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PROGRAMME

D’ADAMO : Sur vestiges
SCHUBERT : Quintette en ut pour deux violoncelles

Jeune prodige, Noémi Boutin rentre au Conservatoire National Supérieur de Musique de Paris à l’âge de 14 ans. Lauréate de nombreux concours en France et à l’étranger (« Révélation classique » de l’ADAMI, lauréate de la Fondation Natexis…), elle se produit en soliste auprès de diverses formations (Orchestre de la Radio de Munich, l’Orchestre des Pays de Savoie, l’Orchestre de Chambre de Toulouse, l’Orchestre de Chambre d’Auvergne…). Elle est l’invitée des plus grandes scènes et festivals (Philharmonie de Paris, Musée d’Orsay, Salle Cortot, la Roque d’Anthéron, L’Orangerie de Sceaux, Flâneries Musicales de Reims, Festival Berlioz, Festival Radio France Montpellier…) ainsi qu’au Japon, en Chine, Espagne, Italie, Norvège… Noémi Boutin est également chambriste, avec le Trio Cérès (Prix ARD de Münich – 2007). Elle poursuit aujourd’hui ce travail aux côtés du Quatuor Béla dont elle est l’invitée régulière. Enfin, passionnée d’aventures artistiques inédites et inattendues, Noémi Boutin partage la scène avec les plus grands circassiens, comédiens ou encore musiciens de jazz, tels que Mathurin Bolze, Jörg Müller, Sylvaine Hélary, Marc Ducret, Pierre Meunier…

Quatuor Bela : depuis 15 ans, « les enfants terribles du quatuor français » écrivent un parcours singulier, entre tradition et modernité. Attachés au répertoire ancien du quatuor à cordes, qu’ils défendent au sein des programmations classiques d’excellence en France et à l’étranger (Philharmonie de Paris, Théâtre Mariinsky, BeethovenFest…), les musiciens du quatuor Béla ont à coeur d’inscrire la tradition du quatuor à cordes dans la vie musicale contemporaine. Leur travail de créations en lien avec des compositeurs de différentes générations a été couronné en 2015 par le Prix de la Presse Musicale Internationale. Le jeu du quatuor Béla se met volontiers, ces dernières années, au service des compositeurs d’Europe centrale du début du 20ème siècle comme Janacek, Bartok, Szymanovsky, Webern…

« Les hauts et les bas que l’on rencontre, ce sont à la fois nos succès et nos échecs. Face aux épreuves que nous traversons dans la vie, nous ne réagissons pas de la même façon : cela dépend de nos vécus, de nos personnalités. Ce que l’on exprime à travers Des Hauts et Débat, c’est qu’être au plus bas, fait aussi prendre de la hauteur. »

 « Enfermés dans nos villages et ne pouvant nous déplacer, nous avons réussi à voyager à travers notre imagination. C’est en rêvant, que l’on commence à se mouvoir. Nous questionnons le public : Où se situe le voyage ? Faut-il nécessairement aller à des milliers de kilomètres de chez soi pour voyager ? Ou bien peut-on voyager simplement par l’imaginaire ? Une musique que l’on entend, une paire de basket que l’on chausse, une odeur que l’on sent.»

Ala’Eddine et Kévin prennent souvent la route pour se rendre à des battles hip hop en France, en Europe et au-delà. En 2016, ils se retrouvent tous deux à Constantine, et les rencontres qu’ils y font les bouleversent. L’idée de partager leurs expériences de voyages par le biais d’un spectacle voit le jour. Dans cette création, le duo de breakdancers nous invite à le suivre dans un véritable road trip au parfum de parcours initiatique.

« Les hauts et les bas que l’on rencontre, ce sont à la fois nos succès et nos échecs. Face aux épreuves que nous traversons dans la vie, nous ne réagissons pas de la même façon : cela dépend de nos vécus, de nos personnalités. Ce que l’on exprime à travers Des Hauts et Débat, c’est qu’être au plus bas, fait aussi prendre de la hauteur. »

 « Enfermés dans nos villages et ne pouvant nous déplacer, nous avons réussi à voyager à travers notre imagination. C’est en rêvant, que l’on commence à se mouvoir. Nous questionnons le public : Où se situe le voyage ? Faut-il nécessairement aller à des milliers de kilomètres de chez soi pour voyager ? Ou bien peut-on voyager simplement par l’imaginaire ? Une musique que l’on entend, une paire de basket que l’on chausse, une odeur que l’on sent.»

Ala’Eddine et Kévin prennent souvent la route pour se rendre à des battles hip hop en France, en Europe et au-delà. En 2016, ils se retrouvent tous deux à Constantine, et les rencontres qu’ils y font les bouleversent. L’idée de partager leurs expériences de voyages par le biais d’un spectacle voit le jour. Dans cette création, le duo de breakdancers nous invite à le suivre dans un véritable road trip au parfum de parcours initiatique.

« Les hauts et les bas que l’on rencontre, ce sont à la fois nos succès et nos échecs. Face aux épreuves que nous traversons dans la vie, nous ne réagissons pas de la même façon : cela dépend de nos vécus, de nos personnalités. Ce que l’on exprime à travers Des Hauts et Débat, c’est qu’être au plus bas, fait aussi prendre de la hauteur. »

 « Enfermés dans nos villages et ne pouvant nous déplacer, nous avons réussi à voyager à travers notre imagination. C’est en rêvant, que l’on commence à se mouvoir. Nous questionnons le public : Où se situe le voyage ? Faut-il nécessairement aller à des milliers de kilomètres de chez soi pour voyager ? Ou bien peut-on voyager simplement par l’imaginaire ? Une musique que l’on entend, une paire de basket que l’on chausse, une odeur que l’on sent.»

Ala’Eddine et Kévin prennent souvent la route pour se rendre à des battles hip hop en France, en Europe et au-delà. En 2016, ils se retrouvent tous deux à Constantine, et les rencontres qu’ils y font les bouleversent. L’idée de partager leurs expériences de voyages par le biais d’un spectacle voit le jour. Dans cette création, le duo de breakdancers nous invite à le suivre dans un véritable road trip au parfum de parcours initiatique.

« C’est l’histoire de cinq frères qui se connaissent déjà… Mais qui se rencontrent pour la première fois ! Dans une Fiat Panda… Nous sommes des hommes non ? Alors parlons- en, avec humour, risques et dérision. Dans ce nouveau projet, le Cirque la Compagnie a décidé d’écrire et de mettre en scène un récit. Comment mettre en piste une histoire avec des corps sans texte, et du cirque ? Comment faire naître des personnages singuliers et les mettre ensemble ? Comment mettre notre technique au service de la dramaturgie ? … Dans un esprit tragi-comique, nous voulons raconter l’histoire d’une famille, questionner des thèmes comme la fraternité, l’entraide, la mixité sociale… Mais aussi, comme pourrait le faire Beckett par l’absurde, aborder carrément des questions comme l’amour, la solitude, la mort, ou ceci, ou cela, et puis tout ça… Le spectacle sera co-mis en scène. Cela peut paraître étrange mais c’est simple. Nous sommes avant tout un Cirque, avec une vision de la vie, de la scène et de ce qu’il s’y passe. Nous tenons tous les cinq à garder un regard sur la création de ce spectacle. Nous voulons que chacun d’entre nous puisse donner son plein potentiel, mais aussi influencer les choix artistiques pour permettre au spectacle d’évoluer et de grandir. Pandax n’appartiendra pas à un individu mais à une entité qui nous réunit tous : le Cirque la Compagnie. » Cirque la Compagnie

presse : « Découverts en 2017 au Festival mondial du cirque de demain à Paris d’où ils étaient repartis sous une extraordinaire pluie de récompenses, ces artistes franco-suisses épatent par leur créativité, leur humour noir et leur dynamisme. Leur cirque est très concret, avec de la bascule, du mât chinois, de l’échelle libre, du lancer de couteaux… Il est aussi plein de chansons détournées et de drôleries. L’ensemble est furieusement enthousiasmant.» Télérama-Sortir/TTT

« C’est l’histoire de cinq frères qui se connaissent déjà… Mais qui se rencontrent pour la première fois ! Dans une Fiat Panda… Nous sommes des hommes non ? Alors parlons- en, avec humour, risques et dérision. Dans ce nouveau projet, le Cirque la Compagnie a décidé d’écrire et de mettre en scène un récit. Comment mettre en piste une histoire avec des corps sans texte, et du cirque ? Comment faire naître des personnages singuliers et les mettre ensemble ? Comment mettre notre technique au service de la dramaturgie ? … Dans un esprit tragi-comique, nous voulons raconter l’histoire d’une famille, questionner des thèmes comme la fraternité, l’entraide, la mixité sociale… Mais aussi, comme pourrait le faire Beckett par l’absurde, aborder carrément des questions comme l’amour, la solitude, la mort, ou ceci, ou cela, et puis tout ça… Le spectacle sera co-mis en scène. Cela peut paraître étrange mais c’est simple. Nous sommes avant tout un Cirque, avec une vision de la vie, de la scène et de ce qu’il s’y passe. Nous tenons tous les cinq à garder un regard sur la création de ce spectacle. Nous voulons que chacun d’entre nous puisse donner son plein potentiel, mais aussi influencer les choix artistiques pour permettre au spectacle d’évoluer et de grandir. Pandax n’appartiendra pas à un individu mais à une entité qui nous réunit tous : le Cirque la Compagnie. » Cirque la Compagnie

presse : « Découverts en 2017 au Festival mondial du cirque de demain à Paris d’où ils étaient repartis sous une extraordinaire pluie de récompenses, ces artistes franco-suisses épatent par leur créativité, leur humour noir et leur dynamisme. Leur cirque est très concret, avec de la bascule, du mât chinois, de l’échelle libre, du lancer de couteaux… Il est aussi plein de chansons détournées et de drôleries. L’ensemble est furieusement enthousiasmant.» Télérama-Sortir/TTT

« C’est l’histoire de cinq frères qui se connaissent déjà… Mais qui se rencontrent pour la première fois ! Dans une Fiat Panda… Nous sommes des hommes non ? Alors parlons- en, avec humour, risques et dérision. Dans ce nouveau projet, le Cirque la Compagnie a décidé d’écrire et de mettre en scène un récit. Comment mettre en piste une histoire avec des corps sans texte, et du cirque ? Comment faire naître des personnages singuliers et les mettre ensemble ? Comment mettre notre technique au service de la dramaturgie ? … Dans un esprit tragi-comique, nous voulons raconter l’histoire d’une famille, questionner des thèmes comme la fraternité, l’entraide, la mixité sociale… Mais aussi, comme pourrait le faire Beckett par l’absurde, aborder carrément des questions comme l’amour, la solitude, la mort, ou ceci, ou cela, et puis tout ça… Le spectacle sera co-mis en scène. Cela peut paraître étrange mais c’est simple. Nous sommes avant tout un Cirque, avec une vision de la vie, de la scène et de ce qu’il s’y passe. Nous tenons tous les cinq à garder un regard sur la création de ce spectacle. Nous voulons que chacun d’entre nous puisse donner son plein potentiel, mais aussi influencer les choix artistiques pour permettre au spectacle d’évoluer et de grandir. Pandax n’appartiendra pas à un individu mais à une entité qui nous réunit tous : le Cirque la Compagnie. » Cirque la Compagnie

presse : « Découverts en 2017 au Festival mondial du cirque de demain à Paris d’où ils étaient repartis sous une extraordinaire pluie de récompenses, ces artistes franco-suisses épatent par leur créativité, leur humour noir et leur dynamisme. Leur cirque est très concret, avec de la bascule, du mât chinois, de l’échelle libre, du lancer de couteaux… Il est aussi plein de chansons détournées et de drôleries. L’ensemble est furieusement enthousiasmant.» Télérama-Sortir/TTT

Paru en 1945, Black Boy est le premier roman écrit par un noir sur ses conditions de vie. L’auteur y raconte son enfance et son adolescence dans le sud ségrégationniste américain du début du xxe siècle ; confronté à l’injustice, à la misère, à la violence des rapports entre noirs et blancs, il réussit à sortir du carcan dans lequel on veut l’enfermer grâce à sa découverte de la lecture et de l’écriture…
Le spectacle propose une “vibration” sensible de ce roman aussi mythique que bouleversant, qui mêle sur scène un comédien, un musicien et un illustrateur de bande dessinée.

Concert spectacle dessiné

**représentations scolaires uniquement**

« Le projet est né lors d’actions de médiation auprès d’enfants d’écoles primaires. Nous avons été très surpris de leur adhésion très directe à notre démarche singulière mélant danse butô et sons de contrebasse. En réponse, nous avons voulu créer un spectacle qui leur serait dédié, nourri de nos univers. Mais comment passer du côté sombre, obscur, caractéristique du butô à la lumière ? Le choix du paresseux, Namakemono en japonais, nous est apparu évident. Le butô maitrise la lenteur et sa technique, comme sa profondeur, permet de donner une vie grotesque et amusante à cet animal bien étrange qu’est Namakemono. Un premier spectacle / essais est né, Namakemono, où l’impossibilité de dresser l’indomptable. Un Ours, maître en domptage, tente de dresser un Paresseux. Il n’a peut-être pas choisi le bon animal pour exercer ses talents de dompteur, car le Namakemono est certes bien sympathique, mais lent et… paresseux ! La lenteur de la danse butô crée le personnage du Paresseux, qui à son tour crée naturellement la chorégraphie. La technique du butô qui permet d’exprimer les émotions intérieures va permettre de créer le caractère du personnage : les mimiques grotesques et les expressions démoniaques du butô vont se transformer ici en expressions tendres du Paresseux. C’est un exemple de passage de l’obscur à la lumière. La gestuelle joue un grand rôle dans la compréhension de l’histoire et le passage des émotions. Le réel (les gestes courants) et l’irréel (la lenteur des mouvements de Namakemono) se mêleront pour créer un monde imaginaire. » Emmanuel Fleitz

**représentations scolaires uniquement**

« Le projet est né lors d’actions de médiation auprès d’enfants d’écoles primaires. Nous avons été très surpris de leur adhésion très directe à notre démarche singulière mélant danse butô et sons de contrebasse. En réponse, nous avons voulu créer un spectacle qui leur serait dédié, nourri de nos univers. Mais comment passer du côté sombre, obscur, caractéristique du butô à la lumière ? Le choix du paresseux, Namakemono en japonais, nous est apparu évident. Le butô maitrise la lenteur et sa technique, comme sa profondeur, permet de donner une vie grotesque et amusante à cet animal bien étrange qu’est Namakemono. Un premier spectacle / essais est né, Namakemono, où l’impossibilité de dresser l’indomptable. Un Ours, maître en domptage, tente de dresser un Paresseux. Il n’a peut-être pas choisi le bon animal pour exercer ses talents de dompteur, car le Namakemono est certes bien sympathique, mais lent et… paresseux ! La lenteur de la danse butô crée le personnage du Paresseux, qui à son tour crée naturellement la chorégraphie. La technique du butô qui permet d’exprimer les émotions intérieures va permettre de créer le caractère du personnage : les mimiques grotesques et les expressions démoniaques du butô vont se transformer ici en expressions tendres du Paresseux. C’est un exemple de passage de l’obscur à la lumière. La gestuelle joue un grand rôle dans la compréhension de l’histoire et le passage des émotions. Le réel (les gestes courants) et l’irréel (la lenteur des mouvements de Namakemono) se mêleront pour créer un monde imaginaire. » Emmanuel Fleitz

**représentations scolaires uniquement**

« Le projet est né lors d’actions de médiation auprès d’enfants d’écoles primaires. Nous avons été très surpris de leur adhésion très directe à notre démarche singulière mélant danse butô et sons de contrebasse. En réponse, nous avons voulu créer un spectacle qui leur serait dédié, nourri de nos univers. Mais comment passer du côté sombre, obscur, caractéristique du butô à la lumière ? Le choix du paresseux, Namakemono en japonais, nous est apparu évident. Le butô maitrise la lenteur et sa technique, comme sa profondeur, permet de donner une vie grotesque et amusante à cet animal bien étrange qu’est Namakemono. Un premier spectacle / essais est né, Namakemono, où l’impossibilité de dresser l’indomptable. Un Ours, maître en domptage, tente de dresser un Paresseux. Il n’a peut-être pas choisi le bon animal pour exercer ses talents de dompteur, car le Namakemono est certes bien sympathique, mais lent et… paresseux ! La lenteur de la danse butô crée le personnage du Paresseux, qui à son tour crée naturellement la chorégraphie. La technique du butô qui permet d’exprimer les émotions intérieures va permettre de créer le caractère du personnage : les mimiques grotesques et les expressions démoniaques du butô vont se transformer ici en expressions tendres du Paresseux. C’est un exemple de passage de l’obscur à la lumière. La gestuelle joue un grand rôle dans la compréhension de l’histoire et le passage des émotions. Le réel (les gestes courants) et l’irréel (la lenteur des mouvements de Namakemono) se mêleront pour créer un monde imaginaire. » Emmanuel Fleitz

**représentations scolaires uniquement**

« Le projet est né lors d’actions de médiation auprès d’enfants d’écoles primaires. Nous avons été très surpris de leur adhésion très directe à notre démarche singulière mélant danse butô et sons de contrebasse. En réponse, nous avons voulu créer un spectacle qui leur serait dédié, nourri de nos univers. Mais comment passer du côté sombre, obscur, caractéristique du butô à la lumière ? Le choix du paresseux, Namakemono en japonais, nous est apparu évident. Le butô maitrise la lenteur et sa technique, comme sa profondeur, permet de donner une vie grotesque et amusante à cet animal bien étrange qu’est Namakemono. Un premier spectacle / essais est né, Namakemono, où l’impossibilité de dresser l’indomptable. Un Ours, maître en domptage, tente de dresser un Paresseux. Il n’a peut-être pas choisi le bon animal pour exercer ses talents de dompteur, car le Namakemono est certes bien sympathique, mais lent et… paresseux ! La lenteur de la danse butô crée le personnage du Paresseux, qui à son tour crée naturellement la chorégraphie. La technique du butô qui permet d’exprimer les émotions intérieures va permettre de créer le caractère du personnage : les mimiques grotesques et les expressions démoniaques du butô vont se transformer ici en expressions tendres du Paresseux. C’est un exemple de passage de l’obscur à la lumière. La gestuelle joue un grand rôle dans la compréhension de l’histoire et le passage des émotions. Le réel (les gestes courants) et l’irréel (la lenteur des mouvements de Namakemono) se mêleront pour créer un monde imaginaire. » Emmanuel Fleitz

D’après le conte Barbe Bleue, de Charles Perrault, Tirés des contes de Ma Mère L’Oye.

DON’T YOU SEE IT COMING, est un solo entre désarticulation et iconographie pensé tel un jeu sardonique, créé et interprété
par Sarah Baltzinger, ccompagnée par le musicien Guillaume Jullien au plateau.
Considéré comme un récit transgressif, Barbe-Bleue est une lecture merveilleuse pour raconter les blessures du passé qui
viennent entraver le présent et notre besoin fantasmé d’être sauvé par l’autre. Prenant l’oeuvre de Charles Perrault comme
point de départ, la nouvelle création de Sarah Baltzinger et du musicien Guillaume Jullien illustre la façon dont s’exercent
nos relations interpersonnelles, entre hédonisme et fascination pour le danger. Au travers d’une esthétique contemporaine
inspirée du baroque et d’un mariage entre le son et le geste, les deux artistes explorent des liens qui se tissent et se défont
pour aboutir à une réflexion sur notre désir antinomique d’appartenance et de liberté, d’attachement et d’émancipation.
Cette création est le deuxième volet d’une recherche menée de 2018 à 2020 sur la thématique de l’héritage et la transmission.

PROGRAMME

Antonio VIVALDI
Vedrò con mio diletto
Il Giustino
Domine Deus – Gloria

Claude DEBUSSY
Arabesque n°1
Ariettes oubliées
Clair de lune
Suite Bergamasque
Nuit d’étoiles
Beau soir
Feu d’artifice

Maurice RAVEL
Chants populaires

George CRUMB
Spring fire and Dream image
Three early songs

Inès Prisca commence très tôt l’étude de la musique dans la classe d’Emmanuelle Mousset au conservatoire Gustave Charpentier de Paris. À l’âge de 9 ans elle intègre la Maîtrise de Radio-France, où elle acquiert une solide formation musicale. Durant ce cursus, elle participe à de nombreux concerts sous la direction de chefs prestigieux tels que Kurt Masur, Georges Prêtre, Myung Whun Chung, Yutaka Sado, Marc Minkowski, Charles Dutoit, Riccardo Muti (…) Elle entre ensuite dans la classe de chant lyrique de Gisèle Fixe au conservatoire Erik Satie du 7ème arrondissement, tout en suivant des études universitaires en cinéma et audiovisuel à la Sorbonne Nouvelle et de jazz vocal au Conservatoire Nadia et Lili Boulanger, dans la classe de Guylenn Delassus. Elle suit une formation de comédienne au Studio spectacle Acting International avec Robert Cordier puis dans les workshops de Jack Waltzer. Elle suit actuellement un cursus de chant lyrique avec Caroline Fèvre.

Raphaël Laroche, formé au Conservatoire de Rouen par Ursula Von Lerber, il intègre ensuite le Pôle d‘Enseignement Supérieur de la musique Île-de-France où il obtient son diplôme dans la classe de Bruno Perbost en 2014. Parallèlement, il approfondit sa formation avec Marie-Joseph Jude, Jean-François Heisseret Pascal Nemirovski avec lequel il étudie un an à la Royal Academy of Music de Londres. Passionné par la pédagogie, il obtient son diplôme d’état au Pôle Sup’93 et enseigne depuis 2016 le piano au Conservatoire du Grand Verdun. En tant que soliste, accompagnateur et improvisateur il est amené à se produire régulièrement dans des événements comme le festival « tous en scène ! » ou « Il était une voix » au théâtre d’Aulnay-sous-bois avec Didier Grojsman. Il se produit en 2019 avec Inès Prisca dans un concert-théâtre, « Le bureau des enfers », présenté au théâtre du Gouvernail et à l’Auguste Théâtre ; ensemble, ils choisissent de commencer une nouvelle aventure musicale en duo.

« L’inspiration vient du livre de la psychologue américaine Robin Norwood « Ces femmes qui aiment trop ». Il s’agit de femmes qui recherchent pour leurs histoires d’amour un homme qui a besoin d’aide, qui est souvent soit alcoolique, soit addict aux drogues ou au jeu, soit violent… Ces femmes, à cause de leur passé, et souvent de ce qu’elles ont vécu  pendant l’enfance, deviennent elles-mêmes accros à ces hommes et à la relation qui s’instaure entre eux. Elles en ont besoin pour se sentir vivantes et accomplies, alors qu’elles sont dans un processus d’autodestruction. Les personnages principaux de La Table sont « La Femme Qui Aime Trop » et « Monsieur Renard ». « La Femme Qui Aime Trop » est passionnée, lunatique, créative et acrobatique. Monsieur Renard (un renard empaillé !) représente l’homme égoïste et manipulateur, incapable d’aimer mais qui veut l’amour de « la femme » pour son propre confort. La Table est la description d’une lutte qui se déroule entre les murs de la maison, dans un environnement privé, caché du monde extérieur, avec des apparences aussi parfaites que fausses… Avec ironie et autodérision, je veux raconter cette lutte à travers du cirque, et montrer que la clé d’une relation saine commence par l’amour de soi-même. L’idée est d’éloigner ce qui nous fait souffrir, de refuser l’idée que l’on doive souffrir, notamment par amour. » Tiziana Prota

Bassekou Kouyate est né à Garana, petit village multiethnique situé à 60 km de Ségou, sur les rives du fl euve Niger. Il est issu d’une longue lignée de griots. Dans les années 90, Bassekou commence à jouer le circuit traditionnel du sumu, sur lequel il rencontre Toumani Diabate (kora) ; avec celui-ci et Habib Koite, ils créent Symmetric Orchestra et vivent une première tournée en Europe fi n 90. La même année, Bassekou fait son premier voyage aux États-Unis, où il rencontre le musicien de blues afro-américain, Taj Mahal. Il épouse Amy Sacko, chanteuse griot originaire du nord-ouest du Mali. Ensemble, ils enregistrent plusieurs cassettes populaires et se produisent sur le circuit des mariages et à la télévision malienne où Amy est surnommée «la Tina Turner du Mali». En 2005, Bassekou est invité par Ali Farka Touré à jouer sur son album «Savane» et à le rejoindre sur scène pour sa dernière tournée à l’été 2005. La même année, Bassekou créé son groupe Ngoni Ba, un quatuor de ngonis de taille différente, incluant sa femme et des membres de sa famille. Depuis Bassekou Kouyate & Ngoni Ba ont fait le tour du monde en jouant de Central Park à NYC, au Royal Albert Hall à Londres, de Roskilde à Glastonbury. Il joue également avec Africa Express et avec des musiciens comme Sir Paul McCartney, John Paul Jones, Damon Albarn et bien d’autres.

« Le cinéma est un art qui se partage, se transmet. Nous accompagnant au fil de notre existence, par le souvenir qu’on en garde ou par les visionnages successifs, les «films de nos vies» donnent à lire nos histoires. Ma rencontre avec Pierre Maillet a eu lieu il y a vingt ans. Il y a entre nous ce plaisir du dialogue, la confiance, et ce goût pour les acteurs, le jeu, le cinéma. Car Pierre est un grand cinéphile, il collectionne chez lui des centaines de films. Ils font partie de sa vie. Avec la complicité de Tanguy Viel, nous avons imaginé un récit rendant sensible le cheminement d’un jeune homme qui, grâce au cinéma, sent grandir en lui un fort désir d’émancipation et de liberté. Un récit dont le cinéma serait le support, ou le prétexte. En revisitant avec humour les premiers émois cinématographiques de Pierre, nous dressons, non seulement son portrait mais aussi celui d’une génération. Le cinéma des années 80 et 90, les affiches gardées précieusement dans la chambre, les premiers vidéos-clubs, les films d’horreur vus en cachette. Puis, vient le cinéma d’auteur. Car les films offrent une pluralité d’identifications possibles, que chacun peut adopter ou récuser, apprenant ainsi à mieux élaborer sa propre identité. C’est cet apprentissage qui m’intéresse, la construction d’un parcours et la genèse d’une vie d’artiste. » Émilie Capliez

« Le cinéma est un art qui se partage, se transmet. Nous accompagnant au fil de notre existence, par le souvenir qu’on en garde ou par les visionnages successifs, les «films de nos vies» donnent à lire nos histoires. Ma rencontre avec Pierre Maillet a eu lieu il y a vingt ans. Il y a entre nous ce plaisir du dialogue, la confiance, et ce goût pour les acteurs, le jeu, le cinéma. Car Pierre est un grand cinéphile, il collectionne chez lui des centaines de films. Ils font partie de sa vie. Avec la complicité de Tanguy Viel, nous avons imaginé un récit rendant sensible le cheminement d’un jeune homme qui, grâce au cinéma, sent grandir en lui un fort désir d’émancipation et de liberté. Un récit dont le cinéma serait le support, ou le prétexte. En revisitant avec humour les premiers émois cinématographiques de Pierre, nous dressons, non seulement son portrait mais aussi celui d’une génération. Le cinéma des années 80 et 90, les affiches gardées précieusement dans la chambre, les premiers vidéos-clubs, les films d’horreur vus en cachette. Puis, vient le cinéma d’auteur. Car les films offrent une pluralité d’identifications possibles, que chacun peut adopter ou récuser, apprenant ainsi à mieux élaborer sa propre identité. C’est cet apprentissage qui m’intéresse, la construction d’un parcours et la genèse d’une vie d’artiste. » Émilie Capliez

« Le cinéma est un art qui se partage, se transmet. Nous accompagnant au fil de notre existence, par le souvenir qu’on en garde ou par les visionnages successifs, les «films de nos vies» donnent à lire nos histoires. Ma rencontre avec Pierre Maillet a eu lieu il y a vingt ans. Il y a entre nous ce plaisir du dialogue, la confiance, et ce goût pour les acteurs, le jeu, le cinéma. Car Pierre est un grand cinéphile, il collectionne chez lui des centaines de films. Ils font partie de sa vie. Avec la complicité de Tanguy Viel, nous avons imaginé un récit rendant sensible le cheminement d’un jeune homme qui, grâce au cinéma, sent grandir en lui un fort désir d’émancipation et de liberté. Un récit dont le cinéma serait le support, ou le prétexte. En revisitant avec humour les premiers émois cinématographiques de Pierre, nous dressons, non seulement son portrait mais aussi celui d’une génération. Le cinéma des années 80 et 90, les affiches gardées précieusement dans la chambre, les premiers vidéos-clubs, les films d’horreur vus en cachette. Puis, vient le cinéma d’auteur. Car les films offrent une pluralité d’identifications possibles, que chacun peut adopter ou récuser, apprenant ainsi à mieux élaborer sa propre identité. C’est cet apprentissage qui m’intéresse, la construction d’un parcours et la genèse d’une vie d’artiste. » Émilie Capliez

« Boris, il est artiste de cirque. Trappeur des banlieues, amoureux des ours et des chansons d’amour des années 80, il est seul dans sa yourte et plein dans sa tête. Son enjeu : ses jeux. Devant cent personnes, il tisse ses digressions, ses visions. Son accordéon, c’est son piment. Ça l’occupe de plus en plus ces derniers temps. Ça l’excite, le multiplie. En revanche, son looper le pose, le rafraîchit. Il s’invente de l’air. Le vent se lève dans sa tête et le tient en équilibre. Cow boy actuel, funambule de proximité, sa barbe, je me demande bien ce qu’il en est… Mon ami Boris, c’est l’autre, dans ma tête, peut-être bien celui de la soirée disco, qui toque à la porte du chapiteau mais que je tiens pas tellement à laisser entrer de suite car on est déjà beaucoup trop. » Pierre Déaux

« On essaie toujours de faire le spectacle du siècle. Pierre m’avait bien dit en début de création il y a 2 ans et demi : « ton problème, c’est que tu essaies de faire le spectacle du siècle ». Du coup, j’ai essayé de le faire mentir et de prendre ça à la légère. Mais je n’ai pas réussi. J’ai cherché à faire le spectacle du siècle. Du moins mon spectacle du siècle. Y suis-je arrivé ? Peut-être… » Olivier Debelhoir

presse : « En fait, il est complétement barré, Boris, et très attachant. Il est seul dans sa yourte et plein dans sa tête. De digressions en visions, il nous embarque dans son monde peuplé d’anti-héros. Quand le vent se lève entre ses neurones, il tient malgré tout l’équilibre. C’est très vite l’escalade avec lui, il va tout schuss, mais jamais droit dans le mur. Funambule de proximité, il vole haut. Chapeau bas ! » Léa Martinelli / Les trois coups

« Et puis, il y a eu cette loi votée en Russie en janvier 2017 pour la dépénalisation des violences domestiques. J’ai été bouleversée par la découverte de cette mesure et par les arguments soutenus au sein du débat public relayé par les médias. Cette loi, plébiscitée par le pouvoir et l’Eglise orthodoxe au nom d’une certaine idée de la famille et du respect de la figure d’autorité patriarcale, a été promulguée mardi 7 février 2017 par le président Poutine. Selon le ministère russe de l’Intérieur, « chaque jour, 36 000 femmes russes sont victimes de violences conjugales. 12 000 femmes décèdent, chaque année, sous les coups de leur conjoint ; soit une femme, toutes les quarante minutes ». Je n’arrivais / n’arrive toujours pas à comprendre qu’il soit possible de justifier un coup porté. Aucune représentation de la notion de famille ne peut légitimer la violence physique ou psychologique. J’ai ressenti une urgence personnelle à parler de ce sujet. Je souhaitais aborder la question du mutisme et de la solitude des femmes qui vivent dans la terreur de leur compagnon et qui ne savent pas comment ni à qui en parler. C’est pourquoi j’ai proposé à Sigrid de travailler avec moi à l’écriture d’une fiction sur la violence dans le cadre secret du couple. » Lena Paugam

presse : « Dans le tourbillon d’Avignon, il est parfois de ces petits miracles de beauté, d’intelligence et d’exigence artistique qui réussissent à transcender un sujet difficile et douloureux en une oeuvre véritable. Ces petits miracles nous montrent que le chemin vers l’excellence est possible et qu’il est synonyme d’émerveillement et d’émotion intense. » Julia Bianchi / Le coryphée

« Et puis, il y a eu cette loi votée en Russie en janvier 2017 pour la dépénalisation des violences domestiques. J’ai été bouleversée par la découverte de cette mesure et par les arguments soutenus au sein du débat public relayé par les médias. Cette loi, plébiscitée par le pouvoir et l’Eglise orthodoxe au nom d’une certaine idée de la famille et du respect de la figure d’autorité patriarcale, a été promulguée mardi 7 février 2017 par le président Poutine. Selon le ministère russe de l’Intérieur, « chaque jour, 36 000 femmes russes sont victimes de violences conjugales. 12 000 femmes décèdent, chaque année, sous les coups de leur conjoint ; soit une femme, toutes les quarante minutes ». Je n’arrivais / n’arrive toujours pas à comprendre qu’il soit possible de justifier un coup porté. Aucune représentation de la notion de famille ne peut légitimer la violence physique ou psychologique. J’ai ressenti une urgence personnelle à parler de ce sujet. Je souhaitais aborder la question du mutisme et de la solitude des femmes qui vivent dans la terreur de leur compagnon et qui ne savent pas comment ni à qui en parler. C’est pourquoi j’ai proposé à Sigrid de travailler avec moi à l’écriture d’une fiction sur la violence dans le cadre secret du couple. » Lena Paugam

presse : « Dans le tourbillon d’Avignon, il est parfois de ces petits miracles de beauté, d’intelligence et d’exigence artistique qui réussissent à transcender un sujet difficile et douloureux en une oeuvre véritable. Ces petits miracles nous montrent que le chemin vers l’excellence est possible et qu’il est synonyme d’émerveillement et d’émotion intense. » Julia Bianchi / Le coryphée

« Et puis, il y a eu cette loi votée en Russie en janvier 2017 pour la dépénalisation des violences domestiques. J’ai été bouleversée par la découverte de cette mesure et par les arguments soutenus au sein du débat public relayé par les médias. Cette loi, plébiscitée par le pouvoir et l’Eglise orthodoxe au nom d’une certaine idée de la famille et du respect de la figure d’autorité patriarcale, a été promulguée mardi 7 février 2017 par le président Poutine. Selon le ministère russe de l’Intérieur, « chaque jour, 36 000 femmes russes sont victimes de violences conjugales. 12 000 femmes décèdent, chaque année, sous les coups de leur conjoint ; soit une femme, toutes les quarante minutes ». Je n’arrivais / n’arrive toujours pas à comprendre qu’il soit possible de justifier un coup porté. Aucune représentation de la notion de famille ne peut légitimer la violence physique ou psychologique. J’ai ressenti une urgence personnelle à parler de ce sujet. Je souhaitais aborder la question du mutisme et de la solitude des femmes qui vivent dans la terreur de leur compagnon et qui ne savent pas comment ni à qui en parler. C’est pourquoi j’ai proposé à Sigrid de travailler avec moi à l’écriture d’une fiction sur la violence dans le cadre secret du couple. » Lena Paugam

presse : « Dans le tourbillon d’Avignon, il est parfois de ces petits miracles de beauté, d’intelligence et d’exigence artistique qui réussissent à transcender un sujet difficile et douloureux en une oeuvre véritable. Ces petits miracles nous montrent que le chemin vers l’excellence est possible et qu’il est synonyme d’émerveillement et d’émotion intense. » Julia Bianchi / Le coryphée

« Boris, il est artiste de cirque. Trappeur des banlieues, amoureux des ours et des chansons d’amour des années 80, il est seul dans sa yourte et plein dans sa tête. Son enjeu : ses jeux. Devant cent personnes, il tisse ses digressions, ses visions. Son accordéon, c’est son piment. Ça l’occupe de plus en plus ces derniers temps. Ça l’excite, le multiplie. En revanche, son looper le pose, le rafraîchit. Il s’invente de l’air. Le vent se lève dans sa tête et le tient en équilibre. Cow boy actuel, funambule de proximité, sa barbe, je me demande bien ce qu’il en est… Mon ami Boris, c’est l’autre, dans ma tête, peut-être bien celui de la soirée disco, qui toque à la porte du chapiteau mais que je tiens pas tellement à laisser entrer de suite car on est déjà beaucoup trop. » Pierre Déaux

« On essaie toujours de faire le spectacle du siècle. Pierre m’avait bien dit en début de création il y a 2 ans et demi : « ton problème, c’est que tu essaies de faire le spectacle du siècle ». Du coup, j’ai essayé de le faire mentir et de prendre ça à la légère. Mais je n’ai pas réussi. J’ai cherché à faire le spectacle du siècle. Du moins mon spectacle du siècle. Y suis-je arrivé ? Peut-être… » Olivier Debelhoir

presse : « En fait, il est complétement barré, Boris, et très attachant. Il est seul dans sa yourte et plein dans sa tête. De digressions en visions, il nous embarque dans son monde peuplé d’anti-héros. Quand le vent se lève entre ses neurones, il tient malgré tout l’équilibre. C’est très vite l’escalade avec lui, il va tout schuss, mais jamais droit dans le mur. Funambule de proximité, il vole haut. Chapeau bas ! » Léa Martinelli / Les trois coups

« Boris, il est artiste de cirque. Trappeur des banlieues, amoureux des ours et des chansons d’amour des années 80, il est seul dans sa yourte et plein dans sa tête. Son enjeu : ses jeux. Devant cent personnes, il tisse ses digressions, ses visions. Son accordéon, c’est son piment. Ça l’occupe de plus en plus ces derniers temps. Ça l’excite, le multiplie. En revanche, son looper le pose, le rafraîchit. Il s’invente de l’air. Le vent se lève dans sa tête et le tient en équilibre. Cow boy actuel, funambule de proximité, sa barbe, je me demande bien ce qu’il en est… Mon ami Boris, c’est l’autre, dans ma tête, peut-être bien celui de la soirée disco, qui toque à la porte du chapiteau mais que je tiens pas tellement à laisser entrer de suite car on est déjà beaucoup trop. » Pierre Déaux

« On essaie toujours de faire le spectacle du siècle. Pierre m’avait bien dit en début de création il y a 2 ans et demi : « ton problème, c’est que tu essaies de faire le spectacle du siècle ». Du coup, j’ai essayé de le faire mentir et de prendre ça à la légère. Mais je n’ai pas réussi. J’ai cherché à faire le spectacle du siècle. Du moins mon spectacle du siècle. Y suis-je arrivé ? Peut-être… » Olivier Debelhoir

presse : « En fait, il est complétement barré, Boris, et très attachant. Il est seul dans sa yourte et plein dans sa tête. De digressions en visions, il nous embarque dans son monde peuplé d’anti-héros. Quand le vent se lève entre ses neurones, il tient malgré tout l’équilibre. C’est très vite l’escalade avec lui, il va tout schuss, mais jamais droit dans le mur. Funambule de proximité, il vole haut. Chapeau bas ! » Léa Martinelli / Les trois coups

« Boris, il est artiste de cirque. Trappeur des banlieues, amoureux des ours et des chansons d’amour des années 80, il est seul dans sa yourte et plein dans sa tête. Son enjeu : ses jeux. Devant cent personnes, il tisse ses digressions, ses visions. Son accordéon, c’est son piment. Ça l’occupe de plus en plus ces derniers temps. Ça l’excite, le multiplie. En revanche, son looper le pose, le rafraîchit. Il s’invente de l’air. Le vent se lève dans sa tête et le tient en équilibre. Cow boy actuel, funambule de proximité, sa barbe, je me demande bien ce qu’il en est… Mon ami Boris, c’est l’autre, dans ma tête, peut-être bien celui de la soirée disco, qui toque à la porte du chapiteau mais que je tiens pas tellement à laisser entrer de suite car on est déjà beaucoup trop. » Pierre Déaux

« On essaie toujours de faire le spectacle du siècle. Pierre m’avait bien dit en début de création il y a 2 ans et demi : « ton problème, c’est que tu essaies de faire le spectacle du siècle ». Du coup, j’ai essayé de le faire mentir et de prendre ça à la légère. Mais je n’ai pas réussi. J’ai cherché à faire le spectacle du siècle. Du moins mon spectacle du siècle. Y suis-je arrivé ? Peut-être… » Olivier Debelhoir

presse : « En fait, il est complétement barré, Boris, et très attachant. Il est seul dans sa yourte et plein dans sa tête. De digressions en visions, il nous embarque dans son monde peuplé d’anti-héros. Quand le vent se lève entre ses neurones, il tient malgré tout l’équilibre. C’est très vite l’escalade avec lui, il va tout schuss, mais jamais droit dans le mur. Funambule de proximité, il vole haut. Chapeau bas ! » Léa Martinelli / Les trois coups

« Arrêtons un moment… ». Bérénice commence comme ça. On arrête un moment de vie, on le suspend tellement il est fort. Ce n’est pas juste, d’ailleurs, de dire cela car elle commence par la préface de Jean Racine, par cette voix que j’imagine du vieil homme : « C’est-à-dire que Titus, qui aimait passionnément Bérénice, et qui lui avait promis de l’épouser, la renvoya de Rome, malgré lui, malgré elle, dès les premiers jours de son empire. ». Et nous, assis autour d’une table, nous l’écoutons, prêts à bondir. On peut dire que Racine met la langue dans tous ces états. Mais il y a Rome : « Non, pas de reine étrangère ». Bérénice la juive, Titus le Romain et Antiochus l’Arabe. Qu’est-ce qui empêche d’aimer ? Pas de mélodie chez Racine mais l’existence du contrepoint toujours. Tout avance en même temps : ils jouent, ils sont le regard, et la préface… Le Théâtre écoute. Je n’arrive pas à envisager une distribution classique. Je me pose la question d’un groupe capable de recevoir la confidence de Racine. De la soutenir, de s’y plonger, de s’y laisser prendre. J’ai du mal à imaginer qu’un spectacle puisse être fini une fois les répétitions achevées. Nous avons commencé Bérénice avec cinq comédiens. Puis une autre version s’est imposée en tournée avec quatre resserrant le propos. Nouvelle approche d’une même mélodie. » Isabelle Lafon

presse : « Sans costumes d’époque, sans actualisation non plus, sans dire tout le texte pour en toucher le coeur, Isabelle Lafon et ses partenaires signent une version follement vibrante de la pièce de Racine. Une page de l’histoire des représentations de Bérénice s’écrit là devant nous. Reprenons-en le fil à celle de Planchon puis à la Bérénice d’Antoine Vitez. La Bérénice d’Isabelle Lafon semble comme regardée avec bienveillance et amicalité par ces maîtres disparus. Elle ne joue pas des pièces, elle va, le coeur battant, à leur rencontre. » Jean-Pierre Thibaudat – Médiapart

« Arrêtons un moment… ». Bérénice commence comme ça. On arrête un moment de vie, on le suspend tellement il est fort. Ce n’est pas juste, d’ailleurs, de dire cela car elle commence par la préface de Jean Racine, par cette voix que j’imagine du vieil homme : « C’est-à-dire que Titus, qui aimait passionnément Bérénice, et qui lui avait promis de l’épouser, la renvoya de Rome, malgré lui, malgré elle, dès les premiers jours de son empire. ». Et nous, assis autour d’une table, nous l’écoutons, prêts à bondir. On peut dire que Racine met la langue dans tous ces états. Mais il y a Rome : « Non, pas de reine étrangère ». Bérénice la juive, Titus le Romain et Antiochus l’Arabe. Qu’est-ce qui empêche d’aimer ? Pas de mélodie chez Racine mais l’existence du contrepoint toujours. Tout avance en même temps : ils jouent, ils sont le regard, et la préface… Le Théâtre écoute. Je n’arrive pas à envisager une distribution classique. Je me pose la question d’un groupe capable de recevoir la confidence de Racine. De la soutenir, de s’y plonger, de s’y laisser prendre. J’ai du mal à imaginer qu’un spectacle puisse être fini une fois les répétitions achevées. Nous avons commencé Bérénice avec cinq comédiens. Puis une autre version s’est imposée en tournée avec quatre resserrant le propos. Nouvelle approche d’une même mélodie. » Isabelle Lafon

presse : « Sans costumes d’époque, sans actualisation non plus, sans dire tout le texte pour en toucher le coeur, Isabelle Lafon et ses partenaires signent une version follement vibrante de la pièce de Racine. Une page de l’histoire des représentations de Bérénice s’écrit là devant nous. Reprenons-en le fil à celle de Planchon puis à la Bérénice d’Antoine Vitez. La Bérénice d’Isabelle Lafon semble comme regardée avec bienveillance et amicalité par ces maîtres disparus. Elle ne joue pas des pièces, elle va, le coeur battant, à leur rencontre. » Jean-Pierre Thibaudat – Médiapart

PROGRAMME

Jean Sébastien Bach : Invention en Ut, Aria de la 3eme suite
Arcangelo Corelli : Sonata
Halvorsen & Haendel : Passacaille
Christoph Moschberger : Tears for Pachelbel
Allan Botschinsky : interlude n°4
Luis Bonfa : Mahna de Carnaval
Astor Piazzolla : Bordel 1900 Tango Etude n°3, Libertango

Romain Leleu, 1er prix de trompette et de musique de chambre au CNSM de Paris, se perfectionne ensuite auprès de Reinhold Friedrich à Karlsruhe. Il est l’invité régulier de festivals internationaux (Roque d’Anthéron, Prades, Radio France Montpellier, Folle Journée de Nantes, Musiq3 de Bruxelles, Seoul Spring Festival…) et se produit régulièrement sur des scènes prestigieuses (Philharmonie du Luxembourg, Royal Albert Hall de Londres, l’Athéneum de Bucarest, Seoul Arts Center, Théâtre de l’Hermitage Saint Petersbourg, Cincinnati Museum Center, Théâtre des Champs Elysées,…). Il joue en soliste avec de grands orchestres (Orchestre National de France, Orchestre National du Capitole de Toulouse, Orchestre National de Lille, Orchestre de Chambre de Paris, Staatsorchester Frankfurt, Dresdner Kappellsolisten, Slovak Sinfonietta, …). En musique de chambre, il se produit régulièrement avec Thierry Escaich, Adam Laloum, François Dumont, Ibrahim Maalouf, Frank Braley…

Thomas Leleu : 1er Prix de Tuba au CNSM de Paris, il étudie ensuite à la Hochschule für Musik de Detmold avec Hans Nickel. Lauréat des Concours Internationaux de Markneukirchen (Allemagne), Jeju (Corée du Sud) et Luxembourg, Thomas est Tuba Solo de l’Orchestre Philharmonique de l’Opéra de Marseille. Il se produit dans de nombreux pays (Konzerthaus de Berlin, MITO SettembreMusica/Italie, Brucknerhaus de Linz/Autriche, Concert Hall/Singapour, Hong Kong City Hall, salle Gaveau, Théâtre du Châtelet, …) et avec différents orchestres (Orchestre National d’Ile de France, Hong Kong Sinfonietta, Junge Sinfonie/Berlin, l’Orchestre de Chambre de Paris, Santa Fe Symphonic Orchestra/Argentine,… Il fonde plusieurs ensembles uniques et inédits au tuba : « Thomas Leleu Sextet » (tuba et quintette à cordes), «tuba vs cello » (tuba et violoncelle). En 2018, il fonde le « Thomas Leleu Trio » (tuba, vibraphone et piano). Il forme également le Leleu Brothers + Félicien Brut (accordéon).

« Redonner corps et mouvements aux écrasées, aux meurtries, aux étouffées. Avec Battre encore, La Muette met en corps la puissance de l’icône féminine dans nos représentations pour écrire un anti-conte de fées très librement inspiré du destin des soeurs Mirabal, résistantes assassinées en 1960 par la dictature dominicaine. Documenté sans être documentaire, le spectacle réanime le feu de la révolte par un jardin intérieur où accueillir ce matrimoine encore négligé. Déconstruisant les clichés sur la place de la femme face au pouvoir, le corps féminin dans Battre encore se défait de l’emprise physique, intellectuelle, politique masculine. Le bal, où tout bascule, ce rite initiatique bourgeois pour jeunes femmes met au centre dans Battre encore le consentement et le droit au non. Entre liberté, transport et aliénation, ce trio de soeurs en corps à corps avec le pouvoir, la religion ou le machisme nous invite à la digression par des images à la limite des rêves et des cauchemars. Dans les pas de cette exploration fondamentale que représentent la lutte des femmes et la défense et l’égalité des droits de chacun déjà abordées dans L’Un dans l’Autre et Les Folles, le potentiel poétique et tragique de l’histoire des soeurs Mirabal permet de basculer dans l’écriture d’un conte aux drôles d’accents de réalisme magique à la Garcia Marquez avec La chronique de trois morts annoncées. » Delphine Bardot.

**représentations scolaires uniquement**

« Avec Hippocampe, nous avons souhaité partir d’un matériel brut, concret, qui n’appelle pas de prime abord à une poésie aérienne : le bois. Le cube de bois évoque la géométrie, il a une certaine pesanteur. Il peut être un matériel de construction qui sert à l’urbanisation. Notre idée était de partir de là et, tel un jeu de construction enfantin (on pensera au kapla qui permet de réaliser tellement d’objets différents avec des petites planches de bois ayant toutes la même forme), de m’éloigner petit à petit des règles de la géométrie et de la pesanteur pour proposer un monde qui ne réponde à aucune de nos lois fondamentales terrestres. De ces troubles de l’imaginaire naîtront des émotions, et le voyage pourra commencer. Au départ : trois comédiens, trois constructeurs. Ils manipulent des cubes, les empilent, les déplacent. On dirait une ville qui se dessine, avec ses routes et ses paysages urbains. Les formes géométriques se font et se défont au rythme de leurs envies. Mais petit à petit, les objets résistent et nos constructeurs découvrent que les objets qu’ils animent sont comme vivants, qu’ils ont une volonté propre, cachée. S’ils prennent le temps de les observer, s’ils gagnent leur confiance, les matériaux acceptent de révéler leur mystère et commencent à se reconstruire eux-mêmes, révélant une richesse bien plus complexe que celle imaginée par nos artistes. Alors du cube et de la ligne, d’autres formes apparaissent, se combinent, pour créer une sorte de bestiaire abstrait et imaginaire… » Martine Waniowski

**représentations scolaires uniquement**

« Avec Hippocampe, nous avons souhaité partir d’un matériel brut, concret, qui n’appelle pas de prime abord à une poésie aérienne : le bois. Le cube de bois évoque la géométrie, il a une certaine pesanteur. Il peut être un matériel de construction qui sert à l’urbanisation. Notre idée était de partir de là et, tel un jeu de construction enfantin (on pensera au kapla qui permet de réaliser tellement d’objets différents avec des petites planches de bois ayant toutes la même forme), de m’éloigner petit à petit des règles de la géométrie et de la pesanteur pour proposer un monde qui ne réponde à aucune de nos lois fondamentales terrestres. De ces troubles de l’imaginaire naîtront des émotions, et le voyage pourra commencer. Au départ : trois comédiens, trois constructeurs. Ils manipulent des cubes, les empilent, les déplacent. On dirait une ville qui se dessine, avec ses routes et ses paysages urbains. Les formes géométriques se font et se défont au rythme de leurs envies. Mais petit à petit, les objets résistent et nos constructeurs découvrent que les objets qu’ils animent sont comme vivants, qu’ils ont une volonté propre, cachée. S’ils prennent le temps de les observer, s’ils gagnent leur confiance, les matériaux acceptent de révéler leur mystère et commencent à se reconstruire eux-mêmes, révélant une richesse bien plus complexe que celle imaginée par nos artistes. Alors du cube et de la ligne, d’autres formes apparaissent, se combinent, pour créer une sorte de bestiaire abstrait et imaginaire… » Martine Waniowski

**représentations scolaires uniquement**

« Avec Hippocampe, nous avons souhaité partir d’un matériel brut, concret, qui n’appelle pas de prime abord à une poésie aérienne : le bois. Le cube de bois évoque la géométrie, il a une certaine pesanteur. Il peut être un matériel de construction qui sert à l’urbanisation. Notre idée était de partir de là et, tel un jeu de construction enfantin (on pensera au kapla qui permet de réaliser tellement d’objets différents avec des petites planches de bois ayant toutes la même forme), de m’éloigner petit à petit des règles de la géométrie et de la pesanteur pour proposer un monde qui ne réponde à aucune de nos lois fondamentales terrestres. De ces troubles de l’imaginaire naîtront des émotions, et le voyage pourra commencer. Au départ : trois comédiens, trois constructeurs. Ils manipulent des cubes, les empilent, les déplacent. On dirait une ville qui se dessine, avec ses routes et ses paysages urbains. Les formes géométriques se font et se défont au rythme de leurs envies. Mais petit à petit, les objets résistent et nos constructeurs découvrent que les objets qu’ils animent sont comme vivants, qu’ils ont une volonté propre, cachée. S’ils prennent le temps de les observer, s’ils gagnent leur confiance, les matériaux acceptent de révéler leur mystère et commencent à se reconstruire eux-mêmes, révélant une richesse bien plus complexe que celle imaginée par nos artistes. Alors du cube et de la ligne, d’autres formes apparaissent, se combinent, pour créer une sorte de bestiaire abstrait et imaginaire… » Martine Waniowski

**représentations scolaires uniquement**

« Avec Hippocampe, nous avons souhaité partir d’un matériel brut, concret, qui n’appelle pas de prime abord à une poésie aérienne : le bois. Le cube de bois évoque la géométrie, il a une certaine pesanteur. Il peut être un matériel de construction qui sert à l’urbanisation. Notre idée était de partir de là et, tel un jeu de construction enfantin (on pensera au kapla qui permet de réaliser tellement d’objets différents avec des petites planches de bois ayant toutes la même forme), de m’éloigner petit à petit des règles de la géométrie et de la pesanteur pour proposer un monde qui ne réponde à aucune de nos lois fondamentales terrestres. De ces troubles de l’imaginaire naîtront des émotions, et le voyage pourra commencer. Au départ : trois comédiens, trois constructeurs. Ils manipulent des cubes, les empilent, les déplacent. On dirait une ville qui se dessine, avec ses routes et ses paysages urbains. Les formes géométriques se font et se défont au rythme de leurs envies. Mais petit à petit, les objets résistent et nos constructeurs découvrent que les objets qu’ils animent sont comme vivants, qu’ils ont une volonté propre, cachée. S’ils prennent le temps de les observer, s’ils gagnent leur confiance, les matériaux acceptent de révéler leur mystère et commencent à se reconstruire eux-mêmes, révélant une richesse bien plus complexe que celle imaginée par nos artistes. Alors du cube et de la ligne, d’autres formes apparaissent, se combinent, pour créer une sorte de bestiaire abstrait et imaginaire… » Martine Waniowski

**représentations scolaires uniquement**

« Avec Hippocampe, nous avons souhaité partir d’un matériel brut, concret, qui n’appelle pas de prime abord à une poésie aérienne : le bois. Le cube de bois évoque la géométrie, il a une certaine pesanteur. Il peut être un matériel de construction qui sert à l’urbanisation. Notre idée était de partir de là et, tel un jeu de construction enfantin (on pensera au kapla qui permet de réaliser tellement d’objets différents avec des petites planches de bois ayant toutes la même forme), de m’éloigner petit à petit des règles de la géométrie et de la pesanteur pour proposer un monde qui ne réponde à aucune de nos lois fondamentales terrestres. De ces troubles de l’imaginaire naîtront des émotions, et le voyage pourra commencer. Au départ : trois comédiens, trois constructeurs. Ils manipulent des cubes, les empilent, les déplacent. On dirait une ville qui se dessine, avec ses routes et ses paysages urbains. Les formes géométriques se font et se défont au rythme de leurs envies. Mais petit à petit, les objets résistent et nos constructeurs découvrent que les objets qu’ils animent sont comme vivants, qu’ils ont une volonté propre, cachée. S’ils prennent le temps de les observer, s’ils gagnent leur confiance, les matériaux acceptent de révéler leur mystère et commencent à se reconstruire eux-mêmes, révélant une richesse bien plus complexe que celle imaginée par nos artistes. Alors du cube et de la ligne, d’autres formes apparaissent, se combinent, pour créer une sorte de bestiaire abstrait et imaginaire… » Martine Waniowski

PROGRAMME

Joseph Haydn : Quatuor en si bémol majeur op.76 no 4, “Le ver de soleil”
Maurice Ravel : Quatuor à cordes en fa majeur
Antonín Dvorák : Quatuor No 10 en mi bémol majeur op. 51

Le Quatuor Takács, qui à présent entame sa quarante-sixième saison, est sans conteste l’un des meilleurs quatuors à cordes au monde. Il reçoit en 1977 sa première reconnaissance internationale au Concours de Quatuor à Cordes d’Evian en France. C’est en 1982 que le Quatuor Takács se produit pour la première fois en tournée en Amérique du Nord. Depuis 1986, il se produit régulièrement au Théâtre de la Ville et à l’Auditorium du Louvre à Paris. En 2001, le Quatuor reçoit la Croix de Chevalier de l’Ordre du Mérite de la République de Hongrie. Il remporte en 2011 le prix de la musique de chambre du Royal Philharmonic Society à Londres. En 2012, le magazine Gramophone proclame que le Quatuor Takács est le seul quatuor à cordes à rejoindre son Panthéon. En 2014, les Takács deviennent le premier quatuor à cordes à remporter le Wigmore Hall Medal. Le Quatuor Takács enregistre pour le label Hyperion Records – quatuors à cordes de Haydn, Schubert, Janácek, Smetana, Debussy et Britten, ainsi que des quintettes avec piano de César Franck et Chostakovitch avec Marc-André Hamelin, et des quintettes avec alto de Brahms avec Lawrence Power. Leurs CDs sur le label Decca London ont remporté trois Gramophone Awards, un Grammy Award, trois Japanese Record Academy Awards, Disque de l’Année du premier BBC Music Magazine Awards, et Album de l’Année dans la catégorie musique de chambre du Classical Brits. En juin 2020 l’altiste Richard O’Neill a rejoint le Quatuor Takács en remplacement de Geri Walther (qui a pris sa retraite après quinze années remarquables).

« Pourquoi « _jeanne_dark_ » et pas « Jeanne d’Arc » ?
– En commençant cette pièce, je savais que je ne voulais pas raconter sur scène l’histoire de la « vraie » Jeanne d’Arc. Je voulais plutôt me servir de cette fi gure comme d’un révélateur. J’ai d’abord beaucoup lu sur le personnage, regardé des fi lms. Il y avait déjà des choses qui me marquaient : son rapport ambivalent à la violence, aux hommes, à Dieu, la prison, sa virginité. Plus j’avançais, plus je sentais que Jeanne d’Arc faisait écho à une période de ma vie très précise dont j’avais honte et que j’avais tue : mon adolescence, que j’ai passée à Orléans, et mon éducation catholique. J’ai vite compris que c’était là-dessus qu’il fallait travailler, que Jeanne d’Arc ne m’avait pas attirée par hasard. J’ai donc commencé à construire le personnage d’une adolescente,
Jeanne, inspirée de l’adolescente que j’étais. Je ne voulais pas écrire un récit rétrospectif, situé dans les années 2000, qui apporte une certaine sécurité aux spectateurs. Je voulais qu’on soit plongés au milieu de la crise que traverse Jeanne. Le live Instagram est parfait pour ça : il me permet de créer ce temps ramassé et cette intensité d’une parole longtemps contenue qui jaillit enfin. »

propos recueillis par Pascaline Vallée pour le Festival d’Automne 2020.

LE SPECTACLE EST JOUÉ EN LIVE SUR INSTAGRAM !

« Pourquoi « _jeanne_dark_ » et pas « Jeanne d’Arc » ?
– En commençant cette pièce, je savais que je ne voulais pas raconter sur scène l’histoire de la « vraie » Jeanne d’Arc. Je voulais plutôt me servir de cette fi gure comme d’un révélateur. J’ai d’abord beaucoup lu sur le personnage, regardé des fi lms. Il y avait déjà des choses qui me marquaient : son rapport ambivalent à la violence, aux hommes, à Dieu, la prison, sa virginité. Plus j’avançais, plus je sentais que Jeanne d’Arc faisait écho à une période de ma vie très précise dont j’avais honte et que j’avais tue : mon adolescence, que j’ai passée à Orléans, et mon éducation catholique. J’ai vite compris que c’était là-dessus qu’il fallait travailler, que Jeanne d’Arc ne m’avait pas attirée par hasard. J’ai donc commencé à construire le personnage d’une adolescente,
Jeanne, inspirée de l’adolescente que j’étais. Je ne voulais pas écrire un récit rétrospectif, situé dans les années 2000, qui apporte une certaine sécurité aux spectateurs. Je voulais qu’on soit plongés au milieu de la crise que traverse Jeanne. Le live Instagram est parfait pour ça : il me permet de créer ce temps ramassé et cette intensité d’une parole longtemps contenue qui jaillit enfin. »

propos recueillis par Pascaline Vallée pour le Festival d’Automne 2020.

LE SPECTACLE EST JOUÉ EN LIVE SUR INSTAGRAM !

« Pourquoi « _jeanne_dark_ » et pas « Jeanne d’Arc » ?
– En commençant cette pièce, je savais que je ne voulais pas raconter sur scène l’histoire de la « vraie » Jeanne d’Arc. Je voulais plutôt me servir de cette fi gure comme d’un révélateur. J’ai d’abord beaucoup lu sur le personnage, regardé des fi lms. Il y avait déjà des choses qui me marquaient : son rapport ambivalent à la violence, aux hommes, à Dieu, la prison, sa virginité. Plus j’avançais, plus je sentais que Jeanne d’Arc faisait écho à une période de ma vie très précise dont j’avais honte et que j’avais tue : mon adolescence, que j’ai passée à Orléans, et mon éducation catholique. J’ai vite compris que c’était là-dessus qu’il fallait travailler, que Jeanne d’Arc ne m’avait pas attirée par hasard. J’ai donc commencé à construire le personnage d’une adolescente,
Jeanne, inspirée de l’adolescente que j’étais. Je ne voulais pas écrire un récit rétrospectif, situé dans les années 2000, qui apporte une certaine sécurité aux spectateurs. Je voulais qu’on soit plongés au milieu de la crise que traverse Jeanne. Le live Instagram est parfait pour ça : il me permet de créer ce temps ramassé et cette intensité d’une parole longtemps contenue qui jaillit enfin. »

propos recueillis par Pascaline Vallée pour le Festival d’Automne 2020.

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« Les histoires ne sont jamais innocentes, le message qu’elles doivent transmettre est toujours soigneusement dissimulé à l’arrière-plan. Elles induisent (discrètement, mais sûrement) des visions du monde. Et donc des façons d’y agir et d’y prendre part. C’est par le récit que nous perpétuons les inégalités, que nous induisons l’impuissance acquise, décrédibilisons des discours. Mais c’est aussi le récit qui nous permet de créer des mondes possibles à partir du monde que nous connaissons. Nous ferons du plateau un « instrument à fabriquer des histoires » : régie à vue, écran de fond de scène… Les comédiens peuvent interagir avec d’autres personnages présents sur les écrans vidéo et se promener dans les lieux qu’ils imaginent. Se montrent ainsi l’oeuvre et sa fabrication. On exhibe dans le même temps une illusion et les moyens que nous utilisons pour la créer. Révéler nos codes et leurs conséquences sur le public (comme les 3 unités, la catharsis…), c’est évoquer ce qui construit notre art du récit et se donner la capacité d’en jouer, de s’en amuser et de convier le public à s’en amuser avec nous… Et de là, ensemble, examiner nos propres responsabilités face aux récits que nous produisons dans nos théâtres. Que choisit-on de se raconter ? Et pourquoi nous racontons-nous autant d’histoires ? »

Bertrand Sinapi

« Les histoires ne sont jamais innocentes, le message qu’elles doivent transmettre est toujours soigneusement dissimulé à l’arrière-plan. Elles induisent (discrètement, mais sûrement) des visions du monde. Et donc des façons d’y agir et d’y prendre part. C’est par le récit que nous perpétuons les inégalités, que nous induisons l’impuissance acquise, décrédibilisons des discours. Mais c’est aussi le récit qui nous permet de créer des mondes possibles à partir du monde que nous connaissons. Nous ferons du plateau un « instrument à fabriquer des histoires » : régie à vue, écran de fond de scène… Les comédiens peuvent interagir avec d’autres personnages présents sur les écrans vidéo et se promener dans les lieux qu’ils imaginent. Se montrent ainsi l’oeuvre et sa fabrication. On exhibe dans le même temps une illusion et les moyens que nous utilisons pour la créer. Révéler nos codes et leurs conséquences sur le public (comme les 3 unités, la catharsis…), c’est évoquer ce qui construit notre art du récit et se donner la capacité d’en jouer, de s’en amuser et de convier le public à s’en amuser avec nous… Et de là, ensemble, examiner nos propres responsabilités face aux récits que nous produisons dans nos théâtres. Que choisit-on de se raconter ? Et pourquoi nous racontons-nous autant d’histoires ? »

Bertrand Sinapi

« Les histoires ne sont jamais innocentes, le message qu’elles doivent transmettre est toujours soigneusement dissimulé à l’arrière-plan. Elles induisent (discrètement, mais sûrement) des visions du monde. Et donc des façons d’y agir et d’y prendre part. C’est par le récit que nous perpétuons les inégalités, que nous induisons l’impuissance acquise, décrédibilisons des discours. Mais c’est aussi le récit qui nous permet de créer des mondes possibles à partir du monde que nous connaissons. Nous ferons du plateau un « instrument à fabriquer des histoires » : régie à vue, écran de fond de scène… Les comédiens peuvent interagir avec d’autres personnages présents sur les écrans vidéo et se promener dans les lieux qu’ils imaginent. Se montrent ainsi l’oeuvre et sa fabrication. On exhibe dans le même temps une illusion et les moyens que nous utilisons pour la créer. Révéler nos codes et leurs conséquences sur le public (comme les 3 unités, la catharsis…), c’est évoquer ce qui construit notre art du récit et se donner la capacité d’en jouer, de s’en amuser et de convier le public à s’en amuser avec nous… Et de là, ensemble, examiner nos propres responsabilités face aux récits que nous produisons dans nos théâtres. Que choisit-on de se raconter ? Et pourquoi nous racontons-nous autant d’histoires ? »

Bertrand Sinapi