Accueil

Depuis la fermeture du théâtre, la programmation de Transversales a investi les murs de  l’église Jeanne d’Arc. Cette fois-ci, avec l’aide de Rémi Luchez, c’est tout le quartier de la  Cité Verte qui sera le cadre d’une création unique et éphémère. Après une semaine de  recherches au sein du quartier, et en lien avec ses habitants, Rémi Luchez mettra en  spectacle les lieux au cours d’une balade spectacle. Un moyen de (re)découvrir la Cité   Verte sous un nouveau regard.

Apéritif dinatoire préparé par le Centre social de la Cité Verte et offert par Transversales après le spectacle.

Organisé par Transversales, avec la participation du Centre social de la Cité Verte, dans le cadre de la politique de la Ville.

Diplômé du Centre National des Arts du Cirque de Châlons-en-Champagne en 2005, Rémi  Luchez est spécialisé en fil souple. Il a tourné pendant deux ans avec Toto Lacaille, création collective de la 17ème promotion du CNAC. En 2008, il est lauréat Jeunes Talents Cirque Europe pour le projet Miettes qu’il crée sous le regard de Pierre Déaux. Ce solo est créé en janvier 2009 et a joué près de 200 fois. En 2010, il réalise une tournée à vélo avec Miettes. En 2011, Rémi Luchez crée Nichons là avec Olivier Debelhoir. Spectacle sous chapiteau pour lequel il travaille une nouvelle spécialité d’objet en équilibre sur sa tête. En parallèle à son art de l’équilibre, Rémi Luchez mène depuis plusieurs années un travail de matières en sculptant le bois calciné, le métal, le verre, la porcelaine… En 2017, il souhaite croiser ces domaines. Il imagine un nouveau projet de création entre installation plastique et performance vivante pour l’espace public, Sec.

« Avec son pull troué, son visage maculé et son air ahuri, il a l’air de sortir d’un terrier ou d’une cave à charbon. Entre deux arbres, l’échassier pose ses piquets, déroule une mince bobine de fil de fer, joue de la pince. Avant de se cramponner à son perchoir avec une obstination presque imbécile. Accroupi, de dos, les deux pieds bien à l’écart, il fait surgir de belles images, en semblant se chauffer les mains au-dessus du vide… Plus tard, se sentant peut-être menacé, il réduira lui-même son espace à coup de serres. » Télérama

Organisé par Transversales, avec la participation du Centre social de la Cité Verte, dans le cadre de la politique de la Ville.

Diplômé du Centre National des Arts du Cirque de Châlons-en-Champagne en 2005, Rémi Luchez est spécialisé en fil souple. Il a tourné pendant deux ans avec Toto Lacaille, création collective de la 17ème promotion du CNAC. En 2008, il est lauréat Jeunes Talents Cirque Europe pour le projet Miettes qu’il crée sous le regard de Pierre Déaux. Ce solo est créé en janvier 2009 et a joué près de 200 fois. En 2010, il réalise une tournée à vélo avec Miettes. En 2011, Rémi Luchez crée Nichons là avec Olivier Debelhoir. Spectacle sous chapiteau pour lequel il travaille une nouvelle spécialité d’objet en équilibre sur sa tête. En parallèle à son art de l’équilibre, Rémi Luchez mène depuis plusieurs années un travail de matières en sculptant le bois calciné, le métal, le verre, la porcelaine… En 2017, il souhaite croiser ces domaines. Il imagine un nouveau projet de création entre installation plastique et  performance vivante pour l’espace public, Sec.

presse : « Un fil pas vraiment tendu et le début d’une épopée minimaliste durant laquelle Rémi Luchez ne cessera de bousculer en douceur notre vision de l’assurance et de  l’équilibre. » La Marseillaise

Après le formidable Cirque Poussière, (à Verdun en 2016), Julien Candy nous revient dans un nouveau solo, sorte de « Maxi Best Of » de ses pratiques.

Onze ans après la création de son solo Le Cirque Précaire et trois ans après celle du Cirque Poussière, Julien Candy poursuit sa trajectoire artistique, musicale, théâtrale et circassienne à travers ce nouveau spectacle. Il invite le public à prendre part dans cette création, un cirque musical, un voyage ludique et émouvant mais aussi incertain, unique et éphémère qui questionne l’art et la culture à travers le temps. Dans cette volonté d’interroger nos rapports au beau, à l’art, c’est un reflet de notre société qu’il dépeint.

« Ce spectacle naît du désir pressant de rendre compte de la perception de mon métier sur les dix dernières années, celle du cadre dans lequel celui-ci s’exprime (le milieu culturel) et finalement celle du monde dans lequel nous vivons : une histoire de la culture aujourd’hui dans une société capitaliste. Aujourd’hui, tout cela me donne envie d’en faire un   spectacle. » Julien Candy

Poète et virtuose, Julien Candy apprend le jonglage à cinq balles et le bilboquet, et ce après une éducation musicale en classe de violoncelle et contrebasse. Après une fulgurante mais néanmoins brillante carrière de chanteur lyrique, il poursuit son cursus théâtral à Paris auprès de l’école internationale Jacques Lecoq et à la Scuola Kiklos de Padoue en Italie. Après avoir fait ses armes en théâtre, il se tourne vers le cirque et crée en 2006 la Compagnie La Faux Populaire Le Mort aux Dents.
« Créée en 2006, la Compagnie la Faux Populaire est une compagnie étiquetée « de cirque » ; mais on peut y trouver des pelures de théâtre, des rognures de musiques, des éclats de danse et autres fruits à coques. » La Faux populaire
Les quatre spectacles de la compagnie sont des succès, ils cumulent chacun plus de 100 représentations. La compagnie a effectué en 2017, une résidence longue durée à Pierrefitte-sur-Aire, avec Transversales et l’association Au fil de l’Aire, pour la création de ce spectacle.

Après le formidable Cirque Poussière, (à Verdun en 2016), Julien Candy nous revient dans un nouveau solo, sorte de « Maxi Best Of » de ses pratiques.

Onze ans après la création de son solo Le Cirque Précaire et trois ans après celle du Cirque Poussière, Julien Candy poursuit sa trajectoire artistique, musicale, théâtrale et circassienne à travers ce nouveau spectacle. Il invite le public à prendre part dans cette création, un cirque musical, un voyage ludique et émouvant mais aussi incertain, unique et éphémère qui questionne l’art et la culture à travers le temps. Dans cette volonté d’interroger nos rapports au beau, à l’art, c’est un reflet de notre société qu’il dépeint.

« Ce spectacle naît du désir pressant de rendre compte de la perception de mon métier sur les dix dernières années, celle du cadre dans lequel celui-ci s’exprime (le milieu culturel) et finalement celle du monde dans lequel nous vivons : une histoire de la culture aujourd’hui dans une société capitaliste. Aujourd’hui, tout cela me donne envie d’en faire un   spectacle. » Julien Candy

Poète et virtuose, Julien Candy apprend le jonglage à cinq balles et le bilboquet, et ce après une éducation musicale en classe de violoncelle et contrebasse. Après une fulgurante mais néanmoins brillante carrière de chanteur lyrique, il poursuit son cursus théâtral à Paris auprès de l’école internationale Jacques Lecoq et à la Scuola Kiklos de Padoue en Italie. Après avoir fait ses armes en théâtre, il se tourne vers le cirque et crée en 2006 la Compagnie La Faux Populaire Le Mort aux Dents.
« Créée en 2006, la Compagnie la Faux Populaire est une compagnie étiquetée « de cirque » ; mais on peut y trouver des pelures de théâtre, des rognures de musiques, des éclats de danse et autres fruits à coques. » La Faux populaire
Les quatre spectacles de la compagnie sont des succès, ils cumulent chacun plus de 100 représentations. La compagnie a effectué en 2017, une résidence longue durée à Pierrefitte-sur-Aire, avec Transversales et l’association Au fil de l’Aire, pour la création de ce spectacle.

Après le formidable Cirque Poussière, (à Verdun en 2016), Julien Candy nous revient dans un nouveau solo, sorte de « Maxi Best Of » de ses pratiques.

Onze ans après la création de son solo Le Cirque Précaire et trois ans après celle du Cirque Poussière, Julien Candy poursuit sa trajectoire artistique, musicale, théâtrale et circassienne à travers ce nouveau spectacle. Il invite le public à prendre part dans cette création, un cirque musical, un voyage ludique et émouvant mais aussi incertain, unique et éphémère qui questionne l’art et la culture à travers le temps. Dans cette volonté d’interroger nos rapports au beau, à l’art, c’est un reflet de notre société qu’il dépeint.

« Ce spectacle naît du désir pressant de rendre compte de la perception de mon métier sur les dix dernières années, celle du cadre dans lequel celui-ci s’exprime (le milieu culturel) et finalement celle du monde dans lequel nous vivons : une histoire de la culture aujourd’hui dans une société capitaliste. Aujourd’hui, tout cela me donne envie d’en faire un   spectacle. » Julien Candy

Poète et virtuose, Julien Candy apprend le jonglage à cinq balles et le bilboquet, et ce après une éducation musicale en classe de violoncelle et contrebasse. Après une fulgurante mais néanmoins brillante carrière de chanteur lyrique, il poursuit son cursus théâtral à Paris auprès de l’école internationale Jacques Lecoq et à la Scuola Kiklos de Padoue en Italie. Après avoir fait ses armes en théâtre, il se tourne vers le cirque et crée en 2006 la Compagnie La Faux Populaire Le Mort aux Dents.
« Créée en 2006, la Compagnie la Faux Populaire est une compagnie étiquetée « de cirque » ; mais on peut y trouver des pelures de théâtre, des rognures de musiques, des éclats de danse et autres fruits à coques. » La Faux populaire
Les quatre spectacles de la compagnie sont des succès, ils cumulent chacun plus de 100 représentations. La compagnie a effectué en 2017, une résidence longue durée à Pierrefitte-sur-Aire, avec Transversales et l’association Au fil de l’Aire, pour la création de ce spectacle.

Après le formidable Cirque Poussière, (à Verdun en 2016), Julien Candy nous revient dans un nouveau solo, sorte de « Maxi Best Of » de ses pratiques.

Onze ans après la création de son solo Le Cirque Précaire et trois ans après celle du Cirque Poussière, Julien Candy poursuit sa trajectoire artistique, musicale, théâtrale et circassienne à travers ce nouveau spectacle. Il invite le public à prendre part dans cette création, un cirque musical, un voyage ludique et émouvant mais aussi incertain, unique et éphémère qui questionne l’art et la culture à travers le temps. Dans cette volonté d’interroger nos rapports au beau, à l’art, c’est un reflet de notre société qu’il dépeint.

« Ce spectacle naît du désir pressant de rendre compte de la perception de mon métier sur les dix dernières années, celle du cadre dans lequel celui-ci s’exprime (le milieu culturel) et finalement celle du monde dans lequel nous vivons : une histoire de la culture aujourd’hui dans une société capitaliste. Aujourd’hui, tout cela me donne envie d’en faire un   spectacle. » Julien Candy

Poète et virtuose, Julien Candy apprend le jonglage à cinq balles et le bilboquet, et ce après une éducation musicale en classe de violoncelle et contrebasse. Après une fulgurante mais néanmoins brillante carrière de chanteur lyrique, il poursuit son cursus théâtral à Paris auprès de l’école internationale Jacques Lecoq et à la Scuola Kiklos de Padoue en Italie. Après avoir fait ses armes en théâtre, il se tourne vers le cirque et crée en 2006 la Compagnie La Faux Populaire Le Mort aux Dents.
« Créée en 2006, la Compagnie la Faux Populaire est une compagnie étiquetée « de cirque » ; mais on peut y trouver des pelures de théâtre, des rognures de musiques, des éclats de danse et autres fruits à coques. » La Faux populaire
Les quatre spectacles de la compagnie sont des succès, ils cumulent chacun plus de 100 représentations. La compagnie a effectué en 2017, une résidence longue durée à Pierrefitte-sur-Aire, avec Transversales et l’association Au fil de l’Aire, pour la création de ce spectacle.

Après le formidable Cirque Poussière, (à Verdun en 2016), Julien Candy nous revient dans un nouveau solo, sorte de « Maxi Best Of » de ses pratiques.

Onze ans après la création de son solo Le Cirque Précaire et trois ans après celle du Cirque Poussière, Julien Candy poursuit sa trajectoire artistique, musicale, théâtrale et circassienne à travers ce nouveau spectacle. Il invite le public à prendre part dans cette création, un cirque musical, un voyage ludique et émouvant mais aussi incertain, unique et éphémère qui questionne l’art et la culture à travers le temps. Dans cette volonté d’interroger nos rapports au beau, à l’art, c’est un reflet de notre société qu’il dépeint.

« Ce spectacle naît du désir pressant de rendre compte de la perception de mon métier sur les dix dernières années, celle du cadre dans lequel celui-ci s’exprime (le milieu culturel) et finalement celle du monde dans lequel nous vivons : une histoire de la culture aujourd’hui dans une société capitaliste. Aujourd’hui, tout cela me donne envie d’en faire un   spectacle. » Julien Candy

Poète et virtuose, Julien Candy apprend le jonglage à cinq balles et le bilboquet, et ce après une éducation musicale en classe de violoncelle et contrebasse. Après une fulgurante mais néanmoins brillante carrière de chanteur lyrique, il poursuit son cursus théâtral à Paris auprès de l’école internationale Jacques Lecoq et à la Scuola Kiklos de Padoue en Italie. Après avoir fait ses armes en théâtre, il se tourne vers le cirque et crée en 2006 la Compagnie La Faux Populaire Le Mort aux Dents.
« Créée en 2006, la Compagnie la Faux Populaire est une compagnie étiquetée « de cirque » ; mais on peut y trouver des pelures de théâtre, des rognures de musiques, des éclats de danse et autres fruits à coques. » La Faux populaire
Les quatre spectacles de la compagnie sont des succès, ils cumulent chacun plus de 100 représentations. La compagnie a effectué en 2017, une résidence longue durée à Pierrefitte-sur-Aire, avec Transversales et l’association Au fil de l’Aire, pour la création de ce spectacle.

Bach : Suite française en sol majeur
Extrait de l’ Art de la Fugue
Marchand : Suite en ré mineur
Couperin : Pièces choisies

Jean Luc Ho a étudié la musique pendant plus de quinze ans. Il se produit aujourd’hui en concert au clavecin, à l’orgue, au clavicorde et en ensemble. Il consacre ses premiers enregistrements en solo à Bach, Couperin, Sweelinck, Byrd (choix de France Musique, Diapason découverte, 5 diapasons, Choc Classica). Organiste de St Germain des Prés à Paris de 2006 à 2016, il est l’un des fondateurs de «L’art de la Fugue», oeuvrant à la restauration, l’installation et la valorisation d’un orgue historique castillan de 1768 en l’église de Fresnes (94). Soutenu par la fondation Royaumont, il enregistre les Partitas
de Bach en 2015 et y fonde son ensemble en résidence à partir de 2017. Musicien associé au Festival Bach en Combrailles de 2017 à 2019, il explore grâce aux particularités de l’orgue de Pontaumur la musique germanique du début du XVIIIe et s’y produira en concert avec des oeuvres majeures de Bach telles que l’Art de la Fugue, les Variations Goldberg…
Jean-Luc Ho réunit Bach et Couperin, soulignant la parenté esthétique qui unit les deux compositeurs. Laissons-nous guider par Jean-Luc Ho dans l’univers des deux compositeurs qui vont, chacun à leur manière, profondément renouveler l’écriture du clavecin.

presse : « Il figure désormais parmi les maîtres du clavecin. Et surtout son jeu ne verse jamais dans la démonstration ni la recherche d’effet. Aussi personnelle qu’attachante, cette interprétation enrichit une discographie qui compte pourtant les réussites de Leonhardt, Staier et Alard. » Classica
« La France compte la jeune génération de clavecinistes la plus dynamique et la plus douée du moment. Jean-Luc Ho en est une preuve flagrante ». Le Monde

N’êtes-vous jamais entrés dans un accélérateur de particules ? La compagnie Kiaï vous en donne un aperçu. Aux quatre coins d’un ring de boxe, s’animent progressivement les quatre acrobates. Petit à petit, ils vont devenir des particules qui vont se rencontrer, s’unir, entrer en collision. Au fil des rounds, les disciplines circassiennes s’affrontent : acrobaties, roue Cyr, roue allemande ou encore du trampoline, agrémentées par quelques pas de capoeira ou de hip hop . Ring est un spectacle puissant et poétique qui ouvre l’imaginaire à partir de la forme du cercle. Les corps se déploient dans toutes les dimensions quand la scénographie devient agrès. Le ring bascule en une roue Cyr vertigineuse, des trampolines
circulaires apparaissent et l’acrobatie prend son envol. Le mouvement se transmet d’un corps à l’autre dans une chorégraphie millimétrée où la création musicale donne le tempo ; les sons du plateau sont amplifiés et mixés dans une ambiance électro. Au rythme des rounds, comme autant de figures d’un combat quotidien que chacun se livre à lui-même
pour exister avec les autres, les artistes diffusent une incroyable énergie vitale aussi éphémère que rayonnante.

La Cie Kiaï, déjà présente en mai dernier à Verdun pour des actions dans les quartiers, revient avec sa dernière création.

Cyrille Musy et la Compagnie Kiaï : Le Kiaï désigne un cri utilisé dans les arts martiaux pour réunir l’énergie du corps et de l’esprit. Un souffle de vie essentiel que développe depuis 15 ans Cyrille Musy. Très tôt, il se passionne pour les arts martiaux, l’acrobatie, le trampoline et la danse hip-hop. Autant de disciplines explosives au service d’une esthétique fusionnant danse et cirque. Formé au CNAC, il est l’un des membres fondateurs du Collectif AOC. Il travaille également pour les chorégraphes Philippe Decouflé, Kader Attou,  Sébastien Lefrançois et Mathurin Bolze. En 2013, il fonde la compagnie Kiaï, crée les Performances Artistiques Tout Terrain, et poursuit sa collaboration avec Sylvain Décure pour les créations de Off, Cri et Ring.
La compagnie sera en résidence pendant deux ans à Verdun dans le cadre d’un dispositif de la région Grand Est et sera artiste associée de Transversales.

En 2010, l’arrivée à la Nouvelle-Orléans d’une jeune violoncelliste noire qui jouait des suites de Bach créa la sensation. Leyla McCalla fut remarquée par Tim Duffy. Il invita la jeune femme à rejoindre son équipe et elle participa à l’album Leaving Eden des Caroline Chocolate Drops. Leyla McCalla joue du violoncelle d’une façon très personnelle pour accompagner des titres folky mais est aussi à l’aise pour jouer un blues à la guitare ou une vieille chanson créole au banjo. Elle a étudié le violoncelle depuis sa tendre enfance et, avec ses parents, elle a passé deux ans au Ghana durant son adolescence. De retour aux États-Unis, elle a étudié la musique de chambre à New-York University et, dès 2008, elle a accompagné le hip hoppeur Mos Def à Carnegie Hall. Leyla McCalla chante en français, haïtien, créole et anglais. Profondément influencée par les musiques traditionnelles créoles, cajuns et haïtiennes mais aussi par le jazz et le folk américain, sa musique est à la fois profonde, élégante, expressive et spirituelle. Son premier album a été nommé album de l’année 2013 par le London Sunday Times et le Songlines magazine et a reçu de nombreuses autres nominations. Avec cet album, elle a donné des concerts à travers les États-Unis, l’Europe et en Israël.

presse : « Chanteuse au grain velouté… ses chansons font vibrer une autre corde panafricaine » Télérama fff
« Doux et grave à la fois, sensuel, rayonnant comme le printemps, ce mariage-là est un des plus jolis disques de la saison » L’Obs
« Des morceaux traditionnels, des compositions originales, le tout avec la patte naturelle et puissante de Leyla McCalla » Jazz radio

Tríptico c’est la rencontre entre le groupe vocal du Val de Meuse et le groupe vocal et instrumental péruvien Musocc Illary. Cette œuvre de Kato Rodriguez reflète l’histoire et la culture péruvienne. Le premier tableau s’ouvre sur la côte péruvienne avec une musique criolla d’influence hispanique. Le deuxième tableau à la musique rythmée afro-péruvienne puise ses racines dans le métissage des esclaves africains et amérindiens. Le troisième tableau transporte dans la cordillère des Andes, berceau de civilisations ancestrales avec ses yaravi, huano.

Mussocc Illary (« le renouveau » en langue quéchua) a été créé à Arequipa au Pérou en 1979. Cinq jeunes musiciens décident de former un groupe vocal et instrumental pour
promouvoir la richesse du folklore populaire de l’Amérique latine. Le groupe s’installe en France en 1993 et poursuit son travail de création en composant des œuvres instrumentales inspirées de la musique populaire et folklorique de tout le continent latino-américain. En 1996, Kato Rodriguez met en musique une cantate péruvienne de Celso Garrido Lecca, « Kuntur Wachana » que Musocc Illary donnera lors de nombreux concerts dans toute la France et pendant une tournée au Pérou et en Bolivie. En 2000, Kato Rodriguez compose la « Misa Andina », une mes se péruvienne dans laquelle les textes liturgiques sont accompagnés par des instruments traditionnels. Depuis, Musocc Illary multiplie les prestations en France, au Pérou, dans d’autres pays d’Amérique latine et également au Japon. C’est au cours de la saison 2016/2017 que les deux ensembles se sont rencontrés pour interpréter deux fois « Misa Andina » en Meuse et ont rencontré un grand succès.

Le groupe vocal du Val de Meuse, dirigé par Catherine Geniale, est composé de vingt choristes amateurs qui se réunissent depuis une dizaine d’année. Le groupe est animé par l’envie de chanter un répertoire essentiellement de musique sacrée et s’ouvre progressivement sur d’autres cultures. L’ensemble a déjà participé à plusieurs projets départementaux et c’est notamment lors de l’un d’eux qu’il a rencontré Kato Rodriguez.

Concert ? Conférence ? Émission radiophonique en direct ? Dj set (sur) écoute présente, commente et propose une échappée belle dans la jungle du son. Une aventure ludique et virtuose pour nos oreilles. La musique sous toutes ses formes est le personnage principal de ce spectacle inclassable. Sur scène, deux musiciens et trois chanteurs-comédiens interprètent un choix de morceaux très divers, tous emblématiques : tube de Kate Bush, air de Purcell, lied de Gustav Mahler, bande originale de film, sons-bruits de Luigi Russolo… Un guide aiguille notre écoute parmi ces musiques auxquelles se mêlent des sons enregistrés, extraits de dialogues, sons urbains, bruits de tonnerre et même silences. Pourquoi l’autre est-il irrité par des sons que je chéris ? Peut-on analyser les raisons d’un tube ? La philosophie de Jankélévitch sait-elle décrire cet ineffable de mon plaisir de mélomane ? À quoi ressemblerait une archéologie de l’écoute ?

Mathieu Bauer : Musicien et metteur en scène, il crée en 1989, la compagnie Sentimental Bourreau. À partir de 1999, il en assure la direction artistique et crée des spectacles qui mêlent intimement la musique, le cinéma et la littérature. Ses productions sont programmées régulièrement à la MC93 – Bobigny, aux Subsistances à Lyon, au Théâtre de la Bastille à Paris et dans plusieurs festivals internationaux (Festival d’Avignon…). Il poursuit aussi une activité de musicien-compositeur-interprète pour la scène, en France et en Allemagne. Après plusieurs mises en scène présentées au Nouveau théâtre de Montreuil, il est nommé à la tête du théâtre en 2011.

presse : « On se surprend à fredonner Parole, Parole, Parole…. Pour un peu on se lèverait de nos sièges pour aller danser. » Paris Mômes – Maïa Bouteillet
« Dans la pièce musicale de Mathieu Bauer, ils sont cinq sur scène, et ce qui réjouit  immédiatement est la variété de leur horizon. Chanteuse lyrique et comédienne comme l’est Pauline Sikirdji, ou ancienne de chez Castorf et du Ballet de Francfort telle Kate Strong, dont la présence rageuse est impressionnante, on ne choisit pas. » Libération – Anne Diatkine
« Mathieu Bauer propose DJ set (sur) écoute pour apprendre à « dresser l’oreille »  ensemble, une ballade musicale des plus éclectiques. » L’Humanité – Marie-José Sirach

Triplet : The Forgiveness
Vivaldi : Credo RV 591
Vivaldi : Gloria RV 589
Mozart : Exsultate, Jubilate KV 165
Mozart : Messe brève en si bémol majeur KV 275

Créé par Savitri de Rochefort, l’Ensemble Vocal et Instrumental Zoroastre voit le jour en décembre 2012. Ce nom a été inspiré par la résonance spirituelle et poétique de ce personnage qui a influencé des compositeurs comme Rameau et Mozart. Zoroastre est un ensemble à géométrie variable dont le répertoire est consacré prioritairement à des oeuvres sacrées, mais dont la vocation est ouverte sur la création et sur d’autres formes d’expression artistique. En plus de son socle de musique classique, il travaille avec des compositeurs contemporains comme Thierry Escaich (avec lequel est sorti le CD Terra Desolata en avril 2018) et la jeune compositrice Célia Triplet. L’Ensemble s’est également donné pour vocation d’ouvrir à la musique classique des publics qui en sont éloignés et de l’utiliser comme un support d’intégration culturelle pour des jeunes de quartiers défavorisés. Au sein de l’Ensemble se trouve une vraie mixité, les musiciens venant d’origines diverses. De cette richesse culturelle est née un fort esprit de groupe, dont Savitri de Rochefort est fière et qu’elle aime à transmettre.

Née en Inde en 1972, Savitri de Rochefort a été initiée à la musique dès l’âge de 5 ans. En 1983, elle est admise au CNSMDP où elle obtient la Première Médaille de Solfège Spécialisé dans la classe de Christian Manen. Elle y poursuit ses études en suivant le Premier Cycle d’Ecriture. En 1988, elle part aux USA étudier la Composition au Conservatoire d’Oberlin et obtient le Diplôme du Young Artists Composition Program du Summer Music Program. De retour en France, elle est admise en 1989 au Choeur de l’Orchestre de Paris, alors sous la direction d’Arthur Oldham. Elle étudie en parallèle l’Analyse et la Composition avec Claude Ballif. De 1993 à 1996, Savitri de Rochefort est admise au CNSMDP en Deuxième Cycle d’Ecriture où elle obtient plusieurs prix dont le Premier Prix de Fugue (Classe de Thierry Escaich). De fin 2010 à juin 2012, elle suit, dans le cadre de l’ARIAM, la formation de Direction de Choeur avec Homeiro Ribeiro de Magalhaes au Conservatoire de Châtillon. A la rentrée 2012, elle se perfectionne en suivant les cours de Didier Louis au Conservatoire de Gennevilliers.

Une femme entre en scène, et coiffe un casque de chantier trouvé là, sur le sol. En prenant le casque elle découvre le premier block, un petit cube translucide de 7cm3 muni d’une enceinte. Elle le retourne et déclenche un son, un son de chantier. La construction peut commencer… Mais la créatrice ne semble pas avoir tout à fait conscience de l’envergure de cette nouvelle entreprise. Il faut maintenant trier, organiser, et tenir en ordre de marche cette ″chose″ urbaine en constante mutation. Mais que fait l’architecte quand, après tant d’efforts, la ville qu’elle a créée ne dort plus et l’empêche de prendre du repos ? Quand les blocks soudain ne lui obéissent plus, résistent ?

« Block, aborde le thème de la construction (de soi ?) de la ville qui se déploie, se démultiplie, mute en permanence, change ses perspectives (et notre regard ?) et devient un espace (le nôtre ?) un jour apprivoisé et le lendemain étranger à nouveau. Les blocks sont en apparence des pièces de construction, inertes, transparentes, presque vides. Puis ils se démultiplient, et par le nombre commencent à faire masse, leurs sons se complexifient, se développent, s’enchevêtrent et projettent le public dans d’autres espaces urbains et d’autres temps. » Céline Garnavault

Céline Garnavault est vice-présidente de l’association Scènes d’enfance – Assitej France qui œuvre pour la reconnaissance des arts vivants pour l’enfance et la jeunesse. Elle a  récemment mis en scène une performance théâtrale et musicale pour Avignon, enfants à l’honneur, dans la cour d’honneur du Palais des papes le 11 juillet 2017.

La compagnie La Boîte à sel, implantée à Bordeaux, pratique un théâtre d’explorations plastiques et pluridisciplinaires, influencé par les installations d’art et le théâtre de marionnette contemporain. Depuis sa fondation en 2000, quinze spectacles sont nés sous l’impulsion de la créatrice Céline Garnavault. Ses créations sont jouées en France et à l’international : Belgique, Paysbas, Canada, Brésil, Inde. La compagnie propose aussi des installations artistiques et multimédias. Elle mène également des projets participatifs en lien avec les habitants des territoires de Nouvelle Aquitaine et de Bretagne et imagine avec eux des objets artistiques singuliers : street art, livre, documentaire radiophonique et créations sonores.

En 2018, on fêtait les 40 ans de la mort de Jacques Brel. Pour cette occasion Olivier Vaillant  et Damien Buisson lui rendent hommage avec une « relecture » musicale et théâtrale d’une partie de son oeuvre. S’attaquer à un répertoire aussi riche et populaire que celui de Jacques Brel, dont la voix résonne encore, relève du pari. Pari relevé lors de la saison 2016-17 à la Comédie, où le spectacle a été présenté avec beaucoup de succès sous le titre Cabaret Brel, porté par le chanteur-compositeur Olivier Vaillant et son équipe. Les textes, des plus célèbres aux moins connus, sont dépouillés puis revêtus de leurs nouveaux habits et vivent une nouvelle vie plus contemporaine grâce à la mise en son, petites perles
électroniques rock et pop. Le grand Jacques n’est jamais loin, comme un guide attentif des débordements fous de cette bande d’artistes passionnés. Leur volonté farouche de s’affranchir de ce personnage à l’élocution et la gestuelle si singulières, sans jamais le trahir, permet d’entendre de nouveau ses très beaux textes, de lui redonner une nouvelle place à nos côtés, pas si loin d’une scène de rock ou d’un dance floor.

presse : « Une nouvelle lecture du répertoire du chanteur, anti-nostalgique » L’hebdo du vendredi
« La passion des mots et du sens des textes de Brel y rivalise avec la respiration empreinte de lucide liberté » Fulbert First

En 2018, on fêtait les 40 ans de la mort de Jacques Brel. Pour cette occasion Olivier Vaillant  et Damien Buisson lui rendent hommage avec une « relecture » musicale et théâtrale d’une partie de son oeuvre. S’attaquer à un répertoire aussi riche et populaire que celui de Jacques Brel, dont la voix résonne encore, relève du pari. Pari relevé lors de la saison 2016-17 à la Comédie, où le spectacle a été présenté avec beaucoup de succès sous le titre Cabaret Brel, porté par le chanteur-compositeur Olivier Vaillant et son équipe. Les textes, des plus célèbres aux moins connus, sont dépouillés puis revêtus de leurs nouveaux habits et vivent une nouvelle vie plus contemporaine grâce à la mise en son, petites perles
électroniques rock et pop. Le grand Jacques n’est jamais loin, comme un guide attentif des débordements fous de cette bande d’artistes passionnés. Leur volonté farouche de s’affranchir de ce personnage à l’élocution et la gestuelle si singulières, sans jamais le trahir, permet d’entendre de nouveau ses très beaux textes, de lui redonner une nouvelle place à nos côtés, pas si loin d’une scène de rock ou d’un dance floor.

presse : « Une nouvelle lecture du répertoire du chanteur, anti-nostalgique » L’hebdo du vendredi
« La passion des mots et du sens des textes de Brel y rivalise avec la respiration empreinte de lucide liberté » Fulbert First

En 2018, on fêtait les 40 ans de la mort de Jacques Brel. Pour cette occasion Olivier Vaillant  et Damien Buisson lui rendent hommage avec une « relecture » musicale et théâtrale d’une partie de son oeuvre. S’attaquer à un répertoire aussi riche et populaire que celui de Jacques Brel, dont la voix résonne encore, relève du pari. Pari relevé lors de la saison 2016-17 à la Comédie, où le spectacle a été présenté avec beaucoup de succès sous le titre Cabaret Brel, porté par le chanteur-compositeur Olivier Vaillant et son équipe. Les textes, des plus célèbres aux moins connus, sont dépouillés puis revêtus de leurs nouveaux habits et vivent une nouvelle vie plus contemporaine grâce à la mise en son, petites perles
électroniques rock et pop. Le grand Jacques n’est jamais loin, comme un guide attentif des débordements fous de cette bande d’artistes passionnés. Leur volonté farouche de s’affranchir de ce personnage à l’élocution et la gestuelle si singulières, sans jamais le trahir, permet d’entendre de nouveau ses très beaux textes, de lui redonner une nouvelle place à nos côtés, pas si loin d’une scène de rock ou d’un dance floor.

presse : « Une nouvelle lecture du répertoire du chanteur, anti-nostalgique » L’hebdo du vendredi
« La passion des mots et du sens des textes de Brel y rivalise avec la respiration empreinte de lucide liberté » Fulbert First

En 2018, on fêtait les 40 ans de la mort de Jacques Brel. Pour cette occasion Olivier Vaillant  et Damien Buisson lui rendent hommage avec une « relecture » musicale et théâtrale d’une partie de son oeuvre. S’attaquer à un répertoire aussi riche et populaire que celui de Jacques Brel, dont la voix résonne encore, relève du pari. Pari relevé lors de la saison 2016-17 à la Comédie, où le spectacle a été présenté avec beaucoup de succès sous le titre Cabaret Brel, porté par le chanteur-compositeur Olivier Vaillant et son équipe. Les textes, des plus célèbres aux moins connus, sont dépouillés puis revêtus de leurs nouveaux habits et vivent une nouvelle vie plus contemporaine grâce à la mise en son, petites perles
électroniques rock et pop. Le grand Jacques n’est jamais loin, comme un guide attentif des débordements fous de cette bande d’artistes passionnés. Leur volonté farouche de s’affranchir de ce personnage à l’élocution et la gestuelle si singulières, sans jamais le trahir, permet d’entendre de nouveau ses très beaux textes, de lui redonner une nouvelle place à nos côtés, pas si loin d’une scène de rock ou d’un dance floor.

presse : « Une nouvelle lecture du répertoire du chanteur, anti-nostalgique » L’hebdo du vendredi
« La passion des mots et du sens des textes de Brel y rivalise avec la respiration empreinte de lucide liberté » Fulbert First

En 2018, on fêtait les 40 ans de la mort de Jacques Brel. Pour cette occasion Olivier Vaillant  et Damien Buisson lui rendent hommage avec une « relecture » musicale et théâtrale d’une partie de son oeuvre. S’attaquer à un répertoire aussi riche et populaire que celui de Jacques Brel, dont la voix résonne encore, relève du pari. Pari relevé lors de la saison 2016-17 à la Comédie, où le spectacle a été présenté avec beaucoup de succès sous le titre Cabaret Brel, porté par le chanteur-compositeur Olivier Vaillant et son équipe. Les textes, des plus célèbres aux moins connus, sont dépouillés puis revêtus de leurs nouveaux habits et vivent une nouvelle vie plus contemporaine grâce à la mise en son, petites perles
électroniques rock et pop. Le grand Jacques n’est jamais loin, comme un guide attentif des débordements fous de cette bande d’artistes passionnés. Leur volonté farouche de s’affranchir de ce personnage à l’élocution et la gestuelle si singulières, sans jamais le trahir, permet d’entendre de nouveau ses très beaux textes, de lui redonner une nouvelle place à nos côtés, pas si loin d’une scène de rock ou d’un dance floor.

presse : « Une nouvelle lecture du répertoire du chanteur, anti-nostalgique » L’hebdo du vendredi
« La passion des mots et du sens des textes de Brel y rivalise avec la respiration empreinte de lucide liberté » Fulbert First

Laura Wilson a été licenciée. Habitant une grande ville, sans revenu, la voilà qui glisse vers la pauvreté. Elle perd la garde de son enfant, divorce, déménage dans un petit studio, vit de solidarités fragiles et de petits boulots, s’isole. Un jour, elle découvre inopinément dans un musée, une œuvre du peintre Brueghel, ce qui va déclencher un combat tous azimuts contre le monde et son cynisme. Malgré les injustices dont elle est victime, elle croit toujours en la justice. Elle se bat, pour elle ou pour le monde, c’est pareil. Sa capacité à changer le monde peut sembler bien maigre. Laura est une femme de la classe populaire, ou de ce qu’il en reste, prolétariat à l’ère du numérique, de la mondialisation, de la culture de masse, de l’illusion individualiste libérale.
« Laura est un personnage survivant, contradictoire, doté d’une vitalité exceptionnelle qui nous la rend infiniment sympathique. Elle est une de ces ″nageuses″ que Jean-Marie Piemme affectionne de décrire, filles du peuple, héroïnes banales et modestes, qui s’agitent intensément pour ne pas couler. » Jean Boillot

Jean Boillot est né en 1970, à Rennes. Il fait ses études d’acteur à l’Atelier du Théâtre de la  Criée, à la London Academy of Music and Dramatic Art, puis au Conservatoire National Supérieur d’Art Dramatique. Il étudie la mise en scène à Bruxelles, Saint-Pétersbourg et Berlin. En 1995, il fonde sa compagnie, La Spirale. Il a été metteur en scène associé au Théâtre Gérard Philipe de Saint-Denis (CDN) de 2001 à 2004. De 1999 à 2007, il est le directeur artistique de Court Toujours, festival de la forme brève dans la création contemporaine à Poitiers. Il a été, de 1998 à 2009, professeur associé à l’Université de Paris X-Nanterre, où il enseignait la pratique du jeu et de la mise en scène. En mai 2009, il est nommé à la direction du NEST – Centre Dramatique National de Thionville-Lorraine.

presse : « Jean Boillot, servi par la belle équipe du NEST, réalise une mise en scène quasi chorégraphique, chorale et musicale autour de Laura Wilson, d’une fluidité remarquable. » Le Monde.fr
« Menée à fond la caisse, la pièce ne sombre jamais dans le misérabilisme inhérent à une telle problématique. En mêlant théâtre, musique et vidéo, Jean Boillot a créé un univers visuel et sonore où Laura Wilson peut faire retentir son cri de colère. » Marianne – Jack Dion
« Drôles et tragiques à la fois, ces courtes scènes trépidantes à la manière d’une série télé disent la désespérance et la rage de vivre au quotidien. On sort joyeux d’avoir croisé cette Laura Wilson-là. Juste le coeur un peu écorché. » Télérama – Fabienne Pascaud

Un magicien qui convoque ses démons plutôt que de faire le malin… Avec cette nouvelle création, Thierry Collet croise récits de vie et tours de magie, invitant les spectateurs à une rencontre très personnelle, leur livrant sa passion pour la magie, son parcours initiatique qui l’a amené à en faire son métier. Après plusieurs spectacles de magie mentale autour de questions politiques ou sociales, Thierry revient sur les « grandes illusions » qui ont jalonné son parcours de magicien, l’obsession d’une pratique gestuelle et corporelle exigeante basée sur le défi, le besoin de fabriquer des mystères pour les autres afin de mieux s’en protéger soi-même. Celui qui rêvait de devenir « Dark Vador » propose sur scène une rencontre singulière entre son histoire intime et son parcours artistique. Ce  cheminement professionnel étant également lié à une construction personnelle, il partage avec le public la part de secret qui le constitue en tant qu’artiste/magicien et en tant qu’homme.

Thierry Collet : Après s’être formé à la prestidigitation, il entre au Conservatoire National Supérieur d’Art Dramatique. Concepteur et interprète, ses quatre premiers spectacles sont très narratifs puis, à partir de 2007, il s’intéresse à la question de la manipulation mentale. Thierry Collet est régulièrement conseiller en effets magiques auprès de Philippe Adrien, Yannis Kokkos et récemment Éric Didry, Jean Lacornerie, Nathalie Pernette. Il dirige également des stages, notamment au Conservatoire National Supérieur d’Art Dramatique, ainsi qu’au Centre National des Arts du Cirque de Châlons-en-Champagne.

Cette création, pour un public adulte, nous entraîne dans l’exploration des lassitudes et des complications, des rêves, des questions, des certitudes, agitant les grands et jubilatoires personnages créés par Bukowski.

Dans la nouvelle Un Homme, issue du recueil Au Sud de Nulle Part, Bukowski nous raconte que Constance vient retrouver George dans sa caravane. Elle l’avait quitté pour Walter. Mais ce dernier ne la baise pas bien. Elle a amené une bouteille de whisky. George l’écoute, puis lui parle de ses jambes, qu’il admire, puis la gifle. Tout dérape. Ils retourneront à leur vie inchangée. Tragiquement, un écart s’insinue qui soudain va fendre une faille  infranchissable entre eux. C’est une histoire d’amour, mais une histoire d’amour qui ne marche pas.
« Un Homme pose la trame minimale à laquelle nous nous contenons, et autour de laquelle nous construisons un appareil de spectacle avec une loupe et des associations arbitraires. Ici, les forces tragiques les plus impérieuses affluent dans les actes d’une quotidienneté triviale. Bukowski disait que style et expérience de vie étaient une seule et même chose pour un écrivain. La littérature de Bukowski accepte le tragique dans son ensemble. Dans son monde, ce n’est pas vrai que quand on veut on peut. Bukowski est direct, il écrit court, économique, il écrit avec ce qui l’entoure. » Gaël Leveugle

Charles Bukowski (1920-1994) : Américain d’origine allemande, il grandit dans une famille où l’alcool et la violence dominent. Il n’y a pas d’école chez Bukowski, ni d’adhésion aux mouvements décisifs de la littérature américaine qui lui est contemporaine ; il y a des résonances fortes, des circulations de figures, des formes familières aux auteurs qui lui ont été importants. L’auteur, bien connu pour ses oeuvres de nouvelles, son alcoolisme et son insupportabilité médiatique, l’est un peu moins pour son oeuvre de poésie, minimaliste et objective, inspirée de l’essentialisme asiatique et de ses formes traditionnelles.

La compagnie Ultima Necat existe depuis 2005 comme une structure indépendante permettant l’essai et la production en dehors des contraintes de la poursuite du succès entrepreneurial. Elle offre un temps long bénéfique à la maturation d’une esthétique propre et ouverte. Chaque mise en scène de Gaël Leveugle a, à sa moelle, une collaboration clé avec un musicien compositeur et / ou improvisateur. L’expérience prévaut sur la narration des sentiments et le discours des idées

Anywhere est une errance sur les pas d‘Œdipe sur la route d’Henry Bauchau, un poème visuel qui convie le spectateur à vivre au travers des différents états de l’élément eau, la métamorphose intérieure d’un personnage mythique. Œdipe, marionnette de glace, se transforme peu à peu en eau pour disparaître à l’état de brume. Sa fille, Antigone, l’accompagne, le soutient et assiste, confiante, à sa disparition.
« Anywhere est une invitation à vivre une expérience, celle de la perte, de la chute, du cheminement et de la métamorphose. La figure mythique d’Œdipe dans le roman d’Henry Bauchau est un symbole de cette initiation. Mon attention porte sur la relation et la distance entre Œdipe et Antigone à l’image d’un père et de sa fille, d’un être souffrant accompagné par un proche. Le sens naît de la rencontre et de l’écart entre l’inanimé et l’humain, une marionnette de glace et une marionnettiste, les ténèbres et la lumière, le noir et le blanc, le froid et le chaud, la glace et le feu… » Élise Vigneron

La Compagnie du Théâtre de l’Entrouvert a été créée en 2009 par Élise Vigneron formée aux arts plastiques, aux arts du cirque et aux arts de la marionnette. À la croisée des disciplines, le Théâtre de l’Entrouvert soutient une vision contemporaine des arts de la marionnette, tout en s’inspirant de ses origines. Creuser un langage plastique qui parle directement, aux sens, à l’inconscient, plonger les spectateurs dans une expérience intime et commune est le projet artistique qu’elle développe.

presse : « Anywhere a l’élégance et la pudeur d’un haïku, ces poèmes courts et codifiés issus du Japon, esquissant des paysages intérieurs. » La Provence
« Ce spectacle fascine par sa beauté envoûtante, le jeu délicat des matières, la pénombre, sa force poétique. Du bel art ! » Télérama
« Le périple initiatique se transforme en voyage intérieur quand de glace, son corps se transforme en eau puis s’évapore. L’espoir qu’une forme de rédemption est toujours possible. Une belle métaphore de cette condition humaine qui fait de nous des âmes prisonnières de nos corps. » Les Inrockuptibles

Anywhere est une errance sur les pas d‘Œdipe sur la route d’Henry Bauchau, un poème visuel qui convie le spectateur à vivre au travers des différents états de l’élément eau, la métamorphose intérieure d’un personnage mythique. Œdipe, marionnette de glace, se transforme peu à peu en eau pour disparaître à l’état de brume. Sa fille, Antigone, l’accompagne, le soutient et assiste, confiante, à sa disparition.
« Anywhere est une invitation à vivre une expérience, celle de la perte, de la chute, du cheminement et de la métamorphose. La figure mythique d’Œdipe dans le roman d’Henry Bauchau est un symbole de cette initiation. Mon attention porte sur la relation et la distance entre Œdipe et Antigone à l’image d’un père et de sa fille, d’un être souffrant accompagné par un proche. Le sens naît de la rencontre et de l’écart entre l’inanimé et l’humain, une marionnette de glace et une marionnettiste, les ténèbres et la lumière, le noir et le blanc, le froid et le chaud, la glace et le feu… » Élise Vigneron

La Compagnie du Théâtre de l’Entrouvert a été créée en 2009 par Élise Vigneron formée aux arts plastiques, aux arts du cirque et aux arts de la marionnette. À la croisée des disciplines, le Théâtre de l’Entrouvert soutient une vision contemporaine des arts de la marionnette, tout en s’inspirant de ses origines. Creuser un langage plastique qui parle directement, aux sens, à l’inconscient, plonger les spectateurs dans une expérience intime et commune est le projet artistique qu’elle développe.

presse : « Anywhere a l’élégance et la pudeur d’un haïku, ces poèmes courts et codifiés issus du Japon, esquissant des paysages intérieurs. » La Provence
« Ce spectacle fascine par sa beauté envoûtante, le jeu délicat des matières, la pénombre, sa force poétique. Du bel art ! » Télérama
« Le périple initiatique se transforme en voyage intérieur quand de glace, son corps se transforme en eau puis s’évapore. L’espoir qu’une forme de rédemption est toujours possible. Une belle métaphore de cette condition humaine qui fait de nous des âmes prisonnières de nos corps. » Les Inrockuptibles

Anywhere est une errance sur les pas d‘Œdipe sur la route d’Henry Bauchau, un poème visuel qui convie le spectateur à vivre au travers des différents états de l’élément eau, la métamorphose intérieure d’un personnage mythique. Œdipe, marionnette de glace, se transforme peu à peu en eau pour disparaître à l’état de brume. Sa fille, Antigone, l’accompagne, le soutient et assiste, confiante, à sa disparition.
« Anywhere est une invitation à vivre une expérience, celle de la perte, de la chute, du cheminement et de la métamorphose. La figure mythique d’Œdipe dans le roman d’Henry Bauchau est un symbole de cette initiation. Mon attention porte sur la relation et la distance entre Œdipe et Antigone à l’image d’un père et de sa fille, d’un être souffrant accompagné par un proche. Le sens naît de la rencontre et de l’écart entre l’inanimé et l’humain, une marionnette de glace et une marionnettiste, les ténèbres et la lumière, le noir et le blanc, le froid et le chaud, la glace et le feu… » Élise Vigneron

La Compagnie du Théâtre de l’Entrouvert a été créée en 2009 par Élise Vigneron formée aux arts plastiques, aux arts du cirque et aux arts de la marionnette. À la croisée des disciplines, le Théâtre de l’Entrouvert soutient une vision contemporaine des arts de la marionnette, tout en s’inspirant de ses origines. Creuser un langage plastique qui parle directement, aux sens, à l’inconscient, plonger les spectateurs dans une expérience intime et commune est le projet artistique qu’elle développe.

presse : « Anywhere a l’élégance et la pudeur d’un haïku, ces poèmes courts et codifiés issus du Japon, esquissant des paysages intérieurs. » La Provence
« Ce spectacle fascine par sa beauté envoûtante, le jeu délicat des matières, la pénombre, sa force poétique. Du bel art ! » Télérama
« Le périple initiatique se transforme en voyage intérieur quand de glace, son corps se transforme en eau puis s’évapore. L’espoir qu’une forme de rédemption est toujours possible. Une belle métaphore de cette condition humaine qui fait de nous des âmes prisonnières de nos corps. » Les Inrockuptibles

On en a cette image opiniâtre, et pourtant quoi de plus attachant qu’une mule ? Animal extrêmement sociable, elle a ce besoin de partager sa vie avec quelqu’un, qu’il soit mouton, chèvre, vache ou… parasite ? La mule c’est celle qui porte, celle qui fait la gueule, l’infiniment fidèle et la terriblement égoïste… Autant d’obstacles qui paraîtront de grandes montagnes même pour les mules les plus téméraires. Mule c’est une petite fable joyeuse et cruelle, parfois immorale, portée par deux acrobates. Dans ce huis-clos tout en proximité une relation délicate se tisse, à la fois tendre et compliquée. Nos deux mules via les portés et les jeux icariens s’embarquent dans des cercles de plus en plus vicieux. Le duo s’aventure là où le poids d’une relation devient plus qu’une simple idée et vient habiller, par sa lourdeur et ses légèretés, l’ossature de ce fragile instant d’humanité.

À Sens Unique est né d’une cohésion de quelques étudiants à l’école de cirque de Québec. En 2013, le collectif migre au Mans, et fonde la compagnie. Le collectif a comme sujet de prédilection les rapports humains, qu’ils attaquent avec simplicité et ironie, optimisme et
discordance.
Hélène Leveau découvre le cirque très jeune. Elle commence sa formation à l’école de cirque de Châtellerault en équilibre sur les mains puis la poursuit à l’école de cirque de Québec, où elle découvre la corde molle, l’antipodisme et les jeux icariens.
Aviva Rose-Williams découvre le cirque à l’âge de 10 ans. Elle suit la formation préprofessionelle à San Francisco et ensuite la formation professionnelle à l’école de cirque de Québec où elle se spécialise en mât chinois et en acrobatie au sol. Après l’école, elle participe entre autres aux festivals Circus Maximus, Cirque[s], Fun Fatale, Turbo418 et se lance en création avec le collectif À Sens Unique.

Alors que la planète croule sous le bruit des machines, des avertisseurs et des gesticulations humaines, dans la cacophonie incessante des médiatisations à tue-tête où les flopées de réseaux de communications parlent en même temps et où l’Homo Oreilletus est constamment sollicité de répondre à ce brouhaha, deux clowns bouffons tentent de mettre un doigt devant la bouche du monde. Après les « événements », le public a délaissé les salles de spectacle, profitant chez eux de la fl oraison des propositions « à la demande ». Dans cette dystopie, deux créatures clowns électrosensibles et le tympan à fleur de peau se sont réfugiées sur une scène pour retrouver la sérénité du calme. Mais à travers les murs, la rumeur du monde leur parvient. Certains bruits les inquiètent, d’autres les questionnent ou les éperonnent ; sans compter ces rires qui jaillissent dans le noir en face d’eux. Au coeur (ou au choeur) de cette chambre d’écho, les manifestations sonores du public se mêlent aux relents de notre époque, à ses effets de manche et de spectacularisation.
« Nous tentons dans cette création de réconcilier John Cage et Carlos. Nous essayons de mêler le bas de gamme et le haut du panier. Que « l’amusique » côtoie la sémiologie musicale comme le cerveau reptilien le néocortex. Que les sciences de la communication se frottent à la morosophie (l’intelligence de la connerie). Le rêve de dissiper le malentendu tout en prônant la fécondité du contresens dans le paradoxe de la multivocité (différentes voix s’emparent du clown) et de l’oreille muette. » Camille Perrin et Cédric Paga

presse : « Déjanté et plutôt répugnant, l’extraordinaire clown Ludor Citrik s’allie à un autre  bouffon, Le Pollu, pour écouter les bruits d’un monde aussi fou que stupéfiant. » Télérama
« La cascade de situations dans lesquelles nos olibrius se prennent les doigts et les pieds ne s’arrête jamais. De mots en gestes, d’incompréhensions en lapsus, de beuglements en silences, près des baffles ou pas, les fréquences sonores de ce dialogue de sourds montent et descendent sans palier de décompression. Les seuls qui écoutent et entendent à merveille sont les spectateurs, qui jouent les échos avec talent. » Le Monde

La pièce secoue parce qu’elle est plus que l’histoire d’un ridicule, elle est celle d’un monstre. Arnolphe aime Agnès, certainement, mais d’une telle façon que cet amour n’a plus figure, ni force, ni chance d’amour. Molière repeint aux couleurs d’une folie spéciale, et extrême, le vieux pitch du cocu. Comment peut-on se vanter de devenir le premier homme épargné par l’infidélité quand on aime aussi mal ! Les cornes qui le dégoûtent d’avance, c’est comme s’il les avait déjà, ce n’est qu’une question d’heure. Et de quelle école est-il question dans L’école des Femmes ? Allez savoir. Il y a bien sûr l’école drastique, imaginée par Arnolphe, et dont Agnès est l’unique pensionnaire et recluse. C’est aussi cette école ouverte, qui convoque le hasard, qui parasite les projets, paralyse les intentions, produit les accidents, agence les bizarreries et favorise les rencontres. Attachée à la transmission et au partage, la Compagnie des Géotrupes, sous la houlette de Christian Esnay, concrétise la volonté de Molière de porter le théâtre comme un « art démocratique », affichant ainsi l’affirmation sans cesse réinventée de fabriquer un théâtre populaire et exigeant.

Christian Esnay, comédien et metteur en scène, se forme dans l’atelier de Didier-Georges Gabily de 1988 à 1993. Parallèlement, il joue l’Odéon, La Colline, le TNB, le Festival d’Avignon, le Théâtre de la Cité Internationale… En tant que metteur en scène – et amateur de Shakespeare – il réalise son premier travail en 1998 au Maillon à Strasbourg avec Le Songe d’une nuit d’été, spectacle en appartement. En 2002, il crée sa compagnie Les Géotrupes. Depuis ses débuts, les expériences de travail de la compagnie travaillent à concrétiser « l’accessibilité au théâtre pour le plus grand nombre ».

presse : « Quoi en plus avec les Géotrupes ? Ce quelque chose de doux, comme du velours théâtre, qui enrobe comédiens et décors. Cette troupe qui nous accueille, comme absente, et qui nous trouble. Une couleur » L’humanité

La pièce secoue parce qu’elle est plus que l’histoire d’un ridicule, elle est celle d’un monstre. Arnolphe aime Agnès, certainement, mais d’une telle façon que cet amour n’a plus figure, ni force, ni chance d’amour. Molière repeint aux couleurs d’une folie spéciale, et extrême, le vieux pitch du cocu. Comment peut-on se vanter de devenir le premier homme épargné par l’infidélité quand on aime aussi mal ! Les cornes qui le dégoûtent d’avance, c’est comme s’il les avait déjà, ce n’est qu’une question d’heure. Et de quelle école est-il question dans L’école des Femmes ? Allez savoir. Il y a bien sûr l’école drastique, imaginée par Arnolphe, et dont Agnès est l’unique pensionnaire et recluse. C’est aussi cette école ouverte, qui convoque le hasard, qui parasite les projets, paralyse les intentions, produit les accidents, agence les bizarreries et favorise les rencontres. Attachée à la transmission et au partage, la Compagnie des Géotrupes, sous la houlette de Christian Esnay, concrétise la volonté de Molière de porter le théâtre comme un « art démocratique », affichant ainsi l’affirmation sans cesse réinventée de fabriquer un théâtre populaire et exigeant.

Christian Esnay, comédien et metteur en scène, se forme dans l’atelier de Didier-Georges Gabily de 1988 à 1993. Parallèlement, il joue l’Odéon, La Colline, le TNB, le Festival d’Avignon, le Théâtre de la Cité Internationale… En tant que metteur en scène – et amateur de Shakespeare – il réalise son premier travail en 1998 au Maillon à Strasbourg avec Le Songe d’une nuit d’été, spectacle en appartement. En 2002, il crée sa compagnie Les Géotrupes. Depuis ses débuts, les expériences de travail de la compagnie travaillent à concrétiser « l’accessibilité au théâtre pour le plus grand nombre ».

presse : « Quoi en plus avec les Géotrupes ? Ce quelque chose de doux, comme du velours théâtre, qui enrobe comédiens et décors. Cette troupe qui nous accueille, comme absente, et qui nous trouble. Une couleur » L’humanité

Le groupe Dakhabrakha a été créé en 2004 au sein du prestigieux théâtre Dakh par son directeur Vlad Troitskyi. Issu du milieu universitaire et artistique, le groupe arpente depuis 10 ans les villages d’Ukraine pour collecter des chansons populaires avant qu’elles ne disparaissent à tout jamais. Les trois femmes et l’homme qui composent Dakhabrakha sont des savants, des fous. Quand ils n’enseignent pas à l’université pour les uns, ou brûlent les planches dans d’autres projets pour les autres, les quatre musiciens triturent le folklore ukrainien. Le son et l’âme : voici le credo des Dakhabrakha ! Si la folk de leur pays les a d’abord nourris, les Ukrainiens y ont depuis mêlé des influences diverses et des rythmes du monde entier. Costumes traditionnels, polyphonies ancestrales et instrumentation minimaliste qui emprunte aux transes africaines et orientales, l’ensemble est joyeusement foutraque et terriblement authentique ! Ces dernières années, le groupe s’est produit dans de nombreux festivals internationaux, ajoutant à leur performance psychédélique et festive une pointe de rébellion politique. Le choc, tant visuel que sonore, est total.

presse : « Un bel envoûtement, l’hallu totale un vrai choc durable, la sensation d’avoir trouvé une musique tradimoderne, à la fois ancestrale et neuve. » Les Inrocks
« Dakhabrakha a fait vivre au public une transe musicale de toute beauté. Étonnant de voir les spectateurs se laisser emporter autant par ces airs ukrainiens. Par moment, ce n’est pas un rêve, on se croirait presque dans une rave. Sur scène, les quatre Ukrainiens lancent d’abord des regards incrédules à la foule avant de franchement sourire. Ils étaient attendus. Ils n’ont pas fait pschitt. Tout simplement Dakhabrakhantesque » Ouest France

La pièce secoue parce qu’elle est plus que l’histoire d’un ridicule, elle est celle d’un monstre. Arnolphe aime Agnès, certainement, mais d’une telle façon que cet amour n’a plus figure, ni force, ni chance d’amour. Molière repeint aux couleurs d’une folie spéciale, et extrême, le vieux pitch du cocu. Comment peut-on se vanter de devenir le premier homme épargné par l’infidélité quand on aime aussi mal ! Les cornes qui le dégoûtent d’avance, c’est comme s’il les avait déjà, ce n’est qu’une question d’heure. Et de quelle école est-il question dans L’école des Femmes ? Allez savoir. Il y a bien sûr l’école drastique, imaginée par Arnolphe, et dont Agnès est l’unique pensionnaire et recluse. C’est aussi cette école ouverte, qui convoque le hasard, qui parasite les projets, paralyse les intentions, produit les accidents, agence les bizarreries et favorise les rencontres. Attachée à la transmission et au partage, la Compagnie des Géotrupes, sous la houlette de Christian Esnay, concrétise la volonté de Molière de porter le théâtre comme un « art démocratique », affichant ainsi l’affirmation sans cesse réinventée de fabriquer un théâtre populaire et exigeant.

Christian Esnay, comédien et metteur en scène, se forme dans l’atelier de Didier-Georges Gabily de 1988 à 1993. Parallèlement, il joue l’Odéon, La Colline, le TNB, le Festival d’Avignon, le Théâtre de la Cité Internationale… En tant que metteur en scène – et amateur de Shakespeare – il réalise son premier travail en 1998 au Maillon à Strasbourg avec Le Songe d’une nuit d’été, spectacle en appartement. En 2002, il crée sa compagnie Les Géotrupes. Depuis ses débuts, les expériences de travail de la compagnie travaillent à concrétiser « l’accessibilité au théâtre pour le plus grand nombre ».

presse : « Quoi en plus avec les Géotrupes ? Ce quelque chose de doux, comme du velours théâtre, qui enrobe comédiens et décors. Cette troupe qui nous accueille, comme absente, et qui nous trouble. Une couleur » L’humanité

La pièce secoue parce qu’elle est plus que l’histoire d’un ridicule, elle est celle d’un monstre. Arnolphe aime Agnès, certainement, mais d’une telle façon que cet amour n’a plus figure, ni force, ni chance d’amour. Molière repeint aux couleurs d’une folie spéciale, et extrême, le vieux pitch du cocu. Comment peut-on se vanter de devenir le premier homme épargné par l’infidélité quand on aime aussi mal ! Les cornes qui le dégoûtent d’avance, c’est comme s’il les avait déjà, ce n’est qu’une question d’heure. Et de quelle école est-il question dans L’école des Femmes ? Allez savoir. Il y a bien sûr l’école drastique, imaginée par Arnolphe, et dont Agnès est l’unique pensionnaire et recluse. C’est aussi cette école ouverte, qui convoque le hasard, qui parasite les projets, paralyse les intentions, produit les accidents, agence les bizarreries et favorise les rencontres. Attachée à la transmission et au partage, la Compagnie des Géotrupes, sous la houlette de Christian Esnay, concrétise la volonté de Molière de porter le théâtre comme un « art démocratique », affichant ainsi l’affirmation sans cesse réinventée de fabriquer un théâtre populaire et exigeant.

Christian Esnay, comédien et metteur en scène, se forme dans l’atelier de Didier-Georges Gabily de 1988 à 1993. Parallèlement, il joue l’Odéon, La Colline, le TNB, le Festival d’Avignon, le Théâtre de la Cité Internationale… En tant que metteur en scène – et amateur de Shakespeare – il réalise son premier travail en 1998 au Maillon à Strasbourg avec Le Songe d’une nuit d’été, spectacle en appartement. En 2002, il crée sa compagnie Les Géotrupes. Depuis ses débuts, les expériences de travail de la compagnie travaillent à concrétiser « l’accessibilité au théâtre pour le plus grand nombre ».

presse : « Quoi en plus avec les Géotrupes ? Ce quelque chose de doux, comme du velours théâtre, qui enrobe comédiens et décors. Cette troupe qui nous accueille, comme absente, et qui nous trouble. Une couleur » L’humanité

La pièce secoue parce qu’elle est plus que l’histoire d’un ridicule, elle est celle d’un monstre. Arnolphe aime Agnès, certainement, mais d’une telle façon que cet amour n’a plus figure, ni force, ni chance d’amour. Molière repeint aux couleurs d’une folie spéciale, et extrême, le vieux pitch du cocu. Comment peut-on se vanter de devenir le premier homme épargné par l’infidélité quand on aime aussi mal ! Les cornes qui le dégoûtent d’avance, c’est comme s’il les avait déjà, ce n’est qu’une question d’heure. Et de quelle école est-il question dans L’école des Femmes ? Allez savoir. Il y a bien sûr l’école drastique, imaginée par Arnolphe, et dont Agnès est l’unique pensionnaire et recluse. C’est aussi cette école ouverte, qui convoque le hasard, qui parasite les projets, paralyse les intentions, produit les accidents, agence les bizarreries et favorise les rencontres. Attachée à la transmission et au partage, la Compagnie des Géotrupes, sous la houlette de Christian Esnay, concrétise la volonté de Molière de porter le théâtre comme un « art démocratique », affichant ainsi l’affirmation sans cesse réinventée de fabriquer un théâtre populaire et exigeant.

Christian Esnay, comédien et metteur en scène, se forme dans l’atelier de Didier-Georges Gabily de 1988 à 1993. Parallèlement, il joue l’Odéon, La Colline, le TNB, le Festival d’Avignon, le Théâtre de la Cité Internationale… En tant que metteur en scène – et amateur de Shakespeare – il réalise son premier travail en 1998 au Maillon à Strasbourg avec Le Songe d’une nuit d’été, spectacle en appartement. En 2002, il crée sa compagnie Les Géotrupes. Depuis ses débuts, les expériences de travail de la compagnie travaillent à concrétiser « l’accessibilité au théâtre pour le plus grand nombre ».

presse : « Quoi en plus avec les Géotrupes ? Ce quelque chose de doux, comme du velours théâtre, qui enrobe comédiens et décors. Cette troupe qui nous accueille, comme absente, et qui nous trouble. Une couleur » L’humanité

Beethoven : Quatuor en Si bémol Op 18/6
Britten : Quatuor No 3 Op 94
Schubert : Quatuor en Sol majeur D887

Décrit par Gramophone comme « l’un des meilleurs jeunes quatuors à cordes », le Doric String Quartet se distingue parmi la nouvelle génération britannique et reçoit un vibrant accueil, autant du public que de la part de la critique. Sélectionné en 2006 pour être représenté par le Young Concert Artists Trust, le quatuor remporte de nombreux prix comme en 2008 le 1er Prix du Osaka International Chamber Music Competition au Japon, le 2ème Prix du Premio Paolo Borciani International String Quartet Competition en Italie et le Prix d’Ensemble au Festspiele Mecklenburg-Vorpommern en Allemagne. Formé en 1998 au sein de Pro Corda à la National School for Young Chamber Music Players, le groupe étudie à partir de 2002 à Paris, dans le cadre de ProQuartet. Depuis sa création, le quartet se produit dans toute l’Europe. En 2010, il fait des débuts très remarqués aux États-Unis avec des concerts au Frick Museum à Ne w York et à la Libr ary of Congress à Washington. Le Quatuor se produit également dans de nombreux festivals internationaux. En 2009, le premier enregistrement du Doric String Quartet dans le label Wigmore Live est distingué par un «Editor’s Choice» dans Gramophone. Son premier CD, l’intégrale de Quatuors de Korngold, sortie en 2010, est récompensé par un «Critic Choice» de l’année 2010 dans Gramophone.

presse : « Les Doric imposent, avec une incisive hardiesse, leur appropriation des courants tourbillonnants et émouvants caractéristiques de la musique de Korngold. » BBC Review
« Avec leur proverbial sens du tempo, arrive à point un disque des Doric pour nous rappeler pourquoi nous les avons déjà mentionnés dans notre magazine comme l’un des meilleurs jeunes quatuors à cordes. Il y a, à proprement parler, un sérieux et un éclat dans leur Haydn qui les désignent comme des musiciens qui ont des choses fascinantes à dire… Le Haydn des Doric pétille d’intelligence dans son impressionnant et très prometteur premier enregistrement. » Gramophone (Editor’s choice)

Un couple de sexagénaires réunit ses trois filles et leur famille à l’occasion de l’anniversaire du père. Ils ont une annonce difficile à faire. Ils ont donc mis toutes les chances de leur côté. Les chambres pour les enfants ont été aménagées, la table est dressée, la blanquette est prête il n’y a plus qu’à réchauffer. Oui mais voilà… une des filles, devenue récemment « lacto-pesco végétarienne », a apporté une truite. Cette légère déviation dans le programme initial va désorganiser la structure familiale et ouvrir la porte aux règlements de compte.
« En faisant exploser les conflits les uns après les autres de manière absurde (parfois à coup de bataille de karaoké), Baptiste Amann fait de cette petite famille la chambre d’écho des débats qui animent nos sociétés d’aujourd’hui, si éruptives lorsqu’il s’agit d’aborder le sujet de l’acceptation de la différence. À travers les revendications des enfants trentenaires, se brosse aussi le portrait d’une génération complexée de ne pas pouvoir incarner ses idéaux. » Rémy Barché

Rémy Barché, parallèlement à sa formation en arts du spectacle à Bordeaux, monte La Semeuse de Fabrice Melquiot et Fairy Queen de Olivier Cadiot. Il réalise un spectacle acoustique à partir de 4.48 psychose de Sarah Kane dans le cadre du festival Novart. En 2005, il intègre l’École Supérieure d’Art Dramatique du TNS, section mise en scène.
Baptiste Amann s’est formé à l’ÉRAC (Cannes). À sa sortie il travaille comme acteur dans des créations contemporaines avec Daniel Danis, Hubert Colas, Jean-François Peyret… Il tourne au cinéma sous la direction de Karim Dridi, Christian Lamotte, Laurent Teyssier, Antoine de  Caunes, Philippe Lefebvre. Il développe un parcours d’auteur au sein de l’Outil, plateforme de production qu’il cofonde en 2010. Il compose également la musique de ses spectacles et de la compagnie Corps de passage (Avignon).

Diptyque poétique qui aborde le thème de la résistance incarnée par des femmes, « Les Folles » désignent avant tout ces mères argentines qui ont résisté à la dictature militaire suite à la disparition de 30 000 personnes, les Mères de la place de Mai. Dans un contexte politique autoritaire émerge alors une conscience collective, folle et viscérale, pour retrouver les familles disparues et défendre les droits humains.
Point de Croix est une métaphore de la pugnacité de ces femmes au foulard brodé à travers la figure de la brodeuse. Point après point, elle tente de convoquer le souvenir des disparus et opère une mue intime pour passer de la solitude endeuillée à la force du collectif.
Silencio es salud est l’enquête d’un Argentin immigré en Europe, Santiago Moreno, explorant le contexte politique de ces années sombres où la parole était dangereuse. Ce musicien/manipulateur s’empare des archives de l’époque, et orchestre nos sens pour nous faire partager la force d’une résistance et d’une mémoire collective en mouvement.
Ces deux solos sans parole sont associés à une exposition sur les Mères de la place de Mai présentant des photos historiques, une reconstitution en marionnettes et un court film animé.

La Mue/tte est une compagnie franco-argentine qui voit le jour à Nancy en 2014 suite à la rencontre d’une comédienne-marionnettiste nancéenne et d’un musicien-marionnettiste argentin, tous deux passionnés par la question du mouvement, de sa transmission et de sa
répercussion (son, images, manipulations). Delphine Bardot et Santiago Moreno  s’associent avec le projet de développer une recherche autour du théâtre visuel et musical, d’engager le corps et la marionnette en ce qu’ils ont de sonores et rythmiques, et la musique en ce qu’elle a de physique, à travers une certaine mécanique poétique du mouvement.

presse : « Dans un astucieux diptyque, La Mue/tte rend un vibrant hommage à ces femmes devenues emblématiques de la défense des droits de l’homme. Delphine Bardot évoque celles qui ont choisi de broder pour résister, mêlant la douceur du geste à la férocité du drame, tandis que Santiago Moreno utilise des photos et des vidéos tirées d’archives qui
rappellent la brutalité et le cynisme des dirigeants responsables de la disparition de 30 000 personnes. » TT TELERAMA

Diptyque poétique qui aborde le thème de la résistance incarnée par des femmes, « Les Folles » désignent avant tout ces mères argentines qui ont résisté à la dictature militaire suite à la disparition de 30 000 personnes, les Mères de la place de Mai. Dans un contexte politique autoritaire émerge alors une conscience collective, folle et viscérale, pour retrouver les familles disparues et défendre les droits humains.
Point de Croix est une métaphore de la pugnacité de ces femmes au foulard brodé à travers la figure de la brodeuse. Point après point, elle tente de convoquer le souvenir des disparus et opère une mue intime pour passer de la solitude endeuillée à la force du collectif.
Silencio es salud est l’enquête d’un Argentin immigré en Europe, Santiago Moreno, explorant le contexte politique de ces années sombres où la parole était dangereuse. Ce musicien/manipulateur s’empare des archives de l’époque, et orchestre nos sens pour nous faire partager la force d’une résistance et d’une mémoire collective en mouvement.
Ces deux solos sans parole sont associés à une exposition sur les Mères de la place de Mai présentant des photos historiques, une reconstitution en marionnettes et un court film animé.

La Mue/tte est une compagnie franco-argentine qui voit le jour à Nancy en 2014 suite à la rencontre d’une comédienne-marionnettiste nancéenne et d’un musicien-marionnettiste argentin, tous deux passionnés par la question du mouvement, de sa transmission et de sa
répercussion (son, images, manipulations). Delphine Bardot et Santiago Moreno  s’associent avec le projet de développer une recherche autour du théâtre visuel et musical, d’engager le corps et la marionnette en ce qu’ils ont de sonores et rythmiques, et la musique en ce qu’elle a de physique, à travers une certaine mécanique poétique du mouvement.

presse : « Dans un astucieux diptyque, La Mue/tte rend un vibrant hommage à ces femmes devenues emblématiques de la défense des droits de l’homme. Delphine Bardot évoque celles qui ont choisi de broder pour résister, mêlant la douceur du geste à la férocité du drame, tandis que Santiago Moreno utilise des photos et des vidéos tirées d’archives qui
rappellent la brutalité et le cynisme des dirigeants responsables de la disparition de 30 000 personnes. » TT TELERAMA

Diptyque poétique qui aborde le thème de la résistance incarnée par des femmes, « Les Folles » désignent avant tout ces mères argentines qui ont résisté à la dictature militaire suite à la disparition de 30 000 personnes, les Mères de la place de Mai. Dans un contexte politique autoritaire émerge alors une conscience collective, folle et viscérale, pour retrouver les familles disparues et défendre les droits humains.
Point de Croix est une métaphore de la pugnacité de ces femmes au foulard brodé à travers la figure de la brodeuse. Point après point, elle tente de convoquer le souvenir des disparus et opère une mue intime pour passer de la solitude endeuillée à la force du collectif.
Silencio es salud est l’enquête d’un Argentin immigré en Europe, Santiago Moreno, explorant le contexte politique de ces années sombres où la parole était dangereuse. Ce musicien/manipulateur s’empare des archives de l’époque, et orchestre nos sens pour nous faire partager la force d’une résistance et d’une mémoire collective en mouvement.
Ces deux solos sans parole sont associés à une exposition sur les Mères de la place de Mai présentant des photos historiques, une reconstitution en marionnettes et un court film animé.

La Mue/tte est une compagnie franco-argentine qui voit le jour à Nancy en 2014 suite à la rencontre d’une comédienne-marionnettiste nancéenne et d’un musicien-marionnettiste argentin, tous deux passionnés par la question du mouvement, de sa transmission et de sa
répercussion (son, images, manipulations). Delphine Bardot et Santiago Moreno  s’associent avec le projet de développer une recherche autour du théâtre visuel et musical, d’engager le corps et la marionnette en ce qu’ils ont de sonores et rythmiques, et la musique en ce qu’elle a de physique, à travers une certaine mécanique poétique du mouvement.

presse : « Dans un astucieux diptyque, La Mue/tte rend un vibrant hommage à ces femmes devenues emblématiques de la défense des droits de l’homme. Delphine Bardot évoque celles qui ont choisi de broder pour résister, mêlant la douceur du geste à la férocité du drame, tandis que Santiago Moreno utilise des photos et des vidéos tirées d’archives qui
rappellent la brutalité et le cynisme des dirigeants responsables de la disparition de 30 000 personnes. » TT TELERAMA

Diptyque poétique qui aborde le thème de la résistance incarnée par des femmes, « Les Folles » désignent avant tout ces mères argentines qui ont résisté à la dictature militaire suite à la disparition de 30 000 personnes, les Mères de la place de Mai. Dans un contexte politique autoritaire émerge alors une conscience collective, folle et viscérale, pour retrouver les familles disparues et défendre les droits humains.
Point de Croix est une métaphore de la pugnacité de ces femmes au foulard brodé à travers la figure de la brodeuse. Point après point, elle tente de convoquer le souvenir des disparus et opère une mue intime pour passer de la solitude endeuillée à la force du collectif.
Silencio es salud est l’enquête d’un Argentin immigré en Europe, Santiago Moreno, explorant le contexte politique de ces années sombres où la parole était dangereuse. Ce musicien/manipulateur s’empare des archives de l’époque, et orchestre nos sens pour nous faire partager la force d’une résistance et d’une mémoire collective en mouvement.
Ces deux solos sans parole sont associés à une exposition sur les Mères de la place de Mai présentant des photos historiques, une reconstitution en marionnettes et un court film animé.

La Mue/tte est une compagnie franco-argentine qui voit le jour à Nancy en 2014 suite à la rencontre d’une comédienne-marionnettiste nancéenne et d’un musicien-marionnettiste argentin, tous deux passionnés par la question du mouvement, de sa transmission et de sa
répercussion (son, images, manipulations). Delphine Bardot et Santiago Moreno  s’associent avec le projet de développer une recherche autour du théâtre visuel et musical, d’engager le corps et la marionnette en ce qu’ils ont de sonores et rythmiques, et la musique en ce qu’elle a de physique, à travers une certaine mécanique poétique du mouvement.

presse : « Dans un astucieux diptyque, La Mue/tte rend un vibrant hommage à ces femmes devenues emblématiques de la défense des droits de l’homme. Delphine Bardot évoque celles qui ont choisi de broder pour résister, mêlant la douceur du geste à la férocité du drame, tandis que Santiago Moreno utilise des photos et des vidéos tirées d’archives qui
rappellent la brutalité et le cynisme des dirigeants responsables de la disparition de 30 000 personnes. » TT TELERAMA

Diptyque poétique qui aborde le thème de la résistance incarnée par des femmes, « Les Folles » désignent avant tout ces mères argentines qui ont résisté à la dictature militaire suite à la disparition de 30 000 personnes, les Mères de la place de Mai. Dans un contexte politique autoritaire émerge alors une conscience collective, folle et viscérale, pour retrouver les familles disparues et défendre les droits humains.
Point de Croix est une métaphore de la pugnacité de ces femmes au foulard brodé à travers la figure de la brodeuse. Point après point, elle tente de convoquer le souvenir des disparus et opère une mue intime pour passer de la solitude endeuillée à la force du collectif.
Silencio es salud est l’enquête d’un Argentin immigré en Europe, Santiago Moreno, explorant le contexte politique de ces années sombres où la parole était dangereuse. Ce musicien/manipulateur s’empare des archives de l’époque, et orchestre nos sens pour nous faire partager la force d’une résistance et d’une mémoire collective en mouvement.
Ces deux solos sans parole sont associés à une exposition sur les Mères de la place de Mai présentant des photos historiques, une reconstitution en marionnettes et un court film animé.

La Mue/tte est une compagnie franco-argentine qui voit le jour à Nancy en 2014 suite à la rencontre d’une comédienne-marionnettiste nancéenne et d’un musicien-marionnettiste argentin, tous deux passionnés par la question du mouvement, de sa transmission et de sa
répercussion (son, images, manipulations). Delphine Bardot et Santiago Moreno  s’associent avec le projet de développer une recherche autour du théâtre visuel et musical, d’engager le corps et la marionnette en ce qu’ils ont de sonores et rythmiques, et la musique en ce qu’elle a de physique, à travers une certaine mécanique poétique du mouvement.

presse : « Dans un astucieux diptyque, La Mue/tte rend un vibrant hommage à ces femmes devenues emblématiques de la défense des droits de l’homme. Delphine Bardot évoque celles qui ont choisi de broder pour résister, mêlant la douceur du geste à la férocité du drame, tandis que Santiago Moreno utilise des photos et des vidéos tirées d’archives qui
rappellent la brutalité et le cynisme des dirigeants responsables de la disparition de 30 000 personnes. » TT TELERAMA

Catrin Finch, harpiste galloise de renommée internationale pour ses performances au Royaume-Uni et dans le monde entier, est aussi connue sous le nom de « la Reine des harpes ». Elle commence à étudier la harpe depuis l’âge de six ans auprès de professeurs comme Elinor Bennett et Skaila Kanga. De 2000 à 2004 elle était nommée « harpiste officielle auprès du prince de Galles » position qui était vacante depuis le règne de la Reine Victoria. Elle se produit aussi bien en solo qu’en groupe aux Etats-Unis, en Amérique du Sud, au Moyen Orient, en Asie, en Australie et en Europe.

Seckou Keita est un artiste sénégalais multi-instrumentiste qui joue aussi bien de la kora, harpe sénégalaise à 22 cordes, que du djembé. Il est déjà reconnu comme jeune prodige auprès du pianiste de jazz Omar Sosa et se produit sur la scène internationale depuis 1996 en accompagnant des artistes tels que Salif Keita, Youssou N’Dour, Miriam Makeba et Neil Finn. Seckou Keita explore à travers sa musique la signification de la citoyenneté moderne dans un monde globalisé qui vit cependant avec un héritage et une tradition de sept siècles.

Leur première rencontre date de 2012 et leur premier album Clychau Dibon (2013, L’Autre Distribution) a été salué par la critique internationale. En 2014, Songlines Magazine leur décerne le prix de la meilleure collaboration culturelle. L’intrépide duo gallois/sénégalais prône l’exploration et célèbre les différences et les parallèles possibles entre leurs instruments et leurs cultures. Dans leur deuxième album SOAR (L’Autre Distribution) sorti en avril 2018, Catrin Finch et Seckou Keita interrogent la migration et les voyages grâce à leur musique et à leur communion. Les deux univers, que rien ne prédestinait à se rencontrer, entrent en fusion. Une bonne dose de « musique pour le monde » acclamée par la critique internationale.

presse : « Avec beaucoup de cordes à leurs arcs, les deux musiciens chassent les rêves, égrènent les souvenirs d’une histoire commune. Lyrisme zen, virtuosité en apesanteur, fresques transparentes, cet album est ce qui se fait de mieux dans le genre, bon comme le silence. » Les Inrockuptibles
« Un sublime duo de deux artistes qui sont maîtres de leur instrument… musicalité et architecture au sommet » London Evening Standard
« Une musique céleste… qui nous élève, réalisée avec complexité, magnifique » Songlines

« Quand les enfants sont pour la première fois confrontés à la mort d’un petit animal, ce corps qui ne bouge plus, ne respire plus, ne répond plus, les fascine. Ils inventent une cérémonie des adieux. Cela se passe souvent en secret des adultes, parfois avec leur aide. C’est un moment intime et grave de l’enfance. Quand la cérémonie est finie, pris par d’autres jeux, ils s’en vont. J’avais envie de partager des questions existentielles auprès d’enfants petits et de personnes très âgées. Que veut dire vivre ? Venir au monde ? Où est-on avant de naître ? Où va-t-on quand on meurt ? Rencontrer des personnes aux deux bouts de la vie. Le jeune âge et le grand âge. Le lisse et le froissé. Le papier de soie, son opacité, sa fragilité, sa légèreté est un peu à l’image de nos vies. Il créera les paysages visuels éphémères des légendes glissées comme en écho des paroles collectées. Ces voix enregistrées, enfantines et âgées, seront orchestrées comme une palette de timbres, de grains, de couleurs. L’accompagnement instrumental et le chant des interprètes dialogueront avec ces voix enregistrées pour en créer les paysages sonores. » Ève Ledig

Après une formation de chant, de danse contemporaine, de clown et d’écriture, Ève Ledig joue dans plusieurs productions en Alsace et ailleurs. Parallèlement, elle conçoit et met en scène plusieurs spectacles, notamment de théâtre musical avec L’Ensemble Vocal
Résonances, l’Ensemble Vocal Variations… De 1993 à 2003, elle est artiste permanente au TJP, Centre dramatique national de Strasbourg. En 2003, elle crée Le Fil rouge théâtre à Strasbourg. Ces créations puisent dans la littérature ou dans le répertoire archaïque des contes et des mythes pour inventer des formes théâtrales et musicales qui interrogent notre art de vivre ensemble, aujourd’hui.
Depuis 2003, la recherche artistique du Fil rouge théâtre tisse des liens entre le geste, la parole, le chant, l’espace, la lumière… comme autant de langages qui s’articulent pour devenir une écriture scénique, un théâtre qui parle autant aux enfants qu’aux adultes et qui permet à chacun de se raconter sa propre histoire. Chaque spectacle est le reflet et l’aboutissement d’un travail en équipe.

Circus I love you est un cirque utopiste. Avec une esthétique contemporaine et une large palette de disciplines de cirque (main à main, suspensions par les cheveux, roue allemande…), les artistes promeuvent la paix et l’amour. Avec une grande simplicité mais un risque toujours présent, les artistes dépassent leurs peurs et le risque de l’échec qui nous empêche tous d’avancer. A la fois musiciens et circassiens, les artistes jouent en live pendant le spectacle.
« On ne peut pas jouer un saut périlleux, ou même prétendre rattraper un acrobate qui tombe de haut. Le risque est toujours présent. La peur de l’échec nous empêche tous-toutes, un jour ou l’autre, d’essayer. La peur de l’inconnu nous empêche d’initier des aventures extraordinaires. La peur d’être jugé peut régulièrement empêcher d’assumer ce qui est important pour chacun. La peur rend docile et crée un besoin de sécurité, selon nous démesuré, qui pousse à la surconsommation. Faire face à nos peurs est un moyen de regagner notre liberté. » Circus I love you AB

Circus I love you AB est une jeune compagnie basée en Suède. Circus I love you est leur première création après deux ans de résidences et de recherches. Elle comprend huit artistes de cirque et musiciens originaires du Danemark, de Finlande, de France, de Norvège et de Suède. Mais ce multiculturalisme rend difficile le choix de s’implanter quelque part. C’est pourquoi la compagnie a décidé de ne pas s’installer et de planter son chapiteau aux quatre coins de l’Europe. Une vision artistique qui les pousse à convaincre toujours une nouvelle ville avec leur spectacle.

Circus I love you est un cirque utopiste. Avec une esthétique contemporaine et une large palette de disciplines de cirque (main à main, suspensions par les cheveux, roue allemande…), les artistes promeuvent la paix et l’amour. Avec une grande simplicité mais un risque toujours présent, les artistes dépassent leurs peurs et le risque de l’échec qui nous empêche tous d’avancer. A la fois musiciens et circassiens, les artistes jouent en live pendant le spectacle.
« On ne peut pas jouer un saut périlleux, ou même prétendre rattraper un acrobate qui tombe de haut. Le risque est toujours présent. La peur de l’échec nous empêche tous-toutes, un jour ou l’autre, d’essayer. La peur de l’inconnu nous empêche d’initier des aventures extraordinaires. La peur d’être jugé peut régulièrement empêcher d’assumer ce qui est important pour chacun. La peur rend docile et crée un besoin de sécurité, selon nous démesuré, qui pousse à la surconsommation. Faire face à nos peurs est un moyen de regagner notre liberté. » Circus I love you AB

Circus I love you AB est une jeune compagnie basée en Suède. Circus I love you est leur première création après deux ans de résidences et de recherches. Elle comprend huit artistes de cirque et musiciens originaires du Danemark, de Finlande, de France, de Norvège et de Suède. Mais ce multiculturalisme rend difficile le choix de s’implanter quelque part. C’est pourquoi la compagnie a décidé de ne pas s’installer et de planter son chapiteau aux quatre coins de l’Europe. Une vision artistique qui les pousse à convaincre toujours une nouvelle ville avec leur spectacle.

Animés par un appétit gargantuesque pour la savante Connerie, Les Dodos s’efforcent depuis toujours à faire tomber la tartine du bon côté. De leur fragilité et leur imagination sans limites naissent d’improbables tentatives d’échapper à la gravité. Main à main, voltige aérienne, acrobatie, anneaux chinois, rites absurdes, ils multiplient les apprentissages de tous les possibles et se jouent de leurs peurs, de leurs conflits avec une inébranlable naïveté et un humour insolent. Les musiques sont leurs respirations : et pour y parvenir, du violon à la contrebasse, et surtout en passant par les guitares…, autant de variations sur cordes, sur corps, pour des mouvements acrobatiques et des cascades périlleuses. Les Dodos défendent becs et ongles leurs rêves et partagent avec le public, sous la chaude lumière du chapiteau, un précieux combat : exister, le temps d’un spectacle, comme un acte de résistance ! Les cinq artistes de la compagnie sont touche à tout, musiciens, acrobates et jongleurs, ils manient tous les registres à la perfection. Et qui sait, à vouloir défier la gravité, les dodos finiront peut-être par s’envoler.

Le P’tit Cirk a été créé en mars 2004 par Danielle Le Pierrès et Christophe Lelarge qui voulaient écrire et jouer leurs propres histoires, après avoir travaillé dans d’autres projets. La compagnie s’installe en Bretagne et tisse des liens privilégiés avec la population et les artistes locaux et régionaux ce qui en fait une compagnie reconnue et appréciée auprès du public breton et des structures culturelles.