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**représentations scolaires uniquement**

« Le projet est né lors d’actions de médiation auprès d’enfants d’écoles primaires. Nous avons été très surpris de leur adhésion très directe à notre démarche singulière mélant danse butô et sons de contrebasse. En réponse, nous avons voulu créer un spectacle qui leur serait dédié, nourri de nos univers. Mais comment passer du côté sombre, obscur, caractéristique du butô à la lumière ? Le choix du paresseux, Namakemono en japonais, nous est apparu évident. Le butô maitrise la lenteur et sa technique, comme sa profondeur, permet de donner une vie grotesque et amusante à cet animal bien étrange qu’est Namakemono. Un premier spectacle / essais est né, Namakemono, où l’impossibilité de dresser l’indomptable. Un Ours, maître en domptage, tente de dresser un Paresseux. Il n’a peut-être pas choisi le bon animal pour exercer ses talents de dompteur, car le Namakemono est certes bien sympathique, mais lent et… paresseux ! La lenteur de la danse butô crée le personnage du Paresseux, qui à son tour crée naturellement la chorégraphie. La technique du butô qui permet d’exprimer les émotions intérieures va permettre de créer le caractère du personnage : les mimiques grotesques et les expressions démoniaques du butô vont se transformer ici en expressions tendres du Paresseux. C’est un exemple de passage de l’obscur à la lumière. La gestuelle joue un grand rôle dans la compréhension de l’histoire et le passage des émotions. Le réel (les gestes courants) et l’irréel (la lenteur des mouvements de Namakemono) se mêleront pour créer un monde imaginaire. » Emmanuel Fleitz

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« Le projet est né lors d’actions de médiation auprès d’enfants d’écoles primaires. Nous avons été très surpris de leur adhésion très directe à notre démarche singulière mélant danse butô et sons de contrebasse. En réponse, nous avons voulu créer un spectacle qui leur serait dédié, nourri de nos univers. Mais comment passer du côté sombre, obscur, caractéristique du butô à la lumière ? Le choix du paresseux, Namakemono en japonais, nous est apparu évident. Le butô maitrise la lenteur et sa technique, comme sa profondeur, permet de donner une vie grotesque et amusante à cet animal bien étrange qu’est Namakemono. Un premier spectacle / essais est né, Namakemono, où l’impossibilité de dresser l’indomptable. Un Ours, maître en domptage, tente de dresser un Paresseux. Il n’a peut-être pas choisi le bon animal pour exercer ses talents de dompteur, car le Namakemono est certes bien sympathique, mais lent et… paresseux ! La lenteur de la danse butô crée le personnage du Paresseux, qui à son tour crée naturellement la chorégraphie. La technique du butô qui permet d’exprimer les émotions intérieures va permettre de créer le caractère du personnage : les mimiques grotesques et les expressions démoniaques du butô vont se transformer ici en expressions tendres du Paresseux. C’est un exemple de passage de l’obscur à la lumière. La gestuelle joue un grand rôle dans la compréhension de l’histoire et le passage des émotions. Le réel (les gestes courants) et l’irréel (la lenteur des mouvements de Namakemono) se mêleront pour créer un monde imaginaire. » Emmanuel Fleitz

**représentations scolaires uniquement**

« Le projet est né lors d’actions de médiation auprès d’enfants d’écoles primaires. Nous avons été très surpris de leur adhésion très directe à notre démarche singulière mélant danse butô et sons de contrebasse. En réponse, nous avons voulu créer un spectacle qui leur serait dédié, nourri de nos univers. Mais comment passer du côté sombre, obscur, caractéristique du butô à la lumière ? Le choix du paresseux, Namakemono en japonais, nous est apparu évident. Le butô maitrise la lenteur et sa technique, comme sa profondeur, permet de donner une vie grotesque et amusante à cet animal bien étrange qu’est Namakemono. Un premier spectacle / essais est né, Namakemono, où l’impossibilité de dresser l’indomptable. Un Ours, maître en domptage, tente de dresser un Paresseux. Il n’a peut-être pas choisi le bon animal pour exercer ses talents de dompteur, car le Namakemono est certes bien sympathique, mais lent et… paresseux ! La lenteur de la danse butô crée le personnage du Paresseux, qui à son tour crée naturellement la chorégraphie. La technique du butô qui permet d’exprimer les émotions intérieures va permettre de créer le caractère du personnage : les mimiques grotesques et les expressions démoniaques du butô vont se transformer ici en expressions tendres du Paresseux. C’est un exemple de passage de l’obscur à la lumière. La gestuelle joue un grand rôle dans la compréhension de l’histoire et le passage des émotions. Le réel (les gestes courants) et l’irréel (la lenteur des mouvements de Namakemono) se mêleront pour créer un monde imaginaire. » Emmanuel Fleitz

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« Le projet est né lors d’actions de médiation auprès d’enfants d’écoles primaires. Nous avons été très surpris de leur adhésion très directe à notre démarche singulière mélant danse butô et sons de contrebasse. En réponse, nous avons voulu créer un spectacle qui leur serait dédié, nourri de nos univers. Mais comment passer du côté sombre, obscur, caractéristique du butô à la lumière ? Le choix du paresseux, Namakemono en japonais, nous est apparu évident. Le butô maitrise la lenteur et sa technique, comme sa profondeur, permet de donner une vie grotesque et amusante à cet animal bien étrange qu’est Namakemono. Un premier spectacle / essais est né, Namakemono, où l’impossibilité de dresser l’indomptable. Un Ours, maître en domptage, tente de dresser un Paresseux. Il n’a peut-être pas choisi le bon animal pour exercer ses talents de dompteur, car le Namakemono est certes bien sympathique, mais lent et… paresseux ! La lenteur de la danse butô crée le personnage du Paresseux, qui à son tour crée naturellement la chorégraphie. La technique du butô qui permet d’exprimer les émotions intérieures va permettre de créer le caractère du personnage : les mimiques grotesques et les expressions démoniaques du butô vont se transformer ici en expressions tendres du Paresseux. C’est un exemple de passage de l’obscur à la lumière. La gestuelle joue un grand rôle dans la compréhension de l’histoire et le passage des émotions. Le réel (les gestes courants) et l’irréel (la lenteur des mouvements de Namakemono) se mêleront pour créer un monde imaginaire. » Emmanuel Fleitz

D’après le conte Barbe Bleue, de Charles Perrault, Tirés des contes de Ma Mère L’Oye.

DON’T YOU SEE IT COMING, est un solo entre désarticulation et iconographie pensé tel un jeu sardonique, créé et interprété
par Sarah Baltzinger, ccompagnée par le musicien Guillaume Jullien au plateau.
Considéré comme un récit transgressif, Barbe-Bleue est une lecture merveilleuse pour raconter les blessures du passé qui
viennent entraver le présent et notre besoin fantasmé d’être sauvé par l’autre. Prenant l’oeuvre de Charles Perrault comme
point de départ, la nouvelle création de Sarah Baltzinger et du musicien Guillaume Jullien illustre la façon dont s’exercent
nos relations interpersonnelles, entre hédonisme et fascination pour le danger. Au travers d’une esthétique contemporaine
inspirée du baroque et d’un mariage entre le son et le geste, les deux artistes explorent des liens qui se tissent et se défont
pour aboutir à une réflexion sur notre désir antinomique d’appartenance et de liberté, d’attachement et d’émancipation.
Cette création est le deuxième volet d’une recherche menée de 2018 à 2020 sur la thématique de l’héritage et la transmission.

PROGRAMME

Antonio VIVALDI
Vedrò con mio diletto
Il Giustino
Domine Deus – Gloria

Claude DEBUSSY
Arabesque n°1
Ariettes oubliées
Clair de lune
Suite Bergamasque
Nuit d’étoiles
Beau soir
Feu d’artifice

Maurice RAVEL
Chants populaires

George CRUMB
Spring fire and Dream image
Three early songs

Inès Prisca commence très tôt l’étude de la musique dans la classe d’Emmanuelle Mousset au conservatoire Gustave Charpentier de Paris. À l’âge de 9 ans elle intègre la Maîtrise de Radio-France, où elle acquiert une solide formation musicale. Durant ce cursus, elle participe à de nombreux concerts sous la direction de chefs prestigieux tels que Kurt Masur, Georges Prêtre, Myung Whun Chung, Yutaka Sado, Marc Minkowski, Charles Dutoit, Riccardo Muti (…) Elle entre ensuite dans la classe de chant lyrique de Gisèle Fixe au conservatoire Erik Satie du 7ème arrondissement, tout en suivant des études universitaires en cinéma et audiovisuel à la Sorbonne Nouvelle et de jazz vocal au Conservatoire Nadia et Lili Boulanger, dans la classe de Guylenn Delassus. Elle suit une formation de comédienne au Studio spectacle Acting International avec Robert Cordier puis dans les workshops de Jack Waltzer. Elle suit actuellement un cursus de chant lyrique avec Caroline Fèvre.

Raphaël Laroche, formé au Conservatoire de Rouen par Ursula Von Lerber, il intègre ensuite le Pôle d‘Enseignement Supérieur de la musique Île-de-France où il obtient son diplôme dans la classe de Bruno Perbost en 2014. Parallèlement, il approfondit sa formation avec Marie-Joseph Jude, Jean-François Heisseret Pascal Nemirovski avec lequel il étudie un an à la Royal Academy of Music de Londres. Passionné par la pédagogie, il obtient son diplôme d’état au Pôle Sup’93 et enseigne depuis 2016 le piano au Conservatoire du Grand Verdun. En tant que soliste, accompagnateur et improvisateur il est amené à se produire régulièrement dans des événements comme le festival « tous en scène ! » ou « Il était une voix » au théâtre d’Aulnay-sous-bois avec Didier Grojsman. Il se produit en 2019 avec Inès Prisca dans un concert-théâtre, « Le bureau des enfers », présenté au théâtre du Gouvernail et à l’Auguste Théâtre ; ensemble, ils choisissent de commencer une nouvelle aventure musicale en duo.

« L’inspiration vient du livre de la psychologue américaine Robin Norwood « Ces femmes qui aiment trop ». Il s’agit de femmes qui recherchent pour leurs histoires d’amour un homme qui a besoin d’aide, qui est souvent soit alcoolique, soit addict aux drogues ou au jeu, soit violent… Ces femmes, à cause de leur passé, et souvent de ce qu’elles ont vécu  pendant l’enfance, deviennent elles-mêmes accros à ces hommes et à la relation qui s’instaure entre eux. Elles en ont besoin pour se sentir vivantes et accomplies, alors qu’elles sont dans un processus d’autodestruction. Les personnages principaux de La Table sont « La Femme Qui Aime Trop » et « Monsieur Renard ». « La Femme Qui Aime Trop » est passionnée, lunatique, créative et acrobatique. Monsieur Renard (un renard empaillé !) représente l’homme égoïste et manipulateur, incapable d’aimer mais qui veut l’amour de « la femme » pour son propre confort. La Table est la description d’une lutte qui se déroule entre les murs de la maison, dans un environnement privé, caché du monde extérieur, avec des apparences aussi parfaites que fausses… Avec ironie et autodérision, je veux raconter cette lutte à travers du cirque, et montrer que la clé d’une relation saine commence par l’amour de soi-même. L’idée est d’éloigner ce qui nous fait souffrir, de refuser l’idée que l’on doive souffrir, notamment par amour. » Tiziana Prota

Bassekou Kouyate est né à Garana, petit village multiethnique situé à 60 km de Ségou, sur les rives du fl euve Niger. Il est issu d’une longue lignée de griots. Dans les années 90, Bassekou commence à jouer le circuit traditionnel du sumu, sur lequel il rencontre Toumani Diabate (kora) ; avec celui-ci et Habib Koite, ils créent Symmetric Orchestra et vivent une première tournée en Europe fi n 90. La même année, Bassekou fait son premier voyage aux États-Unis, où il rencontre le musicien de blues afro-américain, Taj Mahal. Il épouse Amy Sacko, chanteuse griot originaire du nord-ouest du Mali. Ensemble, ils enregistrent plusieurs cassettes populaires et se produisent sur le circuit des mariages et à la télévision malienne où Amy est surnommée «la Tina Turner du Mali». En 2005, Bassekou est invité par Ali Farka Touré à jouer sur son album «Savane» et à le rejoindre sur scène pour sa dernière tournée à l’été 2005. La même année, Bassekou créé son groupe Ngoni Ba, un quatuor de ngonis de taille différente, incluant sa femme et des membres de sa famille. Depuis Bassekou Kouyate & Ngoni Ba ont fait le tour du monde en jouant de Central Park à NYC, au Royal Albert Hall à Londres, de Roskilde à Glastonbury. Il joue également avec Africa Express et avec des musiciens comme Sir Paul McCartney, John Paul Jones, Damon Albarn et bien d’autres.

« Le cinéma est un art qui se partage, se transmet. Nous accompagnant au fil de notre existence, par le souvenir qu’on en garde ou par les visionnages successifs, les «films de nos vies» donnent à lire nos histoires. Ma rencontre avec Pierre Maillet a eu lieu il y a vingt ans. Il y a entre nous ce plaisir du dialogue, la confiance, et ce goût pour les acteurs, le jeu, le cinéma. Car Pierre est un grand cinéphile, il collectionne chez lui des centaines de films. Ils font partie de sa vie. Avec la complicité de Tanguy Viel, nous avons imaginé un récit rendant sensible le cheminement d’un jeune homme qui, grâce au cinéma, sent grandir en lui un fort désir d’émancipation et de liberté. Un récit dont le cinéma serait le support, ou le prétexte. En revisitant avec humour les premiers émois cinématographiques de Pierre, nous dressons, non seulement son portrait mais aussi celui d’une génération. Le cinéma des années 80 et 90, les affiches gardées précieusement dans la chambre, les premiers vidéos-clubs, les films d’horreur vus en cachette. Puis, vient le cinéma d’auteur. Car les films offrent une pluralité d’identifications possibles, que chacun peut adopter ou récuser, apprenant ainsi à mieux élaborer sa propre identité. C’est cet apprentissage qui m’intéresse, la construction d’un parcours et la genèse d’une vie d’artiste. » Émilie Capliez

« Le cinéma est un art qui se partage, se transmet. Nous accompagnant au fil de notre existence, par le souvenir qu’on en garde ou par les visionnages successifs, les «films de nos vies» donnent à lire nos histoires. Ma rencontre avec Pierre Maillet a eu lieu il y a vingt ans. Il y a entre nous ce plaisir du dialogue, la confiance, et ce goût pour les acteurs, le jeu, le cinéma. Car Pierre est un grand cinéphile, il collectionne chez lui des centaines de films. Ils font partie de sa vie. Avec la complicité de Tanguy Viel, nous avons imaginé un récit rendant sensible le cheminement d’un jeune homme qui, grâce au cinéma, sent grandir en lui un fort désir d’émancipation et de liberté. Un récit dont le cinéma serait le support, ou le prétexte. En revisitant avec humour les premiers émois cinématographiques de Pierre, nous dressons, non seulement son portrait mais aussi celui d’une génération. Le cinéma des années 80 et 90, les affiches gardées précieusement dans la chambre, les premiers vidéos-clubs, les films d’horreur vus en cachette. Puis, vient le cinéma d’auteur. Car les films offrent une pluralité d’identifications possibles, que chacun peut adopter ou récuser, apprenant ainsi à mieux élaborer sa propre identité. C’est cet apprentissage qui m’intéresse, la construction d’un parcours et la genèse d’une vie d’artiste. » Émilie Capliez

« Boris, il est artiste de cirque. Trappeur des banlieues, amoureux des ours et des chansons d’amour des années 80, il est seul dans sa yourte et plein dans sa tête. Son enjeu : ses jeux. Devant cent personnes, il tisse ses digressions, ses visions. Son accordéon, c’est son piment. Ça l’occupe de plus en plus ces derniers temps. Ça l’excite, le multiplie. En revanche, son looper le pose, le rafraîchit. Il s’invente de l’air. Le vent se lève dans sa tête et le tient en équilibre. Cow boy actuel, funambule de proximité, sa barbe, je me demande bien ce qu’il en est… Mon ami Boris, c’est l’autre, dans ma tête, peut-être bien celui de la soirée disco, qui toque à la porte du chapiteau mais que je tiens pas tellement à laisser entrer de suite car on est déjà beaucoup trop. » Pierre Déaux

« On essaie toujours de faire le spectacle du siècle. Pierre m’avait bien dit en début de création il y a 2 ans et demi : « ton problème, c’est que tu essaies de faire le spectacle du siècle ». Du coup, j’ai essayé de le faire mentir et de prendre ça à la légère. Mais je n’ai pas réussi. J’ai cherché à faire le spectacle du siècle. Du moins mon spectacle du siècle. Y suis-je arrivé ? Peut-être… » Olivier Debelhoir

presse : « En fait, il est complétement barré, Boris, et très attachant. Il est seul dans sa yourte et plein dans sa tête. De digressions en visions, il nous embarque dans son monde peuplé d’anti-héros. Quand le vent se lève entre ses neurones, il tient malgré tout l’équilibre. C’est très vite l’escalade avec lui, il va tout schuss, mais jamais droit dans le mur. Funambule de proximité, il vole haut. Chapeau bas ! » Léa Martinelli / Les trois coups

« Le cinéma est un art qui se partage, se transmet. Nous accompagnant au fil de notre existence, par le souvenir qu’on en garde ou par les visionnages successifs, les «films de nos vies» donnent à lire nos histoires. Ma rencontre avec Pierre Maillet a eu lieu il y a vingt ans. Il y a entre nous ce plaisir du dialogue, la confiance, et ce goût pour les acteurs, le jeu, le cinéma. Car Pierre est un grand cinéphile, il collectionne chez lui des centaines de films. Ils font partie de sa vie. Avec la complicité de Tanguy Viel, nous avons imaginé un récit rendant sensible le cheminement d’un jeune homme qui, grâce au cinéma, sent grandir en lui un fort désir d’émancipation et de liberté. Un récit dont le cinéma serait le support, ou le prétexte. En revisitant avec humour les premiers émois cinématographiques de Pierre, nous dressons, non seulement son portrait mais aussi celui d’une génération. Le cinéma des années 80 et 90, les affiches gardées précieusement dans la chambre, les premiers vidéos-clubs, les films d’horreur vus en cachette. Puis, vient le cinéma d’auteur. Car les films offrent une pluralité d’identifications possibles, que chacun peut adopter ou récuser, apprenant ainsi à mieux élaborer sa propre identité. C’est cet apprentissage qui m’intéresse, la construction d’un parcours et la genèse d’une vie d’artiste. » Émilie Capliez

« Et puis, il y a eu cette loi votée en Russie en janvier 2017 pour la dépénalisation des violences domestiques. J’ai été bouleversée par la découverte de cette mesure et par les arguments soutenus au sein du débat public relayé par les médias. Cette loi, plébiscitée par le pouvoir et l’Eglise orthodoxe au nom d’une certaine idée de la famille et du respect de la figure d’autorité patriarcale, a été promulguée mardi 7 février 2017 par le président Poutine. Selon le ministère russe de l’Intérieur, « chaque jour, 36 000 femmes russes sont victimes de violences conjugales. 12 000 femmes décèdent, chaque année, sous les coups de leur conjoint ; soit une femme, toutes les quarante minutes ». Je n’arrivais / n’arrive toujours pas à comprendre qu’il soit possible de justifier un coup porté. Aucune représentation de la notion de famille ne peut légitimer la violence physique ou psychologique. J’ai ressenti une urgence personnelle à parler de ce sujet. Je souhaitais aborder la question du mutisme et de la solitude des femmes qui vivent dans la terreur de leur compagnon et qui ne savent pas comment ni à qui en parler. C’est pourquoi j’ai proposé à Sigrid de travailler avec moi à l’écriture d’une fiction sur la violence dans le cadre secret du couple. » Lena Paugam

presse : « Dans le tourbillon d’Avignon, il est parfois de ces petits miracles de beauté, d’intelligence et d’exigence artistique qui réussissent à transcender un sujet difficile et douloureux en une oeuvre véritable. Ces petits miracles nous montrent que le chemin vers l’excellence est possible et qu’il est synonyme d’émerveillement et d’émotion intense. » Julia Bianchi / Le coryphée

« Et puis, il y a eu cette loi votée en Russie en janvier 2017 pour la dépénalisation des violences domestiques. J’ai été bouleversée par la découverte de cette mesure et par les arguments soutenus au sein du débat public relayé par les médias. Cette loi, plébiscitée par le pouvoir et l’Eglise orthodoxe au nom d’une certaine idée de la famille et du respect de la figure d’autorité patriarcale, a été promulguée mardi 7 février 2017 par le président Poutine. Selon le ministère russe de l’Intérieur, « chaque jour, 36 000 femmes russes sont victimes de violences conjugales. 12 000 femmes décèdent, chaque année, sous les coups de leur conjoint ; soit une femme, toutes les quarante minutes ». Je n’arrivais / n’arrive toujours pas à comprendre qu’il soit possible de justifier un coup porté. Aucune représentation de la notion de famille ne peut légitimer la violence physique ou psychologique. J’ai ressenti une urgence personnelle à parler de ce sujet. Je souhaitais aborder la question du mutisme et de la solitude des femmes qui vivent dans la terreur de leur compagnon et qui ne savent pas comment ni à qui en parler. C’est pourquoi j’ai proposé à Sigrid de travailler avec moi à l’écriture d’une fiction sur la violence dans le cadre secret du couple. » Lena Paugam

presse : « Dans le tourbillon d’Avignon, il est parfois de ces petits miracles de beauté, d’intelligence et d’exigence artistique qui réussissent à transcender un sujet difficile et douloureux en une oeuvre véritable. Ces petits miracles nous montrent que le chemin vers l’excellence est possible et qu’il est synonyme d’émerveillement et d’émotion intense. » Julia Bianchi / Le coryphée

« Et puis, il y a eu cette loi votée en Russie en janvier 2017 pour la dépénalisation des violences domestiques. J’ai été bouleversée par la découverte de cette mesure et par les arguments soutenus au sein du débat public relayé par les médias. Cette loi, plébiscitée par le pouvoir et l’Eglise orthodoxe au nom d’une certaine idée de la famille et du respect de la figure d’autorité patriarcale, a été promulguée mardi 7 février 2017 par le président Poutine. Selon le ministère russe de l’Intérieur, « chaque jour, 36 000 femmes russes sont victimes de violences conjugales. 12 000 femmes décèdent, chaque année, sous les coups de leur conjoint ; soit une femme, toutes les quarante minutes ». Je n’arrivais / n’arrive toujours pas à comprendre qu’il soit possible de justifier un coup porté. Aucune représentation de la notion de famille ne peut légitimer la violence physique ou psychologique. J’ai ressenti une urgence personnelle à parler de ce sujet. Je souhaitais aborder la question du mutisme et de la solitude des femmes qui vivent dans la terreur de leur compagnon et qui ne savent pas comment ni à qui en parler. C’est pourquoi j’ai proposé à Sigrid de travailler avec moi à l’écriture d’une fiction sur la violence dans le cadre secret du couple. » Lena Paugam

presse : « Dans le tourbillon d’Avignon, il est parfois de ces petits miracles de beauté, d’intelligence et d’exigence artistique qui réussissent à transcender un sujet difficile et douloureux en une oeuvre véritable. Ces petits miracles nous montrent que le chemin vers l’excellence est possible et qu’il est synonyme d’émerveillement et d’émotion intense. » Julia Bianchi / Le coryphée

« Boris, il est artiste de cirque. Trappeur des banlieues, amoureux des ours et des chansons d’amour des années 80, il est seul dans sa yourte et plein dans sa tête. Son enjeu : ses jeux. Devant cent personnes, il tisse ses digressions, ses visions. Son accordéon, c’est son piment. Ça l’occupe de plus en plus ces derniers temps. Ça l’excite, le multiplie. En revanche, son looper le pose, le rafraîchit. Il s’invente de l’air. Le vent se lève dans sa tête et le tient en équilibre. Cow boy actuel, funambule de proximité, sa barbe, je me demande bien ce qu’il en est… Mon ami Boris, c’est l’autre, dans ma tête, peut-être bien celui de la soirée disco, qui toque à la porte du chapiteau mais que je tiens pas tellement à laisser entrer de suite car on est déjà beaucoup trop. » Pierre Déaux

« On essaie toujours de faire le spectacle du siècle. Pierre m’avait bien dit en début de création il y a 2 ans et demi : « ton problème, c’est que tu essaies de faire le spectacle du siècle ». Du coup, j’ai essayé de le faire mentir et de prendre ça à la légère. Mais je n’ai pas réussi. J’ai cherché à faire le spectacle du siècle. Du moins mon spectacle du siècle. Y suis-je arrivé ? Peut-être… » Olivier Debelhoir

presse : « En fait, il est complétement barré, Boris, et très attachant. Il est seul dans sa yourte et plein dans sa tête. De digressions en visions, il nous embarque dans son monde peuplé d’anti-héros. Quand le vent se lève entre ses neurones, il tient malgré tout l’équilibre. C’est très vite l’escalade avec lui, il va tout schuss, mais jamais droit dans le mur. Funambule de proximité, il vole haut. Chapeau bas ! » Léa Martinelli / Les trois coups

« Boris, il est artiste de cirque. Trappeur des banlieues, amoureux des ours et des chansons d’amour des années 80, il est seul dans sa yourte et plein dans sa tête. Son enjeu : ses jeux. Devant cent personnes, il tisse ses digressions, ses visions. Son accordéon, c’est son piment. Ça l’occupe de plus en plus ces derniers temps. Ça l’excite, le multiplie. En revanche, son looper le pose, le rafraîchit. Il s’invente de l’air. Le vent se lève dans sa tête et le tient en équilibre. Cow boy actuel, funambule de proximité, sa barbe, je me demande bien ce qu’il en est… Mon ami Boris, c’est l’autre, dans ma tête, peut-être bien celui de la soirée disco, qui toque à la porte du chapiteau mais que je tiens pas tellement à laisser entrer de suite car on est déjà beaucoup trop. » Pierre Déaux

« On essaie toujours de faire le spectacle du siècle. Pierre m’avait bien dit en début de création il y a 2 ans et demi : « ton problème, c’est que tu essaies de faire le spectacle du siècle ». Du coup, j’ai essayé de le faire mentir et de prendre ça à la légère. Mais je n’ai pas réussi. J’ai cherché à faire le spectacle du siècle. Du moins mon spectacle du siècle. Y suis-je arrivé ? Peut-être… » Olivier Debelhoir

presse : « En fait, il est complétement barré, Boris, et très attachant. Il est seul dans sa yourte et plein dans sa tête. De digressions en visions, il nous embarque dans son monde peuplé d’anti-héros. Quand le vent se lève entre ses neurones, il tient malgré tout l’équilibre. C’est très vite l’escalade avec lui, il va tout schuss, mais jamais droit dans le mur. Funambule de proximité, il vole haut. Chapeau bas ! » Léa Martinelli / Les trois coups

« Boris, il est artiste de cirque. Trappeur des banlieues, amoureux des ours et des chansons d’amour des années 80, il est seul dans sa yourte et plein dans sa tête. Son enjeu : ses jeux. Devant cent personnes, il tisse ses digressions, ses visions. Son accordéon, c’est son piment. Ça l’occupe de plus en plus ces derniers temps. Ça l’excite, le multiplie. En revanche, son looper le pose, le rafraîchit. Il s’invente de l’air. Le vent se lève dans sa tête et le tient en équilibre. Cow boy actuel, funambule de proximité, sa barbe, je me demande bien ce qu’il en est… Mon ami Boris, c’est l’autre, dans ma tête, peut-être bien celui de la soirée disco, qui toque à la porte du chapiteau mais que je tiens pas tellement à laisser entrer de suite car on est déjà beaucoup trop. » Pierre Déaux

« On essaie toujours de faire le spectacle du siècle. Pierre m’avait bien dit en début de création il y a 2 ans et demi : « ton problème, c’est que tu essaies de faire le spectacle du siècle ». Du coup, j’ai essayé de le faire mentir et de prendre ça à la légère. Mais je n’ai pas réussi. J’ai cherché à faire le spectacle du siècle. Du moins mon spectacle du siècle. Y suis-je arrivé ? Peut-être… » Olivier Debelhoir

presse : « En fait, il est complétement barré, Boris, et très attachant. Il est seul dans sa yourte et plein dans sa tête. De digressions en visions, il nous embarque dans son monde peuplé d’anti-héros. Quand le vent se lève entre ses neurones, il tient malgré tout l’équilibre. C’est très vite l’escalade avec lui, il va tout schuss, mais jamais droit dans le mur. Funambule de proximité, il vole haut. Chapeau bas ! » Léa Martinelli / Les trois coups

« Arrêtons un moment… ». Bérénice commence comme ça. On arrête un moment de vie, on le suspend tellement il est fort. Ce n’est pas juste, d’ailleurs, de dire cela car elle commence par la préface de Jean Racine, par cette voix que j’imagine du vieil homme : « C’est-à-dire que Titus, qui aimait passionnément Bérénice, et qui lui avait promis de l’épouser, la renvoya de Rome, malgré lui, malgré elle, dès les premiers jours de son empire. ». Et nous, assis autour d’une table, nous l’écoutons, prêts à bondir. On peut dire que Racine met la langue dans tous ces états. Mais il y a Rome : « Non, pas de reine étrangère ». Bérénice la juive, Titus le Romain et Antiochus l’Arabe. Qu’est-ce qui empêche d’aimer ? Pas de mélodie chez Racine mais l’existence du contrepoint toujours. Tout avance en même temps : ils jouent, ils sont le regard, et la préface… Le Théâtre écoute. Je n’arrive pas à envisager une distribution classique. Je me pose la question d’un groupe capable de recevoir la confidence de Racine. De la soutenir, de s’y plonger, de s’y laisser prendre. J’ai du mal à imaginer qu’un spectacle puisse être fini une fois les répétitions achevées. Nous avons commencé Bérénice avec cinq comédiens. Puis une autre version s’est imposée en tournée avec quatre resserrant le propos. Nouvelle approche d’une même mélodie. » Isabelle Lafon

presse : « Sans costumes d’époque, sans actualisation non plus, sans dire tout le texte pour en toucher le coeur, Isabelle Lafon et ses partenaires signent une version follement vibrante de la pièce de Racine. Une page de l’histoire des représentations de Bérénice s’écrit là devant nous. Reprenons-en le fil à celle de Planchon puis à la Bérénice d’Antoine Vitez. La Bérénice d’Isabelle Lafon semble comme regardée avec bienveillance et amicalité par ces maîtres disparus. Elle ne joue pas des pièces, elle va, le coeur battant, à leur rencontre. » Jean-Pierre Thibaudat – Médiapart

« Arrêtons un moment… ». Bérénice commence comme ça. On arrête un moment de vie, on le suspend tellement il est fort. Ce n’est pas juste, d’ailleurs, de dire cela car elle commence par la préface de Jean Racine, par cette voix que j’imagine du vieil homme : « C’est-à-dire que Titus, qui aimait passionnément Bérénice, et qui lui avait promis de l’épouser, la renvoya de Rome, malgré lui, malgré elle, dès les premiers jours de son empire. ». Et nous, assis autour d’une table, nous l’écoutons, prêts à bondir. On peut dire que Racine met la langue dans tous ces états. Mais il y a Rome : « Non, pas de reine étrangère ». Bérénice la juive, Titus le Romain et Antiochus l’Arabe. Qu’est-ce qui empêche d’aimer ? Pas de mélodie chez Racine mais l’existence du contrepoint toujours. Tout avance en même temps : ils jouent, ils sont le regard, et la préface… Le Théâtre écoute. Je n’arrive pas à envisager une distribution classique. Je me pose la question d’un groupe capable de recevoir la confidence de Racine. De la soutenir, de s’y plonger, de s’y laisser prendre. J’ai du mal à imaginer qu’un spectacle puisse être fini une fois les répétitions achevées. Nous avons commencé Bérénice avec cinq comédiens. Puis une autre version s’est imposée en tournée avec quatre resserrant le propos. Nouvelle approche d’une même mélodie. » Isabelle Lafon

presse : « Sans costumes d’époque, sans actualisation non plus, sans dire tout le texte pour en toucher le coeur, Isabelle Lafon et ses partenaires signent une version follement vibrante de la pièce de Racine. Une page de l’histoire des représentations de Bérénice s’écrit là devant nous. Reprenons-en le fil à celle de Planchon puis à la Bérénice d’Antoine Vitez. La Bérénice d’Isabelle Lafon semble comme regardée avec bienveillance et amicalité par ces maîtres disparus. Elle ne joue pas des pièces, elle va, le coeur battant, à leur rencontre. » Jean-Pierre Thibaudat – Médiapart

PROGRAMME

Jean Sébastien Bach : Invention en Ut, Aria de la 3eme suite
Arcangelo Corelli : Sonata
Halvorsen & Haendel : Passacaille
Christoph Moschberger : Tears for Pachelbel
Allan Botschinsky : interlude n°4
Luis Bonfa : Mahna de Carnaval
Astor Piazzolla : Bordel 1900 Tango Etude n°3, Libertango

Romain Leleu, 1er prix de trompette et de musique de chambre au CNSM de Paris, se perfectionne ensuite auprès de Reinhold Friedrich à Karlsruhe. Il est l’invité régulier de festivals internationaux (Roque d’Anthéron, Prades, Radio France Montpellier, Folle Journée de Nantes, Musiq3 de Bruxelles, Seoul Spring Festival…) et se produit régulièrement sur des scènes prestigieuses (Philharmonie du Luxembourg, Royal Albert Hall de Londres, l’Athéneum de Bucarest, Seoul Arts Center, Théâtre de l’Hermitage Saint Petersbourg, Cincinnati Museum Center, Théâtre des Champs Elysées,…). Il joue en soliste avec de grands orchestres (Orchestre National de France, Orchestre National du Capitole de Toulouse, Orchestre National de Lille, Orchestre de Chambre de Paris, Staatsorchester Frankfurt, Dresdner Kappellsolisten, Slovak Sinfonietta, …). En musique de chambre, il se produit régulièrement avec Thierry Escaich, Adam Laloum, François Dumont, Ibrahim Maalouf, Frank Braley…

Thomas Leleu : 1er Prix de Tuba au CNSM de Paris, il étudie ensuite à la Hochschule für Musik de Detmold avec Hans Nickel. Lauréat des Concours Internationaux de Markneukirchen (Allemagne), Jeju (Corée du Sud) et Luxembourg, Thomas est Tuba Solo de l’Orchestre Philharmonique de l’Opéra de Marseille. Il se produit dans de nombreux pays (Konzerthaus de Berlin, MITO SettembreMusica/Italie, Brucknerhaus de Linz/Autriche, Concert Hall/Singapour, Hong Kong City Hall, salle Gaveau, Théâtre du Châtelet, …) et avec différents orchestres (Orchestre National d’Ile de France, Hong Kong Sinfonietta, Junge Sinfonie/Berlin, l’Orchestre de Chambre de Paris, Santa Fe Symphonic Orchestra/Argentine,… Il fonde plusieurs ensembles uniques et inédits au tuba : « Thomas Leleu Sextet » (tuba et quintette à cordes), «tuba vs cello » (tuba et violoncelle). En 2018, il fonde le « Thomas Leleu Trio » (tuba, vibraphone et piano). Il forme également le Leleu Brothers + Félicien Brut (accordéon).

« Redonner corps et mouvements aux écrasées, aux meurtries, aux étouffées. Avec Battre encore, La Muette met en corps la puissance de l’icône féminine dans nos représentations pour écrire un anti-conte de fées très librement inspiré du destin des soeurs Mirabal, résistantes assassinées en 1960 par la dictature dominicaine. Documenté sans être documentaire, le spectacle réanime le feu de la révolte par un jardin intérieur où accueillir ce matrimoine encore négligé. Déconstruisant les clichés sur la place de la femme face au pouvoir, le corps féminin dans Battre encore se défait de l’emprise physique, intellectuelle, politique masculine. Le bal, où tout bascule, ce rite initiatique bourgeois pour jeunes femmes met au centre dans Battre encore le consentement et le droit au non. Entre liberté, transport et aliénation, ce trio de soeurs en corps à corps avec le pouvoir, la religion ou le machisme nous invite à la digression par des images à la limite des rêves et des cauchemars. Dans les pas de cette exploration fondamentale que représentent la lutte des femmes et la défense et l’égalité des droits de chacun déjà abordées dans L’Un dans l’Autre et Les Folles, le potentiel poétique et tragique de l’histoire des soeurs Mirabal permet de basculer dans l’écriture d’un conte aux drôles d’accents de réalisme magique à la Garcia Marquez avec La chronique de trois morts annoncées. » Delphine Bardot.

**représentations scolaires uniquement**

« Avec Hippocampe, nous avons souhaité partir d’un matériel brut, concret, qui n’appelle pas de prime abord à une poésie aérienne : le bois. Le cube de bois évoque la géométrie, il a une certaine pesanteur. Il peut être un matériel de construction qui sert à l’urbanisation. Notre idée était de partir de là et, tel un jeu de construction enfantin (on pensera au kapla qui permet de réaliser tellement d’objets différents avec des petites planches de bois ayant toutes la même forme), de m’éloigner petit à petit des règles de la géométrie et de la pesanteur pour proposer un monde qui ne réponde à aucune de nos lois fondamentales terrestres. De ces troubles de l’imaginaire naîtront des émotions, et le voyage pourra commencer. Au départ : trois comédiens, trois constructeurs. Ils manipulent des cubes, les empilent, les déplacent. On dirait une ville qui se dessine, avec ses routes et ses paysages urbains. Les formes géométriques se font et se défont au rythme de leurs envies. Mais petit à petit, les objets résistent et nos constructeurs découvrent que les objets qu’ils animent sont comme vivants, qu’ils ont une volonté propre, cachée. S’ils prennent le temps de les observer, s’ils gagnent leur confiance, les matériaux acceptent de révéler leur mystère et commencent à se reconstruire eux-mêmes, révélant une richesse bien plus complexe que celle imaginée par nos artistes. Alors du cube et de la ligne, d’autres formes apparaissent, se combinent, pour créer une sorte de bestiaire abstrait et imaginaire… » Martine Waniowski

**représentations scolaires uniquement**

« Avec Hippocampe, nous avons souhaité partir d’un matériel brut, concret, qui n’appelle pas de prime abord à une poésie aérienne : le bois. Le cube de bois évoque la géométrie, il a une certaine pesanteur. Il peut être un matériel de construction qui sert à l’urbanisation. Notre idée était de partir de là et, tel un jeu de construction enfantin (on pensera au kapla qui permet de réaliser tellement d’objets différents avec des petites planches de bois ayant toutes la même forme), de m’éloigner petit à petit des règles de la géométrie et de la pesanteur pour proposer un monde qui ne réponde à aucune de nos lois fondamentales terrestres. De ces troubles de l’imaginaire naîtront des émotions, et le voyage pourra commencer. Au départ : trois comédiens, trois constructeurs. Ils manipulent des cubes, les empilent, les déplacent. On dirait une ville qui se dessine, avec ses routes et ses paysages urbains. Les formes géométriques se font et se défont au rythme de leurs envies. Mais petit à petit, les objets résistent et nos constructeurs découvrent que les objets qu’ils animent sont comme vivants, qu’ils ont une volonté propre, cachée. S’ils prennent le temps de les observer, s’ils gagnent leur confiance, les matériaux acceptent de révéler leur mystère et commencent à se reconstruire eux-mêmes, révélant une richesse bien plus complexe que celle imaginée par nos artistes. Alors du cube et de la ligne, d’autres formes apparaissent, se combinent, pour créer une sorte de bestiaire abstrait et imaginaire… » Martine Waniowski

**représentations scolaires uniquement**

« Avec Hippocampe, nous avons souhaité partir d’un matériel brut, concret, qui n’appelle pas de prime abord à une poésie aérienne : le bois. Le cube de bois évoque la géométrie, il a une certaine pesanteur. Il peut être un matériel de construction qui sert à l’urbanisation. Notre idée était de partir de là et, tel un jeu de construction enfantin (on pensera au kapla qui permet de réaliser tellement d’objets différents avec des petites planches de bois ayant toutes la même forme), de m’éloigner petit à petit des règles de la géométrie et de la pesanteur pour proposer un monde qui ne réponde à aucune de nos lois fondamentales terrestres. De ces troubles de l’imaginaire naîtront des émotions, et le voyage pourra commencer. Au départ : trois comédiens, trois constructeurs. Ils manipulent des cubes, les empilent, les déplacent. On dirait une ville qui se dessine, avec ses routes et ses paysages urbains. Les formes géométriques se font et se défont au rythme de leurs envies. Mais petit à petit, les objets résistent et nos constructeurs découvrent que les objets qu’ils animent sont comme vivants, qu’ils ont une volonté propre, cachée. S’ils prennent le temps de les observer, s’ils gagnent leur confiance, les matériaux acceptent de révéler leur mystère et commencent à se reconstruire eux-mêmes, révélant une richesse bien plus complexe que celle imaginée par nos artistes. Alors du cube et de la ligne, d’autres formes apparaissent, se combinent, pour créer une sorte de bestiaire abstrait et imaginaire… » Martine Waniowski

**représentations scolaires uniquement**

« Avec Hippocampe, nous avons souhaité partir d’un matériel brut, concret, qui n’appelle pas de prime abord à une poésie aérienne : le bois. Le cube de bois évoque la géométrie, il a une certaine pesanteur. Il peut être un matériel de construction qui sert à l’urbanisation. Notre idée était de partir de là et, tel un jeu de construction enfantin (on pensera au kapla qui permet de réaliser tellement d’objets différents avec des petites planches de bois ayant toutes la même forme), de m’éloigner petit à petit des règles de la géométrie et de la pesanteur pour proposer un monde qui ne réponde à aucune de nos lois fondamentales terrestres. De ces troubles de l’imaginaire naîtront des émotions, et le voyage pourra commencer. Au départ : trois comédiens, trois constructeurs. Ils manipulent des cubes, les empilent, les déplacent. On dirait une ville qui se dessine, avec ses routes et ses paysages urbains. Les formes géométriques se font et se défont au rythme de leurs envies. Mais petit à petit, les objets résistent et nos constructeurs découvrent que les objets qu’ils animent sont comme vivants, qu’ils ont une volonté propre, cachée. S’ils prennent le temps de les observer, s’ils gagnent leur confiance, les matériaux acceptent de révéler leur mystère et commencent à se reconstruire eux-mêmes, révélant une richesse bien plus complexe que celle imaginée par nos artistes. Alors du cube et de la ligne, d’autres formes apparaissent, se combinent, pour créer une sorte de bestiaire abstrait et imaginaire… » Martine Waniowski

**représentations scolaires uniquement**

« Avec Hippocampe, nous avons souhaité partir d’un matériel brut, concret, qui n’appelle pas de prime abord à une poésie aérienne : le bois. Le cube de bois évoque la géométrie, il a une certaine pesanteur. Il peut être un matériel de construction qui sert à l’urbanisation. Notre idée était de partir de là et, tel un jeu de construction enfantin (on pensera au kapla qui permet de réaliser tellement d’objets différents avec des petites planches de bois ayant toutes la même forme), de m’éloigner petit à petit des règles de la géométrie et de la pesanteur pour proposer un monde qui ne réponde à aucune de nos lois fondamentales terrestres. De ces troubles de l’imaginaire naîtront des émotions, et le voyage pourra commencer. Au départ : trois comédiens, trois constructeurs. Ils manipulent des cubes, les empilent, les déplacent. On dirait une ville qui se dessine, avec ses routes et ses paysages urbains. Les formes géométriques se font et se défont au rythme de leurs envies. Mais petit à petit, les objets résistent et nos constructeurs découvrent que les objets qu’ils animent sont comme vivants, qu’ils ont une volonté propre, cachée. S’ils prennent le temps de les observer, s’ils gagnent leur confiance, les matériaux acceptent de révéler leur mystère et commencent à se reconstruire eux-mêmes, révélant une richesse bien plus complexe que celle imaginée par nos artistes. Alors du cube et de la ligne, d’autres formes apparaissent, se combinent, pour créer une sorte de bestiaire abstrait et imaginaire… » Martine Waniowski

PROGRAMME

Joseph Haydn : Quatuor en si bémol majeur op.76 no 4, “Le ver de soleil”
Maurice Ravel : Quatuor à cordes en fa majeur
Antonín Dvorák : Quatuor No 10 en mi bémol majeur op. 51

Le Quatuor Takács, qui à présent entame sa quarante-sixième saison, est sans conteste l’un des meilleurs quatuors à cordes au monde. Il reçoit en 1977 sa première reconnaissance internationale au Concours de Quatuor à Cordes d’Evian en France. C’est en 1982 que le Quatuor Takács se produit pour la première fois en tournée en Amérique du Nord. Depuis 1986, il se produit régulièrement au Théâtre de la Ville et à l’Auditorium du Louvre à Paris. En 2001, le Quatuor reçoit la Croix de Chevalier de l’Ordre du Mérite de la République de Hongrie. Il remporte en 2011 le prix de la musique de chambre du Royal Philharmonic Society à Londres. En 2012, le magazine Gramophone proclame que le Quatuor Takács est le seul quatuor à cordes à rejoindre son Panthéon. En 2014, les Takács deviennent le premier quatuor à cordes à remporter le Wigmore Hall Medal. Le Quatuor Takács enregistre pour le label Hyperion Records – quatuors à cordes de Haydn, Schubert, Janácek, Smetana, Debussy et Britten, ainsi que des quintettes avec piano de César Franck et Chostakovitch avec Marc-André Hamelin, et des quintettes avec alto de Brahms avec Lawrence Power. Leurs CDs sur le label Decca London ont remporté trois Gramophone Awards, un Grammy Award, trois Japanese Record Academy Awards, Disque de l’Année du premier BBC Music Magazine Awards, et Album de l’Année dans la catégorie musique de chambre du Classical Brits. En juin 2020 l’altiste Richard O’Neill a rejoint le Quatuor Takács en remplacement de Geri Walther (qui a pris sa retraite après quinze années remarquables).

_jeanne_dark_, c’est le pseudo Instagram que s’est choisi Jeanne, une adolescente de 16 ans issue d’une famille catholique, qui vit dans une banlieue pavillonnaire d’Orléans. Depuis quelques mois, elle subit les railleries de ses camarades sur sa virginité. Un soir, alors qu’elle est seule dans sa chambre, elle décide de ne plus se taire et prend la parole en live sur Instagram.
Face au miroir que lui tend le smartphone, Jeanne se raconte, danse, filme, explose, se
métamorphose, oscillant entre mise à nu et mise en scène de soi.

Portée par Helena de Laurens, cette performance virtuose sera accessible certains soirs en live sur Instagram.

LE SPECTACLE EST JOUÉ EN LIVE SUR INSTAGRAM !

_jeanne_dark_, c’est le pseudo Instagram que s’est choisi Jeanne, une adolescente de 16 ans issue d’une famille catholique, qui vit dans une banlieue pavillonnaire d’Orléans. Depuis quelques mois, elle subit les railleries de ses camarades sur sa virginité. Un soir, alors qu’elle est seule dans sa chambre, elle décide de ne plus se taire et prend la parole en live sur Instagram.
Face au miroir que lui tend le smartphone, Jeanne se raconte, danse, filme, explose, se
métamorphose, oscillant entre mise à nu et mise en scène de soi.

Portée par Helena de Laurens, cette performance virtuose sera accessible certains soirs en live sur Instagram.

LE SPECTACLE EST JOUÉ EN LIVE SUR INSTAGRAM !

_jeanne_dark_, c’est le pseudo Instagram que s’est choisi Jeanne, une adolescente de 16 ans issue d’une famille catholique, qui vit dans une banlieue pavillonnaire d’Orléans. Depuis quelques mois, elle subit les railleries de ses camarades sur sa virginité. Un soir, alors qu’elle est seule dans sa chambre, elle décide de ne plus se taire et prend la parole en live sur Instagram.
Face au miroir que lui tend le smartphone, Jeanne se raconte, danse, filme, explose, se
métamorphose, oscillant entre mise à nu et mise en scène de soi.

Portée par Helena de Laurens, cette performance virtuose sera accessible certains soirs en live sur Instagram.

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« Les histoires ne sont jamais innocentes, le message qu’elles doivent transmettre est toujours soigneusement dissimulé à l’arrière-plan. Elles induisent (discrètement, mais sûrement) des visions du monde. Et donc des façons d’y agir et d’y prendre part. C’est par le récit que nous perpétuons les inégalités, que nous induisons l’impuissance acquise, décrédibilisons des discours. Mais c’est aussi le récit qui nous permet de créer des mondes possibles à partir du monde que nous connaissons. Nous ferons du plateau un « instrument à fabriquer des histoires » : régie à vue, écran de fond de scène… Les comédiens peuvent interagir avec d’autres personnages présents sur les écrans vidéo et se promener dans les lieux qu’ils imaginent. Se montrent ainsi l’oeuvre et sa fabrication. On exhibe dans le même temps une illusion et les moyens que nous utilisons pour la créer. Révéler nos codes et leurs conséquences sur le public (comme les 3 unités, la catharsis…), c’est évoquer ce qui construit notre art du récit et se donner la capacité d’en jouer, de s’en amuser et de convier le public à s’en amuser avec nous… Et de là, ensemble, examiner nos propres responsabilités face aux récits que nous produisons dans nos théâtres. Que choisit-on de se raconter ? Et pourquoi nous racontons-nous autant d’histoires ? »

Bertrand Sinapi

« Les histoires ne sont jamais innocentes, le message qu’elles doivent transmettre est toujours soigneusement dissimulé à l’arrière-plan. Elles induisent (discrètement, mais sûrement) des visions du monde. Et donc des façons d’y agir et d’y prendre part. C’est par le récit que nous perpétuons les inégalités, que nous induisons l’impuissance acquise, décrédibilisons des discours. Mais c’est aussi le récit qui nous permet de créer des mondes possibles à partir du monde que nous connaissons. Nous ferons du plateau un « instrument à fabriquer des histoires » : régie à vue, écran de fond de scène… Les comédiens peuvent interagir avec d’autres personnages présents sur les écrans vidéo et se promener dans les lieux qu’ils imaginent. Se montrent ainsi l’oeuvre et sa fabrication. On exhibe dans le même temps une illusion et les moyens que nous utilisons pour la créer. Révéler nos codes et leurs conséquences sur le public (comme les 3 unités, la catharsis…), c’est évoquer ce qui construit notre art du récit et se donner la capacité d’en jouer, de s’en amuser et de convier le public à s’en amuser avec nous… Et de là, ensemble, examiner nos propres responsabilités face aux récits que nous produisons dans nos théâtres. Que choisit-on de se raconter ? Et pourquoi nous racontons-nous autant d’histoires ? »

Bertrand Sinapi

« Les histoires ne sont jamais innocentes, le message qu’elles doivent transmettre est toujours soigneusement dissimulé à l’arrière-plan. Elles induisent (discrètement, mais sûrement) des visions du monde. Et donc des façons d’y agir et d’y prendre part. C’est par le récit que nous perpétuons les inégalités, que nous induisons l’impuissance acquise, décrédibilisons des discours. Mais c’est aussi le récit qui nous permet de créer des mondes possibles à partir du monde que nous connaissons. Nous ferons du plateau un « instrument à fabriquer des histoires » : régie à vue, écran de fond de scène… Les comédiens peuvent interagir avec d’autres personnages présents sur les écrans vidéo et se promener dans les lieux qu’ils imaginent. Se montrent ainsi l’oeuvre et sa fabrication. On exhibe dans le même temps une illusion et les moyens que nous utilisons pour la créer. Révéler nos codes et leurs conséquences sur le public (comme les 3 unités, la catharsis…), c’est évoquer ce qui construit notre art du récit et se donner la capacité d’en jouer, de s’en amuser et de convier le public à s’en amuser avec nous… Et de là, ensemble, examiner nos propres responsabilités face aux récits que nous produisons dans nos théâtres. Que choisit-on de se raconter ? Et pourquoi nous racontons-nous autant d’histoires ? »

Bertrand Sinapi

« Les histoires ne sont jamais innocentes, le message qu’elles doivent transmettre est toujours soigneusement dissimulé à l’arrière-plan. Elles induisent (discrètement, mais sûrement) des visions du monde. Et donc des façons d’y agir et d’y prendre part. C’est par le récit que nous perpétuons les inégalités, que nous induisons l’impuissance acquise, décrédibilisons des discours. Mais c’est aussi le récit qui nous permet de créer des mondes possibles à partir du monde que nous connaissons. Nous ferons du plateau un « instrument à fabriquer des histoires » : régie à vue, écran de fond de scène… Les comédiens peuvent interagir avec d’autres personnages présents sur les écrans vidéo et se promener dans les lieux qu’ils imaginent. Se montrent ainsi l’oeuvre et sa fabrication. On exhibe dans le même temps une illusion et les moyens que nous utilisons pour la créer. Révéler nos codes et leurs conséquences sur le public (comme les 3 unités, la catharsis…), c’est évoquer ce qui construit notre art du récit et se donner la capacité d’en jouer, de s’en amuser et de convier le public à s’en amuser avec nous… Et de là, ensemble, examiner nos propres responsabilités face aux récits que nous produisons dans nos théâtres. Que choisit-on de se raconter ? Et pourquoi nous racontons-nous autant d’histoires ? »

Bertrand Sinapi

« Les histoires ne sont jamais innocentes, le message qu’elles doivent transmettre est toujours soigneusement dissimulé à l’arrière-plan. Elles induisent (discrètement, mais sûrement) des visions du monde. Et donc des façons d’y agir et d’y prendre part. C’est par le récit que nous perpétuons les inégalités, que nous induisons l’impuissance acquise, décrédibilisons des discours. Mais c’est aussi le récit qui nous permet de créer des mondes possibles à partir du monde que nous connaissons. Nous ferons du plateau un « instrument à fabriquer des histoires » : régie à vue, écran de fond de scène… Les comédiens peuvent interagir avec d’autres personnages présents sur les écrans vidéo et se promener dans les lieux qu’ils imaginent. Se montrent ainsi l’oeuvre et sa fabrication. On exhibe dans le même temps une illusion et les moyens que nous utilisons pour la créer. Révéler nos codes et leurs conséquences sur le public (comme les 3 unités, la catharsis…), c’est évoquer ce qui construit notre art du récit et se donner la capacité d’en jouer, de s’en amuser et de convier le public à s’en amuser avec nous… Et de là, ensemble, examiner nos propres responsabilités face aux récits que nous produisons dans nos théâtres. Que choisit-on de se raconter ? Et pourquoi nous racontons-nous autant d’histoires ? »

Bertrand Sinapi

« Si je reviens aujourd’hui à ces sources gitanes, c’est parce qu’elles représentent bien plus qu’elles-mêmes. En réalité, au quartier Saint-Jacques de Perpignan, se rassemblent dans une cohabitation typiquement méditerranéenne, les cultures du Nord et du Sud de l’Europe, la France et l’Espagne, la culture régionale catalane et la culture maghrébine (de nombreuses familles gitanes sont mixtes). Il faut également parler de continuité humaine car les deux jeunes musiciens qui entourent Roberto Saadna dans ce nouveau projet Ma Gavali font partie de cette même famille avec qui je collabore depuis le début des années 1990. Roberto Junior, neveu du précédent, était venu chanter, âgé d’à peine une dizaine d’années seulement, à Nantes lors du festival d’Été, accompagné de son cousin Xinou et de nombreux membres de la famille. Il est là aujourd’hui, chanteur confirmé, avec son beau-frère Chris Mailhe et son oncle. Il poursuit la lignée de son père Mambo et de son autre oncle Bruno el Gitano, qui m’ont épaulé à l’époque de « Gitans ». La continuité vient également du fait que notre travail porte exclusivement sur un répertoire issu de mon univers musical. Nous poursuivons notre collaboration en accentuant les harmonies vocales dont sont dépositaires les membres de la famille Saadna, très spécifiques dans le monde du flamenco. Je poursuis à travers ce projet un idéal modeste mais têtu de ce que pourrait être une modernité méditerranéenne. » Titi Robin

« Je veux travailler sur les limites, sur les conflits, sur les obstacles. L’artiste de cirque est constamment en résistance contre une force, qu’il soit suspendu, en équilibre ou en train de jeter des objets vers le ciel. Je veux m’amuser avec ce que ces figures peuvent évoquer et les mettre en parallèle avec les combats que l’être social doit mener. Je veux creuser le concept de servitude volontaire d’Étienne de La Boétie. Une partie de l’analyse qu’on pourrait faire de cet ouvrage (Discours de la servitude volontaire – 1574) est que le fait de résister donne du pouvoir à la force qu’on est en train de combattre. Plus je lui résiste, plus je l’encourage jusqu’à un certain point. L’enjeu sociétal semble être de nos jours de résister à une force intangible et impalpable. Le cirque passe son temps à se jouer de cette force. Selon moi, l’artiste de cirque est proche du super-héros, du demi-dieu, il a des capacités extraordinaires. Il réalise des exploits impossibles pour le commun des mortels. Comme l’individu dans la société, l’artiste de cirque est en constante lutte contre des forces invisibles, lui se bat contre la pesanteur et la fin du mouvement. Il se bat encore plus fort contre son propre échec. J’aimerais redécouvrir la fragilité de l’artiste de cirque, qu’elle soit psychologique ou physique, témoigner de la beauté de la fragilité de l’humain. » Clément Dazin

« Ce projet est né de l’impression vertigineuse que j’ai eue en voyant une chaînette à billes – telle que celle qui relie l’évier à son bouchon d’évacuation – s’échapper d’un récipient posé sur une table, furieusement et bruyamment, dans un mouvement sans fin vers le sol. Cette fuite incontrôlable m’a immédiatement évoqué le temps qui file et que l’on ne peut arrêter. Durant ce court instant, le temps m’a semblé ralenti alors que, paradoxalement, je le voyais s’échapper à une vitesse phénoménale. Le silence qui a ponctué cet écoulement m’a invité à considérer l’étendue tellement relative de nos perceptions du temps. Dans un monde où tant d’outils sont produits pour nous faire gagner du temps, il paraît étonnament difficile d’en avoir et, le plus souvent, nous courons après. Il est inquiétant au regard des années écoulées et de celles qu’il reste peut-être à vivre. Il devient éternel dans l’attente et s’évanouit dans la joie comme dans la peur. Il nous dépasse quand il concerne l’histoire de l’univers mais également dans la nanoseconde qui limite la fréquence de deux transactions boursières… En partant de rien, de la chute de cette simple chaînette, je me suis trouvé à considérer l’homme, le monde, l’existence, l’univers… un peu tout. » Alexis Rouvre

« Ce projet est né de l’impression vertigineuse que j’ai eue en voyant une chaînette à billes – telle que celle qui relie l’évier à son bouchon d’évacuation – s’échapper d’un récipient posé sur une table, furieusement et bruyamment, dans un mouvement sans fin vers le sol. Cette fuite incontrôlable m’a immédiatement évoqué le temps qui file et que l’on ne peut arrêter. Durant ce court instant, le temps m’a semblé ralenti alors que, paradoxalement, je le voyais s’échapper à une vitesse phénoménale. Le silence qui a ponctué cet écoulement m’a invité à considérer l’étendue tellement relative de nos perceptions du temps. Dans un monde où tant d’outils sont produits pour nous faire gagner du temps, il paraît étonnament difficile d’en avoir et, le plus souvent, nous courons après. Il est inquiétant au regard des années écoulées et de celles qu’il reste peut-être à vivre. Il devient éternel dans l’attente et s’évanouit dans la joie comme dans la peur. Il nous dépasse quand il concerne l’histoire de l’univers mais également dans la nanoseconde qui limite la fréquence de deux transactions boursières… En partant de rien, de la chute de cette simple chaînette, je me suis trouvé à considérer l’homme, le monde, l’existence, l’univers… un peu tout. » Alexis Rouvre

« Ce projet est né de l’impression vertigineuse que j’ai eue en voyant une chaînette à billes – telle que celle qui relie l’évier à son bouchon d’évacuation – s’échapper d’un récipient posé sur une table, furieusement et bruyamment, dans un mouvement sans fin vers le sol. Cette fuite incontrôlable m’a immédiatement évoqué le temps qui file et que l’on ne peut arrêter. Durant ce court instant, le temps m’a semblé ralenti alors que, paradoxalement, je le voyais s’échapper à une vitesse phénoménale. Le silence qui a ponctué cet écoulement m’a invité à considérer l’étendue tellement relative de nos perceptions du temps. Dans un monde où tant d’outils sont produits pour nous faire gagner du temps, il paraît étonnament difficile d’en avoir et, le plus souvent, nous courons après. Il est inquiétant au regard des années écoulées et de celles qu’il reste peut-être à vivre. Il devient éternel dans l’attente et s’évanouit dans la joie comme dans la peur. Il nous dépasse quand il concerne l’histoire de l’univers mais également dans la nanoseconde qui limite la fréquence de deux transactions boursières… En partant de rien, de la chute de cette simple chaînette, je me suis trouvé à considérer l’homme, le monde, l’existence, l’univers… un peu tout. » Alexis Rouvre

« Ce projet est né de l’impression vertigineuse que j’ai eue en voyant une chaînette à billes – telle que celle qui relie l’évier à son bouchon d’évacuation – s’échapper d’un récipient posé sur une table, furieusement et bruyamment, dans un mouvement sans fin vers le sol. Cette fuite incontrôlable m’a immédiatement évoqué le temps qui file et que l’on ne peut arrêter. Durant ce court instant, le temps m’a semblé ralenti alors que, paradoxalement, je le voyais s’échapper à une vitesse phénoménale. Le silence qui a ponctué cet écoulement m’a invité à considérer l’étendue tellement relative de nos perceptions du temps. Dans un monde où tant d’outils sont produits pour nous faire gagner du temps, il paraît étonnament difficile d’en avoir et, le plus souvent, nous courons après. Il est inquiétant au regard des années écoulées et de celles qu’il reste peut-être à vivre. Il devient éternel dans l’attente et s’évanouit dans la joie comme dans la peur. Il nous dépasse quand il concerne l’histoire de l’univers mais également dans la nanoseconde qui limite la fréquence de deux transactions boursières… En partant de rien, de la chute de cette simple chaînette, je me suis trouvé à considérer l’homme, le monde, l’existence, l’univers… un peu tout. » Alexis Rouvre

« Ce projet est né de l’impression vertigineuse que j’ai eue en voyant une chaînette à billes – telle que celle qui relie l’évier à son bouchon d’évacuation – s’échapper d’un récipient posé sur une table, furieusement et bruyamment, dans un mouvement sans fin vers le sol. Cette fuite incontrôlable m’a immédiatement évoqué le temps qui file et que l’on ne peut arrêter. Durant ce court instant, le temps m’a semblé ralenti alors que, paradoxalement, je le voyais s’échapper à une vitesse phénoménale. Le silence qui a ponctué cet écoulement m’a invité à considérer l’étendue tellement relative de nos perceptions du temps. Dans un monde où tant d’outils sont produits pour nous faire gagner du temps, il paraît étonnament difficile d’en avoir et, le plus souvent, nous courons après. Il est inquiétant au regard des années écoulées et de celles qu’il reste peut-être à vivre. Il devient éternel dans l’attente et s’évanouit dans la joie comme dans la peur. Il nous dépasse quand il concerne l’histoire de l’univers mais également dans la nanoseconde qui limite la fréquence de deux transactions boursières… En partant de rien, de la chute de cette simple chaînette, je me suis trouvé à considérer l’homme, le monde, l’existence, l’univers… un peu tout. » Alexis Rouvre

*cirque sous chapiteau*

D’après Mérimée et Bizet

« Carmen n’est pas une histoire d’amour. Si c’en était une, ce serait un simple fait divers : un homme aime une femme qui ne l’aime plus alors il la tue. Mais pourquoi, au dernier acte, Carmen fait-elle face ? Il lui suffirait de dénoncer José, ou seulement de rentrer dans l’arène avec les autres… Elle ne le fait pas. Elle ne veut pas être moins forte que José. Elle refuse de lâcher le moindre pouce de terrain. Fuir devant José pour rester en vie, ce serait être moins que lui. En restant, elle l’oblige à la tuer et ce faisant elle le condamne au même titre qu’il la condamne. Carmen n’est pas une histoire d’amour, c’est l’inépuisable histoire du pouvoir et de la liberté. Carmen nous fait nous poser la question terrible : jusqu’où serais-je prêt à aller pour défendre ma liberté ? Question simple, mais inépuisable parce que sans réponse. Tout le monde peut la comprendre et chacun se la pose à des moments de sa vie, des fois sans même l’avoir formulée. Carmen n’est pas une histoire d’amour, c’est l’histoire du courage, des courages… L’histoire d’une défaite : la force, l’élégance, le panache de perdre en beauté. Le petit chapiteau où se jouera Je suis Carmen (je le connais bien pour y jouer depuis 18 ans Le tour complet du coeur) est entièrement dédié à la rencontre, il a changé ma vie d’artiste : être parmi plutôt que devant. On chante, on fait du cirque tout près des gens. On est à quelque centimètres. » Gilles Cailleau

*cirque sous chapiteau*

D’après Mérimée et Bizet

« Carmen n’est pas une histoire d’amour. Si c’en était une, ce serait un simple fait divers : un homme aime une femme qui ne l’aime plus alors il la tue. Mais pourquoi, au dernier acte, Carmen fait-elle face ? Il lui suffirait de dénoncer José, ou seulement de rentrer dans l’arène avec les autres… Elle ne le fait pas. Elle ne veut pas être moins forte que José. Elle refuse de lâcher le moindre pouce de terrain. Fuir devant José pour rester en vie, ce serait être moins que lui. En restant, elle l’oblige à la tuer et ce faisant elle le condamne au même titre qu’il la condamne. Carmen n’est pas une histoire d’amour, c’est l’inépuisable histoire du pouvoir et de la liberté. Carmen nous fait nous poser la question terrible : jusqu’où serais-je prêt à aller pour défendre ma liberté ? Question simple, mais inépuisable parce que sans réponse. Tout le monde peut la comprendre et chacun se la pose à des moments de sa vie, des fois sans même l’avoir formulée. Carmen n’est pas une histoire d’amour, c’est l’histoire du courage, des courages… L’histoire d’une défaite : la force, l’élégance, le panache de perdre en beauté. Le petit chapiteau où se jouera Je suis Carmen (je le connais bien pour y jouer depuis 18 ans Le tour complet du coeur) est entièrement dédié à la rencontre, il a changé ma vie d’artiste : être parmi plutôt que devant. On chante, on fait du cirque tout près des gens. On est à quelque centimètres. » Gilles Cailleau