des figures de jonglage de son invention à l’aide d’objets suspendus ; le mouvement des objets à l’horizontale prend une grande ampleur et provoque un rapport inédit entre le jongleur et les objets.

presse : « Noémi Boutin interprète des sommets de délicatesse et d’élégance qui mettent en lumière les nuances infinies de son instrument. Aux arpèges de la violoncelliste répondent les jongleries de Jörg Müller, qui travaille l’équilibre des choses dans des performances à la limite du réel. » L’Est Républicain

Jean-Pierre Larroche (A Distances) a su créer un genre bien à lui ; atypique, éternel
malicieux, il est un maître de la manipulation d’objets. Son univers, d’un esthétisme remarquable, est loufoque tout autant que savant. L’expérience que propose cette toute nouvelle création repose sur la notion d’accident et sur la musicalité des accidents (!) A bon entendeur…

« Un musicien joue avec ses instruments électroniques : claviers, table de mixage, modules d’effets… Il est entouré de cette petite foule d’appareils interconnectés, des câbles circulent dans tous les sens. Ils sont – homme et machines – rassemblés sur un plateau suspendu. La musique qu’on entend est pour ainsi dire rotative. Elle avance en ne cessant jamais de se transformer dans une sorte d’empilement de formes tournantes. Elle pourrait presque tourner comme ça indéfinitivement s’il n’y avait les Accidents. Les Accidents viennent tous de l’extérieur du plateau, ils lui tombent parfois littéralement dessus. Ce sont des événements matériels, donc sonores, et le musicien les absorbe systématiquement en les captant au micro pour les fixer, les transformer, les garder en mémoire et les injecter dans sa musique. Le musicien fait son de toute occasion. Les Accidents surprennent le musicien qui semble cependant les attendre ou s’y préparer ou bien encore les devancer. » Compagnie les ateliers du spectacle

Réalisateur de théâtre, Jean-Pierre Larroche anime avec un collectif d’artistes la compagnie les ateliers du spectacle depuis sa création en 1988. Ses spectacles sont écrits avec ses dessins, ses mots et les auteurs qui l’accompagnent (Nathalie Quintane, Léo Larroche, Frédéric Révérend, Paul Valéry…). Il tire beaucoup de fils sur scène, manie la craie et le pinceau, joue avec les mots, trafique les causes et leurs effets, machine la scène avec des dispositifs d’actions à distance. Il travaille aussi comme scénographe pour des metteurs en scène de théâtre et chorégraphes. Il réalise des objets, quelques machines. Il est aussi architecte et construit des cabanes.

presse : « Peut-on encore étonner des adultes ? Oui, on peut. Du moins si on s’appelle Jean-Pierre Larroche et qu’on éprouve un plaisir profond devant les objets, ceux de l’inattendu et du hasard. Avec raison on l’appelle le maître de cérémonie du théâtre d’objets. Grandiose. » Ronny V. Wangenheim – Ruhr Nachrichten (Allemagne)
« Les productions de la compagnie les ateliers du spectacle font partie de ces représentations qui inventent, hors des sentiers battus, des oeuvres originales qui plaisent à des publics de tous les âges.» Naly Gérard – La vie

Jean-Pierre Larroche (A Distances) a su créer un genre bien à lui ; atypique, éternel
malicieux, il est un maître de la manipulation d’objets. Son univers, d’un esthétisme remarquable, est loufoque tout autant que savant. L’expérience que propose cette toute nouvelle création repose sur la notion d’accident et sur la musicalité des accidents (!) A bon entendeur…

« Un musicien joue avec ses instruments électroniques : claviers, table de mixage, modules d’effets… Il est entouré de cette petite foule d’appareils interconnectés, des câbles circulent dans tous les sens. Ils sont – homme et machines – rassemblés sur un plateau suspendu. La musique qu’on entend est pour ainsi dire rotative. Elle avance en ne cessant jamais de se transformer dans une sorte d’empilement de formes tournantes. Elle pourrait presque tourner comme ça indéfinitivement s’il n’y avait les Accidents. Les Accidents viennent tous de l’extérieur du plateau, ils lui tombent parfois littéralement dessus. Ce sont des événements matériels, donc sonores, et le musicien les absorbe systématiquement en les captant au micro pour les fixer, les transformer, les garder en mémoire et les injecter dans sa musique. Le musicien fait son de toute occasion. Les Accidents surprennent le musicien qui semble cependant les attendre ou s’y préparer ou bien encore les devancer. » Compagnie les ateliers du spectacle

Réalisateur de théâtre, Jean-Pierre Larroche anime avec un collectif d’artistes la compagnie les ateliers du spectacle depuis sa création en 1988. Ses spectacles sont écrits avec ses dessins, ses mots et les auteurs qui l’accompagnent (Nathalie Quintane, Léo Larroche, Frédéric Révérend, Paul Valéry…). Il tire beaucoup de fils sur scène, manie la craie et le pinceau, joue avec les mots, trafique les causes et leurs effets, machine la scène avec des dispositifs d’actions à distance. Il travaille aussi comme scénographe pour des metteurs en scène de théâtre et chorégraphes. Il réalise des objets, quelques machines. Il est aussi architecte et construit des cabanes.

presse : « Peut-on encore étonner des adultes ? Oui, on peut. Du moins si on s’appelle Jean-Pierre Larroche et qu’on éprouve un plaisir profond devant les objets, ceux de l’inattendu et du hasard. Avec raison on l’appelle le maître de cérémonie du théâtre d’objets. Grandiose. » Ronny V. Wangenheim – Ruhr Nachrichten (Allemagne)
« Les productions de la compagnie les ateliers du spectacle font partie de ces représentations qui inventent, hors des sentiers battus, des oeuvres originales qui plaisent à des publics de tous les âges.» Naly Gérard – La vie

Dans le cadre du Festival des Solidarités et du 50ème anniversaire du Centre Social et Culturel de la Glorieux-Cité Verte de Verdun, repas servi à 19h par l’Amatrami

Girma Bèyènè est un monument de la musique éthiopienne. Après un exil aux Etats-Unis, il revient sur scène en compagnie du groupe français Akalé Wubé : la « renaissance du septuagénaire » (Le Monde) est jubilatoire : « le spectacle est un recueil de mélodies et de syncopes cuivrées entêtantes qui mettent en valeur le swing du vieux crooner. » (Télérama)

Il est des étoiles qui s’éclipsent sans qu’on s’en aperçoive. Et puis un jour elles réapparaissent comme par enchantement… C’est ce qui est arrivé à Girma Bèyènè, musicien glorieux mais maladivement modeste, séducteur mais foudroyé par l’amour, expert en effacement mais rebelle toujours. Depuis le début des années 1960 et pendant vingt ans, Girma Bèyènè a été l’un des artistes les plus créatifs et prolifiques de la scène musicale éthiopienne. Et parmi les plus reconnus et célébrés. Après la chute de l’empereur Haylé-Sellassié (1974) et les turbulences qui suivirent, Girma quitte son pays en 1981. Sans compter les fatalités de la vie qui se ligueront peu après pour éloigner Girma de la scène publique. Le premier vrai retour de Girma dans son cher pays eut lieu à l’invitation du 7ème Ethiopian Music(s) Festival d’Addis Abeba en 2008. Girma Bèyènè s’associe avec le groupe français d’Akalé Wubé dont le groove lyrique et épuré démange les gambettes et réjouit les synapses.

presse : « Les musiciens d’Akalé Wubé n’ont jamais groové avec autant de bonheur, jamais joué avec autant de jubilation. » Break Musical
« Le septuagénaire renaît au contact de l’esprit musical éclairé de ces épatants musiciens ! » Le Monde
« Ils nous procurent une écoute rafraîchissante, revigorante et dépaysante ! » Jazz Radio

Alors qu’il n’avait que 15 ans et fréquentait le collège Maurice Barrès, à Verdun, Nitcho  étonnait déjà avec sa guitare par sa maîtrise technique et sa sensibilité. Ce virtuose, aussi instinctif que professionnel, a depuis bien grandi, et se produit aujourd’hui en trio. « Les  notes chantent et la musique respire ! » Etudes tziganes et Djangostation

Né à Verdun, Nitcho Reinhardt ne commence la guitare qu’à l’âge de 15 ans. C’est son père qui lui montre ses premiers accords. Avec ses frères Youri et Tony, il réalise son premier album Latcho Dives. Professionnel depuis 2010, il se produit principalement en trio. Après un second album Une Histoire, il ne cesse de parcourir les scènes nationales et internationales (Zillisheim, Oslo, Prague, Londres, Hongrie, Amsterdam… ). Sa musique instinctive, tant explosive que mélancolique, le pousse à évoluer vers un répertoire de plus en plus moderne, sans oublier pour autant ses origines traditionnelles. Exigeant, Nitcho se veut entier et sincère. Il vit pour la musique, pour sa musique, et pour le plaisir de la partager. Nitcho est un jeune artiste très surprenant, qui évolue au fil des rencontres musicales, à découvrir ou redécouvrir tant par son talent et la rapidité de son jeu que par sa manière sensuelle et parfois mélancolique de transmettre au public ses émotions… Il se produit sur scène avec le contrebassiste Thierry Chanteloup, présent à ses côtés depuis les débuts, et Benji Winterstein, héritier de guitaristes de jazz manouche reconnus.

presse : « La touche « manouche » que les trois compères appliquent tant à leurs compositions originales qu’aux standards du Jazz fait merveille sur un public aux anges. Pas de vaines démonstrations de virtuosité stérile, la technicité du jeu de Nitcho Reinhardt et la solidité de ses deux complices produisent une musique jouissive qui va droit au coeur de chacun. » Bernard Voyer, Jazz à Ivry

Alexander Vantournhout, jeune circassien flamand très remarqué sur le plan européen, s’est inspiré de l’univers de l’auteur russe absurde Daniil Harms pour fabriquer le spectacle : humour, danse, magie, cirque, contorsions loufoques et invraisemblables, voilà les quelques éléments qui composent cette œuvre rocambolesque et chorégraphique aux accents contestataires.

Red Haired Men est une performance intégrant la microprose (textes très courts) de Harms à des éléments de danse, cirque, contorsion, théâtre de marionnettes, magie et ventriloquie. C’est un spectacle phare du cirque européen contemporain dont l’acrobatie chorégraphique est l’élément principal.
« Les personnages principaux disparaissent dans des moments d’illusion comique, faisant penser aux fêtes foraines ; des prothèses permettent aux corps de se contorsionner et de prendre des formes bizarres et nouvelles. Ce mélange de disciplines artistiques reflète l’esprit anarchique et polyphonique de l’oeuvre de Harms. Ses textes correspondent au rythme des disciplines performatives « populaires » telles que le cirque : ils sont courts, denses, virtuoses, séquentiels, et ils finissent souvent par une chute (au sens littéraire) – déroutante ou déconcertante. » Alexander Vantournhout

Alexander Vantournhout a étudié à l’ESAC ( Bruxelles), et la danse contemporaine à P.A.R.T.S. (Performing Arts Research and Training Studios, Bruxelles). En 2013, il a travaillé en tant qu’acteur avec Rolf Alme, fondateur du Norwegian Theatre Academy (NO). Depuis, il est l’auteur de plusieurs solos. ANECKXANDER (2015) est lauréat de CircusNext 2014, ainsi que du Prix Jeune Théâtre et du Prix du public à Theater Aan Zee (Ostende, 2015). Alexander est ambassadeur culturel de la Ville de Roulers (2016-2018), artiste associé à PERPLX (Marke, 2017-2019), et artiste en résidence au Vooruit, à Gand (2017-2021). Son langage physique porte les influences d’une éducation et de circonstances de travail variées.

Daniil Harms poète, auteur de nouvelles et homme de théâtre russe, est la figure de proue de l’avant-garde soviétique des années 1920. Le régime soviétique l’empêche de publier ses oeuvres. Il se consacre alors au seul genre littéraire qui lui était encore autorisé : la littérature pour enfants. Ses histoires sont loin d’être conventionnelles. Elles sont absurdes, cruelles et arbitraires. Considéré en son temps comme excentrique et adversaire du régime, la majeure partie de son oeuvre est publiée clandestinement.

presse : « Hypnose ludique, moments d’observation et de réflexion… Chaque fragment choisi prend le temps de résonner dans la chorégraphie. Alexander Vantournhout tire ainsi une conscience aiguë du détail capable de retenir l’attention. Red Haired Men prend ainsi les traits d’un quatuor chorégraphique à la fois drôle et profond. » Paris-Art

La troupe des Dramaticules nous offre ici une forme de spectacle total : dynamique, inventif, résolument moderne, sans s’éloigner du texte de Shakespeare mais au contraire en le rapprochant du public dans une mise en scène immersive : « une réussite spectaculaire, un phénomène théâtral ! »

Pièce des pièces et classique des classiques, Hamlet nous renvoie en plein visage notre héritage, le poids écrasant des anciens et le cynisme de notre époque. Quelle est notre place là-dedans ? L’Histoire s’est-elle arrêtée avant même que nous n’ayons pu y jouer quelque rôle ? Il y a dans la jeunesse d’aujourd’hui, comme chez Hamlet, la nostalgie d’une époque non vécue. « Comme décor, un Elseneur démoli, on ne sait par qui, avec accessoires et éléments scéniques éparpillés un peu partout, disponibles pour n’importe quel caprice : un beau désordre bien calculé. Dispositif vidéo multiCam ostensible, avec acteurs cadreurs et surfaces de projection diverses. Les costumes sont anachroniques et délibérément théâtraux. Tout se fait et se défait à vue, les coulisses faisant partie intégrante du terrain de jeu. Sur le plateau, les artifices théâtraux sont revendiqués comme accessoires et comme signes. Tout l’arsenal du faux pour faire plus vrai. » Jérémie Le Louët

Jérémie Le Louët effectue sa formation théâtrale dans les classes de Stéphane Auvray-Nauroy et de Michel Fau aux cours Florent. En octobre 2002, il réunit un groupe de comédiens de sa génération avec lequel naît la Compagnie des Dramaticules. Dès lors, il interroge les notions d’interprétation et de représentation en portant un regard critique sur le jeu. En février 2003, il crée Macbett de Ionesco au Théâtre le Proscenium. Il y pose les bases de son travail sur le tempo, la dynamique et le phrasé que l’on retrouve dans ses créations suivantes.

presse : « Le théâtre offre parfois des moments de jubilation absolue, lorsque tout concourt à plaire à l’esprit autant qu’aux sens. Le dernier spectacle de la compagnie des Dramaticules est de ceux-là, et Jérémie Le Louët et son équipe ont réalisé un travail d’une exceptionnelle qualité. » Catherine Robert – La Terrasse
« Il est peu commode de décrire la créativité et la profusion des motifs sauf à écrire que la troupe crée un univers scénique et musical envoûtant entre Stanley Kubrick et Ivo von Hove avec la folie délirante de Amadeus de Milos Forman. Sauf à indiquer que rarement une partition jeu-lumière-vidéo n’a su fabriquer une telle cohérence esthétique. » David Rofé-Sarfati – toutelaculture.com

La troupe des Dramaticules nous offre ici une forme de spectacle total : dynamique, inventif, résolument moderne, sans s’éloigner du texte de Shakespeare mais au contraire en le rapprochant du public dans une mise en scène immersive : « une réussite spectaculaire, un phénomène théâtral ! »

Pièce des pièces et classique des classiques, Hamlet nous renvoie en plein visage notre héritage, le poids écrasant des anciens et le cynisme de notre époque. Quelle est notre place là-dedans ? L’Histoire s’est-elle arrêtée avant même que nous n’ayons pu y jouer quelque rôle ? Il y a dans la jeunesse d’aujourd’hui, comme chez Hamlet, la nostalgie d’une époque non vécue. « Comme décor, un Elseneur démoli, on ne sait par qui, avec accessoires et éléments scéniques éparpillés un peu partout, disponibles pour n’importe quel caprice : un beau désordre bien calculé. Dispositif vidéo multiCam ostensible, avec acteurs cadreurs et surfaces de projection diverses. Les costumes sont anachroniques et délibérément théâtraux. Tout se fait et se défait à vue, les coulisses faisant partie intégrante du terrain de jeu. Sur le plateau, les artifices théâtraux sont revendiqués comme accessoires et comme signes. Tout l’arsenal du faux pour faire plus vrai. » Jérémie Le Louët

Jérémie Le Louët effectue sa formation théâtrale dans les classes de Stéphane Auvray-Nauroy et de Michel Fau aux cours Florent. En octobre 2002, il réunit un groupe de comédiens de sa génération avec lequel naît la Compagnie des Dramaticules. Dès lors, il interroge les notions d’interprétation et de représentation en portant un regard critique sur le jeu. En février 2003, il crée Macbett de Ionesco au Théâtre le Proscenium. Il y pose les bases de son travail sur le tempo, la dynamique et le phrasé que l’on retrouve dans ses créations suivantes.

presse : « Le théâtre offre parfois des moments de jubilation absolue, lorsque tout concourt à plaire à l’esprit autant qu’aux sens. Le dernier spectacle de la compagnie des Dramaticules est de ceux-là, et Jérémie Le Louët et son équipe ont réalisé un travail d’une exceptionnelle qualité. » Catherine Robert – La Terrasse
« Il est peu commode de décrire la créativité et la profusion des motifs sauf à écrire que la troupe crée un univers scénique et musical envoûtant entre Stanley Kubrick et Ivo von Hove avec la folie délirante de Amadeus de Milos Forman. Sauf à indiquer que rarement une partition jeu-lumière-vidéo n’a su fabriquer une telle cohérence esthétique. » David Rofé-Sarfati – toutelaculture.com

Giuliani : concerto pour guitare op. 30
Boccherini : quintette pour guitare et quatuor à cordes G. 448
Marchiele : Nazca pour guitare et quatuor à cordes

Exigeant, excellent, éclectique, le quatuor déploie depuis des années un répertoire d’une impressionnante envergure. Son approche des trois compositeurs Giuliani, Marchelie et Boccherini est époustouflante : « Tout y est dans une sorte de grandeur abstraite. La musique, rien que la musique. » (Le Monde) ; le guitariste Simon Schembri les accompagne dans ce quintette original d’une remarquable qualité.

Créé au début des années 80 par quatre étudiants du Conservatoire National Supérieur de Paris, tous premiers prix d’instrument et de musique de chambre, le Quatuor Parisii a récemment célébré son trentième anniversaire. La clé de voûte de son itinéraire, l’art de la recherche du son parfait combiné à la conviction que la musique doit vivre de l’intérieur, lui est léguée par son maître Maurice Crut. Les musiciens du Quatuor Parisii déploient au fil des ans un répertoire d’une impressionnante envergure et une qualité d’interprétation rarement égalée. Ils attachent également beaucoup d’importance à soutenir la création et ils ont ainsi contribué à révéler nombre de compositeurs contemporains. Le Quatuor Parisii compte à coup sûr parmi les ensembles de chambre les plus importants de ces trente dernières années.
La guitare est un instrument très populaire lorsque Simon Schembri la découvre à l’âge de six ans à Malte, son île natale. À quatorze ans, Simon Schembri est récompensé par la Licence de la Royal Schools of Music de Londres. Dans la foulée il intègre la classe d’Alexandre Lagoya au Conservatoire National supérieur de Musique de Paris où il obtient le premier prix. Un Malta Music Awards a rendu honneur à sa carrière. Simon Schembri se situe dans la lignée de l’école guitaristique fondée par Tarrega au 19ème siècle, dont se sont inspirés les célèbres Ida Presti et Alexandre Lagoya. La sonorité puissante mais néanmoins noble et veloutée, la richesse de l’expression et l’intelligence musicale de Simon Schembri font de lui un guitariste salué par la critique.

presse : « Trajectoires tirées au cordeau, éclairages évolutifs, options ludiques… Tout y est dans une sorte de grandeur abstraite. La musique, rien que la musique. » Le Monde
« La clarté du jeu de Simon Schembri et la qualité de son expression musicale donnent vie aux oeuvres qu’il interprète. » François Lodéon – France Musique

Après une carrière de chanteur, bassiste, auteur et compositeur avec d’autres formations cubaines, Maikel Dinza évolue depuis 2015 avec son groupe Soneros de la Juventud qui lui permet de mettre en exergue toutes ses qualités. Déjà remarqué par les publics d’Amérique latine et des Caraïbes, il est considéré comme l’un des meilleurs espoirs cubains.

Maikel Dinza Hechavarria est né à Santiago de Cuba au sein d’une famille de musiciens. A sept ans il étudie le violoncelle. Plus tard, il intégrera l’orchestre de chambre Camerata Esteban Salas puis le groupe Salsa Chula, comme directeur musical, chanteur, compositeur et arrangeur. En 2010 il fera partie du groupe Yuli y Habana C et obtiendra, avec ses compositions, la reconnaissance du public et des danseurs. Il travaillera aussi comme bassiste et chanteur pour le disque Alma de Sonero de Mayito Rivera qui rencontrera un large succès sur le marché latino international. En 2014, il intègre l’orchestre de Manolito Simonet y su trabuco comme chanteur et compositeur. Il effectue aussi plusieurs tournées internationales comme bassiste avec Maikel Blanco y Salsa Mayor ainsi que Timberos Allstar. Depuis 2015, Maikel évolue sous son propre nom comme directeur, arrangeur et voix lead. Il est accompagné de son groupe Soneros de la Juventud, un projet qui démontre toutes ses qualités d’auteur, de compositeur et d’interprète. Regalando Corazones, son premier album sorti en 2017, lui permit de rencontrer son public à Cuba et en Amérique latine. Son nouvel album Pa que bailen to est nominé au Cubadisco 2019 (Victoires de la musique cubaine).

presse : « Nous pouvons faire confiance à des talents comme Dinza. L’héritage des grands et inégalables Benny, Pacho, Cuní, Faz, Pío Leyva et Plana, figures de premier rang de la musique cubaine, est entre de bonnes mains avec Maikel Dinza, vraie relève toujours attachée à la tradition musicale du pays. » Cesar Pédroso (Pupy) fondateur de Los Van Van

NUIT propose une approche très spécifique du jonglage qui se déploie dans des univers esthétiques toujours raffinés, donnant au spectacle un aspect surréel, quasi-magique. La magie du jonglage, les sons et les images, émergent peu à peu du noir pour nous

Trois personnages dans un espace clos, c’est la nuit, il fait noir, tout est silencieux. Puis, un bruit qui appelle la lumière, quelques figures, une flamme, une balle. Tirées de leur nuit, les silhouettes apparaissent alors. Un visage en rencontre un autre. La vie s’organise pour tenter malgré tout de refaire silence et ramener l’obscurité. Il y a toutes sortes de mystères et cette lumière qui brisent sans cesse l’ordre continu du temps. « NUIT se construit dans un rythme causal, mécaniste, qui entretient fortement une relation de sympathie et de proximité entre acteurs et spectateurs. La musicalité de la pièce n’est pas donnée d’avance, elle se construit petit à petit, dans les durées vécues des personnages, leurs rythmes corporels propres : la vie des personnages va imprimer son rythme à la musique de la pièce, la produire en contaminant le temps. » Nicolas Mathis, Julien Clément, Remi Darbois

Julien Clément se forme au Centre National des Arts du Cirque puis crée et joue dans de nombreuses pièces aux côtés de Francesca Lattuada, Sanja Kosonen ou encore Olivier Py. Il rejoint le Collectif Petit Travers en 2006 et en devient l’un des principaux co-auteurs.
Nicolas Mathis se forme à l’école du Cirque Plume pendant son enfance. Il entre en 2001 au studio de création du Lido, à Toulouse, et créé avec Denis Fargetton Le Petit Travers, pièce qu’il tournera largement pendant dix années. En 2004, il créé Le Parti Pris des Choses, devient lauréat des Jeunes Talents Cirque Europe et co-fonde le Collectif Petit Travers.

Julien Campani et Léo Cohen-Paperman, à la tête de leur jeune compagnie rémoise se sont attelés avec humour et impertinence à la tâche apparemment impossible d’une pièce sur « les vies intimes et politiques » de Jacques Chirac. « Jacky », comme ils préfèrent l’appeler, et ses multiples visages sont l’objet de cette « enquête théâtrale ».

Cette pièce ambitionne d’être la première d’une série de huit ayant pour objet les présidents de la Vème République, de Charles de Gaulle (opéra de poche et mélancolique : « Avant que de mourir je veux tirer un roi ») à Emmanuel Macron (temps de coaching en développement personnel :
« Never respect the rules »). « Je ferme les yeux et je me souviens. En 1995, Jacques Chirac est élu président de la République. Je le revois en esprit. J’ai six ans. De quoi ce souvenir est-il le nom ? Chirac c’est pour moi l’image de l’enfance, d’une insouciance partagée, l’idée que rien n’est grave. Je me rappelle 1995. Le marché, la liberté, le bonheur. Finis les idéologies, les haines, les génocides. Le XXème siècle des catastrophes allait bientôt finir. Je rouvre les yeux. En 2018, l’Histoire est redevenue tragique. En 2018, Jacques Chirac, sénile, sans douleur, sans peine et sans mémoire, contemple les murs de sa chambre dans un hospice. Il ne sourit pas. Il va bientôt mourir. Personne ne fait attention à lui. » Léo Cohen-Paperman

La compagnie des Animaux en Paradis, créée en 2009, est dirigée par Léo Cohen-Paperman. Elle est, depuis 2012, implantée à Reims.
Après une formation à la mise en scène au Conservatoire National Supérieur
d’Art Dramatique, Léo Cohen-Paperman a mis en scène plusieurs spectacles dont : Petit et Grand d’après Andersen, Les Nuits blanches d’après Dostoïevski, Les Lettres de mon moulin d’Alphonse Daudet, Mourir sur scène d’après Dalida et Hanokh Levin… Il a collaboré, en tant qu’assistant à la mise en scène, avec Olivier Py, Jean-Pierre Garnier et Christine Berg. Il intervient régulièrement dans le cadre d’ateliers et de stages avec des lycéens, collégiens, étudiants ou de jeunes acteurs.
Julien Campani s’est formé au Conservatoire National Supérieur d’Art Dramatique (promotion 2012). Pendant 5 ans, il tourne dans Le Bourgeois Gentilhomme mis en scène par Denis Podalydès. Il est membre fondateur du Festival du Nouveau Théâ tre Populaire à Fontaine-Guérin où il a joué dans une vingtaine de spectacles notamment sous la direction de Léo Cohen-Paperman.

Benoît Faivre et Tommy Laszlo nous proposent, à partir d’un album photos acquis à Bruxelles au hasard d’une brocante, de retracer l’existence d’une femme allemande avant, pendant, et après la Seconde Guerre mondiale ; une oeuvre au croisement du théâtre, de la vidéo, et du reportage : un spectacle « particulièrement réussi et bouleversant » (Le  Monde), une réflexion sur l’histoire.

Un album photos acheté dans une brocante en Belgique incite Benoît Faivre et Tommy Laszlo à mener une enquête qui les conduit en Europe et jusque dans leur propre histoire familiale. Leur but ? Découvrir qui est la femme dont la vie est contenue dans cet album et comprendre pourquoi cet objet les touche autant. « C’est de cet objet aussi universel que privé, trivial que singulier, dont sont partis les deux artistes. Le théâtre se mêle au théâtre d’objets, aux figures de papier et à l’audiovisuel, pour proposer sous forme d’une enquête la reconstitution d’une vie. Outre le suspens maintenu par le dispositif d’enquête et les questions ouvertes sur des archives personnelles, Vies de Papier est aussi stimulant dans sa forme. Là où le théâtre d’objets a rompu avec la tradition de la marionnette, en affirmant la place du manipulateur l’objet n’est plus uniquement là pour incarner ou permettre de raconter une histoire, il en est l’instigateur. » Caroline Châtelet – Novo

Benoît Faivre, touche-à-tout passionné par l’histoire, a fondé la compagnie la Bande Passante en 2007. Après deux spectacles de théâtre d’objets, Compléments d’objets et Cockpit Cuisine, il est rejoint en 2014 par Tommy Laszlo pour entamer un cycle de spectacles et d’installations autour du papier : « Mondes de Papier ». Implantée en Moselle, la compagnie diffuse ses spectacles à l’échelle hexagonale et européenne, en Belgique, en Suisse, au Luxembourg, en Allemagne.

presse : « Créer un spectacle à partir d’un album de famille trouvé dans un vide-greniers : tel est le pari insensé, et brillamment réussi, de Benoît Faivre et Tommy Laszlo. Grâce à une scénographie astucieuse, le spectacle mêle les photos de la vie de leur héroïne au film tourné au cours de l’enquête, ainsi qu’au récit à deux voix sur le plateau, où notre propre histoire familiale trouve un écho inattendu. Bouleversant ! » Thierry Voisin – Télérama TTT

Benoît Faivre et Tommy Laszlo nous proposent, à partir d’un album photos acquis à Bruxelles au hasard d’une brocante, de retracer l’existence d’une femme allemande avant, pendant, et après la Seconde Guerre mondiale ; une oeuvre au croisement du théâtre, de la vidéo, et du reportage : un spectacle « particulièrement réussi et bouleversant » (Le  Monde), une réflexion sur l’histoire.

Un album photos acheté dans une brocante en Belgique incite Benoît Faivre et Tommy Laszlo à mener une enquête qui les conduit en Europe et jusque dans leur propre histoire familiale. Leur but ? Découvrir qui est la femme dont la vie est contenue dans cet album et comprendre pourquoi cet objet les touche autant. « C’est de cet objet aussi universel que privé, trivial que singulier, dont sont partis les deux artistes. Le théâtre se mêle au théâtre d’objets, aux figures de papier et à l’audiovisuel, pour proposer sous forme d’une enquête la reconstitution d’une vie. Outre le suspens maintenu par le dispositif d’enquête et les questions ouvertes sur des archives personnelles, Vies de Papier est aussi stimulant dans sa forme. Là où le théâtre d’objets a rompu avec la tradition de la marionnette, en affirmant la place du manipulateur l’objet n’est plus uniquement là pour incarner ou permettre de raconter une histoire, il en est l’instigateur. » Caroline Châtelet – Novo

Benoît Faivre, touche-à-tout passionné par l’histoire, a fondé la compagnie la Bande Passante en 2007. Après deux spectacles de théâtre d’objets, Compléments d’objets et Cockpit Cuisine, il est rejoint en 2014 par Tommy Laszlo pour entamer un cycle de spectacles et d’installations autour du papier : « Mondes de Papier ». Implantée en Moselle, la compagnie diffuse ses spectacles à l’échelle hexagonale et européenne, en Belgique, en Suisse, au Luxembourg, en Allemagne.

presse : « Créer un spectacle à partir d’un album de famille trouvé dans un vide-greniers : tel est le pari insensé, et brillamment réussi, de Benoît Faivre et Tommy Laszlo. Grâce à une scénographie astucieuse, le spectacle mêle les photos de la vie de leur héroïne au film tourné au cours de l’enquête, ainsi qu’au récit à deux voix sur le plateau, où notre propre histoire familiale trouve un écho inattendu. Bouleversant ! » Thierry Voisin – Télérama TTT

Benoît Faivre et Tommy Laszlo nous proposent, à partir d’un album photos acquis à Bruxelles au hasard d’une brocante, de retracer l’existence d’une femme allemande avant, pendant, et après la Seconde Guerre mondiale ; une oeuvre au croisement du théâtre, de la vidéo, et du reportage : un spectacle « particulièrement réussi et bouleversant » (Le  Monde), une réflexion sur l’histoire.

Un album photos acheté dans une brocante en Belgique incite Benoît Faivre et Tommy Laszlo à mener une enquête qui les conduit en Europe et jusque dans leur propre histoire familiale. Leur but ? Découvrir qui est la femme dont la vie est contenue dans cet album et comprendre pourquoi cet objet les touche autant. « C’est de cet objet aussi universel que privé, trivial que singulier, dont sont partis les deux artistes. Le théâtre se mêle au théâtre d’objets, aux figures de papier et à l’audiovisuel, pour proposer sous forme d’une enquête la reconstitution d’une vie. Outre le suspens maintenu par le dispositif d’enquête et les questions ouvertes sur des archives personnelles, Vies de Papier est aussi stimulant dans sa forme. Là où le théâtre d’objets a rompu avec la tradition de la marionnette, en affirmant la place du manipulateur l’objet n’est plus uniquement là pour incarner ou permettre de raconter une histoire, il en est l’instigateur. » Caroline Châtelet – Novo

Benoît Faivre, touche-à-tout passionné par l’histoire, a fondé la compagnie la Bande Passante en 2007. Après deux spectacles de théâtre d’objets, Compléments d’objets et Cockpit Cuisine, il est rejoint en 2014 par Tommy Laszlo pour entamer un cycle de spectacles et d’installations autour du papier : « Mondes de Papier ». Implantée en Moselle, la compagnie diffuse ses spectacles à l’échelle hexagonale et européenne, en Belgique, en Suisse, au Luxembourg, en Allemagne.

presse : « Créer un spectacle à partir d’un album de famille trouvé dans un vide-greniers : tel est le pari insensé, et brillamment réussi, de Benoît Faivre et Tommy Laszlo. Grâce à une scénographie astucieuse, le spectacle mêle les photos de la vie de leur héroïne au film tourné au cours de l’enquête, ainsi qu’au récit à deux voix sur le plateau, où notre propre histoire familiale trouve un écho inattendu. Bouleversant ! » Thierry Voisin – Télérama TTT

Benoît Faivre et Tommy Laszlo nous proposent, à partir d’un album photos acquis à Bruxelles au hasard d’une brocante, de retracer l’existence d’une femme allemande avant, pendant, et après la Seconde Guerre mondiale ; une oeuvre au croisement du théâtre, de la vidéo, et du reportage : un spectacle « particulièrement réussi et bouleversant » (Le  Monde), une réflexion sur l’histoire.

Un album photos acheté dans une brocante en Belgique incite Benoît Faivre et Tommy Laszlo à mener une enquête qui les conduit en Europe et jusque dans leur propre histoire familiale. Leur but ? Découvrir qui est la femme dont la vie est contenue dans cet album et comprendre pourquoi cet objet les touche autant. « C’est de cet objet aussi universel que privé, trivial que singulier, dont sont partis les deux artistes. Le théâtre se mêle au théâtre d’objets, aux figures de papier et à l’audiovisuel, pour proposer sous forme d’une enquête la reconstitution d’une vie. Outre le suspens maintenu par le dispositif d’enquête et les questions ouvertes sur des archives personnelles, Vies de Papier est aussi stimulant dans sa forme. Là où le théâtre d’objets a rompu avec la tradition de la marionnette, en affirmant la place du manipulateur l’objet n’est plus uniquement là pour incarner ou permettre de raconter une histoire, il en est l’instigateur. » Caroline Châtelet – Novo

Benoît Faivre, touche-à-tout passionné par l’histoire, a fondé la compagnie la Bande Passante en 2007. Après deux spectacles de théâtre d’objets, Compléments d’objets et Cockpit Cuisine, il est rejoint en 2014 par Tommy Laszlo pour entamer un cycle de spectacles et d’installations autour du papier : « Mondes de Papier ». Implantée en Moselle, la compagnie diffuse ses spectacles à l’échelle hexagonale et européenne, en Belgique, en Suisse, au Luxembourg, en Allemagne.

presse : « Créer un spectacle à partir d’un album de famille trouvé dans un vide-greniers : tel est le pari insensé, et brillamment réussi, de Benoît Faivre et Tommy Laszlo. Grâce à une scénographie astucieuse, le spectacle mêle les photos de la vie de leur héroïne au film tourné au cours de l’enquête, ainsi qu’au récit à deux voix sur le plateau, où notre propre histoire familiale trouve un écho inattendu. Bouleversant ! » Thierry Voisin – Télérama TTT

Benoît Faivre et Tommy Laszlo nous proposent, à partir d’un album photos acquis à Bruxelles au hasard d’une brocante, de retracer l’existence d’une femme allemande avant, pendant, et après la Seconde Guerre mondiale ; une oeuvre au croisement du théâtre, de la vidéo, et du reportage : un spectacle « particulièrement réussi et bouleversant » (Le  Monde), une réflexion sur l’histoire.

Un album photos acheté dans une brocante en Belgique incite Benoît Faivre et Tommy Laszlo à mener une enquête qui les conduit en Europe et jusque dans leur propre histoire familiale. Leur but ? Découvrir qui est la femme dont la vie est contenue dans cet album et comprendre pourquoi cet objet les touche autant. « C’est de cet objet aussi universel que privé, trivial que singulier, dont sont partis les deux artistes. Le théâtre se mêle au théâtre d’objets, aux figures de papier et à l’audiovisuel, pour proposer sous forme d’une enquête la reconstitution d’une vie. Outre le suspens maintenu par le dispositif d’enquête et les questions ouvertes sur des archives personnelles, Vies de Papier est aussi stimulant dans sa forme. Là où le théâtre d’objets a rompu avec la tradition de la marionnette, en affirmant la place du manipulateur l’objet n’est plus uniquement là pour incarner ou permettre de raconter une histoire, il en est l’instigateur. » Caroline Châtelet – Novo

Benoît Faivre, touche-à-tout passionné par l’histoire, a fondé la compagnie la Bande Passante en 2007. Après deux spectacles de théâtre d’objets, Compléments d’objets et Cockpit Cuisine, il est rejoint en 2014 par Tommy Laszlo pour entamer un cycle de spectacles et d’installations autour du papier : « Mondes de Papier ». Implantée en Moselle, la compagnie diffuse ses spectacles à l’échelle hexagonale et européenne, en Belgique, en Suisse, au Luxembourg, en Allemagne.

presse : « Créer un spectacle à partir d’un album de famille trouvé dans un vide-greniers : tel est le pari insensé, et brillamment réussi, de Benoît Faivre et Tommy Laszlo. Grâce à une scénographie astucieuse, le spectacle mêle les photos de la vie de leur héroïne au film tourné au cours de l’enquête, ainsi qu’au récit à deux voix sur le plateau, où notre propre histoire familiale trouve un écho inattendu. Bouleversant ! » Thierry Voisin – Télérama TTT

« La metteuse en scène Julie Berès, à partir des témoignages de jeunes femmes issues de l’immigration, évoque la radicalisation, la misogynie et le racisme. » (Causette). Cette pièce délibérément d’aujourd’hui mobilise de nombreuses disciplines (théâtre, danse, musique) ; « elles campent avec une énergie communicative des personnages troublants et insaisissables. » (L’Humanité)

Entre fidélité et refus du poids de l’héritage, entre désirs immenses et sentiments d’impasse de l’époque, Julie Berès entreprend de sonder les rêves et les révoltes de quatre jeunes femmes héroïnes de ce spectacle. « À travers les témoignages, s’entrecroisent des bribes d’aveux, de souvenirs contradictoires, d’évidentes soumissions, de nostalgies ambivalentes, de révoltes dans le désir de faire entendre, à travers les événements intimes et douloureux, les mythes et mythologies inconscients et collectifs. Chacune des femmes à sa manière témoigne d’un NON, posé comme acte fondateur. Non aux volontés du père, non face aux injonctions de la société, de la famille, de la tradition. Non face à la double peine que sont le racisme et le machisme. S’opposer pour pouvoir danser tous les jours, faire du théâtre, écrire, prier. Arracher sa liberté. Nous souhaitions raconter l’histoire de victoires, de victorieuses, d’obstinées, de désobéissantes. » Julie Berès

Julie Berès, passe la plupart de son enfance en Afrique. Après une rencontre avec Ariane Mnouchkine, lors d’un stage au Théâtre du Soleil, elle décide en 1997 d’intégrer le Conservatoire National Supérieur d’Art Dramatique de Paris. En 2001, elle fonde la compagnie Les Cambrioleurs, dont elle assure la direction artistique et qu’elle choisit ensuite d’implanter à Brest, où elle développe un important programme d’actions culturelles. Elle réunit à ses côtés des créateurs issus de différentes disciplines (auteurs, vidéastes, plasticiens…) pour inventer une écriture scénique où chaque langage s’affirme. Elle est accompagnée par le Théâtre National de Chaillot dès ses premiers spectacles.

presse : « Elles campent avec une énergie communicative et une force explosive des personnages troublants et insaisissables, dont le discours autour du désir, de la vie spirituelle et de l’oppression masculine nous hante bien après la fin de cet enthousiasmant spectacle. » l’Humanité
« Ce qui frappe dans sa mise en scène est qu’avec un rien elle parvient à créer des intensités, des contrastes, un genre de sophistication, une ombre chinoise, une extraction du sol sur le plateau, si bien que chacun des aveux s’apparente à une fouille archéologique, trésor douloureux qu’il faut à la fois garder et transformer. » Anne Diatkine – Libération

« La metteuse en scène Julie Berès, à partir des témoignages de jeunes femmes issues de l’immigration, évoque la radicalisation, la misogynie et le racisme. » (Causette). Cette pièce délibérément d’aujourd’hui mobilise de nombreuses disciplines (théâtre, danse, musique) ; « elles campent avec une énergie communicative des personnages troublants et insaisissables. » (L’Humanité)

Entre fidélité et refus du poids de l’héritage, entre désirs immenses et sentiments d’impasse de l’époque, Julie Berès entreprend de sonder les rêves et les révoltes de quatre jeunes femmes héroïnes de ce spectacle. « À travers les témoignages, s’entrecroisent des bribes d’aveux, de souvenirs contradictoires, d’évidentes soumissions, de nostalgies ambivalentes, de révoltes dans le désir de faire entendre, à travers les événements intimes et douloureux, les mythes et mythologies inconscients et collectifs. Chacune des femmes à sa manière témoigne d’un NON, posé comme acte fondateur. Non aux volontés du père, non face aux injonctions de la société, de la famille, de la tradition. Non face à la double peine que sont le racisme et le machisme. S’opposer pour pouvoir danser tous les jours, faire du théâtre, écrire, prier. Arracher sa liberté. Nous souhaitions raconter l’histoire de victoires, de victorieuses, d’obstinées, de désobéissantes. » Julie Berès

Julie Berès, passe la plupart de son enfance en Afrique. Après une rencontre avec Ariane Mnouchkine, lors d’un stage au Théâtre du Soleil, elle décide en 1997 d’intégrer le Conservatoire National Supérieur d’Art Dramatique de Paris. En 2001, elle fonde la compagnie Les Cambrioleurs, dont elle assure la direction artistique et qu’elle choisit ensuite d’implanter à Brest, où elle développe un important programme d’actions culturelles. Elle réunit à ses côtés des créateurs issus de différentes disciplines (auteurs, vidéastes, plasticiens…) pour inventer une écriture scénique où chaque langage s’affirme. Elle est accompagnée par le Théâtre National de Chaillot dès ses premiers spectacles.

presse : « Elles campent avec une énergie communicative et une force explosive des personnages troublants et insaisissables, dont le discours autour du désir, de la vie spirituelle et de l’oppression masculine nous hante bien après la fin de cet enthousiasmant spectacle. » l’Humanité
« Ce qui frappe dans sa mise en scène est qu’avec un rien elle parvient à créer des intensités, des contrastes, un genre de sophistication, une ombre chinoise, une extraction du sol sur le plateau, si bien que chacun des aveux s’apparente à une fouille archéologique, trésor douloureux qu’il faut à la fois garder et transformer. » Anne Diatkine – Libération

Le clown équilibriste Rémi Luchez, déjà accueilli en septembre 2018 à la Cité Verte, est un drôle d’oiseau. Il est accompagné pour ce spectacle de Lola Calvet, superbe chanteuse occitane. L’homme Canon nous fait vivre l’ivresse dans la sobriété et la jubilation dans la retenue.

Le regard perçant, la silhouette plutôt frêle, Rémi Luchez met en scène un spectacle d’équilibres sensible et virtuose. Des équilibres d’objets, des objets en équilibre, du jeu et une voix, celle de Lola Calvet. Les grands exploits reposent souvent sur de petits riens, et c’est bien ce qui nous touche et nous impressionne… « Mon processus de création débute par un travail de recherche autour d’une obsession (marcher sur un fil le plus petit possible, monter une construction instable sur sa tête… ) pour y trouver le sens, le plaisir, la finesse et les émotions. L’homme canon a été créé pour être joué au festival Plantez là. J’avais envie de reprendre des numéros d’équilibres d’objets travaillés pour d’autres spectacles et des tentatives jamais testées devant du public. Il y avait aussi un numéro d’équilibre sur brique que je ne savais pas comment finir. J’ai alors décidé de m’envoler… » Rémi Luchez

Diplômé du Centre National des Arts du Cirque de Châlons-en-Champagne en 2005, Rémi Luchez est spécialisé en fil souple. Il a tourné pendant deux ans avec Toto Lacaille, création collective de la 17ème promotion du CNAC. En 2008, il est lauréat Jeunes Talents Cirque Europe pour le projet Miettes qu’il crée sous le regard de Pierre Déaux. Ce solo est créé en janvier 2009 et est joué près de 200 fois. En 2010, il réalise une tournée à vélo avec Miettes. En 2011, Rémi Luchez crée Nichons là avec Olivier Debelhoir, spectacle sous chapiteau pour lequel il travaille une nouvelle spécialité d’objet en équilibre sur sa tête. En parallèle à son art de l’équilibre, Rémi Luchez mène depuis plusieurs années un travail de matières en sculptant le bois calciné, le métal, le verre, la porcelaine…

Eddy Pallaro, déjà repéré pour ses qualités d’auteur et d’acteur, interroge ici, dans ce joli spectacle qui est aussi sa première mise en scène, le rapport que chacun entretient avec la solitude, les autres, le couple avec la réalité souvent imparfaite. « Les deux comédiens dessinent leur personnage avec une vérité éclatante et persuasive. » (La Terrasse)

Qu’est-ce que l’intime ? Intimités interroge la vie et les êtres. Pour essayer de comprendre un homme enfermé dans sa solitude et son appartement, une femme va créer un terrain d’échange et d’égalité entre eux : un don d’intimité à intimité. « Je m’intéresse à l’humain dans toutes ses dimensions. Nous sommes faits de réalité, mais aussi de pensées, de fantasmes, de mémoire et de rêves. Nos actions, nos sentiments, trouvent leurs sources dans les zones les plus profondes. Il arrive que des parts de nous se révèlent et éclairent notre réalité d’une lumière nouvelle. Nous sommes des êtres de paroles et de silences. Zones d’ombre et de lumière cohabitent en nous de façon égale. Notre représentation reste incomplète. Elle est toujours mouvante. Nous sommes des êtres de fiction en équilibre entre deux mondes. De la réalité où nous sommes, nous imaginons sans cesse la part qui nous manque. Nous inventons l’autre et nous nous inventons nous-même. » Eddy Pallaro

Après une dizaine d’années consacrées à la pratique d’acteur, Eddy Pallaro mène un travail d’auteur. La plupart de ses pièces sont éditées chez Actes Sud-Papiers, aux éditions Lansman ou aux éditions Crater. Il écrit également pour le cirque, la danse, et collabore avec Jean-Baptiste André, Frédéric Cellé, Sébastien Lefrançois, Yun Chane. Il fait partie du collectif d’auteurs La Coopérative d’Écriture. En 2016, il fonde L’atelier des fictions et initie un travail de mise en scène avec sa pièce Intimités. Eddy a fait longuement partie de la compagnie Trois Six Trente et à ce titre a été très souvent présent à Verdun entre 1998 et 2008. Depuis sa relation avec Transversales est restée vivante.

presse : « Les deux comédiens dessinent leur personnage avec une vérité éclatante et persuasive. Apparence de rudesse et de brutalité rustique chez Jean-Louis Coulloc’h qui ne fait que cacher une grande sensibilité et de savants atermoiements du coeur. Avec Cécile Coustillac, c’est toute la splendeur avertie du personnage qui surgit, éclairé de conviction existentielle, sous des dehors de fragilité et de tremblements. Un combat physique et mental que chacun tient avec dignité : égalité des points partout. Un spectacle dense et intense qui exige tension en alerte et silence, de sorte que le public ressent, à maintes reprises, comme le souffle passant des sentiments. » Véronique Hotte – La Terrasse

Serge Boulier nous offre une vision optimiste sur l’apprentissage du savoir. Le spectacle se hisse à la hauteur des enfants et leur transmet l’envie d’apprendre, d’imaginer et d’échanger.

Le vent est-il fabriqué par les moulins à vent ? Les herbes sont-elles les cheveux de la terre et les jardiniers ses coiffeurs ? Peut-on arrêter le cours du temps en regardant très fort l’horloge ? A l’école, un petit garçon, à la tête pleine de trous et une petite fille, à la tête pleine de bouchons, partent à la recherche d’un chapeau que le vent a volé. Les idées fusent et les esprits se nourrissent l’un l’autre. La salle de classe et les pupitres d’écoliers deviennent chemins de voyage. Les deux complices s’offrent toutes les libertés. Celles de l’absurde, du dérisoire, du rire. « J’ai envie de mélanger dans ma trousse de vieil écolier quelques auteurs aux verbes délicieux. On a tous une foule de souvenirs de notre parcours d’écolier. Personnellement j’étais un élève moyen et très ordinaire. Mais je me souviens de la première de la classe comme du dernier. J’ai envie de vous parler de ces deux héros de ma classe. Et je demanderai à Jacques Prévert qu’il me prête les ânes de sa poésie pour écrire. Parce qu’au fond, être un âne, ce n’est pas bête… » Serge Boulier

Bouffou Théâtre à la coque est une compagnie qui, depuis 1986, crée et présente en France et à l’étranger des spectacles de marionnettes pour enfants et adultes.
Toujours dans une recherche de proximité et de partage d’émotions avec le public, Serge Boulier, directeur artistique de la compagnie, s’attache à mettre en scène jeux d’acteurs et marionnettes au service de propos qui tentent d’ouvrir de nouvelles portes vers de « possibles ailleurs ».

presse : « Un spectacle optimiste, plein de malice et de poésie, qui invite tous les enfants à faire « un pas pour apprendre, un pas pour respirer, un pas pour comprendre, un pas de côté. » Le Parisien
« Trouvailles langagières, objets détournés pour figurer voiture, bateau, avion, train, accessoires apparaissant d’une multitude de trappes, fenêtres et volets, jeu d’échelle (marionnettes de tailles différentes), parois mobiles… , tout cet ensemble crée la surprise et compose peu à peu une histoire tendre, sans nostalgie et teintée d’humour. Un beau spectacle où prendre le temps de rêver, d’inventer le monde, c’est grandir pas à pas. » Télérama

Boris, il est artiste de cirque. Trappeur des banlieues, amoureux des ours et des chansons d’amour des années 80, il est seul dans sa yourte (où il nous accueille) et plein dans sa tête. « Ce funambule égaré sur le plancher des vaches tient l’équilibre et file une ligne artistique d’une grande justesse » (Stada)

Boris nous invite sous sa yourte pour briser sa solitude et faire démonstration de ses talents. Boris est cow-boy sur pelle, funambule de proximité, terreur des petits sommets. Avec lui tous les objets se transforment en perchoir : une chaise, une pelle, une échelle, une poutre, des skis. S’il tombe, il entraîne tout. « La solitude que Boris, trappeur des banlieues, se construit au milieu de cent personnes, se décline à travers différents tableaux de musique et reprises de chanson française, de logorrhée et d’énumération, de cirque et performance. « Performance ». C’est bien ça. Tous ces tableaux ont le même angle d’attaque, la performance. A savoir un exploit et une réussite remarquable dans l’espace de la yourte et le temps du spectacle. Ce qui ramène, pour moi, au cirque. L’écriture de ce spectacle est linéaire et Boris, par ses actes, creuse petit à petit sous les yeux du public son trou dans la joie et la bonne humeur. » Olivier Debelhoir

Olivier Debelhoir a commencé le cirque à l’âge de 11 ans à l’École Nationale de Cirque de Châtellerault. Il a fait des spectacles de rue à partir de 14 ans. À Marseille, il rejoint l’école Théâtres acrobatiques, dirigée par John Sutton. Il a créé et co-dirigé la compagnie Chérid’Amour pendant 6 ans. Il a travaillé avec Bruno Dizien, Gulko, Gilles Cailleau, Thierry Bae, Pierre Déaux et Rémi Luchez.

Boris, il est artiste de cirque. Trappeur des banlieues, amoureux des ours et des chansons d’amour des années 80, il est seul dans sa yourte (où il nous accueille) et plein dans sa tête. « Ce funambule égaré sur le plancher des vaches tient l’équilibre et file une ligne artistique d’une grande justesse » (Stada)

Boris nous invite sous sa yourte pour briser sa solitude et faire démonstration de ses talents. Boris est cow-boy sur pelle, funambule de proximité, terreur des petits sommets. Avec lui tous les objets se transforment en perchoir : une chaise, une pelle, une échelle, une poutre, des skis. S’il tombe, il entraîne tout. « La solitude que Boris, trappeur des banlieues, se construit au milieu de cent personnes, se décline à travers différents tableaux de musique et reprises de chanson française, de logorrhée et d’énumération, de cirque et performance. « Performance ». C’est bien ça. Tous ces tableaux ont le même angle d’attaque, la performance. A savoir un exploit et une réussite remarquable dans l’espace de la yourte et le temps du spectacle. Ce qui ramène, pour moi, au cirque. L’écriture de ce spectacle est linéaire et Boris, par ses actes, creuse petit à petit sous les yeux du public son trou dans la joie et la bonne humeur. » Olivier Debelhoir

Olivier Debelhoir a commencé le cirque à l’âge de 11 ans à l’École Nationale de Cirque de Châtellerault. Il a fait des spectacles de rue à partir de 14 ans. À Marseille, il rejoint l’école Théâtres acrobatiques, dirigée par John Sutton. Il a créé et co-dirigé la compagnie Chérid’Amour pendant 6 ans. Il a travaillé avec Bruno Dizien, Gulko, Gilles Cailleau, Thierry Bae, Pierre Déaux et Rémi Luchez.

Boris, il est artiste de cirque. Trappeur des banlieues, amoureux des ours et des chansons d’amour des années 80, il est seul dans sa yourte (où il nous accueille) et plein dans sa tête. « Ce funambule égaré sur le plancher des vaches tient l’équilibre et file une ligne artistique d’une grande justesse » (Stada)

Boris nous invite sous sa yourte pour briser sa solitude et faire démonstration de ses talents. Boris est cow-boy sur pelle, funambule de proximité, terreur des petits sommets. Avec lui tous les objets se transforment en perchoir : une chaise, une pelle, une échelle, une poutre, des skis. S’il tombe, il entraîne tout. « La solitude que Boris, trappeur des banlieues, se construit au milieu de cent personnes, se décline à travers différents tableaux de musique et reprises de chanson française, de logorrhée et d’énumération, de cirque et performance. « Performance ». C’est bien ça. Tous ces tableaux ont le même angle d’attaque, la performance. A savoir un exploit et une réussite remarquable dans l’espace de la yourte et le temps du spectacle. Ce qui ramène, pour moi, au cirque. L’écriture de ce spectacle est linéaire et Boris, par ses actes, creuse petit à petit sous les yeux du public son trou dans la joie et la bonne humeur. » Olivier Debelhoir

Olivier Debelhoir a commencé le cirque à l’âge de 11 ans à l’École Nationale de Cirque de Châtellerault. Il a fait des spectacles de rue à partir de 14 ans. À Marseille, il rejoint l’école Théâtres acrobatiques, dirigée par John Sutton. Il a créé et co-dirigé la compagnie Chérid’Amour pendant 6 ans. Il a travaillé avec Bruno Dizien, Gulko, Gilles Cailleau, Thierry Bae, Pierre Déaux et Rémi Luchez.

Boris, il est artiste de cirque. Trappeur des banlieues, amoureux des ours et des chansons d’amour des années 80, il est seul dans sa yourte (où il nous accueille) et plein dans sa tête. « Ce funambule égaré sur le plancher des vaches tient l’équilibre et file une ligne artistique d’une grande justesse » (Stada)

Boris nous invite sous sa yourte pour briser sa solitude et faire démonstration de ses talents. Boris est cow-boy sur pelle, funambule de proximité, terreur des petits sommets. Avec lui tous les objets se transforment en perchoir : une chaise, une pelle, une échelle, une poutre, des skis. S’il tombe, il entraîne tout. « La solitude que Boris, trappeur des banlieues, se construit au milieu de cent personnes, se décline à travers différents tableaux de musique et reprises de chanson française, de logorrhée et d’énumération, de cirque et performance. « Performance ». C’est bien ça. Tous ces tableaux ont le même angle d’attaque, la performance. A savoir un exploit et une réussite remarquable dans l’espace de la yourte et le temps du spectacle. Ce qui ramène, pour moi, au cirque. L’écriture de ce spectacle est linéaire et Boris, par ses actes, creuse petit à petit sous les yeux du public son trou dans la joie et la bonne humeur. » Olivier Debelhoir

Olivier Debelhoir a commencé le cirque à l’âge de 11 ans à l’École Nationale de Cirque de Châtellerault. Il a fait des spectacles de rue à partir de 14 ans. À Marseille, il rejoint l’école Théâtres acrobatiques, dirigée par John Sutton. Il a créé et co-dirigé la compagnie Chérid’Amour pendant 6 ans. Il a travaillé avec Bruno Dizien, Gulko, Gilles Cailleau, Thierry Bae, Pierre Déaux et Rémi Luchez.

Boris, il est artiste de cirque. Trappeur des banlieues, amoureux des ours et des chansons d’amour des années 80, il est seul dans sa yourte (où il nous accueille) et plein dans sa tête. « Ce funambule égaré sur le plancher des vaches tient l’équilibre et file une ligne artistique d’une grande justesse » (Stada)

Boris nous invite sous sa yourte pour briser sa solitude et faire démonstration de ses talents. Boris est cow-boy sur pelle, funambule de proximité, terreur des petits sommets. Avec lui tous les objets se transforment en perchoir : une chaise, une pelle, une échelle, une poutre, des skis. S’il tombe, il entraîne tout. « La solitude que Boris, trappeur des banlieues, se construit au milieu de cent personnes, se décline à travers différents tableaux de musique et reprises de chanson française, de logorrhée et d’énumération, de cirque et performance. « Performance ». C’est bien ça. Tous ces tableaux ont le même angle d’attaque, la performance. A savoir un exploit et une réussite remarquable dans l’espace de la yourte et le temps du spectacle. Ce qui ramène, pour moi, au cirque. L’écriture de ce spectacle est linéaire et Boris, par ses actes, creuse petit à petit sous les yeux du public son trou dans la joie et la bonne humeur. » Olivier Debelhoir

Olivier Debelhoir a commencé le cirque à l’âge de 11 ans à l’École Nationale de Cirque de Châtellerault. Il a fait des spectacles de rue à partir de 14 ans. À Marseille, il rejoint l’école Théâtres acrobatiques, dirigée par John Sutton. Il a créé et co-dirigé la compagnie Chérid’Amour pendant 6 ans. Il a travaillé avec Bruno Dizien, Gulko, Gilles Cailleau, Thierry Bae, Pierre Déaux et Rémi Luchez.

Fauré : Pelléas et Mélisande – suite op.80
Tailleferre : concertino pour harpe et orchestre
Mendelssohn : symphonie n°3 écossaise

Ce spectacle, résultant d’un partenariat avec le musée de Picardie, associe musique symphonique et art pictural. En effet, le concerto pour piano et orchestre de Germaine Tailleferre sublime le parcours visuel du vidéaste Bertrand Coynault à travers une des pièces maîtresses du musée d’Amiens lors d’une déambulation visuelle et sonore. Fauré (Pelléas et Mélisande – suite op.80) et Mendelssohn (Symphonie n°3 Ecossaise) complètent ce joli programme.

Fondé en 1984 l’Orchestre de Picardie a pour mission la production, la transmission et la diffusion de la musique symphonique. Depuis sa création, il a évolué pour atteindre un effectif dit « Mannheim » de 37 musiciens permanents. La mission d’intérêt général qu’il développe à travers une saison de concerts dans les territoires de sa région, les réseaux européens qu’il a créés, les partenariats durables dont il bénéficie, concourent à déterminer une identité unique et témoignent de la modernité du projet qu’il conduit.
Arie van Beek est né à Rotterdam. Il est d’abord percussionniste dans les orchestres radiophoniques des Pays-Bas avant de s’orienter vers la direction d’orchestre. Ses professeurs de direction sont Edo de Waart et David Porcelijn. Après avoir été le directeur musical de l’Orchestre d’Auvergne de 1994 à 2010, il est depuis 2011 directeur musical de l’Orchestre de Picardie. Depuis septembre 2013, il est également directeur musical de l’Orchestre de Chambre de Genève. Il est par ailleurs chef permanent du Doelen Ensemble à Rotterdam ainsi que chef d’orchestre, professeur au Codarts-Conservatoire Supérieur de Musique de Rotterdam.
Emilie Gastaud s’est formée auprès de Frédérique Cambreling, à laquelle elle doit son amour de la harpe. En 2006, elle obtient le 2ème Prix à l’unanimité au Concours International de harpe de Lille, le Prix Spedidam et le Prix de la SACEM. En 2008, à l’issue de son Premier Prix, mention très bien à l’unanimité au Conservatoire National Supérieur de Musique de Paris, Emilie Gastaud obtient une mention d’honneur en finale du concours international Lily Laskine. Son intégration en 2008 dans la prestigieuse Académie Karajan lui donne une expérience professionnelle unique au sein de l’Orchestre Philharmonique de Berlin. Elle joue alors sous la baguette des plus grands chefs. Elle est actuellement première harpe solo de l’Orchestre National de France.

Vardan Hovanissian est un virtuose du doudouk arménien, cet instrument à anche double à la sonorité langoureuse. Il joue avec Emre Gültekin, jouant du saz, ce luth à manche long typique de la musique traditionnelle turque. Ensemble ils « réconcilient deux traditions musicales vibrantes » par une
« musique douce et pleine d’espoir poétique, un peu plus de cent ans après le génocide arménien » Télérama

Depuis qu’il a été initié au doudouk par son maître Khachik Khachatryan, Vardan Hovanissian est devenu l’un des ambassadeurs talentueux de cet instrument à anche double très ancien, dont la sonorité mélancolique reflète l’âme arménienne. Il y a plus de dix ans, il a trouvé son âme soeur musicale en Emre Gültekin, qui a appris l’art du saz turc auprès de Talip Özkan et son père Lütfü Gültekin. Chantés en arménien et en turc, les textes entrent en résonance avec la sonorité mélancolique du doudouk arménien et le travail virtuose du saz et du tanbûr. Les deux musiciens tissent des liens entre les langues et les styles au gré de leur musique et de leurs instruments. Ils s’inspirent des répertoires traditionnels, ramenant à la vie quelques trésors enfouis du passé, et les complètent par des nouvelles compositions abordant des sujets contemporains. Un duo qui permet d’envisager l’Histoire d’une manière plus positive.

presse : « Un travail intense qui atteint des sommets de haute qualité, éveillant des réflexions et des émotions profondes » Ciro de Rosa – Blogfoolk
« Tradition, poésie, compositions récentes, sobriété, retenue, délicatesse, envolées des instruments et des voix à travers les petites histoires et la grande Histoire, tels sont les ingrédients d’un disque d’une étonnante dignité humaine. » Etienne Bours 5planètes – Des mondes de musiques

Aurélie Van Den Daele et ses talentueux complices du Deug Doen Group adaptent aevc énergie l’oeuvre de David Hare, décrivant l’échec des travaillistes à l’élection générale de 1992 au Royaume-Uni. Cette
« mise en scène audacieuse et rock’n roll » (Le Figaro) interroge la question de la politique aujourd’hui. Sitcom ou tragédie ?

Angleterre. Hier. Après des années de thatchérisme, des élections sont déclenchées et George Jones, leader de l’opposition ne peut que remporter ces élections : il doit gagner. Et pourtant… « Pour lutter contre l’effondrement de notre démocratie, contre l’effacement du fond au profit de la forme et pour combattre le culte de l’image, j’ai choisi de me plonger dans cette pièce qui met en scène un moment de bascule : celui où le fond du débat politique s’est effacé au profit de la forme. L’Absence de guerre est un thriller politique qui nous transporte dans un monde étrangement semblable au nôtre. Un monde où notre machine démocratique s’est sclérosée, perdant son sens. Mais l’intrigue est aussi pleinement humaine : l’ennemi politique du départ, le leader des conservateurs, est comme l’arbre qui cache la forêt. Les coups de feu viennent toujours du camp de George. » Aurélie Van Dan Daele

Le DEUG DOEN GROUP (DDG) est un groupe de travail. Artistiquement il réunit des forces vives de la création : un collectif technique, le collectif INVIVO qui conçoit les dispositifs scéniques (scénographie, lumières et vidéo, son), des interprètes, des auteurs et des dramaturges autour d’une metteure en scène à l’initiative des projets : Aurélie Van Den Daele. Elle est artiste associée au Théâtre de l’Aquarium, et à la Ferme de Bel Ebat-Théâtre de Guyancourt. A partir de 2019, elle sera artiste associée au Centre Dramatique National de Montluçon et à la Faïencerie de Creil.

presse : « La scénographie particulièrement brillante fait le lien entre les projections sur écran et présence des acteurs sur scène. La caméra violente d’une certaine façon notre perception. Elle agit comme une araignée, gobeuse de mouches qui cerne de toutes parts les protagonistes. La démonstration est imparable, cyniquement effrayante. Elle interpellera tout citoyen » Le Monde

Virginie Marouzé, que l’on connaît pour son travail avec des acteurs en situation de handicap (La passée, diffusée sur la saison 2017/2018 à Verdun) revient avec une nouvelle œuvre : une troupe atypique et émouvante, conduite comme un navire au milieu des flots et qui dessine une voie originale et d’une profonde humanité.

Un plateau nu, douze personnages ne sachant pas où aller ni quoi faire. Un treizième les invite à avancer, aller droit devant eux, droit dans le mur peut-être. Ils semblent avoir perdu tout sens de vie. Ensemble, comme une foule compacte et solidaire, dont émergent parfois d’étonnantes singularités, mais surtout seuls… Tous égarés, en quête de sens, de l’autre, ou tout du moins d’un chemin, ils sont enfermés dans cet endroit vide. Ils cherchent à savoir s’il y a une sortie. Une troupe atypique et émouvante, conduite comme un navire au milieu des flots et qui dessine une voie originale et d’une profonde humanité. « OH ! est une rencontre entre le rythme des mots, des corps, du son et du silence de douze acteurs et un musicien dans un pleins feux, sur un plateau que l’on dit « nu » au théâtre mais rempli par tous ces corps. Mots, corps et sons se juxtaposent en direct pour dire l’impossible, le réel et le silence. Un spectacle d’une troublante beauté au fil duquel le rire permet de dépasser l’angoisse. Et qui offre à croire encore profondément en l’humanité. » Virginie Marouzé

Créée en 2005 par Virginie Marouzé, la Cie Tout va bien ! met l’improvisation et l’écriture au plateau au centre de son processus créatif. Depuis avril 2018, la compagnie assure le volet artistique et production du DASAT (Dispositif d’Accompagnement par un Service d’Aide par le Travail) « La Mue du Lotus » qui professionnalise onze acteurs en situation de handicap mental et psychique. Elle est en partenariat avec le CAP’s de Rosières aux Salines qui en porte le volet social et l’association Espoir 54 qui apporte son accompagnement sur la partie handicap psychique.
Anthony Laguerre est musicien, compositeur, improvisateur et ingénieur du son. Il évolue dans des musiques telles que le noise, le rock mais aussi la musique improvisée. Les deux côtés du son, musicien et technicien, technicien et musicien, se rencontrent pour faire naître une seule pensée artistique qui lui permet de réaliser ses propres productions : de la conception à la réalisation.

presse : « OH ! est un spectacle dont on ressort pétri d’images fortes. Il ne s’agit pas de dire que le DASAT est un tabou, mais de prouver que les acteurs sont dans la recherche de leur singularité artistique Leur particularité est là, et ils font régulièrement chavirer le bateau, on est surpris en permanence et c’est formidable ! » Culture/Grand Est

Virginie Marouzé, que l’on connaît pour son travail avec des acteurs en situation de handicap (La passée, diffusée sur la saison 2017/2018 à Verdun) revient avec une nouvelle œuvre : une troupe atypique et émouvante, conduite comme un navire au milieu des flots et qui dessine une voie originale et d’une profonde humanité.

Un plateau nu, douze personnages ne sachant pas où aller ni quoi faire. Un treizième les invite à avancer, aller droit devant eux, droit dans le mur peut-être. Ils semblent avoir perdu tout sens de vie. Ensemble, comme une foule compacte et solidaire, dont émergent parfois d’étonnantes singularités, mais surtout seuls… Tous égarés, en quête de sens, de l’autre, ou tout du moins d’un chemin, ils sont enfermés dans cet endroit vide. Ils cherchent à savoir s’il y a une sortie. Une troupe atypique et émouvante, conduite comme un navire au milieu des flots et qui dessine une voie originale et d’une profonde humanité. « OH ! est une rencontre entre le rythme des mots, des corps, du son et du silence de douze acteurs et un musicien dans un pleins feux, sur un plateau que l’on dit « nu » au théâtre mais rempli par tous ces corps. Mots, corps et sons se juxtaposent en direct pour dire l’impossible, le réel et le silence. Un spectacle d’une troublante beauté au fil duquel le rire permet de dépasser l’angoisse. Et qui offre à croire encore profondément en l’humanité. » Virginie Marouzé

Créée en 2005 par Virginie Marouzé, la Cie Tout va bien ! met l’improvisation et l’écriture au plateau au centre de son processus créatif. Depuis avril 2018, la compagnie assure le volet artistique et production du DASAT (Dispositif d’Accompagnement par un Service d’Aide par le Travail) « La Mue du Lotus » qui professionnalise onze acteurs en situation de handicap mental et psychique. Elle est en partenariat avec le CAP’s de Rosières aux Salines qui en porte le volet social et l’association Espoir 54 qui apporte son accompagnement sur la partie handicap psychique.
Anthony Laguerre est musicien, compositeur, improvisateur et ingénieur du son. Il évolue dans des musiques telles que le noise, le rock mais aussi la musique improvisée. Les deux côtés du son, musicien et technicien, technicien et musicien, se rencontrent pour faire naître une seule pensée artistique qui lui permet de réaliser ses propres productions : de la conception à la réalisation.

presse : « OH ! est un spectacle dont on ressort pétri d’images fortes. Il ne s’agit pas de dire que le DASAT est un tabou, mais de prouver que les acteurs sont dans la recherche de leur singularité artistique Leur particularité est là, et ils font régulièrement chavirer le bateau, on est surpris en permanence et c’est formidable ! » Culture/Grand Est

Virginie Marouzé, que l’on connaît pour son travail avec des acteurs en situation de handicap (La passée, diffusée sur la saison 2017/2018 à Verdun) revient avec une nouvelle œuvre : une troupe atypique et émouvante, conduite comme un navire au milieu des flots et qui dessine une voie originale et d’une profonde humanité.

Un plateau nu, douze personnages ne sachant pas où aller ni quoi faire. Un treizième les invite à avancer, aller droit devant eux, droit dans le mur peut-être. Ils semblent avoir perdu tout sens de vie. Ensemble, comme une foule compacte et solidaire, dont émergent parfois d’étonnantes singularités, mais surtout seuls… Tous égarés, en quête de sens, de l’autre, ou tout du moins d’un chemin, ils sont enfermés dans cet endroit vide. Ils cherchent à savoir s’il y a une sortie. Une troupe atypique et émouvante, conduite comme un navire au milieu des flots et qui dessine une voie originale et d’une profonde humanité. « OH ! est une rencontre entre le rythme des mots, des corps, du son et du silence de douze acteurs et un musicien dans un pleins feux, sur un plateau que l’on dit « nu » au théâtre mais rempli par tous ces corps. Mots, corps et sons se juxtaposent en direct pour dire l’impossible, le réel et le silence. Un spectacle d’une troublante beauté au fil duquel le rire permet de dépasser l’angoisse. Et qui offre à croire encore profondément en l’humanité. » Virginie Marouzé

Créée en 2005 par Virginie Marouzé, la Cie Tout va bien ! met l’improvisation et l’écriture au plateau au centre de son processus créatif. Depuis avril 2018, la compagnie assure le volet artistique et production du DASAT (Dispositif d’Accompagnement par un Service d’Aide par le Travail) « La Mue du Lotus » qui professionnalise onze acteurs en situation de handicap mental et psychique. Elle est en partenariat avec le CAP’s de Rosières aux Salines qui en porte le volet social et l’association Espoir 54 qui apporte son accompagnement sur la partie handicap psychique.
Anthony Laguerre est musicien, compositeur, improvisateur et ingénieur du son. Il évolue dans des musiques telles que le noise, le rock mais aussi la musique improvisée. Les deux côtés du son, musicien et technicien, technicien et musicien, se rencontrent pour faire naître une seule pensée artistique qui lui permet de réaliser ses propres productions : de la conception à la réalisation.

presse : « OH ! est un spectacle dont on ressort pétri d’images fortes. Il ne s’agit pas de dire que le DASAT est un tabou, mais de prouver que les acteurs sont dans la recherche de leur singularité artistique Leur particularité est là, et ils font régulièrement chavirer le bateau, on est surpris en permanence et c’est formidable ! » Culture/Grand Est

Virginie Marouzé, que l’on connaît pour son travail avec des acteurs en situation de handicap (La passée, diffusée sur la saison 2017/2018 à Verdun) revient avec une nouvelle œuvre : une troupe atypique et émouvante, conduite comme un navire au milieu des flots et qui dessine une voie originale et d’une profonde humanité.

Un plateau nu, douze personnages ne sachant pas où aller ni quoi faire. Un treizième les invite à avancer, aller droit devant eux, droit dans le mur peut-être. Ils semblent avoir perdu tout sens de vie. Ensemble, comme une foule compacte et solidaire, dont émergent parfois d’étonnantes singularités, mais surtout seuls… Tous égarés, en quête de sens, de l’autre, ou tout du moins d’un chemin, ils sont enfermés dans cet endroit vide. Ils cherchent à savoir s’il y a une sortie. Une troupe atypique et émouvante, conduite comme un navire au milieu des flots et qui dessine une voie originale et d’une profonde humanité. « OH ! est une rencontre entre le rythme des mots, des corps, du son et du silence de douze acteurs et un musicien dans un pleins feux, sur un plateau que l’on dit « nu » au théâtre mais rempli par tous ces corps. Mots, corps et sons se juxtaposent en direct pour dire l’impossible, le réel et le silence. Un spectacle d’une troublante beauté au fil duquel le rire permet de dépasser l’angoisse. Et qui offre à croire encore profondément en l’humanité. » Virginie Marouzé

Créée en 2005 par Virginie Marouzé, la Cie Tout va bien ! met l’improvisation et l’écriture au plateau au centre de son processus créatif. Depuis avril 2018, la compagnie assure le volet artistique et production du DASAT (Dispositif d’Accompagnement par un Service d’Aide par le Travail) « La Mue du Lotus » qui professionnalise onze acteurs en situation de handicap mental et psychique. Elle est en partenariat avec le CAP’s de Rosières aux Salines qui en porte le volet social et l’association Espoir 54 qui apporte son accompagnement sur la partie handicap psychique.
Anthony Laguerre est musicien, compositeur, improvisateur et ingénieur du son. Il évolue dans des musiques telles que le noise, le rock mais aussi la musique improvisée. Les deux côtés du son, musicien et technicien, technicien et musicien, se rencontrent pour faire naître une seule pensée artistique qui lui permet de réaliser ses propres productions : de la conception à la réalisation.

presse : « OH ! est un spectacle dont on ressort pétri d’images fortes. Il ne s’agit pas de dire que le DASAT est un tabou, mais de prouver que les acteurs sont dans la recherche de leur singularité artistique Leur particularité est là, et ils font régulièrement chavirer le bateau, on est surpris en permanence et c’est formidable ! » Culture/Grand Est

Virginie Marouzé, que l’on connaît pour son travail avec des acteurs en situation de handicap (La passée, diffusée sur la saison 2017/2018 à Verdun) revient avec une nouvelle œuvre : une troupe atypique et émouvante, conduite comme un navire au milieu des flots et qui dessine une voie originale et d’une profonde humanité.

Un plateau nu, douze personnages ne sachant pas où aller ni quoi faire. Un treizième les invite à avancer, aller droit devant eux, droit dans le mur peut-être. Ils semblent avoir perdu tout sens de vie. Ensemble, comme une foule compacte et solidaire, dont émergent parfois d’étonnantes singularités, mais surtout seuls… Tous égarés, en quête de sens, de l’autre, ou tout du moins d’un chemin, ils sont enfermés dans cet endroit vide. Ils cherchent à savoir s’il y a une sortie. Une troupe atypique et émouvante, conduite comme un navire au milieu des flots et qui dessine une voie originale et d’une profonde humanité. « OH ! est une rencontre entre le rythme des mots, des corps, du son et du silence de douze acteurs et un musicien dans un pleins feux, sur un plateau que l’on dit « nu » au théâtre mais rempli par tous ces corps. Mots, corps et sons se juxtaposent en direct pour dire l’impossible, le réel et le silence. Un spectacle d’une troublante beauté au fil duquel le rire permet de dépasser l’angoisse. Et qui offre à croire encore profondément en l’humanité. » Virginie Marouzé

Créée en 2005 par Virginie Marouzé, la Cie Tout va bien ! met l’improvisation et l’écriture au plateau au centre de son processus créatif. Depuis avril 2018, la compagnie assure le volet artistique et production du DASAT (Dispositif d’Accompagnement par un Service d’Aide par le Travail) « La Mue du Lotus » qui professionnalise onze acteurs en situation de handicap mental et psychique. Elle est en partenariat avec le CAP’s de Rosières aux Salines qui en porte le volet social et l’association Espoir 54 qui apporte son accompagnement sur la partie handicap psychique.
Anthony Laguerre est musicien, compositeur, improvisateur et ingénieur du son. Il évolue dans des musiques telles que le noise, le rock mais aussi la musique improvisée. Les deux côtés du son, musicien et technicien, technicien et musicien, se rencontrent pour faire naître une seule pensée artistique qui lui permet de réaliser ses propres productions : de la conception à la réalisation.

presse : « OH ! est un spectacle dont on ressort pétri d’images fortes. Il ne s’agit pas de dire que le DASAT est un tabou, mais de prouver que les acteurs sont dans la recherche de leur singularité artistique Leur particularité est là, et ils font régulièrement chavirer le bateau, on est surpris en permanence et c’est formidable ! » Culture/Grand Est

Décrite par la presse internationale comme une « révélation, une pianiste exceptionnelle », Béatrice se produit à travers l’Europe et l’Amérique. « Avec sa sonorité ronde, ample et charpentée, Béatrice Berrut signe ainsi un des meilleurs albums lisztiens de notre époque.» Maciej Chizynski, Resmusica

Béatrice Berrut est décrite par la presse internationale comme une « révélation, une pianiste exceptionnelle » (Plain Dealer, Cleveland) qui « séduit par les différentes couches de génie et de beauté de son jeu » (Irish Times). Elle se produit à travers l’Europe et l’Amérique dans des salles prestigieuses telles la Philharmonie de Berlin, le Preston Bradley Hall de Chicago, le Wigmore Hall de Londres, la Tonhalle de Zurich, en récital ou en soliste avec des orchestres tels l’Orchestre Philharmonique de Dortmund, la Philharmonie Südwestfalen, l’Orchestre National des Pays de la Loire, l’Orchestre de la Radio Suisse Italienne, le North Czech Philharmonic… Elle se forme à la Hochschule für Musik « Hanns Eisler » de Berlin, où elle suivra durant cinq ans l’enseignement de Galina Iwanzowa, élève de Heinrich Neuhaus, et est également titulaire d’un Artist Diploma de la Royal Irish Academy of Music de Dublin, où elle s’est perfectionnée dans la classe de John O’Conor. Artiste aux multiples facettes, Béatrice Berrut s’adonne à la transcription d’oeuvres symphoniques pour le piano, et écrit sa musique, ce qui lui permet de parcourir les scènes et les festivals avec des programmes de récitals originaux et inédits. Sa discographie est louangée par la critique internationale, Fanfare Record Magazine compare ses interprétations à celles d’Horowitz et Classica parle de son album Liszt : Metanoia comme l’un des plus remarquables de ces dernières années.

presse : « Même les vibrations les plus infimes trouvent, sous les doigts de la pianiste suisse, une plénitude à leur mesure. » Jérémie Bigorie – Classica
« Dans un timing comparable à celui de Brendel (c’est-à-dire excellent), elle se jette à corps perdu dans cette fresque enflammée sans non plus tomber dans des excès de pathos. Son phrasé très naturel, lyrique, ample, sa façon d’unifier les divers épisodes en font une lecture organique. » Julian Sykes – Le Temps

La compagnie Max et Maurice est déjà bien connue à Transversales, notamment pour leur spectacle Les Grands Fourneaux qui avait remporté un franc succès lors de leur précédente résidence à d’Evres-en-Argonne. Un retour attendu avec cette création enthousiasmante.

De A à Zèbre, c’est 26 lettres qui s’enchaînent ; 26 respirations pour se faire plaisir, pour rire, pour sourire, chanter, danser, poétiser librement sans aucune contrainte, laisser divaguer son esprit au gré des vents ; 26 signes comme une galerie de portraits avec des petits et des grands cadres, des portraits sombres, des portraits clairs, des qu’on préfère, d’autres qu’on trouve moches. 26 caractères pour montrer, s’il est encore besoin, que nous sommes multiples dans nos choix, qu’il n’y a pas une vérité, une direction. De A à Zèbre, un abécédaire absurde, libertaire et joyeux. « A longueur de temps, nous croulons sous les mots, qu’ils soient écrits, parlés, nous les lisons, les entendons. Ces assemblages de lettres font tellement partie de notre quotidien, comme l’air que nous respirons, que nous n’y faisons même plus attention. Et pourtant, imaginez une société sans mots, cela ne se peut pas. Rendons donc grâce à ces petits trucs qui nous paraissent insignifiants et qui sont pourtant essentiels à la communauté. » Emmanuel Gilleron

La Cie Max et Maurice a 30 ans. Quelque 900 représentations sous chapiteau en 20 ans de tournée sous toile, cela commence à faire. On pourrait au moins les décorer de l’ordre de la pince et de la masse. Cela a commencé par un duo, puis un trio, puis une équipe qui évolue au gré des projets mais qui garde un bon noyau, si tant est qu’il y en ait des mauvais. Encore une médaille en perspective : celle de la fidélité.

presse : « Les morceaux de bravoure, au trapèze, au fil de fer ou au jonglage, alternent avec des pauses plus poétiques, avec des morceaux chantés et burlesques un petit bijou d’inventivité. Bref, cela fonctionne très bien, petits et grands s’y retrouveront. » Ouest France
« C’est vif, joyeux, enlevé. Les artistes passent sans cesse de la piste à l’orchestre, car tous sont musiciens et poussent la chansonnette. » Les Echos

La compagnie Max et Maurice est déjà bien connue à Transversales, notamment pour leur spectacle Les Grands Fourneaux qui avait remporté un franc succès lors de leur précédente résidence à d’Evres-en-Argonne. Un retour attendu avec cette création enthousiasmante.

De A à Zèbre, c’est 26 lettres qui s’enchaînent ; 26 respirations pour se faire plaisir, pour rire, pour sourire, chanter, danser, poétiser librement sans aucune contrainte, laisser divaguer son esprit au gré des vents ; 26 signes comme une galerie de portraits avec des petits et des grands cadres, des portraits sombres, des portraits clairs, des qu’on préfère, d’autres qu’on trouve moches. 26 caractères pour montrer, s’il est encore besoin, que nous sommes multiples dans nos choix, qu’il n’y a pas une vérité, une direction. De A à Zèbre, un abécédaire absurde, libertaire et joyeux. « A longueur de temps, nous croulons sous les mots, qu’ils soient écrits, parlés, nous les lisons, les entendons. Ces assemblages de lettres font tellement partie de notre quotidien, comme l’air que nous respirons, que nous n’y faisons même plus attention. Et pourtant, imaginez une société sans mots, cela ne se peut pas. Rendons donc grâce à ces petits trucs qui nous paraissent insignifiants et qui sont pourtant essentiels à la communauté. » Emmanuel Gilleron

La Cie Max et Maurice a 30 ans. Quelque 900 représentations sous chapiteau en 20 ans de tournée sous toile, cela commence à faire. On pourrait au moins les décorer de l’ordre de la pince et de la masse. Cela a commencé par un duo, puis un trio, puis une équipe qui évolue au gré des projets mais qui garde un bon noyau, si tant est qu’il y en ait des mauvais. Encore une médaille en perspective : celle de la fidélité.

presse : « Les morceaux de bravoure, au trapèze, au fil de fer ou au jonglage, alternent avec des pauses plus poétiques, avec des morceaux chantés et burlesques un petit bijou d’inventivité. Bref, cela fonctionne très bien, petits et grands s’y retrouveront. » Ouest France
« C’est vif, joyeux, enlevé. Les artistes passent sans cesse de la piste à l’orchestre, car tous sont musiciens et poussent la chansonnette. » Les Echos

La compagnie Max et Maurice est déjà bien connue à Transversales, notamment pour leur spectacle Les Grands Fourneaux qui avait remporté un franc succès lors de leur précédente résidence à d’Evres-en-Argonne. Un retour attendu avec cette création enthousiasmante.

De A à Zèbre, c’est 26 lettres qui s’enchaînent ; 26 respirations pour se faire plaisir, pour rire, pour sourire, chanter, danser, poétiser librement sans aucune contrainte, laisser divaguer son esprit au gré des vents ; 26 signes comme une galerie de portraits avec des petits et des grands cadres, des portraits sombres, des portraits clairs, des qu’on préfère, d’autres qu’on trouve moches. 26 caractères pour montrer, s’il est encore besoin, que nous sommes multiples dans nos choix, qu’il n’y a pas une vérité, une direction. De A à Zèbre, un abécédaire absurde, libertaire et joyeux. « A longueur de temps, nous croulons sous les mots, qu’ils soient écrits, parlés, nous les lisons, les entendons. Ces assemblages de lettres font tellement partie de notre quotidien, comme l’air que nous respirons, que nous n’y faisons même plus attention. Et pourtant, imaginez une société sans mots, cela ne se peut pas. Rendons donc grâce à ces petits trucs qui nous paraissent insignifiants et qui sont pourtant essentiels à la communauté. » Emmanuel Gilleron

La Cie Max et Maurice a 30 ans. Quelque 900 représentations sous chapiteau en 20 ans de tournée sous toile, cela commence à faire. On pourrait au moins les décorer de l’ordre de la pince et de la masse. Cela a commencé par un duo, puis un trio, puis une équipe qui évolue au gré des projets mais qui garde un bon noyau, si tant est qu’il y en ait des mauvais. Encore une médaille en perspective : celle de la fidélité.

presse : « Les morceaux de bravoure, au trapèze, au fil de fer ou au jonglage, alternent avec des pauses plus poétiques, avec des morceaux chantés et burlesques un petit bijou d’inventivité. Bref, cela fonctionne très bien, petits et grands s’y retrouveront. » Ouest France
« C’est vif, joyeux, enlevé. Les artistes passent sans cesse de la piste à l’orchestre, car tous sont musiciens et poussent la chansonnette. » Les Echos

La célèbre compagnie Akoreacro défend, depuis 10 ans, un cirque populaire, nouveau, et de grande qualité acrobatique. Viscéral et généreux, ce collectif d’artistes revendique un langage unique entre musique et acrobatie. Le spectacle « ne laisse pas une minute de répit : alternant prouesses impressionnantes et humour décalé » (Le soir)

Dans ton coeur est le premier spectacle du metteur en scène Pierre Guillois au sein de la compagnie. Ce maître-ès-dérision invente à cette occasion un langage commun entre l’écriture et l’acrobatie. À partir du quotidien d’un couple surgissent des situations banales qui dérapent et donnent naissance à de folles acrobaties. Les artistes d’Akoreacro entrelacent les gestes familiers aux pirouettes les plus incroyables et subliment les petits riens en prouesses de plus en plus dingues. L’électroménager s’en mêle, tandis que les corps s’envolent avec grâce au milieu de ce charivari acrobatique et musical.
« Les acrobaties riment parfois avec caresses, d’autres fois avec torgnoles. Les artistes qui volent sous le chapiteau planent par instant, s’entrechoquent peu après. Les mastards tout en muscle réceptionnent en douceur ou éjectent brutalement les corps légers qui leur sont confiés. Tel est le cirque. Le rire s’empare du chapiteau devenu fou à force d’amour enflammé et de ruptures sanglantes, sous l’envoûtante musique mi-ange mi-diable qui accompagne cette fresque enchantée de nos petites turpitudes. » Pierre Guillois

presse : « Résolument familial, Dans ton coeur ne vous laisse pas une minute de répit, alternant prouesses impressionnantes et moments plus décalés. Rarement a-t-on vu un spectacle de cirque se dépenser avec autant d’énergie. La performance acrobatique et les corps sculpturaux se mettent au service d’une fable comique et parodique sur le bonheur conjugal. » Catherine Makereel – Le soir Wallonie

La célèbre compagnie Akoreacro défend, depuis 10 ans, un cirque populaire, nouveau, et de grande qualité acrobatique. Viscéral et généreux, ce collectif d’artistes revendique un langage unique entre musique et acrobatie. Le spectacle « ne laisse pas une minute de répit : alternant prouesses impressionnantes et humour décalé » (Le soir)

Dans ton coeur est le premier spectacle du metteur en scène Pierre Guillois au sein de la compagnie. Ce maître-ès-dérision invente à cette occasion un langage commun entre l’écriture et l’acrobatie. À partir du quotidien d’un couple surgissent des situations banales qui dérapent et donnent naissance à de folles acrobaties. Les artistes d’Akoreacro entrelacent les gestes familiers aux pirouettes les plus incroyables et subliment les petits riens en prouesses de plus en plus dingues. L’électroménager s’en mêle, tandis que les corps s’envolent avec grâce au milieu de ce charivari acrobatique et musical.
« Les acrobaties riment parfois avec caresses, d’autres fois avec torgnoles. Les artistes qui volent sous le chapiteau planent par instant, s’entrechoquent peu après. Les mastards tout en muscle réceptionnent en douceur ou éjectent brutalement les corps légers qui leur sont confiés. Tel est le cirque. Le rire s’empare du chapiteau devenu fou à force d’amour enflammé et de ruptures sanglantes, sous l’envoûtante musique mi-ange mi-diable qui accompagne cette fresque enchantée de nos petites turpitudes. » Pierre Guillois

presse : « Résolument familial, Dans ton coeur ne vous laisse pas une minute de répit, alternant prouesses impressionnantes et moments plus décalés. Rarement a-t-on vu un spectacle de cirque se dépenser avec autant d’énergie. La performance acrobatique et les corps sculpturaux se mettent au service d’une fable comique et parodique sur le bonheur conjugal. » Catherine Makereel – Le soir Wallonie

La célèbre compagnie Akoreacro défend, depuis 10 ans, un cirque populaire, nouveau, et de grande qualité acrobatique. Viscéral et généreux, ce collectif d’artistes revendique un langage unique entre musique et acrobatie. Le spectacle « ne laisse pas une minute de répit : alternant prouesses impressionnantes et humour décalé » (Le soir)

Dans ton coeur est le premier spectacle du metteur en scène Pierre Guillois au sein de la compagnie. Ce maître-ès-dérision invente à cette occasion un langage commun entre l’écriture et l’acrobatie. À partir du quotidien d’un couple surgissent des situations banales qui dérapent et donnent naissance à de folles acrobaties. Les artistes d’Akoreacro entrelacent les gestes familiers aux pirouettes les plus incroyables et subliment les petits riens en prouesses de plus en plus dingues. L’électroménager s’en mêle, tandis que les corps s’envolent avec grâce au milieu de ce charivari acrobatique et musical.
« Les acrobaties riment parfois avec caresses, d’autres fois avec torgnoles. Les artistes qui volent sous le chapiteau planent par instant, s’entrechoquent peu après. Les mastards tout en muscle réceptionnent en douceur ou éjectent brutalement les corps légers qui leur sont confiés. Tel est le cirque. Le rire s’empare du chapiteau devenu fou à force d’amour enflammé et de ruptures sanglantes, sous l’envoûtante musique mi-ange mi-diable qui accompagne cette fresque enchantée de nos petites turpitudes. » Pierre Guillois

presse : « Résolument familial, Dans ton coeur ne vous laisse pas une minute de répit, alternant prouesses impressionnantes et moments plus décalés. Rarement a-t-on vu un spectacle de cirque se dépenser avec autant d’énergie. La performance acrobatique et les corps sculpturaux se mettent au service d’une fable comique et parodique sur le bonheur conjugal. » Catherine Makereel – Le soir Wallonie

La célèbre compagnie Akoreacro défend, depuis 10 ans, un cirque populaire, nouveau, et de grande qualité acrobatique. Viscéral et généreux, ce collectif d’artistes revendique un langage unique entre musique et acrobatie. Le spectacle « ne laisse pas une minute de répit : alternant prouesses impressionnantes et humour décalé » (Le soir)

Dans ton coeur est le premier spectacle du metteur en scène Pierre Guillois au sein de la compagnie. Ce maître-ès-dérision invente à cette occasion un langage commun entre l’écriture et l’acrobatie. À partir du quotidien d’un couple surgissent des situations banales qui dérapent et donnent naissance à de folles acrobaties. Les artistes d’Akoreacro entrelacent les gestes familiers aux pirouettes les plus incroyables et subliment les petits riens en prouesses de plus en plus dingues. L’électroménager s’en mêle, tandis que les corps s’envolent avec grâce au milieu de ce charivari acrobatique et musical.
« Les acrobaties riment parfois avec caresses, d’autres fois avec torgnoles. Les artistes qui volent sous le chapiteau planent par instant, s’entrechoquent peu après. Les mastards tout en muscle réceptionnent en douceur ou éjectent brutalement les corps légers qui leur sont confiés. Tel est le cirque. Le rire s’empare du chapiteau devenu fou à force d’amour enflammé et de ruptures sanglantes, sous l’envoûtante musique mi-ange mi-diable qui accompagne cette fresque enchantée de nos petites turpitudes. » Pierre Guillois

presse : « Résolument familial, Dans ton coeur ne vous laisse pas une minute de répit, alternant prouesses impressionnantes et moments plus décalés. Rarement a-t-on vu un spectacle de cirque se dépenser avec autant d’énergie. La performance acrobatique et les corps sculpturaux se mettent au service d’une fable comique et parodique sur le bonheur conjugal. » Catherine Makereel – Le soir Wallonie

Imaginé pour les très jeunes spectateurs, Le Petit Bain est une création à partir d’une matière à la fois concrète et qui peut devenir une abstraction, un terrain de jeu pour l’imaginaire : la mousse de bain.

C’est un homme qui prend son bain. Non, c’est un danseur qui sculpte des nuages. Non, c’est plutôt un nuage qui prend dans ses bras un danseur. Non, c’est plutôt un homme qui crée des paysages pour mieux y disparaître. Non, c’est encore autre chose. « J’ai imaginé une pièce visuelle, sans texte, à partir d’une matière et d’un corps en mouvement. L’écriture de ce spectacle est donc intuitive, reliée à la matière (et aux variables de la matière), aux mouvements et à l’espace. C’est une expérimentation que je souhaite proposer aux spectateurs en deux temps : le temps de la représentation, puis le temps après la représentation. Ce spectacle permettra, je l’espère, de créer un dialogue entre l’adulte et l’enfant, entre les mots et les souvenirs du spectacle, à l’âge où l’on raconte des histoires aux petits après le bain.» Johanny Bert

Créateur engagé dans un dialogue avec le spectateur, Johanny Bert travaille souvent sur des temps de rencontres, de formations, de laboratoires ouverts en collaboration avec d’autres artistes. En 2004, il crée son deuxième spectacle Les Pieds dans les nuages, en partenariat avec La Comédie de Clermont-Ferrand – scène nationale à laquelle il sera associé de 2016 à 2018. En 2012, il est à la direction du Centre Dramatique National de Montluçon, qu’il quitte quatre ans après pour fonder sa compagnie, le Théâtre de Romette à Clermont-Ferrand. Ses créations sont régulièrement produites en collaboration avec différentes structures (Les Célestins à Lyon, Théâtre du Préau – Centre Dramatique National de Normandie, La Coursive Scène Nationale de La Rochelle…).

presse : « Au-delà de la magie technique, la matière passe d’une réalité concrète, familière, à un « terrain de jeu pour l’imaginaire » pour les petits spectateurs. Avec la complicité de Yann Raballant, l’expression artistique passe par le geste, le sensible, la beauté graphique et musicale. » Télérama TT