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A partir de 15 ans

Cette création, pour un public adulte, nous entraîne dans l’exploration des lassitudes et des complications, des rêves, des questions, des certitudes, agitant les grands et jubilatoires personnages créés par Bukowski.

Dans la nouvelle Un Homme, issue du recueil Au Sud de Nulle Part, Bukowski nous raconte que Constance vient retrouver George dans sa caravane. Elle l’avait quitté pour Walter. Mais ce dernier ne la baise pas bien. Elle a amené une bouteille de whisky. George l’écoute, puis lui parle de ses jambes, qu’il admire, puis la gifle. Tout dérape. Ils retourneront à leur vie inchangée. Tragiquement, un écart s’insinue qui soudain va fendre une faille  infranchissable entre eux. C’est une histoire d’amour, mais une histoire d’amour qui ne marche pas.
« Un Homme pose la trame minimale à laquelle nous nous contenons, et autour de laquelle nous construisons un appareil de spectacle avec une loupe et des associations arbitraires. Ici, les forces tragiques les plus impérieuses affluent dans les actes d’une quotidienneté triviale. Bukowski disait que style et expérience de vie étaient une seule et même chose pour un écrivain. La littérature de Bukowski accepte le tragique dans son ensemble. Dans son monde, ce n’est pas vrai que quand on veut on peut. Bukowski est direct, il écrit court, économique, il écrit avec ce qui l’entoure. » Gaël Leveugle

Charles Bukowski (1920-1994) : Américain d’origine allemande, il grandit dans une famille où l’alcool et la violence dominent. Il n’y a pas d’école chez Bukowski, ni d’adhésion aux mouvements décisifs de la littérature américaine qui lui est contemporaine ; il y a des résonances fortes, des circulations de figures, des formes familières aux auteurs qui lui ont été importants. L’auteur, bien connu pour ses oeuvres de nouvelles, son alcoolisme et son insupportabilité médiatique, l’est un peu moins pour son oeuvre de poésie, minimaliste et objective, inspirée de l’essentialisme asiatique et de ses formes traditionnelles.

La compagnie Ultima Necat existe depuis 2005 comme une structure indépendante permettant l’essai et la production en dehors des contraintes de la poursuite du succès entrepreneurial. Elle offre un temps long bénéfique à la maturation d’une esthétique propre et ouverte. Chaque mise en scène de Gaël Leveugle a, à sa moelle, une collaboration clé avec un musicien compositeur et / ou improvisateur. L’expérience prévaut sur la narration des sentiments et le discours des idées

Anywhere est une errance sur les pas d‘Œdipe sur la route d’Henry Bauchau, un poème visuel qui convie le spectateur à vivre au travers des différents états de l’élément eau, la métamorphose intérieure d’un personnage mythique. Œdipe, marionnette de glace, se transforme peu à peu en eau pour disparaître à l’état de brume. Sa fille, Antigone, l’accompagne, le soutient et assiste, confiante, à sa disparition.
« Anywhere est une invitation à vivre une expérience, celle de la perte, de la chute, du cheminement et de la métamorphose. La figure mythique d’Œdipe dans le roman d’Henry Bauchau est un symbole de cette initiation. Mon attention porte sur la relation et la distance entre Œdipe et Antigone à l’image d’un père et de sa fille, d’un être souffrant accompagné par un proche. Le sens naît de la rencontre et de l’écart entre l’inanimé et l’humain, une marionnette de glace et une marionnettiste, les ténèbres et la lumière, le noir et le blanc, le froid et le chaud, la glace et le feu… » Élise Vigneron

La Compagnie du Théâtre de l’Entrouvert a été créée en 2009 par Élise Vigneron formée aux arts plastiques, aux arts du cirque et aux arts de la marionnette. À la croisée des disciplines, le Théâtre de l’Entrouvert soutient une vision contemporaine des arts de la marionnette, tout en s’inspirant de ses origines. Creuser un langage plastique qui parle directement, aux sens, à l’inconscient, plonger les spectateurs dans une expérience intime et commune est le projet artistique qu’elle développe.

presse : « Anywhere a l’élégance et la pudeur d’un haïku, ces poèmes courts et codifiés issus du Japon, esquissant des paysages intérieurs. » La Provence
« Ce spectacle fascine par sa beauté envoûtante, le jeu délicat des matières, la pénombre, sa force poétique. Du bel art ! » Télérama
« Le périple initiatique se transforme en voyage intérieur quand de glace, son corps se transforme en eau puis s’évapore. L’espoir qu’une forme de rédemption est toujours possible. Une belle métaphore de cette condition humaine qui fait de nous des âmes prisonnières de nos corps. » Les Inrockuptibles

Anywhere est une errance sur les pas d‘Œdipe sur la route d’Henry Bauchau, un poème visuel qui convie le spectateur à vivre au travers des différents états de l’élément eau, la métamorphose intérieure d’un personnage mythique. Œdipe, marionnette de glace, se transforme peu à peu en eau pour disparaître à l’état de brume. Sa fille, Antigone, l’accompagne, le soutient et assiste, confiante, à sa disparition.
« Anywhere est une invitation à vivre une expérience, celle de la perte, de la chute, du cheminement et de la métamorphose. La figure mythique d’Œdipe dans le roman d’Henry Bauchau est un symbole de cette initiation. Mon attention porte sur la relation et la distance entre Œdipe et Antigone à l’image d’un père et de sa fille, d’un être souffrant accompagné par un proche. Le sens naît de la rencontre et de l’écart entre l’inanimé et l’humain, une marionnette de glace et une marionnettiste, les ténèbres et la lumière, le noir et le blanc, le froid et le chaud, la glace et le feu… » Élise Vigneron

La Compagnie du Théâtre de l’Entrouvert a été créée en 2009 par Élise Vigneron formée aux arts plastiques, aux arts du cirque et aux arts de la marionnette. À la croisée des disciplines, le Théâtre de l’Entrouvert soutient une vision contemporaine des arts de la marionnette, tout en s’inspirant de ses origines. Creuser un langage plastique qui parle directement, aux sens, à l’inconscient, plonger les spectateurs dans une expérience intime et commune est le projet artistique qu’elle développe.

presse : « Anywhere a l’élégance et la pudeur d’un haïku, ces poèmes courts et codifiés issus du Japon, esquissant des paysages intérieurs. » La Provence
« Ce spectacle fascine par sa beauté envoûtante, le jeu délicat des matières, la pénombre, sa force poétique. Du bel art ! » Télérama
« Le périple initiatique se transforme en voyage intérieur quand de glace, son corps se transforme en eau puis s’évapore. L’espoir qu’une forme de rédemption est toujours possible. Une belle métaphore de cette condition humaine qui fait de nous des âmes prisonnières de nos corps. » Les Inrockuptibles

Anywhere est une errance sur les pas d‘Œdipe sur la route d’Henry Bauchau, un poème visuel qui convie le spectateur à vivre au travers des différents états de l’élément eau, la métamorphose intérieure d’un personnage mythique. Œdipe, marionnette de glace, se transforme peu à peu en eau pour disparaître à l’état de brume. Sa fille, Antigone, l’accompagne, le soutient et assiste, confiante, à sa disparition.
« Anywhere est une invitation à vivre une expérience, celle de la perte, de la chute, du cheminement et de la métamorphose. La figure mythique d’Œdipe dans le roman d’Henry Bauchau est un symbole de cette initiation. Mon attention porte sur la relation et la distance entre Œdipe et Antigone à l’image d’un père et de sa fille, d’un être souffrant accompagné par un proche. Le sens naît de la rencontre et de l’écart entre l’inanimé et l’humain, une marionnette de glace et une marionnettiste, les ténèbres et la lumière, le noir et le blanc, le froid et le chaud, la glace et le feu… » Élise Vigneron

La Compagnie du Théâtre de l’Entrouvert a été créée en 2009 par Élise Vigneron formée aux arts plastiques, aux arts du cirque et aux arts de la marionnette. À la croisée des disciplines, le Théâtre de l’Entrouvert soutient une vision contemporaine des arts de la marionnette, tout en s’inspirant de ses origines. Creuser un langage plastique qui parle directement, aux sens, à l’inconscient, plonger les spectateurs dans une expérience intime et commune est le projet artistique qu’elle développe.

presse : « Anywhere a l’élégance et la pudeur d’un haïku, ces poèmes courts et codifiés issus du Japon, esquissant des paysages intérieurs. » La Provence
« Ce spectacle fascine par sa beauté envoûtante, le jeu délicat des matières, la pénombre, sa force poétique. Du bel art ! » Télérama
« Le périple initiatique se transforme en voyage intérieur quand de glace, son corps se transforme en eau puis s’évapore. L’espoir qu’une forme de rédemption est toujours possible. Une belle métaphore de cette condition humaine qui fait de nous des âmes prisonnières de nos corps. » Les Inrockuptibles

On en a cette image opiniâtre, et pourtant quoi de plus attachant qu’une mule ? Animal extrêmement sociable, elle a ce besoin de partager sa vie avec quelqu’un, qu’il soit mouton, chèvre, vache ou… parasite ? La mule c’est celle qui porte, celle qui fait la gueule, l’infiniment fidèle et la terriblement égoïste… Autant d’obstacles qui paraîtront de grandes montagnes même pour les mules les plus téméraires. Mule c’est une petite fable joyeuse et cruelle, parfois immorale, portée par deux acrobates. Dans ce huis-clos tout en proximité une relation délicate se tisse, à la fois tendre et compliquée. Nos deux mules via les portés et les jeux icariens s’embarquent dans des cercles de plus en plus vicieux. Le duo s’aventure là où le poids d’une relation devient plus qu’une simple idée et vient habiller, par sa lourdeur et ses légèretés, l’ossature de ce fragile instant d’humanité.

À Sens Unique est né d’une cohésion de quelques étudiants à l’école de cirque de Québec. En 2013, le collectif migre au Mans, et fonde la compagnie. Le collectif a comme sujet de prédilection les rapports humains, qu’ils attaquent avec simplicité et ironie, optimisme et
discordance.
Hélène Leveau découvre le cirque très jeune. Elle commence sa formation à l’école de cirque de Châtellerault en équilibre sur les mains puis la poursuit à l’école de cirque de Québec, où elle découvre la corde molle, l’antipodisme et les jeux icariens.
Aviva Rose-Williams découvre le cirque à l’âge de 10 ans. Elle suit la formation préprofessionelle à San Francisco et ensuite la formation professionnelle à l’école de cirque de Québec où elle se spécialise en mât chinois et en acrobatie au sol. Après l’école, elle participe entre autres aux festivals Circus Maximus, Cirque[s], Fun Fatale, Turbo418 et se lance en création avec le collectif À Sens Unique.

Alors que la planète croule sous le bruit des machines, des avertisseurs et des gesticulations humaines, dans la cacophonie incessante des médiatisations à tue-tête où les flopées de réseaux de communications parlent en même temps et où l’Homo Oreilletus est constamment sollicité de répondre à ce brouhaha, deux clowns bouffons tentent de mettre un doigt devant la bouche du monde. Après les « événements », le public a délaissé les salles de spectacle, profitant chez eux de la fl oraison des propositions « à la demande ». Dans cette dystopie, deux créatures clowns électrosensibles et le tympan à fleur de peau se sont réfugiées sur une scène pour retrouver la sérénité du calme. Mais à travers les murs, la rumeur du monde leur parvient. Certains bruits les inquiètent, d’autres les questionnent ou les éperonnent ; sans compter ces rires qui jaillissent dans le noir en face d’eux. Au coeur (ou au choeur) de cette chambre d’écho, les manifestations sonores du public se mêlent aux relents de notre époque, à ses effets de manche et de spectacularisation.
« Nous tentons dans cette création de réconcilier John Cage et Carlos. Nous essayons de mêler le bas de gamme et le haut du panier. Que « l’amusique » côtoie la sémiologie musicale comme le cerveau reptilien le néocortex. Que les sciences de la communication se frottent à la morosophie (l’intelligence de la connerie). Le rêve de dissiper le malentendu tout en prônant la fécondité du contresens dans le paradoxe de la multivocité (différentes voix s’emparent du clown) et de l’oreille muette. » Camille Perrin et Cédric Paga

presse : « Déjanté et plutôt répugnant, l’extraordinaire clown Ludor Citrik s’allie à un autre  bouffon, Le Pollu, pour écouter les bruits d’un monde aussi fou que stupéfiant. » Télérama
« La cascade de situations dans lesquelles nos olibrius se prennent les doigts et les pieds ne s’arrête jamais. De mots en gestes, d’incompréhensions en lapsus, de beuglements en silences, près des baffles ou pas, les fréquences sonores de ce dialogue de sourds montent et descendent sans palier de décompression. Les seuls qui écoutent et entendent à merveille sont les spectateurs, qui jouent les échos avec talent. » Le Monde

La pièce secoue parce qu’elle est plus que l’histoire d’un ridicule, elle est celle d’un monstre. Arnolphe aime Agnès, certainement, mais d’une telle façon que cet amour n’a plus figure, ni force, ni chance d’amour. Molière repeint aux couleurs d’une folie spéciale, et extrême, le vieux pitch du cocu. Comment peut-on se vanter de devenir le premier homme épargné par l’infidélité quand on aime aussi mal ! Les cornes qui le dégoûtent d’avance, c’est comme s’il les avait déjà, ce n’est qu’une question d’heure. Et de quelle école est-il question dans L’école des Femmes ? Allez savoir. Il y a bien sûr l’école drastique, imaginée par Arnolphe, et dont Agnès est l’unique pensionnaire et recluse. C’est aussi cette école ouverte, qui convoque le hasard, qui parasite les projets, paralyse les intentions, produit les accidents, agence les bizarreries et favorise les rencontres. Attachée à la transmission et au partage, la Compagnie des Géotrupes, sous la houlette de Christian Esnay, concrétise la volonté de Molière de porter le théâtre comme un « art démocratique », affichant ainsi l’affirmation sans cesse réinventée de fabriquer un théâtre populaire et exigeant.

Christian Esnay, comédien et metteur en scène, se forme dans l’atelier de Didier-Georges Gabily de 1988 à 1993. Parallèlement, il joue l’Odéon, La Colline, le TNB, le Festival d’Avignon, le Théâtre de la Cité Internationale… En tant que metteur en scène – et amateur de Shakespeare – il réalise son premier travail en 1998 au Maillon à Strasbourg avec Le Songe d’une nuit d’été, spectacle en appartement. En 2002, il crée sa compagnie Les Géotrupes. Depuis ses débuts, les expériences de travail de la compagnie travaillent à concrétiser « l’accessibilité au théâtre pour le plus grand nombre ».

presse : « Quoi en plus avec les Géotrupes ? Ce quelque chose de doux, comme du velours théâtre, qui enrobe comédiens et décors. Cette troupe qui nous accueille, comme absente, et qui nous trouble. Une couleur » L’humanité

La pièce secoue parce qu’elle est plus que l’histoire d’un ridicule, elle est celle d’un monstre. Arnolphe aime Agnès, certainement, mais d’une telle façon que cet amour n’a plus figure, ni force, ni chance d’amour. Molière repeint aux couleurs d’une folie spéciale, et extrême, le vieux pitch du cocu. Comment peut-on se vanter de devenir le premier homme épargné par l’infidélité quand on aime aussi mal ! Les cornes qui le dégoûtent d’avance, c’est comme s’il les avait déjà, ce n’est qu’une question d’heure. Et de quelle école est-il question dans L’école des Femmes ? Allez savoir. Il y a bien sûr l’école drastique, imaginée par Arnolphe, et dont Agnès est l’unique pensionnaire et recluse. C’est aussi cette école ouverte, qui convoque le hasard, qui parasite les projets, paralyse les intentions, produit les accidents, agence les bizarreries et favorise les rencontres. Attachée à la transmission et au partage, la Compagnie des Géotrupes, sous la houlette de Christian Esnay, concrétise la volonté de Molière de porter le théâtre comme un « art démocratique », affichant ainsi l’affirmation sans cesse réinventée de fabriquer un théâtre populaire et exigeant.

Christian Esnay, comédien et metteur en scène, se forme dans l’atelier de Didier-Georges Gabily de 1988 à 1993. Parallèlement, il joue l’Odéon, La Colline, le TNB, le Festival d’Avignon, le Théâtre de la Cité Internationale… En tant que metteur en scène – et amateur de Shakespeare – il réalise son premier travail en 1998 au Maillon à Strasbourg avec Le Songe d’une nuit d’été, spectacle en appartement. En 2002, il crée sa compagnie Les Géotrupes. Depuis ses débuts, les expériences de travail de la compagnie travaillent à concrétiser « l’accessibilité au théâtre pour le plus grand nombre ».

presse : « Quoi en plus avec les Géotrupes ? Ce quelque chose de doux, comme du velours théâtre, qui enrobe comédiens et décors. Cette troupe qui nous accueille, comme absente, et qui nous trouble. Une couleur » L’humanité

Le groupe Dakhabrakha a été créé en 2004 au sein du prestigieux théâtre Dakh par son directeur Vlad Troitskyi. Issu du milieu universitaire et artistique, le groupe arpente depuis 10 ans les villages d’Ukraine pour collecter des chansons populaires avant qu’elles ne disparaissent à tout jamais. Les trois femmes et l’homme qui composent Dakhabrakha sont des savants, des fous. Quand ils n’enseignent pas à l’université pour les uns, ou brûlent les planches dans d’autres projets pour les autres, les quatre musiciens triturent le folklore ukrainien. Le son et l’âme : voici le credo des Dakhabrakha ! Si la folk de leur pays les a d’abord nourris, les Ukrainiens y ont depuis mêlé des influences diverses et des rythmes du monde entier. Costumes traditionnels, polyphonies ancestrales et instrumentation minimaliste qui emprunte aux transes africaines et orientales, l’ensemble est joyeusement foutraque et terriblement authentique ! Ces dernières années, le groupe s’est produit dans de nombreux festivals internationaux, ajoutant à leur performance psychédélique et festive une pointe de rébellion politique. Le choc, tant visuel que sonore, est total.

presse : « Un bel envoûtement, l’hallu totale un vrai choc durable, la sensation d’avoir trouvé une musique tradimoderne, à la fois ancestrale et neuve. » Les Inrocks
« Dakhabrakha a fait vivre au public une transe musicale de toute beauté. Étonnant de voir les spectateurs se laisser emporter autant par ces airs ukrainiens. Par moment, ce n’est pas un rêve, on se croirait presque dans une rave. Sur scène, les quatre Ukrainiens lancent d’abord des regards incrédules à la foule avant de franchement sourire. Ils étaient attendus. Ils n’ont pas fait pschitt. Tout simplement Dakhabrakhantesque » Ouest France

La pièce secoue parce qu’elle est plus que l’histoire d’un ridicule, elle est celle d’un monstre. Arnolphe aime Agnès, certainement, mais d’une telle façon que cet amour n’a plus figure, ni force, ni chance d’amour. Molière repeint aux couleurs d’une folie spéciale, et extrême, le vieux pitch du cocu. Comment peut-on se vanter de devenir le premier homme épargné par l’infidélité quand on aime aussi mal ! Les cornes qui le dégoûtent d’avance, c’est comme s’il les avait déjà, ce n’est qu’une question d’heure. Et de quelle école est-il question dans L’école des Femmes ? Allez savoir. Il y a bien sûr l’école drastique, imaginée par Arnolphe, et dont Agnès est l’unique pensionnaire et recluse. C’est aussi cette école ouverte, qui convoque le hasard, qui parasite les projets, paralyse les intentions, produit les accidents, agence les bizarreries et favorise les rencontres. Attachée à la transmission et au partage, la Compagnie des Géotrupes, sous la houlette de Christian Esnay, concrétise la volonté de Molière de porter le théâtre comme un « art démocratique », affichant ainsi l’affirmation sans cesse réinventée de fabriquer un théâtre populaire et exigeant.

Christian Esnay, comédien et metteur en scène, se forme dans l’atelier de Didier-Georges Gabily de 1988 à 1993. Parallèlement, il joue l’Odéon, La Colline, le TNB, le Festival d’Avignon, le Théâtre de la Cité Internationale… En tant que metteur en scène – et amateur de Shakespeare – il réalise son premier travail en 1998 au Maillon à Strasbourg avec Le Songe d’une nuit d’été, spectacle en appartement. En 2002, il crée sa compagnie Les Géotrupes. Depuis ses débuts, les expériences de travail de la compagnie travaillent à concrétiser « l’accessibilité au théâtre pour le plus grand nombre ».

presse : « Quoi en plus avec les Géotrupes ? Ce quelque chose de doux, comme du velours théâtre, qui enrobe comédiens et décors. Cette troupe qui nous accueille, comme absente, et qui nous trouble. Une couleur » L’humanité

La pièce secoue parce qu’elle est plus que l’histoire d’un ridicule, elle est celle d’un monstre. Arnolphe aime Agnès, certainement, mais d’une telle façon que cet amour n’a plus figure, ni force, ni chance d’amour. Molière repeint aux couleurs d’une folie spéciale, et extrême, le vieux pitch du cocu. Comment peut-on se vanter de devenir le premier homme épargné par l’infidélité quand on aime aussi mal ! Les cornes qui le dégoûtent d’avance, c’est comme s’il les avait déjà, ce n’est qu’une question d’heure. Et de quelle école est-il question dans L’école des Femmes ? Allez savoir. Il y a bien sûr l’école drastique, imaginée par Arnolphe, et dont Agnès est l’unique pensionnaire et recluse. C’est aussi cette école ouverte, qui convoque le hasard, qui parasite les projets, paralyse les intentions, produit les accidents, agence les bizarreries et favorise les rencontres. Attachée à la transmission et au partage, la Compagnie des Géotrupes, sous la houlette de Christian Esnay, concrétise la volonté de Molière de porter le théâtre comme un « art démocratique », affichant ainsi l’affirmation sans cesse réinventée de fabriquer un théâtre populaire et exigeant.

Christian Esnay, comédien et metteur en scène, se forme dans l’atelier de Didier-Georges Gabily de 1988 à 1993. Parallèlement, il joue l’Odéon, La Colline, le TNB, le Festival d’Avignon, le Théâtre de la Cité Internationale… En tant que metteur en scène – et amateur de Shakespeare – il réalise son premier travail en 1998 au Maillon à Strasbourg avec Le Songe d’une nuit d’été, spectacle en appartement. En 2002, il crée sa compagnie Les Géotrupes. Depuis ses débuts, les expériences de travail de la compagnie travaillent à concrétiser « l’accessibilité au théâtre pour le plus grand nombre ».

presse : « Quoi en plus avec les Géotrupes ? Ce quelque chose de doux, comme du velours théâtre, qui enrobe comédiens et décors. Cette troupe qui nous accueille, comme absente, et qui nous trouble. Une couleur » L’humanité

La pièce secoue parce qu’elle est plus que l’histoire d’un ridicule, elle est celle d’un monstre. Arnolphe aime Agnès, certainement, mais d’une telle façon que cet amour n’a plus figure, ni force, ni chance d’amour. Molière repeint aux couleurs d’une folie spéciale, et extrême, le vieux pitch du cocu. Comment peut-on se vanter de devenir le premier homme épargné par l’infidélité quand on aime aussi mal ! Les cornes qui le dégoûtent d’avance, c’est comme s’il les avait déjà, ce n’est qu’une question d’heure. Et de quelle école est-il question dans L’école des Femmes ? Allez savoir. Il y a bien sûr l’école drastique, imaginée par Arnolphe, et dont Agnès est l’unique pensionnaire et recluse. C’est aussi cette école ouverte, qui convoque le hasard, qui parasite les projets, paralyse les intentions, produit les accidents, agence les bizarreries et favorise les rencontres. Attachée à la transmission et au partage, la Compagnie des Géotrupes, sous la houlette de Christian Esnay, concrétise la volonté de Molière de porter le théâtre comme un « art démocratique », affichant ainsi l’affirmation sans cesse réinventée de fabriquer un théâtre populaire et exigeant.

Christian Esnay, comédien et metteur en scène, se forme dans l’atelier de Didier-Georges Gabily de 1988 à 1993. Parallèlement, il joue l’Odéon, La Colline, le TNB, le Festival d’Avignon, le Théâtre de la Cité Internationale… En tant que metteur en scène – et amateur de Shakespeare – il réalise son premier travail en 1998 au Maillon à Strasbourg avec Le Songe d’une nuit d’été, spectacle en appartement. En 2002, il crée sa compagnie Les Géotrupes. Depuis ses débuts, les expériences de travail de la compagnie travaillent à concrétiser « l’accessibilité au théâtre pour le plus grand nombre ».

presse : « Quoi en plus avec les Géotrupes ? Ce quelque chose de doux, comme du velours théâtre, qui enrobe comédiens et décors. Cette troupe qui nous accueille, comme absente, et qui nous trouble. Une couleur » L’humanité

Beethoven : Quatuor en Si bémol Op 18/6
Britten : Quatuor No 3 Op 94
Schubert : Quatuor en Sol majeur D887

Décrit par Gramophone comme « l’un des meilleurs jeunes quatuors à cordes », le Doric String Quartet se distingue parmi la nouvelle génération britannique et reçoit un vibrant accueil, autant du public que de la part de la critique. Sélectionné en 2006 pour être représenté par le Young Concert Artists Trust, le quatuor remporte de nombreux prix comme en 2008 le 1er Prix du Osaka International Chamber Music Competition au Japon, le 2ème Prix du Premio Paolo Borciani International String Quartet Competition en Italie et le Prix d’Ensemble au Festspiele Mecklenburg-Vorpommern en Allemagne. Formé en 1998 au sein de Pro Corda à la National School for Young Chamber Music Players, le groupe étudie à partir de 2002 à Paris, dans le cadre de ProQuartet. Depuis sa création, le quartet se produit dans toute l’Europe. En 2010, il fait des débuts très remarqués aux États-Unis avec des concerts au Frick Museum à Ne w York et à la Libr ary of Congress à Washington. Le Quatuor se produit également dans de nombreux festivals internationaux. En 2009, le premier enregistrement du Doric String Quartet dans le label Wigmore Live est distingué par un «Editor’s Choice» dans Gramophone. Son premier CD, l’intégrale de Quatuors de Korngold, sortie en 2010, est récompensé par un «Critic Choice» de l’année 2010 dans Gramophone.

presse : « Les Doric imposent, avec une incisive hardiesse, leur appropriation des courants tourbillonnants et émouvants caractéristiques de la musique de Korngold. » BBC Review
« Avec leur proverbial sens du tempo, arrive à point un disque des Doric pour nous rappeler pourquoi nous les avons déjà mentionnés dans notre magazine comme l’un des meilleurs jeunes quatuors à cordes. Il y a, à proprement parler, un sérieux et un éclat dans leur Haydn qui les désignent comme des musiciens qui ont des choses fascinantes à dire… Le Haydn des Doric pétille d’intelligence dans son impressionnant et très prometteur premier enregistrement. » Gramophone (Editor’s choice)

Un couple de sexagénaires réunit ses trois filles et leur famille à l’occasion de l’anniversaire du père. Ils ont une annonce difficile à faire. Ils ont donc mis toutes les chances de leur côté. Les chambres pour les enfants ont été aménagées, la table est dressée, la blanquette est prête il n’y a plus qu’à réchauffer. Oui mais voilà… une des filles, devenue récemment « lacto-pesco végétarienne », a apporté une truite. Cette légère déviation dans le programme initial va désorganiser la structure familiale et ouvrir la porte aux règlements de compte.
« En faisant exploser les conflits les uns après les autres de manière absurde (parfois à coup de bataille de karaoké), Baptiste Amann fait de cette petite famille la chambre d’écho des débats qui animent nos sociétés d’aujourd’hui, si éruptives lorsqu’il s’agit d’aborder le sujet de l’acceptation de la différence. À travers les revendications des enfants trentenaires, se brosse aussi le portrait d’une génération complexée de ne pas pouvoir incarner ses idéaux. » Rémy Barché

Rémy Barché, parallèlement à sa formation en arts du spectacle à Bordeaux, monte La Semeuse de Fabrice Melquiot et Fairy Queen de Olivier Cadiot. Il réalise un spectacle acoustique à partir de 4.48 psychose de Sarah Kane dans le cadre du festival Novart. En 2005, il intègre l’École Supérieure d’Art Dramatique du TNS, section mise en scène.
Baptiste Amann s’est formé à l’ÉRAC (Cannes). À sa sortie il travaille comme acteur dans des créations contemporaines avec Daniel Danis, Hubert Colas, Jean-François Peyret… Il tourne au cinéma sous la direction de Karim Dridi, Christian Lamotte, Laurent Teyssier, Antoine de  Caunes, Philippe Lefebvre. Il développe un parcours d’auteur au sein de l’Outil, plateforme de production qu’il cofonde en 2010. Il compose également la musique de ses spectacles et de la compagnie Corps de passage (Avignon).

En 2018, on fêtait les 40 ans de la mort de Jacques Brel. Pour cette occasion Olivier Vaillant  et Damien Buisson lui rendent hommage avec une « relecture » musicale et théâtrale d’une partie de son oeuvre. S’attaquer à un répertoire aussi riche et populaire que celui de Jacques Brel, dont la voix résonne encore, relève du pari. Pari relevé lors de la saison 2016-17 à la Comédie, où le spectacle a été présenté avec beaucoup de succès sous le titre Cabaret Brel, porté par le chanteur-compositeur Olivier Vaillant et son équipe. Les textes, des plus célèbres aux moins connus, sont dépouillés puis revêtus de leurs nouveaux habits et vivent une nouvelle vie plus contemporaine grâce à la mise en son, petites perles électroniques rock et pop. Le grand Jacques n’est jamais loin, comme un guide attentif des débordements fous de cette bande d’artistes passionnés. Leur volonté farouche de s’affranchir de ce personnage à l’élocution et la gestuelle si singulières, sans jamais le trahir, permet d’entendre de nouveau ses très beaux textes, de lui redonner une nouvelle place à nos côtés, pas si loin d’une scène de rock ou d’un dance floor.

presse : « Une nouvelle lecture du répertoire du chanteur, anti-nostalgique » L’hebdo du vendredi
« La passion des mots et du sens des textes de Brel y rivalise avec la respiration empreinte de lucide liberté » Fulbert First

Diptyque poétique qui aborde le thème de la résistance incarnée par des femmes, « Les Folles » désignent avant tout ces mères argentines qui ont résisté à la dictature militaire suite à la disparition de 30 000 personnes, les Mères de la place de Mai. Dans un contexte politique autoritaire émerge alors une conscience collective, folle et viscérale, pour retrouver les familles disparues et défendre les droits humains.
Point de Croix est une métaphore de la pugnacité de ces femmes au foulard brodé à travers la figure de la brodeuse. Point après point, elle tente de convoquer le souvenir des disparus et opère une mue intime pour passer de la solitude endeuillée à la force du collectif.
Silencio es salud est l’enquête d’un Argentin immigré en Europe, Santiago Moreno, explorant le contexte politique de ces années sombres où la parole était dangereuse. Ce musicien/manipulateur s’empare des archives de l’époque, et orchestre nos sens pour nous faire partager la force d’une résistance et d’une mémoire collective en mouvement.
Ces deux solos sans parole sont associés à une exposition sur les Mères de la place de Mai présentant des photos historiques, une reconstitution en marionnettes et un court film animé.

La Mue/tte est une compagnie franco-argentine qui voit le jour à Nancy en 2014 suite à la rencontre d’une comédienne-marionnettiste nancéenne et d’un musicien-marionnettiste argentin, tous deux passionnés par la question du mouvement, de sa transmission et de sa
répercussion (son, images, manipulations). Delphine Bardot et Santiago Moreno  s’associent avec le projet de développer une recherche autour du théâtre visuel et musical, d’engager le corps et la marionnette en ce qu’ils ont de sonores et rythmiques, et la musique en ce qu’elle a de physique, à travers une certaine mécanique poétique du mouvement.

presse : « Dans un astucieux diptyque, La Mue/tte rend un vibrant hommage à ces femmes devenues emblématiques de la défense des droits de l’homme. Delphine Bardot évoque celles qui ont choisi de broder pour résister, mêlant la douceur du geste à la férocité du drame, tandis que Santiago Moreno utilise des photos et des vidéos tirées d’archives qui
rappellent la brutalité et le cynisme des dirigeants responsables de la disparition de 30 000 personnes. » TT TELERAMA

Diptyque poétique qui aborde le thème de la résistance incarnée par des femmes, « Les Folles » désignent avant tout ces mères argentines qui ont résisté à la dictature militaire suite à la disparition de 30 000 personnes, les Mères de la place de Mai. Dans un contexte politique autoritaire émerge alors une conscience collective, folle et viscérale, pour retrouver les familles disparues et défendre les droits humains.
Point de Croix est une métaphore de la pugnacité de ces femmes au foulard brodé à travers la figure de la brodeuse. Point après point, elle tente de convoquer le souvenir des disparus et opère une mue intime pour passer de la solitude endeuillée à la force du collectif.
Silencio es salud est l’enquête d’un Argentin immigré en Europe, Santiago Moreno, explorant le contexte politique de ces années sombres où la parole était dangereuse. Ce musicien/manipulateur s’empare des archives de l’époque, et orchestre nos sens pour nous faire partager la force d’une résistance et d’une mémoire collective en mouvement.
Ces deux solos sans parole sont associés à une exposition sur les Mères de la place de Mai présentant des photos historiques, une reconstitution en marionnettes et un court film animé.

La Mue/tte est une compagnie franco-argentine qui voit le jour à Nancy en 2014 suite à la rencontre d’une comédienne-marionnettiste nancéenne et d’un musicien-marionnettiste argentin, tous deux passionnés par la question du mouvement, de sa transmission et de sa
répercussion (son, images, manipulations). Delphine Bardot et Santiago Moreno  s’associent avec le projet de développer une recherche autour du théâtre visuel et musical, d’engager le corps et la marionnette en ce qu’ils ont de sonores et rythmiques, et la musique en ce qu’elle a de physique, à travers une certaine mécanique poétique du mouvement.

presse : « Dans un astucieux diptyque, La Mue/tte rend un vibrant hommage à ces femmes devenues emblématiques de la défense des droits de l’homme. Delphine Bardot évoque celles qui ont choisi de broder pour résister, mêlant la douceur du geste à la férocité du drame, tandis que Santiago Moreno utilise des photos et des vidéos tirées d’archives qui
rappellent la brutalité et le cynisme des dirigeants responsables de la disparition de 30 000 personnes. » TT TELERAMA

Diptyque poétique qui aborde le thème de la résistance incarnée par des femmes, « Les Folles » désignent avant tout ces mères argentines qui ont résisté à la dictature militaire suite à la disparition de 30 000 personnes, les Mères de la place de Mai. Dans un contexte politique autoritaire émerge alors une conscience collective, folle et viscérale, pour retrouver les familles disparues et défendre les droits humains.
Point de Croix est une métaphore de la pugnacité de ces femmes au foulard brodé à travers la figure de la brodeuse. Point après point, elle tente de convoquer le souvenir des disparus et opère une mue intime pour passer de la solitude endeuillée à la force du collectif.
Silencio es salud est l’enquête d’un Argentin immigré en Europe, Santiago Moreno, explorant le contexte politique de ces années sombres où la parole était dangereuse. Ce musicien/manipulateur s’empare des archives de l’époque, et orchestre nos sens pour nous faire partager la force d’une résistance et d’une mémoire collective en mouvement.
Ces deux solos sans parole sont associés à une exposition sur les Mères de la place de Mai présentant des photos historiques, une reconstitution en marionnettes et un court film animé.

La Mue/tte est une compagnie franco-argentine qui voit le jour à Nancy en 2014 suite à la rencontre d’une comédienne-marionnettiste nancéenne et d’un musicien-marionnettiste argentin, tous deux passionnés par la question du mouvement, de sa transmission et de sa
répercussion (son, images, manipulations). Delphine Bardot et Santiago Moreno  s’associent avec le projet de développer une recherche autour du théâtre visuel et musical, d’engager le corps et la marionnette en ce qu’ils ont de sonores et rythmiques, et la musique en ce qu’elle a de physique, à travers une certaine mécanique poétique du mouvement.

presse : « Dans un astucieux diptyque, La Mue/tte rend un vibrant hommage à ces femmes devenues emblématiques de la défense des droits de l’homme. Delphine Bardot évoque celles qui ont choisi de broder pour résister, mêlant la douceur du geste à la férocité du drame, tandis que Santiago Moreno utilise des photos et des vidéos tirées d’archives qui
rappellent la brutalité et le cynisme des dirigeants responsables de la disparition de 30 000 personnes. » TT TELERAMA

Catrin Finch, harpiste galloise de renommée internationale pour ses performances au Royaume-Uni et dans le monde entier, est aussi connue sous le nom de « la Reine des harpes ». Elle commence à étudier la harpe depuis l’âge de six ans auprès de professeurs comme Elinor Bennett et Skaila Kanga. De 2000 à 2004 elle était nommée « harpiste officielle auprès du prince de Galles » position qui était vacante depuis le règne de la Reine Victoria. Elle se produit aussi bien en solo qu’en groupe aux Etats-Unis, en Amérique du Sud, au Moyen Orient, en Asie, en Australie et en Europe.

Seckou Keita est un artiste sénégalais multi-instrumentiste qui joue aussi bien de la kora, harpe sénégalaise à 22 cordes, que du djembé. Il est déjà reconnu comme jeune prodige auprès du pianiste de jazz Omar Sosa et se produit sur la scène internationale depuis 1996 en accompagnant des artistes tels que Salif Keita, Youssou N’Dour, Miriam Makeba et Neil Finn. Seckou Keita explore à travers sa musique la signification de la citoyenneté moderne dans un monde globalisé qui vit cependant avec un héritage et une tradition de sept siècles.

Leur première rencontre date de 2012 et leur premier album Clychau Dibon (2013, L’Autre Distribution) a été salué par la critique internationale. En 2014, Songlines Magazine leur décerne le prix de la meilleure collaboration culturelle. L’intrépide duo gallois/sénégalais prône l’exploration et célèbre les différences et les parallèles possibles entre leurs instruments et leurs cultures. Dans leur deuxième album SOAR (L’Autre Distribution) sorti en avril 2018, Catrin Finch et Seckou Keita interrogent la migration et les voyages grâce à leur musique et à leur communion. Les deux univers, que rien ne prédestinait à se rencontrer, entrent en fusion. Une bonne dose de « musique pour le monde » acclamée par la critique internationale.

presse : « Avec beaucoup de cordes à leurs arcs, les deux musiciens chassent les rêves, égrènent les souvenirs d’une histoire commune. Lyrisme zen, virtuosité en apesanteur, fresques transparentes, cet album est ce qui se fait de mieux dans le genre, bon comme le silence. » Les Inrockuptibles
« Un sublime duo de deux artistes qui sont maîtres de leur instrument… musicalité et architecture au sommet » London Evening Standard
« Une musique céleste… qui nous élève, réalisée avec complexité, magnifique » Songlines

« Quand les enfants sont pour la première fois confrontés à la mort d’un petit animal, ce corps qui ne bouge plus, ne respire plus, ne répond plus, les fascine. Ils inventent une cérémonie des adieux. Cela se passe souvent en secret des adultes, parfois avec leur aide. C’est un moment intime et grave de l’enfance. Quand la cérémonie est finie, pris par d’autres jeux, ils s’en vont. J’avais envie de partager des questions existentielles auprès d’enfants petits et de personnes très âgées. Que veut dire vivre ? Venir au monde ? Où est-on avant de naître ? Où va-t-on quand on meurt ? Rencontrer des personnes aux deux bouts de la vie. Le jeune âge et le grand âge. Le lisse et le froissé. Le papier de soie, son opacité, sa fragilité, sa légèreté est un peu à l’image de nos vies. Il créera les paysages visuels éphémères des légendes glissées comme en écho des paroles collectées. Ces voix enregistrées, enfantines et âgées, seront orchestrées comme une palette de timbres, de grains, de couleurs. L’accompagnement instrumental et le chant des interprètes dialogueront avec ces voix enregistrées pour en créer les paysages sonores. » Ève Ledig

Après une formation de chant, de danse contemporaine, de clown et d’écriture, Ève Ledig joue dans plusieurs productions en Alsace et ailleurs. Parallèlement, elle conçoit et met en scène plusieurs spectacles, notamment de théâtre musical avec L’Ensemble Vocal
Résonances, l’Ensemble Vocal Variations… De 1993 à 2003, elle est artiste permanente au TJP, Centre dramatique national de Strasbourg. En 2003, elle crée Le Fil rouge théâtre à Strasbourg. Ces créations puisent dans la littérature ou dans le répertoire archaïque des contes et des mythes pour inventer des formes théâtrales et musicales qui interrogent notre art de vivre ensemble, aujourd’hui.
Depuis 2003, la recherche artistique du Fil rouge théâtre tisse des liens entre le geste, la parole, le chant, l’espace, la lumière… comme autant de langages qui s’articulent pour devenir une écriture scénique, un théâtre qui parle autant aux enfants qu’aux adultes et qui permet à chacun de se raconter sa propre histoire. Chaque spectacle est le reflet et l’aboutissement d’un travail en équipe.

Circus I love you est un cirque utopiste. Avec une esthétique contemporaine et une large palette de disciplines de cirque (main à main, suspensions par les cheveux, roue allemande…), les artistes promeuvent la paix et l’amour. Avec une grande simplicité mais un risque toujours présent, les artistes dépassent leurs peurs et le risque de l’échec qui nous empêche tous d’avancer. A la fois musiciens et circassiens, les artistes jouent en live pendant le spectacle.
« On ne peut pas jouer un saut périlleux, ou même prétendre rattraper un acrobate qui tombe de haut. Le risque est toujours présent. La peur de l’échec nous empêche tous-toutes, un jour ou l’autre, d’essayer. La peur de l’inconnu nous empêche d’initier des aventures extraordinaires. La peur d’être jugé peut régulièrement empêcher d’assumer ce qui est important pour chacun. La peur rend docile et crée un besoin de sécurité, selon nous démesuré, qui pousse à la surconsommation. Faire face à nos peurs est un moyen de regagner notre liberté. » Circus I love you AB

Circus I love you AB est une jeune compagnie basée en Suède. Circus I love you est leur première création après deux ans de résidences et de recherches. Elle comprend huit artistes de cirque et musiciens originaires du Danemark, de Finlande, de France, de Norvège et de Suède. Mais ce multiculturalisme rend difficile le choix de s’implanter quelque part. C’est pourquoi la compagnie a décidé de ne pas s’installer et de planter son chapiteau aux quatre coins de l’Europe. Une vision artistique qui les pousse à convaincre toujours une nouvelle ville avec leur spectacle.

Circus I love you est un cirque utopiste. Avec une esthétique contemporaine et une large palette de disciplines de cirque (main à main, suspensions par les cheveux, roue allemande…), les artistes promeuvent la paix et l’amour. Avec une grande simplicité mais un risque toujours présent, les artistes dépassent leurs peurs et le risque de l’échec qui nous empêche tous d’avancer. A la fois musiciens et circassiens, les artistes jouent en live pendant le spectacle.
« On ne peut pas jouer un saut périlleux, ou même prétendre rattraper un acrobate qui tombe de haut. Le risque est toujours présent. La peur de l’échec nous empêche tous-toutes, un jour ou l’autre, d’essayer. La peur de l’inconnu nous empêche d’initier des aventures extraordinaires. La peur d’être jugé peut régulièrement empêcher d’assumer ce qui est important pour chacun. La peur rend docile et crée un besoin de sécurité, selon nous démesuré, qui pousse à la surconsommation. Faire face à nos peurs est un moyen de regagner notre liberté. » Circus I love you AB

Circus I love you AB est une jeune compagnie basée en Suède. Circus I love you est leur première création après deux ans de résidences et de recherches. Elle comprend huit artistes de cirque et musiciens originaires du Danemark, de Finlande, de France, de Norvège et de Suède. Mais ce multiculturalisme rend difficile le choix de s’implanter quelque part. C’est pourquoi la compagnie a décidé de ne pas s’installer et de planter son chapiteau aux quatre coins de l’Europe. Une vision artistique qui les pousse à convaincre toujours une nouvelle ville avec leur spectacle.

Animés par un appétit gargantuesque pour la savante Connerie, Les Dodos s’efforcent depuis toujours à faire tomber la tartine du bon côté. De leur fragilité et leur imagination sans limites naissent d’improbables tentatives d’échapper à la gravité. Main à main, voltige aérienne, acrobatie, anneaux chinois, rites absurdes, ils multiplient les apprentissages de tous les possibles et se jouent de leurs peurs, de leurs conflits avec une inébranlable naïveté et un humour insolent. Les musiques sont leurs respirations : et pour y parvenir, du violon à la contrebasse, et surtout en passant par les guitares…, autant de variations sur cordes, sur corps, pour des mouvements acrobatiques et des cascades périlleuses. Les Dodos défendent becs et ongles leurs rêves et partagent avec le public, sous la chaude lumière du chapiteau, un précieux combat : exister, le temps d’un spectacle, comme un acte de résistance ! Les cinq artistes de la compagnie sont touche à tout, musiciens, acrobates et jongleurs, ils manient tous les registres à la perfection. Et qui sait, à vouloir défier la gravité, les dodos finiront peut-être par s’envoler.

Le P’tit Cirk a été créé en mars 2004 par Danielle Le Pierrès et Christophe Lelarge qui voulaient écrire et jouer leurs propres histoires, après avoir travaillé dans d’autres projets. La compagnie s’installe en Bretagne et tisse des liens privilégiés avec la population et les artistes locaux et régionaux ce qui en fait une compagnie reconnue et appréciée auprès du public breton et des structures culturelles.

Animés par un appétit gargantuesque pour la savante Connerie, Les Dodos s’efforcent depuis toujours à faire tomber la tartine du bon côté. De leur fragilité et leur imagination sans limites naissent d’improbables tentatives d’échapper à la gravité. Main à main, voltige aérienne, acrobatie, anneaux chinois, rites absurdes, ils multiplient les apprentissages de tous les possibles et se jouent de leurs peurs, de leurs conflits avec une inébranlable naïveté et un humour insolent. Les musiques sont leurs respirations : et pour y parvenir, du violon à la contrebasse, et surtout en passant par les guitares…, autant de variations sur cordes, sur corps, pour des mouvements acrobatiques et des cascades périlleuses. Les Dodos défendent becs et ongles leurs rêves et partagent avec le public, sous la chaude lumière du chapiteau, un précieux combat : exister, le temps d’un spectacle, comme un acte de résistance ! Les cinq artistes de la compagnie sont touche à tout, musiciens, acrobates et jongleurs, ils manient tous les registres à la perfection. Et qui sait, à vouloir défier la gravité, les dodos finiront peut-être par s’envoler.

Le P’tit Cirk a été créé en mars 2004 par Danielle Le Pierrès et Christophe Lelarge qui voulaient écrire et jouer leurs propres histoires, après avoir travaillé dans d’autres projets. La compagnie s’installe en Bretagne et tisse des liens privilégiés avec la population et les artistes locaux et régionaux ce qui en fait une compagnie reconnue et appréciée auprès du public breton et des structures culturelles.

Animés par un appétit gargantuesque pour la savante Connerie, Les Dodos s’efforcent depuis toujours à faire tomber la tartine du bon côté. De leur fragilité et leur imagination sans limites naissent d’improbables tentatives d’échapper à la gravité. Main à main, voltige aérienne, acrobatie, anneaux chinois, rites absurdes, ils multiplient les apprentissages de tous les possibles et se jouent de leurs peurs, de leurs conflits avec une inébranlable naïveté et un humour insolent. Les musiques sont leurs respirations : et pour y parvenir, du violon à la contrebasse, et surtout en passant par les guitares…, autant de variations sur cordes, sur corps, pour des mouvements acrobatiques et des cascades périlleuses. Les Dodos défendent becs et ongles leurs rêves et partagent avec le public, sous la chaude lumière du chapiteau, un précieux combat : exister, le temps d’un spectacle, comme un acte de résistance ! Les cinq artistes de la compagnie sont touche à tout, musiciens, acrobates et jongleurs, ils manient tous les registres à la perfection. Et qui sait, à vouloir défier la gravité, les dodos finiront peut-être par s’envoler.

Le P’tit Cirk a été créé en mars 2004 par Danielle Le Pierrès et Christophe Lelarge qui voulaient écrire et jouer leurs propres histoires, après avoir travaillé dans d’autres projets. La compagnie s’installe en Bretagne et tisse des liens privilégiés avec la population et les artistes locaux et régionaux ce qui en fait une compagnie reconnue et appréciée auprès du public breton et des structures culturelles.