Accueil

L’herbe tendre : l’empreinte d’une chanson qui évoque le temps qui passe et celui qui est déjà passé, la vie, l’intimité entre deux êtres, deux amis qui se retrouvent une fois de plus, vivants. C’est un endroit où on a envie d’être, de rester, allongé sous un ciel sans nuage un dimanche après-midi de printemps. Il fait bon, on chante, on rigole le coeur léger un verre à la main. Jonas et Sébastien ont maintenant 73 ans (à eux deux), l’âge de commencer à se souvenir ; ils le font par ce spectacle ne ressemblant à aucun autre mais parlant à chacun : drôle mais poétique, viril mais délicat, potache mais tendre (L’herbe tendre). Ils nous disent la jeunesse, l’insouciance, l’amitié, les limites, les dangers, les liens qui unissent et poussent parfois les adolescents à faire vraiment n’importe quoi. Anecdotes, danses, chants, musiques et morceaux de bravoure circassienne alternent : « C’est quoi devenir un homme ? ». Duel aux fleurets, acrobaties et équilibres en tous genres, les couteaux volent dans tous les sens, comme les balles (de jonglage) ou les oeufs. On rit et on s’émeut, ou on retient son souffle lors des affrontements spectaculaires de ces deux garnements, frères de cirque ; émotions garanties au cours d’un spectacle dynamique et jubilatoire.

Jonas Séradin : « Mon hyper activité étant jeune m’a régulièrement exposé au regard des autres ; il m’a donc fallu me défendre et l’accepter. Cette énergie n’était pas faite pour les bancs d’école. Alors, pour la canaliser j’ai alterné entre gym et rugby, ce qui m’a conduit au cirque. L’acrobatie étant un juste milieu. Je viens du bord de mer où j’ai développé mon sens de l’appui et de l’équilibre sur de gros blocs de granit. N’ayant pas pu les emporter avec moi, me voilà sur la piste. À la sortie du CNAC après sept ans d’écoles de cirque, j’ai cofondé la Compagnie Galapiat et son spectacle Risque Zéro. »
Sébastien Wojdan est jongleur et musicien, et touche-à-tout des arts du cirque (jonglerie, corde molle, acrobatie, lancer de couteaux). Après des études de cirque et de danse à l’école Balthazar et à l’Epsedanse de Montpellier, à l’Ecole Nationale des Arts du Cirque à Rosny-sous-Bois et au Centre National des Arts du Cirque à Châlons-en-Champagne, il fonde avec cinq autres artistes la Compagnie Galapiat qui crée Risque Zéro. Il fait également partie de plusieurs projets musicaux.

L’herbe tendre : l’empreinte d’une chanson qui évoque le temps qui passe et celui qui est déjà passé, la vie, l’intimité entre deux êtres, deux amis qui se retrouvent une fois de plus, vivants. C’est un endroit où on a envie d’être, de rester, allongé sous un ciel sans nuage un dimanche après-midi de printemps. Il fait bon, on chante, on rigole le coeur léger un verre à la main. Jonas et Sébastien ont maintenant 73 ans (à eux deux), l’âge de commencer à se souvenir ; ils le font par ce spectacle ne ressemblant à aucun autre mais parlant à chacun : drôle mais poétique, viril mais délicat, potache mais tendre (L’herbe tendre). Ils nous disent la jeunesse, l’insouciance, l’amitié, les limites, les dangers, les liens qui unissent et poussent parfois les adolescents à faire vraiment n’importe quoi. Anecdotes, danses, chants, musiques et morceaux de bravoure circassienne alternent : « C’est quoi devenir un homme ? ». Duel aux fleurets, acrobaties et équilibres en tous genres, les couteaux volent dans tous les sens, comme les balles (de jonglage) ou les oeufs. On rit et on s’émeut, ou on retient son souffle lors des affrontements spectaculaires de ces deux garnements, frères de cirque ; émotions garanties au cours d’un spectacle dynamique et jubilatoire.

Jonas Séradin : « Mon hyper activité étant jeune m’a régulièrement exposé au regard des autres ; il m’a donc fallu me défendre et l’accepter. Cette énergie n’était pas faite pour les bancs d’école. Alors, pour la canaliser j’ai alterné entre gym et rugby, ce qui m’a conduit au cirque. L’acrobatie étant un juste milieu. Je viens du bord de mer où j’ai développé mon sens de l’appui et de l’équilibre sur de gros blocs de granit. N’ayant pas pu les emporter avec moi, me voilà sur la piste. À la sortie du CNAC après sept ans d’écoles de cirque, j’ai cofondé la Compagnie Galapiat et son spectacle Risque Zéro. »
Sébastien Wojdan est jongleur et musicien, et touche-à-tout des arts du cirque (jonglerie, corde molle, acrobatie, lancer de couteaux). Après des études de cirque et de danse à l’école Balthazar et à l’Epsedanse de Montpellier, à l’Ecole Nationale des Arts du Cirque à Rosny-sous-Bois et au Centre National des Arts du Cirque à Châlons-en-Champagne, il fonde avec cinq autres artistes la Compagnie Galapiat qui crée Risque Zéro. Il fait également partie de plusieurs projets musicaux.

L’herbe tendre : l’empreinte d’une chanson qui évoque le temps qui passe et celui qui est déjà passé, la vie, l’intimité entre deux êtres, deux amis qui se retrouvent une fois de plus, vivants. C’est un endroit où on a envie d’être, de rester, allongé sous un ciel sans nuage un dimanche après-midi de printemps. Il fait bon, on chante, on rigole le coeur léger un verre à la main. Jonas et Sébastien ont maintenant 73 ans (à eux deux), l’âge de commencer à se souvenir ; ils le font par ce spectacle ne ressemblant à aucun autre mais parlant à chacun : drôle mais poétique, viril mais délicat, potache mais tendre (L’herbe tendre). Ils nous disent la jeunesse, l’insouciance, l’amitié, les limites, les dangers, les liens qui unissent et poussent parfois les adolescents à faire vraiment n’importe quoi. Anecdotes, danses, chants, musiques et morceaux de bravoure circassienne alternent : « C’est quoi devenir un homme ? ». Duel aux fleurets, acrobaties et équilibres en tous genres, les couteaux volent dans tous les sens, comme les balles (de jonglage) ou les oeufs. On rit et on s’émeut, ou on retient son souffle lors des affrontements spectaculaires de ces deux garnements, frères de cirque ; émotions garanties au cours d’un spectacle dynamique et jubilatoire.

Jonas Séradin : « Mon hyper activité étant jeune m’a régulièrement exposé au regard des autres ; il m’a donc fallu me défendre et l’accepter. Cette énergie n’était pas faite pour les bancs d’école. Alors, pour la canaliser j’ai alterné entre gym et rugby, ce qui m’a conduit au cirque. L’acrobatie étant un juste milieu. Je viens du bord de mer où j’ai développé mon sens de l’appui et de l’équilibre sur de gros blocs de granit. N’ayant pas pu les emporter avec moi, me voilà sur la piste. À la sortie du CNAC après sept ans d’écoles de cirque, j’ai cofondé la Compagnie Galapiat et son spectacle Risque Zéro. »
Sébastien Wojdan est jongleur et musicien, et touche-à-tout des arts du cirque (jonglerie, corde molle, acrobatie, lancer de couteaux). Après des études de cirque et de danse à l’école Balthazar et à l’Epsedanse de Montpellier, à l’Ecole Nationale des Arts du Cirque à Rosny-sous-Bois et au Centre National des Arts du Cirque à Châlons-en-Champagne, il fonde avec cinq autres artistes la Compagnie Galapiat qui crée Risque Zéro. Il fait également partie de plusieurs projets musicaux.

L’herbe tendre : l’empreinte d’une chanson qui évoque le temps qui passe et celui qui est déjà passé, la vie, l’intimité entre deux êtres, deux amis qui se retrouvent une fois de plus, vivants. C’est un endroit où on a envie d’être, de rester, allongé sous un ciel sans nuage un dimanche après-midi de printemps. Il fait bon, on chante, on rigole le coeur léger un verre à la main. Jonas et Sébastien ont maintenant 73 ans (à eux deux), l’âge de commencer à se souvenir ; ils le font par ce spectacle ne ressemblant à aucun autre mais parlant à chacun : drôle mais poétique, viril mais délicat, potache mais tendre (L’herbe tendre). Ils nous disent la jeunesse, l’insouciance, l’amitié, les limites, les dangers, les liens qui unissent et poussent parfois les adolescents à faire vraiment n’importe quoi. Anecdotes, danses, chants, musiques et morceaux de bravoure circassienne alternent : « C’est quoi devenir un homme ? ». Duel aux fleurets, acrobaties et équilibres en tous genres, les couteaux volent dans tous les sens, comme les balles (de jonglage) ou les oeufs. On rit et on s’émeut, ou on retient son souffle lors des affrontements spectaculaires de ces deux garnements, frères de cirque ; émotions garanties au cours d’un spectacle dynamique et jubilatoire.

Jonas Séradin : « Mon hyper activité étant jeune m’a régulièrement exposé au regard des autres ; il m’a donc fallu me défendre et l’accepter. Cette énergie n’était pas faite pour les bancs d’école. Alors, pour la canaliser j’ai alterné entre gym et rugby, ce qui m’a conduit au cirque. L’acrobatie étant un juste milieu. Je viens du bord de mer où j’ai développé mon sens de l’appui et de l’équilibre sur de gros blocs de granit. N’ayant pas pu les emporter avec moi, me voilà sur la piste. À la sortie du CNAC après sept ans d’écoles de cirque, j’ai cofondé la Compagnie Galapiat et son spectacle Risque Zéro. »
Sébastien Wojdan est jongleur et musicien, et touche-à-tout des arts du cirque (jonglerie, corde molle, acrobatie, lancer de couteaux). Après des études de cirque et de danse à l’école Balthazar et à l’Epsedanse de Montpellier, à l’Ecole Nationale des Arts du Cirque à Rosny-sous-Bois et au Centre National des Arts du Cirque à Châlons-en-Champagne, il fonde avec cinq autres artistes la Compagnie Galapiat qui crée Risque Zéro. Il fait également partie de plusieurs projets musicaux.

L’herbe tendre : l’empreinte d’une chanson qui évoque le temps qui passe et celui qui est déjà passé, la vie, l’intimité entre deux êtres, deux amis qui se retrouvent une fois de plus, vivants. C’est un endroit où on a envie d’être, de rester, allongé sous un ciel sans nuage un dimanche après-midi de printemps. Il fait bon, on chante, on rigole le coeur léger un verre à la main. Jonas et Sébastien ont maintenant 73 ans (à eux deux), l’âge de commencer à se souvenir ; ils le font par ce spectacle ne ressemblant à aucun autre mais parlant à chacun : drôle mais poétique, viril mais délicat, potache mais tendre (L’herbe tendre). Ils nous disent la jeunesse, l’insouciance, l’amitié, les limites, les dangers, les liens qui unissent et poussent parfois les adolescents à faire vraiment n’importe quoi. Anecdotes, danses, chants, musiques et morceaux de bravoure circassienne alternent : « C’est quoi devenir un homme ? ». Duel aux fleurets, acrobaties et équilibres en tous genres, les couteaux volent dans tous les sens, comme les balles (de jonglage) ou les oeufs. On rit et on s’émeut, ou on retient son souffle lors des affrontements spectaculaires de ces deux garnements, frères de cirque ; émotions garanties au cours d’un spectacle dynamique et jubilatoire.

Jonas Séradin : « Mon hyper activité étant jeune m’a régulièrement exposé au regard des autres ; il m’a donc fallu me défendre et l’accepter. Cette énergie n’était pas faite pour les bancs d’école. Alors, pour la canaliser j’ai alterné entre gym et rugby, ce qui m’a conduit au cirque. L’acrobatie étant un juste milieu. Je viens du bord de mer où j’ai développé mon sens de l’appui et de l’équilibre sur de gros blocs de granit. N’ayant pas pu les emporter avec moi, me voilà sur la piste. À la sortie du CNAC après sept ans d’écoles de cirque, j’ai cofondé la Compagnie Galapiat et son spectacle Risque Zéro. »
Sébastien Wojdan est jongleur et musicien, et touche-à-tout des arts du cirque (jonglerie, corde molle, acrobatie, lancer de couteaux). Après des études de cirque et de danse à l’école Balthazar et à l’Epsedanse de Montpellier, à l’Ecole Nationale des Arts du Cirque à Rosny-sous-Bois et au Centre National des Arts du Cirque à Châlons-en-Champagne, il fonde avec cinq autres artistes la Compagnie Galapiat qui crée Risque Zéro. Il fait également partie de plusieurs projets musicaux.

L’herbe tendre : l’empreinte d’une chanson qui évoque le temps qui passe et celui qui est déjà passé, la vie, l’intimité entre deux êtres, deux amis qui se retrouvent une fois de plus, vivants. C’est un endroit où on a envie d’être, de rester, allongé sous un ciel sans nuage un dimanche après-midi de printemps. Il fait bon, on chante, on rigole le coeur léger un verre à la main. Jonas et Sébastien ont maintenant 73 ans (à eux deux), l’âge de commencer à se souvenir ; ils le font par ce spectacle ne ressemblant à aucun autre mais parlant à chacun : drôle mais poétique, viril mais délicat, potache mais tendre (L’herbe tendre). Ils nous disent la jeunesse, l’insouciance, l’amitié, les limites, les dangers, les liens qui unissent et poussent parfois les adolescents à faire vraiment n’importe quoi. Anecdotes, danses, chants, musiques et morceaux de bravoure circassienne alternent : « C’est quoi devenir un homme ? ». Duel aux fleurets, acrobaties et équilibres en tous genres, les couteaux volent dans tous les sens, comme les balles (de jonglage) ou les oeufs. On rit et on s’émeut, ou on retient son souffle lors des affrontements spectaculaires de ces deux garnements, frères de cirque ; émotions garanties au cours d’un spectacle dynamique et jubilatoire.

Jonas Séradin : « Mon hyper activité étant jeune m’a régulièrement exposé au regard des autres ; il m’a donc fallu me défendre et l’accepter. Cette énergie n’était pas faite pour les bancs d’école. Alors, pour la canaliser j’ai alterné entre gym et rugby, ce qui m’a conduit au cirque. L’acrobatie étant un juste milieu. Je viens du bord de mer où j’ai développé mon sens de l’appui et de l’équilibre sur de gros blocs de granit. N’ayant pas pu les emporter avec moi, me voilà sur la piste. À la sortie du CNAC après sept ans d’écoles de cirque, j’ai cofondé la Compagnie Galapiat et son spectacle Risque Zéro. »
Sébastien Wojdan est jongleur et musicien, et touche-à-tout des arts du cirque (jonglerie, corde molle, acrobatie, lancer de couteaux). Après des études de cirque et de danse à l’école Balthazar et à l’Epsedanse de Montpellier, à l’Ecole Nationale des Arts du Cirque à Rosny-sous-Bois et au Centre National des Arts du Cirque à Châlons-en-Champagne, il fonde avec cinq autres artistes la Compagnie Galapiat qui crée Risque Zéro. Il fait également partie de plusieurs projets musicaux.

L’herbe tendre : l’empreinte d’une chanson qui évoque le temps qui passe et celui qui est déjà passé, la vie, l’intimité entre deux êtres, deux amis qui se retrouvent une fois de plus, vivants. C’est un endroit où on a envie d’être, de rester, allongé sous un ciel sans nuage un dimanche après-midi de printemps. Il fait bon, on chante, on rigole le coeur léger un verre à la main. Jonas et Sébastien ont maintenant 73 ans (à eux deux), l’âge de commencer à se souvenir ; ils le font par ce spectacle ne ressemblant à aucun autre mais parlant à chacun : drôle mais poétique, viril mais délicat, potache mais tendre (L’herbe tendre). Ils nous disent la jeunesse, l’insouciance, l’amitié, les limites, les dangers, les liens qui unissent et poussent parfois les adolescents à faire vraiment n’importe quoi. Anecdotes, danses, chants, musiques et morceaux de bravoure circassienne alternent : « C’est quoi devenir un homme ? ». Duel aux fleurets, acrobaties et équilibres en tous genres, les couteaux volent dans tous les sens, comme les balles (de jonglage) ou les oeufs. On rit et on s’émeut, ou on retient son souffle lors des affrontements spectaculaires de ces deux garnements, frères de cirque ; émotions garanties au cours d’un spectacle dynamique et jubilatoire.

Jonas Séradin : « Mon hyper activité étant jeune m’a régulièrement exposé au regard des autres ; il m’a donc fallu me défendre et l’accepter. Cette énergie n’était pas faite pour les bancs d’école. Alors, pour la canaliser j’ai alterné entre gym et rugby, ce qui m’a conduit au cirque. L’acrobatie étant un juste milieu. Je viens du bord de mer où j’ai développé mon sens de l’appui et de l’équilibre sur de gros blocs de granit. N’ayant pas pu les emporter avec moi, me voilà sur la piste. À la sortie du CNAC après sept ans d’écoles de cirque, j’ai cofondé la Compagnie Galapiat et son spectacle Risque Zéro. »
Sébastien Wojdan est jongleur et musicien, et touche-à-tout des arts du cirque (jonglerie, corde molle, acrobatie, lancer de couteaux). Après des études de cirque et de danse à l’école Balthazar et à l’Epsedanse de Montpellier, à l’Ecole Nationale des Arts du Cirque à Rosny-sous-Bois et au Centre National des Arts du Cirque à Châlons-en-Champagne, il fonde avec cinq autres artistes la Compagnie Galapiat qui crée Risque Zéro. Il fait également partie de plusieurs projets musicaux.

L’herbe tendre : l’empreinte d’une chanson qui évoque le temps qui passe et celui qui est déjà passé, la vie, l’intimité entre deux êtres, deux amis qui se retrouvent une fois de plus, vivants. C’est un endroit où on a envie d’être, de rester, allongé sous un ciel sans nuage un dimanche après-midi de printemps. Il fait bon, on chante, on rigole le coeur léger un verre à la main. Jonas et Sébastien ont maintenant 73 ans (à eux deux), l’âge de commencer à se souvenir ; ils le font par ce spectacle ne ressemblant à aucun autre mais parlant à chacun : drôle mais poétique, viril mais délicat, potache mais tendre (L’herbe tendre). Ils nous disent la jeunesse, l’insouciance, l’amitié, les limites, les dangers, les liens qui unissent et poussent parfois les adolescents à faire vraiment n’importe quoi. Anecdotes, danses, chants, musiques et morceaux de bravoure circassienne alternent : « C’est quoi devenir un homme ? ». Duel aux fleurets, acrobaties et équilibres en tous genres, les couteaux volent dans tous les sens, comme les balles (de jonglage) ou les oeufs. On rit et on s’émeut, ou on retient son souffle lors des affrontements spectaculaires de ces deux garnements, frères de cirque ; émotions garanties au cours d’un spectacle dynamique et jubilatoire.

Jonas Séradin : « Mon hyper activité étant jeune m’a régulièrement exposé au regard des autres ; il m’a donc fallu me défendre et l’accepter. Cette énergie n’était pas faite pour les bancs d’école. Alors, pour la canaliser j’ai alterné entre gym et rugby, ce qui m’a conduit au cirque. L’acrobatie étant un juste milieu. Je viens du bord de mer où j’ai développé mon sens de l’appui et de l’équilibre sur de gros blocs de granit. N’ayant pas pu les emporter avec moi, me voilà sur la piste. À la sortie du CNAC après sept ans d’écoles de cirque, j’ai cofondé la Compagnie Galapiat et son spectacle Risque Zéro. »
Sébastien Wojdan est jongleur et musicien, et touche-à-tout des arts du cirque (jonglerie, corde molle, acrobatie, lancer de couteaux). Après des études de cirque et de danse à l’école Balthazar et à l’Epsedanse de Montpellier, à l’Ecole Nationale des Arts du Cirque à Rosny-sous-Bois et au Centre National des Arts du Cirque à Châlons-en-Champagne, il fonde avec cinq autres artistes la Compagnie Galapiat qui crée Risque Zéro. Il fait également partie de plusieurs projets musicaux.

L’herbe tendre : l’empreinte d’une chanson qui évoque le temps qui passe et celui qui est déjà passé, la vie, l’intimité entre deux êtres, deux amis qui se retrouvent une fois de plus, vivants. C’est un endroit où on a envie d’être, de rester, allongé sous un ciel sans nuage un dimanche après-midi de printemps. Il fait bon, on chante, on rigole le coeur léger un verre à la main. Jonas et Sébastien ont maintenant 73 ans (à eux deux), l’âge de commencer à se souvenir ; ils le font par ce spectacle ne ressemblant à aucun autre mais parlant à chacun : drôle mais poétique, viril mais délicat, potache mais tendre (L’herbe tendre). Ils nous disent la jeunesse, l’insouciance, l’amitié, les limites, les dangers, les liens qui unissent et poussent parfois les adolescents à faire vraiment n’importe quoi. Anecdotes, danses, chants, musiques et morceaux de bravoure circassienne alternent : « C’est quoi devenir un homme ? ». Duel aux fleurets, acrobaties et équilibres en tous genres, les couteaux volent dans tous les sens, comme les balles (de jonglage) ou les oeufs. On rit et on s’émeut, ou on retient son souffle lors des affrontements spectaculaires de ces deux garnements, frères de cirque ; émotions garanties au cours d’un spectacle dynamique et jubilatoire.

Jonas Séradin : « Mon hyper activité étant jeune m’a régulièrement exposé au regard des autres ; il m’a donc fallu me défendre et l’accepter. Cette énergie n’était pas faite pour les bancs d’école. Alors, pour la canaliser j’ai alterné entre gym et rugby, ce qui m’a conduit au cirque. L’acrobatie étant un juste milieu. Je viens du bord de mer où j’ai développé mon sens de l’appui et de l’équilibre sur de gros blocs de granit. N’ayant pas pu les emporter avec moi, me voilà sur la piste. À la sortie du CNAC après sept ans d’écoles de cirque, j’ai cofondé la Compagnie Galapiat et son spectacle Risque Zéro. »
Sébastien Wojdan est jongleur et musicien, et touche-à-tout des arts du cirque (jonglerie, corde molle, acrobatie, lancer de couteaux). Après des études de cirque et de danse à l’école Balthazar et à l’Epsedanse de Montpellier, à l’Ecole Nationale des Arts du Cirque à Rosny-sous-Bois et au Centre National des Arts du Cirque à Châlons-en-Champagne, il fonde avec cinq autres artistes la Compagnie Galapiat qui crée Risque Zéro. Il fait également partie de plusieurs projets musicaux.

L’herbe tendre : l’empreinte d’une chanson qui évoque le temps qui passe et celui qui est déjà passé, la vie, l’intimité entre deux êtres, deux amis qui se retrouvent une fois de plus, vivants. C’est un endroit où on a envie d’être, de rester, allongé sous un ciel sans nuage un dimanche après-midi de printemps. Il fait bon, on chante, on rigole le coeur léger un verre à la main. Jonas et Sébastien ont maintenant 73 ans (à eux deux), l’âge de commencer à se souvenir ; ils le font par ce spectacle ne ressemblant à aucun autre mais parlant à chacun : drôle mais poétique, viril mais délicat, potache mais tendre (L’herbe tendre). Ils nous disent la jeunesse, l’insouciance, l’amitié, les limites, les dangers, les liens qui unissent et poussent parfois les adolescents à faire vraiment n’importe quoi. Anecdotes, danses, chants, musiques et morceaux de bravoure circassienne alternent : « C’est quoi devenir un homme ? ». Duel aux fleurets, acrobaties et équilibres en tous genres, les couteaux volent dans tous les sens, comme les balles (de jonglage) ou les oeufs. On rit et on s’émeut, ou on retient son souffle lors des affrontements spectaculaires de ces deux garnements, frères de cirque ; émotions garanties au cours d’un spectacle dynamique et jubilatoire.

Jonas Séradin : « Mon hyper activité étant jeune m’a régulièrement exposé au regard des autres ; il m’a donc fallu me défendre et l’accepter. Cette énergie n’était pas faite pour les bancs d’école. Alors, pour la canaliser j’ai alterné entre gym et rugby, ce qui m’a conduit au cirque. L’acrobatie étant un juste milieu. Je viens du bord de mer où j’ai développé mon sens de l’appui et de l’équilibre sur de gros blocs de granit. N’ayant pas pu les emporter avec moi, me voilà sur la piste. À la sortie du CNAC après sept ans d’écoles de cirque, j’ai cofondé la Compagnie Galapiat et son spectacle Risque Zéro. »
Sébastien Wojdan est jongleur et musicien, et touche-à-tout des arts du cirque (jonglerie, corde molle, acrobatie, lancer de couteaux). Après des études de cirque et de danse à l’école Balthazar et à l’Epsedanse de Montpellier, à l’Ecole Nationale des Arts du Cirque à Rosny-sous-Bois et au Centre National des Arts du Cirque à Châlons-en-Champagne, il fonde avec cinq autres artistes la Compagnie Galapiat qui crée Risque Zéro. Il fait également partie de plusieurs projets musicaux.

L’herbe tendre : l’empreinte d’une chanson qui évoque le temps qui passe et celui qui est déjà passé, la vie, l’intimité entre deux êtres, deux amis qui se retrouvent une fois de plus, vivants. C’est un endroit où on a envie d’être, de rester, allongé sous un ciel sans nuage un dimanche après-midi de printemps. Il fait bon, on chante, on rigole le coeur léger un verre à la main. Jonas et Sébastien ont maintenant 73 ans (à eux deux), l’âge de commencer à se souvenir ; ils le font par ce spectacle ne ressemblant à aucun autre mais parlant à chacun : drôle mais poétique, viril mais délicat, potache mais tendre (L’herbe tendre). Ils nous disent la jeunesse, l’insouciance, l’amitié, les limites, les dangers, les liens qui unissent et poussent parfois les adolescents à faire vraiment n’importe quoi. Anecdotes, danses, chants, musiques et morceaux de bravoure circassienne alternent : « C’est quoi devenir un homme ? ». Duel aux fleurets, acrobaties et équilibres en tous genres, les couteaux volent dans tous les sens, comme les balles (de jonglage) ou les oeufs. On rit et on s’émeut, ou on retient son souffle lors des affrontements spectaculaires de ces deux garnements, frères de cirque ; émotions garanties au cours d’un spectacle dynamique et jubilatoire.

Jonas Séradin : « Mon hyper activité étant jeune m’a régulièrement exposé au regard des autres ; il m’a donc fallu me défendre et l’accepter. Cette énergie n’était pas faite pour les bancs d’école. Alors, pour la canaliser j’ai alterné entre gym et rugby, ce qui m’a conduit au cirque. L’acrobatie étant un juste milieu. Je viens du bord de mer où j’ai développé mon sens de l’appui et de l’équilibre sur de gros blocs de granit. N’ayant pas pu les emporter avec moi, me voilà sur la piste. À la sortie du CNAC après sept ans d’écoles de cirque, j’ai cofondé la Compagnie Galapiat et son spectacle Risque Zéro. »
Sébastien Wojdan est jongleur et musicien, et touche-à-tout des arts du cirque (jonglerie, corde molle, acrobatie, lancer de couteaux). Après des études de cirque et de danse à l’école Balthazar et à l’Epsedanse de Montpellier, à l’Ecole Nationale des Arts du Cirque à Rosny-sous-Bois et au Centre National des Arts du Cirque à Châlons-en-Champagne, il fonde avec cinq autres artistes la Compagnie Galapiat qui crée Risque Zéro. Il fait également partie de plusieurs projets musicaux.

Imaginé pour les très jeunes spectateurs, Le Petit Bain est une création à partir d’une matière à la fois concrète et qui peut devenir une abstraction, un terrain de jeu pour l’imaginaire : la mousse de bain.

C’est un homme qui prend son bain. Non, c’est un danseur qui sculpte des nuages. Non, c’est plutôt un nuage qui prend dans ses bras un danseur. Non, c’est plutôt un homme qui crée des paysages pour mieux y disparaître. Non, c’est encore autre chose. « J’ai imaginé une pièce visuelle, sans texte, à partir d’une matière et d’un corps en mouvement. L’écriture de ce spectacle est donc intuitive, reliée à la matière (et aux variables de la matière), aux mouvements et à l’espace. C’est une expérimentation que je souhaite proposer aux spectateurs en deux temps : le temps de la représentation, puis le temps après la représentation. Ce spectacle permettra, je l’espère, de créer un dialogue entre l’adulte et l’enfant, entre les mots et les souvenirs du spectacle, à l’âge où l’on raconte des histoires aux petits après le bain.» Johanny Bert

Créateur engagé dans un dialogue avec le spectateur, Johanny Bert travaille souvent sur des temps de rencontres, de formations, de laboratoires ouverts en collaboration avec d’autres artistes. En 2004, il crée son deuxième spectacle Les Pieds dans les nuages, en partenariat avec La Comédie de Clermont-Ferrand – scène nationale à laquelle il sera associé de 2016 à 2018. En 2012, il est à la direction du Centre Dramatique National de Montluçon, qu’il quitte quatre ans après pour fonder sa compagnie, le Théâtre de Romette à Clermont-Ferrand. Ses créations sont régulièrement produites en collaboration avec différentes structures (Les Célestins à Lyon, Théâtre du Préau – Centre Dramatique National de Normandie, La Coursive Scène Nationale de La Rochelle…).

presse : « Au-delà de la magie technique, la matière passe d’une réalité concrète, familière, à un « terrain de jeu pour l’imaginaire » pour les petits spectateurs. Avec la complicité de Yann Raballant, l’expression artistique passe par le geste, le sensible, la beauté graphique et musicale. » Télérama TT

Imaginé pour les très jeunes spectateurs, Le Petit Bain est une création à partir d’une matière à la fois concrète et qui peut devenir une abstraction, un terrain de jeu pour l’imaginaire : la mousse de bain.

C’est un homme qui prend son bain. Non, c’est un danseur qui sculpte des nuages. Non, c’est plutôt un nuage qui prend dans ses bras un danseur. Non, c’est plutôt un homme qui crée des paysages pour mieux y disparaître. Non, c’est encore autre chose. « J’ai imaginé une pièce visuelle, sans texte, à partir d’une matière et d’un corps en mouvement. L’écriture de ce spectacle est donc intuitive, reliée à la matière (et aux variables de la matière), aux mouvements et à l’espace. C’est une expérimentation que je souhaite proposer aux spectateurs en deux temps : le temps de la représentation, puis le temps après la représentation. Ce spectacle permettra, je l’espère, de créer un dialogue entre l’adulte et l’enfant, entre les mots et les souvenirs du spectacle, à l’âge où l’on raconte des histoires aux petits après le bain.» Johanny Bert

Créateur engagé dans un dialogue avec le spectateur, Johanny Bert travaille souvent sur des temps de rencontres, de formations, de laboratoires ouverts en collaboration avec d’autres artistes. En 2004, il crée son deuxième spectacle Les Pieds dans les nuages, en partenariat avec La Comédie de Clermont-Ferrand – scène nationale à laquelle il sera associé de 2016 à 2018. En 2012, il est à la direction du Centre Dramatique National de Montluçon, qu’il quitte quatre ans après pour fonder sa compagnie, le Théâtre de Romette à Clermont-Ferrand. Ses créations sont régulièrement produites en collaboration avec différentes structures (Les Célestins à Lyon, Théâtre du Préau – Centre Dramatique National de Normandie, La Coursive Scène Nationale de La Rochelle…).

presse : « Au-delà de la magie technique, la matière passe d’une réalité concrète, familière, à un « terrain de jeu pour l’imaginaire » pour les petits spectateurs. Avec la complicité de Yann Raballant, l’expression artistique passe par le geste, le sensible, la beauté graphique et musicale. » Télérama TT

Imaginé pour les très jeunes spectateurs, Le Petit Bain est une création à partir d’une matière à la fois concrète et qui peut devenir une abstraction, un terrain de jeu pour l’imaginaire : la mousse de bain.

C’est un homme qui prend son bain. Non, c’est un danseur qui sculpte des nuages. Non, c’est plutôt un nuage qui prend dans ses bras un danseur. Non, c’est plutôt un homme qui crée des paysages pour mieux y disparaître. Non, c’est encore autre chose. « J’ai imaginé une pièce visuelle, sans texte, à partir d’une matière et d’un corps en mouvement. L’écriture de ce spectacle est donc intuitive, reliée à la matière (et aux variables de la matière), aux mouvements et à l’espace. C’est une expérimentation que je souhaite proposer aux spectateurs en deux temps : le temps de la représentation, puis le temps après la représentation. Ce spectacle permettra, je l’espère, de créer un dialogue entre l’adulte et l’enfant, entre les mots et les souvenirs du spectacle, à l’âge où l’on raconte des histoires aux petits après le bain.» Johanny Bert

Créateur engagé dans un dialogue avec le spectateur, Johanny Bert travaille souvent sur des temps de rencontres, de formations, de laboratoires ouverts en collaboration avec d’autres artistes. En 2004, il crée son deuxième spectacle Les Pieds dans les nuages, en partenariat avec La Comédie de Clermont-Ferrand – scène nationale à laquelle il sera associé de 2016 à 2018. En 2012, il est à la direction du Centre Dramatique National de Montluçon, qu’il quitte quatre ans après pour fonder sa compagnie, le Théâtre de Romette à Clermont-Ferrand. Ses créations sont régulièrement produites en collaboration avec différentes structures (Les Célestins à Lyon, Théâtre du Préau – Centre Dramatique National de Normandie, La Coursive Scène Nationale de La Rochelle…).

presse : « Au-delà de la magie technique, la matière passe d’une réalité concrète, familière, à un « terrain de jeu pour l’imaginaire » pour les petits spectateurs. Avec la complicité de Yann Raballant, l’expression artistique passe par le geste, le sensible, la beauté graphique et musicale. » Télérama TT

Imaginé pour les très jeunes spectateurs, Le Petit Bain est une création à partir d’une matière à la fois concrète et qui peut devenir une abstraction, un terrain de jeu pour l’imaginaire : la mousse de bain.

C’est un homme qui prend son bain. Non, c’est un danseur qui sculpte des nuages. Non, c’est plutôt un nuage qui prend dans ses bras un danseur. Non, c’est plutôt un homme qui crée des paysages pour mieux y disparaître. Non, c’est encore autre chose. « J’ai imaginé une pièce visuelle, sans texte, à partir d’une matière et d’un corps en mouvement. L’écriture de ce spectacle est donc intuitive, reliée à la matière (et aux variables de la matière), aux mouvements et à l’espace. C’est une expérimentation que je souhaite proposer aux spectateurs en deux temps : le temps de la représentation, puis le temps après la représentation. Ce spectacle permettra, je l’espère, de créer un dialogue entre l’adulte et l’enfant, entre les mots et les souvenirs du spectacle, à l’âge où l’on raconte des histoires aux petits après le bain.» Johanny Bert

Créateur engagé dans un dialogue avec le spectateur, Johanny Bert travaille souvent sur des temps de rencontres, de formations, de laboratoires ouverts en collaboration avec d’autres artistes. En 2004, il crée son deuxième spectacle Les Pieds dans les nuages, en partenariat avec La Comédie de Clermont-Ferrand – scène nationale à laquelle il sera associé de 2016 à 2018. En 2012, il est à la direction du Centre Dramatique National de Montluçon, qu’il quitte quatre ans après pour fonder sa compagnie, le Théâtre de Romette à Clermont-Ferrand. Ses créations sont régulièrement produites en collaboration avec différentes structures (Les Célestins à Lyon, Théâtre du Préau – Centre Dramatique National de Normandie, La Coursive Scène Nationale de La Rochelle…).

presse : « Au-delà de la magie technique, la matière passe d’une réalité concrète, familière, à un « terrain de jeu pour l’imaginaire » pour les petits spectateurs. Avec la complicité de Yann Raballant, l’expression artistique passe par le geste, le sensible, la beauté graphique et musicale. » Télérama TT

Imaginé pour les très jeunes spectateurs, Le Petit Bain est une création à partir d’une matière à la fois concrète et qui peut devenir une abstraction, un terrain de jeu pour l’imaginaire : la mousse de bain.

C’est un homme qui prend son bain. Non, c’est un danseur qui sculpte des nuages. Non, c’est plutôt un nuage qui prend dans ses bras un danseur. Non, c’est plutôt un homme qui crée des paysages pour mieux y disparaître. Non, c’est encore autre chose. « J’ai imaginé une pièce visuelle, sans texte, à partir d’une matière et d’un corps en mouvement. L’écriture de ce spectacle est donc intuitive, reliée à la matière (et aux variables de la matière), aux mouvements et à l’espace. C’est une expérimentation que je souhaite proposer aux spectateurs en deux temps : le temps de la représentation, puis le temps après la représentation. Ce spectacle permettra, je l’espère, de créer un dialogue entre l’adulte et l’enfant, entre les mots et les souvenirs du spectacle, à l’âge où l’on raconte des histoires aux petits après le bain.» Johanny Bert

Créateur engagé dans un dialogue avec le spectateur, Johanny Bert travaille souvent sur des temps de rencontres, de formations, de laboratoires ouverts en collaboration avec d’autres artistes. En 2004, il crée son deuxième spectacle Les Pieds dans les nuages, en partenariat avec La Comédie de Clermont-Ferrand – scène nationale à laquelle il sera associé de 2016 à 2018. En 2012, il est à la direction du Centre Dramatique National de Montluçon, qu’il quitte quatre ans après pour fonder sa compagnie, le Théâtre de Romette à Clermont-Ferrand. Ses créations sont régulièrement produites en collaboration avec différentes structures (Les Célestins à Lyon, Théâtre du Préau – Centre Dramatique National de Normandie, La Coursive Scène Nationale de La Rochelle…).

presse : « Au-delà de la magie technique, la matière passe d’une réalité concrète, familière, à un « terrain de jeu pour l’imaginaire » pour les petits spectateurs. Avec la complicité de Yann Raballant, l’expression artistique passe par le geste, le sensible, la beauté graphique et musicale. » Télérama TT

« A longueur de temps, nous croulons sous les mots, qu’ils soient écrits, parlés, nous les lisons, les entendons. Ces assemblages de lettres font partie de notre quotidien, comme l’air que nous respirons, nous n’y faisons même plus attention. Et pourtant, une société sans mots, cela ne se peut pas. Après avoir joué avec le restaurant, l’amour, j’ai envie de jouer avec les mots, avec leur squelette : les lettres et dans l’ordre défini de l’abécédaire. Ce carcan avec son début et sa fin, me permet de définir un cadre donné sans pour autant m’imposer un traitement, à l’instar du peintre et de sa toile. Les contours me sont imposés par la taille du cadre (26 lettres), par contre l’intérieur reste libre à mon esprit et ceux de mes camarades de jeu. Le jeu est le premier mot clef. Les mots, le vocabulaire sont en y regardant de plus près, une aire de jeux incroyables, ouverte, sans limites, d’une richesse incommensurable.
Je veux que nous soyons les enfants qui, avec le carton d’emballage de la machine à laver, s’ouvrent un royaume sans fin, sans frontières. Avec le dictionnaire, nous avons un carton de luxe, une mine d’inspiration inespérée, faisons juste attention à ce que ce luxe n’entrave pas l’imaginaire en nous dictant ses règles. » Emmanuel Gilleron

presse : « A la fois minimaliste par la dimension de ses numéros et grandiose par leur virtuosité, l’art circassien des Grands Fourneaux se goûte sans modération. Les huit membres de la compagnie rivalisent de savoir-faire avec des coups de coeur pour le numéro de trapèze, celui de la roue cyr et le désopilant morceau de Richard Strauss entonné… par deux pompes à vélo. » L.G./Midi Libre (à propos des Grands Fourneaux)

« A longueur de temps, nous croulons sous les mots, qu’ils soient écrits, parlés, nous les lisons, les entendons. Ces assemblages de lettres font partie de notre quotidien, comme l’air que nous respirons, nous n’y faisons même plus attention. Et pourtant, une société sans mots, cela ne se peut pas. Après avoir joué avec le restaurant, l’amour, j’ai envie de jouer avec les mots, avec leur squelette : les lettres et dans l’ordre défini de l’abécédaire. Ce carcan avec son début et sa fin, me permet de définir un cadre donné sans pour autant m’imposer un traitement, à l’instar du peintre et de sa toile. Les contours me sont imposés par la taille du cadre (26 lettres), par contre l’intérieur reste libre à mon esprit et ceux de mes camarades de jeu. Le jeu est le premier mot clef. Les mots, le vocabulaire sont en y regardant de plus près, une aire de jeux incroyables, ouverte, sans limites, d’une richesse incommensurable.
Je veux que nous soyons les enfants qui, avec le carton d’emballage de la machine à laver, s’ouvrent un royaume sans fin, sans frontières. Avec le dictionnaire, nous avons un carton de luxe, une mine d’inspiration inespérée, faisons juste attention à ce que ce luxe n’entrave pas l’imaginaire en nous dictant ses règles. » Emmanuel Gilleron

presse : « A la fois minimaliste par la dimension de ses numéros et grandiose par leur virtuosité, l’art circassien des Grands Fourneaux se goûte sans modération. Les huit membres de la compagnie rivalisent de savoir-faire avec des coups de coeur pour le numéro de trapèze, celui de la roue cyr et le désopilant morceau de Richard Strauss entonné… par deux pompes à vélo. » L.G./Midi Libre (à propos des Grands Fourneaux)

« A longueur de temps, nous croulons sous les mots, qu’ils soient écrits, parlés, nous les lisons, les entendons. Ces assemblages de lettres font partie de notre quotidien, comme l’air que nous respirons, nous n’y faisons même plus attention. Et pourtant, une société sans mots, cela ne se peut pas. Après avoir joué avec le restaurant, l’amour, j’ai envie de jouer avec les mots, avec leur squelette : les lettres et dans l’ordre défini de l’abécédaire. Ce carcan avec son début et sa fin, me permet de définir un cadre donné sans pour autant m’imposer un traitement, à l’instar du peintre et de sa toile. Les contours me sont imposés par la taille du cadre (26 lettres), par contre l’intérieur reste libre à mon esprit et ceux de mes camarades de jeu. Le jeu est le premier mot clef. Les mots, le vocabulaire sont en y regardant de plus près, une aire de jeux incroyables, ouverte, sans limites, d’une richesse incommensurable.
Je veux que nous soyons les enfants qui, avec le carton d’emballage de la machine à laver, s’ouvrent un royaume sans fin, sans frontières. Avec le dictionnaire, nous avons un carton de luxe, une mine d’inspiration inespérée, faisons juste attention à ce que ce luxe n’entrave pas l’imaginaire en nous dictant ses règles. » Emmanuel Gilleron

presse : « A la fois minimaliste par la dimension de ses numéros et grandiose par leur virtuosité, l’art circassien des Grands Fourneaux se goûte sans modération. Les huit membres de la compagnie rivalisent de savoir-faire avec des coups de coeur pour le numéro de trapèze, celui de la roue cyr et le désopilant morceau de Richard Strauss entonné… par deux pompes à vélo. » L.G./Midi Libre (à propos des Grands Fourneaux)

Marina Satti est née à Athènes et a grandi à Héraklion en Crète. Son père est d’origine soudanaise et sa mère est grecque. Dès son plus jeune âge, elle a été en contact avec une diversité de cultures et s’est intéressée au design et à la musique. Après avoir terminé ses études, elle a fréquenté l’école d’architecture de l’Université d’Athènes. Parallèlement, elle a commencé ses études de théâtre à l’école de théâtre Veaki et à la Central Stage School. En 2008, elle a obtenu son certificat en piano classique ainsi que son diplôme en chant classique, obtenant une excellente note et remportant le premier prix, appuyée par son coach vocal, Panos Dimas. En 2009, elle a participé pour la Grèce à l’European Jazz Orchestra (EBU), elle a ainsi tourné dans toute l’Europe. En 2011, elle est diplômée du Berklee College of Music (Boston) après y avoir étudié l’écriture et la production contemporaines. Elle a collaboré avec divers artistes de renom, notamment Bobby McFerrin, Paco de Lucia, Wayne Shorter, Danilo Perez, Nikos Mamangakis, Nikos Kypourgos. En tant qu’actrice, elle a collaboré avec des institutions publiques, notamment le Théâtre national de Grèce, l’Opéra national de Grèce et le Festival Athènes et Epidaure, et est apparue dans des pièces de théâtre comme Once, Erotokritos, West Side Story, Un Violon sur Le Toit. En 2016, elle a créé « Fonés », constitué d’un groupe de femmes polyphoniques grecques qui l’accompagne sur scène. L’année suivante, elle a formé «Chórès», une chorale composée de 50 femmes de tous âges.

presse : « Nouvelle révélation des musiques actuelles, Marina Satti réconcilie chant polyphonique et pop urbaine et fait sensation dans son pays d’origine, la Grèce. Après un concert genevois cet été, elle se produit ce jeudi aux Transmusicales de Rennes. On va beaucoup en entendre parler. » Le temps
« Cette chanteuse grecque est l’une des personnalités de cette édition. La musique de Marina Satti est un mélange incroyable de son traditionnel grec, de polyphonie, d’électro et de hip-hop. Marina Satti c’est unique musicalement. » FR3
« Oui la princesse des Trans était bien grecque, offrant au public un show plein de mystères et de fantasmes, pétri de folk balkanique et d’une pop sans frontière. Marina Satti a délivré une leçon de séduction polyphonique et dansante diablement moderne, flirtant entre l’authenticité d’un patrimoine hellénique s’étendant jusqu’aux vieilles influences ottomanes, et une maîtrise des rythmes les plus actuels ponctués de rap et d’arrangements électroniques. »FIP

Béatrice Berrut est une pianiste suisse formée à la Hochschule für Musik Hannes Eisler de Berlin dans la classe de Galina Iwanzowa, une élève de Heinrich Neuhaus, puis par de nombreuses rencontres avec des artistes tels que John O’Conor, Leon Fleisher, Menahem Pressler ou Christian Zacharias. Elle s’est forgée une solide réputation de lisztienne. Son dernier album, consacré à l’oeuvre pour piano et orchestre de Liszt, enregistré avec le Czech National Symphony Orchestra sous la direction de Julien Masmondet, a été acclamé par la critique internationale. Artiste aux multiples facettes, elle s’adonne à la transcription d’oeuvres symphoniques pour le piano, et écrit sa musique, ce qui lui permet de parcourir les scènes et les festivals avec des programmes de récitals originaux et inédits. Elle est régulièrement invitée comme soliste par des orchestres tels que la Philharmonie de Dortmund, l’Orchestre National des Pays de la Loire, le North Czech Philharmonic Orchestra, la Staatskapelle de Meiningen, l’orchestre Philharmonie de Cracovie pour n’en citer que quelques uns, et elle s’est produite dans des salles telles que la Philharmonie de Berlin, le Konzerthaus de Dortmund, le Wigmore Hall de Londres, la Tonhalle de Zürich, le Tianjin National Theatre, le Preston Bradley Hall de Chicago, le festival de Ravinia ou le Teatro Coliseo de Buenos Aires. Durant la saison 2018/2019, elle a fait entre autres ses débuts avec l’orchestre du Saarländisches Theater de Saarbruck sous la direction de Sébastien Rouland, avec l’English Chamber Orchestra sous la direction de Kaspar Zehnder.

« Oh ! est une création théâtrale, musicale et chorégraphiée. Un plateau nu, douze personnages ne sachant pas où aller ni quoi faire. Un treizième les invite à avancer, aller droit devant eux, droit dans le mur peut-être. Etre là, attendre, meubler le temps de parole dont l’écho ne sert à rien. Ils semblent avoir perdu tout sens de vie. Ensemble, comme une foule compacte et solidaire, dont émergent parfois d’étonnantes singularités, mais surtout seuls…Tous égarés, en quête de sens, de l’autre, ou tout du moins d’un chemin, ils sont enfermés dans cet endroit vide. Ils cherchent à savoir s’il y a une sortie… Une troupe atypique et émouvante, conduite comme un navire au milieu des flots et qui dessine une voie originale et d’une profonde humanité. Oh ! est une rencontre entre le rythme des mots, des corps, du son et du silence de douze acteurs et un musicien dans un plein feux, sur un plateau que l’on dit nu au théâtre mais rempli par tous ces corps. Mots, corps et sons se juxtaposent en direct pour dire l’impossible, le réel et le silence. » Virginie Marouzé

presse : « Oh est un spectacle dont on ressort pétri d’images fortes. La particularité des interprètes est là, et ils font régulièrement chavirer le bateau. On est surpris en permanence et c’est formidable ! » Valérie Susset/Culture Grand Est

« Oh ! est une création théâtrale, musicale et chorégraphiée. Un plateau nu, douze personnages ne sachant pas où aller ni quoi faire. Un treizième les invite à avancer, aller droit devant eux, droit dans le mur peut-être. Etre là, attendre, meubler le temps de parole dont l’écho ne sert à rien. Ils semblent avoir perdu tout sens de vie. Ensemble, comme une foule compacte et solidaire, dont émergent parfois d’étonnantes singularités, mais surtout seuls…Tous égarés, en quête de sens, de l’autre, ou tout du moins d’un chemin, ils sont enfermés dans cet endroit vide. Ils cherchent à savoir s’il y a une sortie… Une troupe atypique et émouvante, conduite comme un navire au milieu des flots et qui dessine une voie originale et d’une profonde humanité. Oh ! est une rencontre entre le rythme des mots, des corps, du son et du silence de douze acteurs et un musicien dans un plein feux, sur un plateau que l’on dit nu au théâtre mais rempli par tous ces corps. Mots, corps et sons se juxtaposent en direct pour dire l’impossible, le réel et le silence. » Virginie Marouzé

presse : « Oh est un spectacle dont on ressort pétri d’images fortes. La particularité des interprètes est là, et ils font régulièrement chavirer le bateau. On est surpris en permanence et c’est formidable ! » Valérie Susset/Culture Grand Est

« Oh ! est une création théâtrale, musicale et chorégraphiée. Un plateau nu, douze personnages ne sachant pas où aller ni quoi faire. Un treizième les invite à avancer, aller droit devant eux, droit dans le mur peut-être. Etre là, attendre, meubler le temps de parole dont l’écho ne sert à rien. Ils semblent avoir perdu tout sens de vie. Ensemble, comme une foule compacte et solidaire, dont émergent parfois d’étonnantes singularités, mais surtout seuls…Tous égarés, en quête de sens, de l’autre, ou tout du moins d’un chemin, ils sont enfermés dans cet endroit vide. Ils cherchent à savoir s’il y a une sortie… Une troupe atypique et émouvante, conduite comme un navire au milieu des flots et qui dessine une voie originale et d’une profonde humanité. Oh ! est une rencontre entre le rythme des mots, des corps, du son et du silence de douze acteurs et un musicien dans un plein feux, sur un plateau que l’on dit nu au théâtre mais rempli par tous ces corps. Mots, corps et sons se juxtaposent en direct pour dire l’impossible, le réel et le silence. » Virginie Marouzé

presse : « Oh est un spectacle dont on ressort pétri d’images fortes. La particularité des interprètes est là, et ils font régulièrement chavirer le bateau. On est surpris en permanence et c’est formidable ! » Valérie Susset/Culture Grand Est

« Oh ! est une création théâtrale, musicale et chorégraphiée. Un plateau nu, douze personnages ne sachant pas où aller ni quoi faire. Un treizième les invite à avancer, aller droit devant eux, droit dans le mur peut-être. Etre là, attendre, meubler le temps de parole dont l’écho ne sert à rien. Ils semblent avoir perdu tout sens de vie. Ensemble, comme une foule compacte et solidaire, dont émergent parfois d’étonnantes singularités, mais surtout seuls…Tous égarés, en quête de sens, de l’autre, ou tout du moins d’un chemin, ils sont enfermés dans cet endroit vide. Ils cherchent à savoir s’il y a une sortie… Une troupe atypique et émouvante, conduite comme un navire au milieu des flots et qui dessine une voie originale et d’une profonde humanité. Oh ! est une rencontre entre le rythme des mots, des corps, du son et du silence de douze acteurs et un musicien dans un plein feux, sur un plateau que l’on dit nu au théâtre mais rempli par tous ces corps. Mots, corps et sons se juxtaposent en direct pour dire l’impossible, le réel et le silence. » Virginie Marouzé

presse : « Oh est un spectacle dont on ressort pétri d’images fortes. La particularité des interprètes est là, et ils font régulièrement chavirer le bateau. On est surpris en permanence et c’est formidable ! » Valérie Susset/Culture Grand Est

« Oh ! est une création théâtrale, musicale et chorégraphiée. Un plateau nu, douze personnages ne sachant pas où aller ni quoi faire. Un treizième les invite à avancer, aller droit devant eux, droit dans le mur peut-être. Etre là, attendre, meubler le temps de parole dont l’écho ne sert à rien. Ils semblent avoir perdu tout sens de vie. Ensemble, comme une foule compacte et solidaire, dont émergent parfois d’étonnantes singularités, mais surtout seuls…Tous égarés, en quête de sens, de l’autre, ou tout du moins d’un chemin, ils sont enfermés dans cet endroit vide. Ils cherchent à savoir s’il y a une sortie… Une troupe atypique et émouvante, conduite comme un navire au milieu des flots et qui dessine une voie originale et d’une profonde humanité. Oh ! est une rencontre entre le rythme des mots, des corps, du son et du silence de douze acteurs et un musicien dans un plein feux, sur un plateau que l’on dit nu au théâtre mais rempli par tous ces corps. Mots, corps et sons se juxtaposent en direct pour dire l’impossible, le réel et le silence. » Virginie Marouzé

presse : « Oh est un spectacle dont on ressort pétri d’images fortes. La particularité des interprètes est là, et ils font régulièrement chavirer le bateau. On est surpris en permanence et c’est formidable ! » Valérie Susset/Culture Grand Est

« Oh ! est une création théâtrale, musicale et chorégraphiée. Un plateau nu, douze personnages ne sachant pas où aller ni quoi faire. Un treizième les invite à avancer, aller droit devant eux, droit dans le mur peut-être. Etre là, attendre, meubler le temps de parole dont l’écho ne sert à rien. Ils semblent avoir perdu tout sens de vie. Ensemble, comme une foule compacte et solidaire, dont émergent parfois d’étonnantes singularités, mais surtout seuls…Tous égarés, en quête de sens, de l’autre, ou tout du moins d’un chemin, ils sont enfermés dans cet endroit vide. Ils cherchent à savoir s’il y a une sortie… Une troupe atypique et émouvante, conduite comme un navire au milieu des flots et qui dessine une voie originale et d’une profonde humanité. Oh ! est une rencontre entre le rythme des mots, des corps, du son et du silence de douze acteurs et un musicien dans un plein feux, sur un plateau que l’on dit nu au théâtre mais rempli par tous ces corps. Mots, corps et sons se juxtaposent en direct pour dire l’impossible, le réel et le silence. » Virginie Marouzé

presse : « Oh est un spectacle dont on ressort pétri d’images fortes. La particularité des interprètes est là, et ils font régulièrement chavirer le bateau. On est surpris en permanence et c’est formidable ! » Valérie Susset/Culture Grand Est

« Oh ! est une création théâtrale, musicale et chorégraphiée. Un plateau nu, douze personnages ne sachant pas où aller ni quoi faire. Un treizième les invite à avancer, aller droit devant eux, droit dans le mur peut-être. Etre là, attendre, meubler le temps de parole dont l’écho ne sert à rien. Ils semblent avoir perdu tout sens de vie. Ensemble, comme une foule compacte et solidaire, dont émergent parfois d’étonnantes singularités, mais surtout seuls…Tous égarés, en quête de sens, de l’autre, ou tout du moins d’un chemin, ils sont enfermés dans cet endroit vide. Ils cherchent à savoir s’il y a une sortie… Une troupe atypique et émouvante, conduite comme un navire au milieu des flots et qui dessine une voie originale et d’une profonde humanité. Oh ! est une rencontre entre le rythme des mots, des corps, du son et du silence de douze acteurs et un musicien dans un plein feux, sur un plateau que l’on dit nu au théâtre mais rempli par tous ces corps. Mots, corps et sons se juxtaposent en direct pour dire l’impossible, le réel et le silence. » Virginie Marouzé

presse : « Oh est un spectacle dont on ressort pétri d’images fortes. La particularité des interprètes est là, et ils font régulièrement chavirer le bateau. On est surpris en permanence et c’est formidable ! » Valérie Susset/Culture Grand Est

« Magali Mougel propose une langue pour le théâtre, une métrique rigoureuse qui donne à son sujet une force et un impact direct sur les spectateurs. C’est une langue accessible qui traite d’un sujet d’aujourd’hui avec ce qu’il faut de distance. Suzy Storck est un personnage de femme magnifique, dans la lignée des Nora d’Ibsen ou de Jelinek mais avec la colère d’une Angélica Liddell. Magali Mougel affectionne les personnages de femmes fortes, celles qu’elle nomme les « Guérillères ordinaires » et dont elle livre les paroles tranchantes et définitives dans ses textes. Ici, dans une succession de situations à la temporalité réinventée, elle place Suzy Storck au centre d’un mécanisme qui déconstruit les étapes de sa prise de conscience. Comme dans la tragédie antique, le drame se joue hors champs et ce sont les relations entre les personnages qui vont s’affronter au plateau qui donnent la chair du spectacle. Et comme dans la tragédie antique elle introduit un choeur qui va commenter, situer, mettre à distance les situations et ce que nous sommes censés voir. Grande müllerienne, Magali Mougel reprend les motifs d’Ophélie dans Hamlet-Machine d’Heiner Müller en les intégrant comme le faisait Müller lui-même : comme des coups de hache dans la pensée. » Simon Delétang

presse : « Cette pièce puissante, jouée au chalumeau par Marion Couzinié, Françoise Lervy, Charles-Antoine Sanchez et Simon Delétang […] mérite l’accueil enthousiaste que lui a réservé le public de Bussang. » Jean-Claude Raspiengeas/La Croix
« Une pièce aux propos actuels, qui fait entendre avec émotion la déflagration intérieure des vies de femmes brisées. » Sabine Lesur/Vosges Matin
« Un spectacle poignant, tendu et efficace, à la vitalité généreuse et puissante. » Véronique Hotte/Hottellotheatre.com

Jeune prodige, Noémi Boutin rentre au Conservatoire National Supérieur de Musique de Paris à l’âge de 14 ans. Lauréate de nombreux concours en France et à l’étranger (« Révélation classique » de l’ADAMI, lauréate de la Fondation Natexis…), elle se produit en soliste auprès de diverses formations (Orchestre de la Radio de Munich, l’Orchestre des Pays de Savoie, l’Orchestre de Chambre de Toulouse, l’Orchestre de Chambre d’Auvergne…). Elle est l’invitée des plus grandes scènes et festivals (Philharmonie de Paris, Musée d’Orsay, Salle Cortot, la Roque d’Anthéron, L’Orangerie de Sceaux, Flâneries Musicales de Reims, Festival Berlioz, Festival Radio France Montpellier…) ainsi qu’au Japon, en Chine, Espagne, Italie, Norvège… Noémi Boutin est également chambriste, avec le Trio Cérès (Prix ARD de Münich – 2007). Elle poursuit aujourd’hui ce travail aux côtés du Quatuor Béla dont elle est l’invitée régulière. Enfin, passionnée d’aventures artistiques inédites et inattendues, Noémi Boutin partage la scène avec les plus grands circassiens, comédiens ou encore musiciens de jazz, tels que Mathurin Bolze, Jörg Müller, Sylvaine Hélary, Marc Ducret, Pierre Meunier…

Quatuor Bela : depuis 13 ans, « les enfants terribles du quatuor français » écrivent un parcours singulier, entre tradition et modernité. Attachés au répertoire ancien du quatuor à cordes, qu’ils défendent au sein des programmations classiques d’excellence en France et à l’étranger (Philharmonie de Paris, Théâtre Mariinsky, BeethovenFest…), les musiciens du quatuor Béla ont à coeur d’inscrire la tradition du quatuor à cordes dans la vie musicale contemporaine. Leur travail de créations en lien avec des compositeurs de différentes générations a été couronné en 2015 par le Prix de la Presse Musicale Internationale. Le jeu du quatuor Béla se met volontiers, ces dernières années, au service des compositeurs d’Europe centrale du début du 20ème siècle comme Janacek, Bartok, Szymanovsky, Webern…

presse : « On est évidemment happé par le flot mélodique du quintette de Schubert, emballé dès la première écoute par l’interprétation, dans une prise de son réverbérée mais très précise. Les équilibres sont parfaits, les sonorités très belles et claires, la musique avance sans un tunnel ou une baisse de tension. Cette version est un plaisir de tous les instants. » Thierry Vagne / Musique classique & Co

« Le gribouillis est le fil qu’on attrape au début de chaque pensée ; une sorte de brouillon. Au début ça ressemble à rien. C’est le premier jet, qu’on montre fièrement quand on est enfant. Quand on est adulte on préfère montrer une version plus aboutie. Le gribouillis est le moment où tout est permis, où on a encore le choix. On peut prendre n’importe quel chemin. C’est le présent. Tout ce qui vient après est la conséquence du gribouillis, le futur. Le gribouillis, ça reste un point de suspension, le moment où ça bascule. Le gribouillis rassure quand il est accompagné d’une explication. Le gribouillis inquiète quand il est isolé et quand il est noir ; il peut être associé à une certaine confusion de la pensée. On a toujours l’image du gribouillis au-dessus de la tête pour exprimer un esprit embrumé ou en colère ; la tête farcie, le ras le bol, la dépression. Quand il est en couleur, c’est plutôt la joie, la naïveté, l’instant heureux, c’est lié à l’enfance et tous les possibles. La jouissance. Le gribouillis a la forme d’un cerveau. Et paradoxalement, c’est l’anti cerveau, c’est la pensée qui s’échappe quand on ne la contient pas, quand on laisse le cerveau vagabonder. » Estelle Charles

presse : « Ce que Gribouillis nous raconte : des artistes, un plasticien, une costumière, un musicien, réunis sur un plateau de théâtre, démêlent, pour nous et avec nous, les fils et les ressorts de la création, nous ouvrant à leur monde et à son infinie richesse poétique tout en nous offrant la possibilité de réinventer le nôtre ». Graziella Végis/ Spirale

« La scénographie est à l’origine de la démarche théâtrale de la compagnie Placement Libre. Par la confrontation directe avec les matériaux, le hasard et les prises de risques, la scène devient pour nous le lieu d’une exploration aventureuse. On assiste à la production d’un théâtre en train de se faire. Les corps en jeu deviennent à la fois manipulateurs des espaces et cascadeurs sur des structures en mouvement dans un théâtre performatif et dynamique. Par une « mise en crise permanente » des dispositifs techniques, se construisent, devant le spectateur, des spectacles autant absurdes que rocambolesques. Trois artistes de la scène sont conviés sur ce projet. Ils viennent chacun de disciplines différentes. Confrontés ici à une scénographie « en ruine », à la manière de Poliphile dans Le Songe, tel des idiots, ils s’inventent archéologues de savoirs qu’ils ignorent, s’engagent, pour cette exploration, dans un état de curiosité pure et naïve face à la complexité du monde. Cette attitude proche de l’enfance, les rapprochera des héros dérisoires et modernes de Flaubert : Bouvard et Pécuchet. » David Séchaud

« Le gribouillis est le fil qu’on attrape au début de chaque pensée ; une sorte de brouillon. Au début ça ressemble à rien. C’est le premier jet, qu’on montre fièrement quand on est enfant. Quand on est adulte on préfère montrer une version plus aboutie. Le gribouillis est le moment où tout est permis, où on a encore le choix. On peut prendre n’importe quel chemin. C’est le présent. Tout ce qui vient après est la conséquence du gribouillis, le futur. Le gribouillis, ça reste un point de suspension, le moment où ça bascule. Le gribouillis rassure quand il est accompagné d’une explication. Le gribouillis inquiète quand il est isolé et quand il est noir ; il peut être associé à une certaine confusion de la pensée. On a toujours l’image du gribouillis au-dessus de la tête pour exprimer un esprit embrumé ou en colère ; la tête farcie, le ras le bol, la dépression. Quand il est en couleur, c’est plutôt la joie, la naïveté, l’instant heureux, c’est lié à l’enfance et tous les possibles. La jouissance. Le gribouillis a la forme d’un cerveau. Et paradoxalement, c’est l’anti cerveau, c’est la pensée qui s’échappe quand on ne la contient pas, quand on laisse le cerveau vagabonder. » Estelle Charles

presse : « Ce que Gribouillis nous raconte : des artistes, un plasticien, une costumière, un musicien, réunis sur un plateau de théâtre, démêlent, pour nous et avec nous, les fils et les ressorts de la création, nous ouvrant à leur monde et à son infinie richesse poétique tout en nous offrant la possibilité de réinventer le nôtre ». Graziella Végis/ Spirale

« Le gribouillis est le fil qu’on attrape au début de chaque pensée ; une sorte de brouillon. Au début ça ressemble à rien. C’est le premier jet, qu’on montre fièrement quand on est enfant. Quand on est adulte on préfère montrer une version plus aboutie. Le gribouillis est le moment où tout est permis, où on a encore le choix. On peut prendre n’importe quel chemin. C’est le présent. Tout ce qui vient après est la conséquence du gribouillis, le futur. Le gribouillis, ça reste un point de suspension, le moment où ça bascule. Le gribouillis rassure quand il est accompagné d’une explication. Le gribouillis inquiète quand il est isolé et quand il est noir ; il peut être associé à une certaine confusion de la pensée. On a toujours l’image du gribouillis au-dessus de la tête pour exprimer un esprit embrumé ou en colère ; la tête farcie, le ras le bol, la dépression. Quand il est en couleur, c’est plutôt la joie, la naïveté, l’instant heureux, c’est lié à l’enfance et tous les possibles. La jouissance. Le gribouillis a la forme d’un cerveau. Et paradoxalement, c’est l’anti cerveau, c’est la pensée qui s’échappe quand on ne la contient pas, quand on laisse le cerveau vagabonder. » Estelle Charles

presse : « Ce que Gribouillis nous raconte : des artistes, un plasticien, une costumière, un musicien, réunis sur un plateau de théâtre, démêlent, pour nous et avec nous, les fils et les ressorts de la création, nous ouvrant à leur monde et à son infinie richesse poétique tout en nous offrant la possibilité de réinventer le nôtre ». Graziella Végis/ Spirale

« Le gribouillis est le fil qu’on attrape au début de chaque pensée ; une sorte de brouillon. Au début ça ressemble à rien. C’est le premier jet, qu’on montre fièrement quand on est enfant. Quand on est adulte on préfère montrer une version plus aboutie. Le gribouillis est le moment où tout est permis, où on a encore le choix. On peut prendre n’importe quel chemin. C’est le présent. Tout ce qui vient après est la conséquence du gribouillis, le futur. Le gribouillis, ça reste un point de suspension, le moment où ça bascule. Le gribouillis rassure quand il est accompagné d’une explication. Le gribouillis inquiète quand il est isolé et quand il est noir ; il peut être associé à une certaine confusion de la pensée. On a toujours l’image du gribouillis au-dessus de la tête pour exprimer un esprit embrumé ou en colère ; la tête farcie, le ras le bol, la dépression. Quand il est en couleur, c’est plutôt la joie, la naïveté, l’instant heureux, c’est lié à l’enfance et tous les possibles. La jouissance. Le gribouillis a la forme d’un cerveau. Et paradoxalement, c’est l’anti cerveau, c’est la pensée qui s’échappe quand on ne la contient pas, quand on laisse le cerveau vagabonder. » Estelle Charles

presse : « Ce que Gribouillis nous raconte : des artistes, un plasticien, une costumière, un musicien, réunis sur un plateau de théâtre, démêlent, pour nous et avec nous, les fils et les ressorts de la création, nous ouvrant à leur monde et à son infinie richesse poétique tout en nous offrant la possibilité de réinventer le nôtre ». Graziella Végis/ Spirale

« Le gribouillis est le fil qu’on attrape au début de chaque pensée ; une sorte de brouillon. Au début ça ressemble à rien. C’est le premier jet, qu’on montre fièrement quand on est enfant. Quand on est adulte on préfère montrer une version plus aboutie. Le gribouillis est le moment où tout est permis, où on a encore le choix. On peut prendre n’importe quel chemin. C’est le présent. Tout ce qui vient après est la conséquence du gribouillis, le futur. Le gribouillis, ça reste un point de suspension, le moment où ça bascule. Le gribouillis rassure quand il est accompagné d’une explication. Le gribouillis inquiète quand il est isolé et quand il est noir ; il peut être associé à une certaine confusion de la pensée. On a toujours l’image du gribouillis au-dessus de la tête pour exprimer un esprit embrumé ou en colère ; la tête farcie, le ras le bol, la dépression. Quand il est en couleur, c’est plutôt la joie, la naïveté, l’instant heureux, c’est lié à l’enfance et tous les possibles. La jouissance. Le gribouillis a la forme d’un cerveau. Et paradoxalement, c’est l’anti cerveau, c’est la pensée qui s’échappe quand on ne la contient pas, quand on laisse le cerveau vagabonder. » Estelle Charles

presse : « Ce que Gribouillis nous raconte : des artistes, un plasticien, une costumière, un musicien, réunis sur un plateau de théâtre, démêlent, pour nous et avec nous, les fils et les ressorts de la création, nous ouvrant à leur monde et à son infinie richesse poétique tout en nous offrant la possibilité de réinventer le nôtre ». Graziella Végis/ Spirale

« Le gribouillis est le fil qu’on attrape au début de chaque pensée ; une sorte de brouillon. Au début ça ressemble à rien. C’est le premier jet, qu’on montre fièrement quand on est enfant. Quand on est adulte on préfère montrer une version plus aboutie. Le gribouillis est le moment où tout est permis, où on a encore le choix. On peut prendre n’importe quel chemin. C’est le présent. Tout ce qui vient après est la conséquence du gribouillis, le futur. Le gribouillis, ça reste un point de suspension, le moment où ça bascule. Le gribouillis rassure quand il est accompagné d’une explication. Le gribouillis inquiète quand il est isolé et quand il est noir ; il peut être associé à une certaine confusion de la pensée. On a toujours l’image du gribouillis au-dessus de la tête pour exprimer un esprit embrumé ou en colère ; la tête farcie, le ras le bol, la dépression. Quand il est en couleur, c’est plutôt la joie, la naïveté, l’instant heureux, c’est lié à l’enfance et tous les possibles. La jouissance. Le gribouillis a la forme d’un cerveau. Et paradoxalement, c’est l’anti cerveau, c’est la pensée qui s’échappe quand on ne la contient pas, quand on laisse le cerveau vagabonder. » Estelle Charles

presse : « Ce que Gribouillis nous raconte : des artistes, un plasticien, une costumière, un musicien, réunis sur un plateau de théâtre, démêlent, pour nous et avec nous, les fils et les ressorts de la création, nous ouvrant à leur monde et à son infinie richesse poétique tout en nous offrant la possibilité de réinventer le nôtre ». Graziella Végis/ Spirale

« Teatro Naturale ? est une petite odyssée personnelle. C’est une histoire de formation, celle d’un jeune homme parti d’Italie à dix-sept ans, en 1978, à la découverte de la France, accueilli par une famille de réfugiés Républicains espagnols passés par l’Algérie. Ce jeune homme, c’était moi qui découvrait en un été l’amour et cinquante ans de culture et d’histoire de la Méditerranée, mêlant l’Italie des années de plomb, à l’Espagne de la Guerre Civile puis à la dictature de Franco, à l’Algérie coloniale puis en guerre pour son indépendance. La rencontre de l’amour m’a ouvert les chemins de la connaissance, m’a fait manger pour la première fois le couscous et fait découvrir « L’Etranger » d’Albert Camus, un livre qui a changé ma vie. Dans ce spectacle s’entrelacent et se confondent le passé et le présent ; le passé de l’histoire que nous racontons et le présent du spectacle que nous sommes en train de faire. Parce que le théâtre se fait seulement au présent et parle seulement d’aujourd’hui même quand on raconte une histoire d’autrefois. Et puis pendant le spectacle nous faisons le couscous. Ce n’est certes pas un plat italien, mais pour moi le couscous et les pâtes ce sont les mêmes choses : les saveurs du souvenir d’une expérience qui vivent dans le présent. » Stefano Pasquini

presse : « Il y a la nostalgie et l’émotion mais aussi le rire et une fraternité qui nait du partage. Elle nous rappelle combien il est important, en ces temps sombres, de s’assoir et de se regarder dans les yeux, d’échanger des souvenirs et des pensées. Le Teatro delle Ariette a ainsi offert à Turin une leçon de transparence, de générosité, de « simple » mais précieuse humanité. » Laura Bevione/ PaneAcquaCulture.net

« Teatro Naturale ? est une petite odyssée personnelle. C’est une histoire de formation, celle d’un jeune homme parti d’Italie à dix-sept ans, en 1978, à la découverte de la France, accueilli par une famille de réfugiés Républicains espagnols passés par l’Algérie. Ce jeune homme, c’était moi qui découvrait en un été l’amour et cinquante ans de culture et d’histoire de la Méditerranée, mêlant l’Italie des années de plomb, à l’Espagne de la Guerre Civile puis à la dictature de Franco, à l’Algérie coloniale puis en guerre pour son indépendance. La rencontre de l’amour m’a ouvert les chemins de la connaissance, m’a fait manger pour la première fois le couscous et fait découvrir « L’Etranger » d’Albert Camus, un livre qui a changé ma vie. Dans ce spectacle s’entrelacent et se confondent le passé et le présent ; le passé de l’histoire que nous racontons et le présent du spectacle que nous sommes en train de faire. Parce que le théâtre se fait seulement au présent et parle seulement d’aujourd’hui même quand on raconte une histoire d’autrefois. Et puis pendant le spectacle nous faisons le couscous. Ce n’est certes pas un plat italien, mais pour moi le couscous et les pâtes ce sont les mêmes choses : les saveurs du souvenir d’une expérience qui vivent dans le présent. » Stefano Pasquini

presse : « Il y a la nostalgie et l’émotion mais aussi le rire et une fraternité qui nait du partage. Elle nous rappelle combien il est important, en ces temps sombres, de s’assoir et de se regarder dans les yeux, d’échanger des souvenirs et des pensées. Le Teatro delle Ariette a ainsi offert à Turin une leçon de transparence, de générosité, de « simple » mais précieuse humanité. » Laura Bevione/ PaneAcquaCulture.net

« Teatro Naturale ? est une petite odyssée personnelle. C’est une histoire de formation, celle d’un jeune homme parti d’Italie à dix-sept ans, en 1978, à la découverte de la France, accueilli par une famille de réfugiés Républicains espagnols passés par l’Algérie. Ce jeune homme, c’était moi qui découvrait en un été l’amour et cinquante ans de culture et d’histoire de la Méditerranée, mêlant l’Italie des années de plomb, à l’Espagne de la Guerre Civile puis à la dictature de Franco, à l’Algérie coloniale puis en guerre pour son indépendance. La rencontre de l’amour m’a ouvert les chemins de la connaissance, m’a fait manger pour la première fois le couscous et fait découvrir « L’Etranger » d’Albert Camus, un livre qui a changé ma vie. Dans ce spectacle s’entrelacent et se confondent le passé et le présent ; le passé de l’histoire que nous racontons et le présent du spectacle que nous sommes en train de faire. Parce que le théâtre se fait seulement au présent et parle seulement d’aujourd’hui même quand on raconte une histoire d’autrefois. Et puis pendant le spectacle nous faisons le couscous. Ce n’est certes pas un plat italien, mais pour moi le couscous et les pâtes ce sont les mêmes choses : les saveurs du souvenir d’une expérience qui vivent dans le présent. » Stefano Pasquini

presse : « Il y a la nostalgie et l’émotion mais aussi le rire et une fraternité qui nait du partage. Elle nous rappelle combien il est important, en ces temps sombres, de s’assoir et de se regarder dans les yeux, d’échanger des souvenirs et des pensées. Le Teatro delle Ariette a ainsi offert à Turin une leçon de transparence, de générosité, de « simple » mais précieuse humanité. » Laura Bevione/ PaneAcquaCulture.net

« Teatro Naturale ? est une petite odyssée personnelle. C’est une histoire de formation, celle d’un jeune homme parti d’Italie à dix-sept ans, en 1978, à la découverte de la France, accueilli par une famille de réfugiés Républicains espagnols passés par l’Algérie. Ce jeune homme, c’était moi qui découvrait en un été l’amour et cinquante ans de culture et d’histoire de la Méditerranée, mêlant l’Italie des années de plomb, à l’Espagne de la Guerre Civile puis à la dictature de Franco, à l’Algérie coloniale puis en guerre pour son indépendance. La rencontre de l’amour m’a ouvert les chemins de la connaissance, m’a fait manger pour la première fois le couscous et fait découvrir « L’Etranger » d’Albert Camus, un livre qui a changé ma vie. Dans ce spectacle s’entrelacent et se confondent le passé et le présent ; le passé de l’histoire que nous racontons et le présent du spectacle que nous sommes en train de faire. Parce que le théâtre se fait seulement au présent et parle seulement d’aujourd’hui même quand on raconte une histoire d’autrefois. Et puis pendant le spectacle nous faisons le couscous. Ce n’est certes pas un plat italien, mais pour moi le couscous et les pâtes ce sont les mêmes choses : les saveurs du souvenir d’une expérience qui vivent dans le présent. » Stefano Pasquini

presse : « Il y a la nostalgie et l’émotion mais aussi le rire et une fraternité qui nait du partage. Elle nous rappelle combien il est important, en ces temps sombres, de s’assoir et de se regarder dans les yeux, d’échanger des souvenirs et des pensées. Le Teatro delle Ariette a ainsi offert à Turin une leçon de transparence, de générosité, de « simple » mais précieuse humanité. » Laura Bevione/ PaneAcquaCulture.net

« Teatro Naturale ? est une petite odyssée personnelle. C’est une histoire de formation, celle d’un jeune homme parti d’Italie à dix-sept ans, en 1978, à la découverte de la France, accueilli par une famille de réfugiés Républicains espagnols passés par l’Algérie. Ce jeune homme, c’était moi qui découvrait en un été l’amour et cinquante ans de culture et d’histoire de la Méditerranée, mêlant l’Italie des années de plomb, à l’Espagne de la Guerre Civile puis à la dictature de Franco, à l’Algérie coloniale puis en guerre pour son indépendance. La rencontre de l’amour m’a ouvert les chemins de la connaissance, m’a fait manger pour la première fois le couscous et fait découvrir « L’Etranger » d’Albert Camus, un livre qui a changé ma vie. Dans ce spectacle s’entrelacent et se confondent le passé et le présent ; le passé de l’histoire que nous racontons et le présent du spectacle que nous sommes en train de faire. Parce que le théâtre se fait seulement au présent et parle seulement d’aujourd’hui même quand on raconte une histoire d’autrefois. Et puis pendant le spectacle nous faisons le couscous. Ce n’est certes pas un plat italien, mais pour moi le couscous et les pâtes ce sont les mêmes choses : les saveurs du souvenir d’une expérience qui vivent dans le présent. » Stefano Pasquini

presse : « Il y a la nostalgie et l’émotion mais aussi le rire et une fraternité qui nait du partage. Elle nous rappelle combien il est important, en ces temps sombres, de s’assoir et de se regarder dans les yeux, d’échanger des souvenirs et des pensées. Le Teatro delle Ariette a ainsi offert à Turin une leçon de transparence, de générosité, de « simple » mais précieuse humanité. » Laura Bevione/ PaneAcquaCulture.net

« Bastien & Bastienne » est une pastorale, qui relate les amours tumultueuses d’une bergère, Bastienne, d’un berger, Bastien, entremêlées des fourberies du devin du village Colas. La pastorale, genre existant depuis l’Antiquité, mais disparu depuis plus d’un siècle, portait la nostalgie d’une forme d’harmonie originelle entre l’homme et la nature. Aujourd’hui notre rapport à la nature a changé, parce que nous savons la destruction de cette nature en cours. Alors, qu’est-ce que cela voudrait dire représenter une pastorale aujourd’hui ? Sur le plateau, l’orchestre est sous un arbre, en mauvais état. Derrière lui, des projections marqueront les saisons, le temps qui passe. Devant, sur une scène légèrement surélevée, deux adolescents d’aujourd’hui se cherchent, comme tous les adolescents. Ce seront des êtres de papiers, des marionnettes, manipulées par le chanteur et un marionnettiste, sorte de lutin qui aide à mettre en jeu la transformation des jeunes gens en adultes. C’est un moment d’initiation, qui montre l’émergence de ces jeunes gens, qui de papier fragile, vont prendre corps, c’est-à-dire sortir peu à peu de leur chrysalide. » Sylvie Baillon

Vardan Hovanissian & Emre Gültekin portent le symbole d’une réconciliation entre les peuples à travers les sons mélancoliques mais pleins d’espoir du duduk arménien et du saz, instrument emblématique de Turquie. Leur deuxième album « Karin » est l’ancien nom arménien de la ville d’Erzurum, située aujourd’hui en Turquie. Il fait référence à la ville natale du grand-père de Vardan Hovanissian, qui faisait partie des 200 survivants à la déportation d’environ 40 000 personnes lors du génocide arménien. Animé d’une âme profondément itinérante et guidé par leur amitié sans frontière, le duo tisse des liens entre les langues et les styles au gré de sa musique et de ses instruments. L’album qui en résulte est un éloge à la rencontre de l’autre et se nourrit de partage et de générosité. Ils puisent dans la profusion des répertoires traditionnels, ramenant à la vie quelques trésors enfouis du passé, et les complètent de nouvelles compositions abordant des sujets contemporains comme le sort des réfugiés. Les paroles sont chantées tantôt en arménien, tantôt en turc, kurde ou géorgien. Le son mélancolique du duduk y répond parfaitement, courant avec fluidité au côté des cordes résonnantes des différents luths à long manche. Depuis qu’il a été initié au duduk par son maître Khachik Khachatryan, Vardan Hovanissian est devenu l’un des ambassadeurs talentueux de cet instrument à anche double très ancien, dont la sonorité reflète l’âme arménienne. Il y a plus de dix ans, il a trouvé son âme soeur musicale en Emre Gültekin, qui a appris l’art du saz turc auprès de son père Lütfü Gültekin et de Talip Özkan.

presse : « Tradition, poésie, compositions récentes, sobriété, retenue, délicatesse, envolées des instruments et des voix à travers les petites histoires et la grande Histoire, tels sont les ingrédients d’une musique d’une étonnante dignité humaine. » Etienne Bours / 5 Planètes – Des Mondes de Musiques

Sur le plateau, un homme, acrobate du quotidien, se démène avec application pour garder l’équilibre dans un environnement qui pourtant le contraint. Enchaînant les tâches absurdes, il tente de rester debout malgré les éléments : le sol se dérobe, les éléments glissent, chutent, fuient et le malmènent sans répit. En écho à ce parcours physique, la voix de Laurence Vielle égrène les mots d’une lente combustion intérieure : rythmes sans répit, fragments de témoignages. « Je découvre l’univers artistique de Julien Fournier. Je suis touchée par son travail de corps, incisif, presque géométrique. Une des composantes de mon travail est le glanage du réel, de paroles réelles auxquelles je donne une forme à dire. Une longue période de glanage nous a offert une manne de paroles. Elles se sont agencées en écho avec la danse, la musique et la vidéo, et se sont entremêlées à d’autres matériaux pour être le texte scandé en voix off (la mienne) d’une pièce chorégraphique. Il s’agit de nous engager, corps et mots et images, pour dire qu’il y a ceux qui souffrent de ne pas travailler, ceux qui souffrent d’avoir rongé leur vie comme un os en travaillant, en dépit du souffle vital et essentiel à leur vie intime, pour dire que ce monde du travail, du rendement, du capital et de la surconsommation est malade. » Laurence Vielle

presse : « Deuxième opus pour Julien Fournier au sein de sa compagnie Habeas Corpus. C’est un sujet de société qui l’habite, et qu’il creuse d’un cirque intelligent et puissant. » La terrasse

« En septembre 2018 on me propose d’effectuer un atelier d’écriture dans le centre d’accueil pour migrants d’Ivry. Écrire une chanson en français avec des adultes et des enfants. Intéressé par l’opportunité d’entrer dans ce lieu, j’accepte la proposition. Des yourtes et des chambres numérotées et réparties par rues, un centre de santé, un petit terrain bitumé pour le sport. Des femmes seules et des familles cohabitent. Une ribambelle d’enfants erre dans cette ancienne usine réaménagée en centre d’accueil. Très vite le mandat pour lequel je suis là me semble restreint et difficilement réalisable… J’abandonne l’idée mais je continue à venir. De manière complètement intuitive et joyeuse, on se met à chanter des chansons, je filme. Je comprends alors que le projet se dessine de lui-même, et qu’ici la légèreté n’est pas interdite par la violence de la situation. Je ne veux pas leur demander de se raconter, pas susciter le débat. Je veux juste qu’ils soient des individus qui participent à la création d’un objet artistique, et qu’ils soient perçus comme tels, juste accueillir ce qu’ils me donnent, comme on accueillerait des voisins. » Manuel Merlot

« En septembre 2018 on me propose d’effectuer un atelier d’écriture dans le centre d’accueil pour migrants d’Ivry. Écrire une chanson en français avec des adultes et des enfants. Intéressé par l’opportunité d’entrer dans ce lieu, j’accepte la proposition. Des yourtes et des chambres numérotées et réparties par rues, un centre de santé, un petit terrain bitumé pour le sport. Des femmes seules et des familles cohabitent. Une ribambelle d’enfants erre dans cette ancienne usine réaménagée en centre d’accueil. Très vite le mandat pour lequel je suis là me semble restreint et difficilement réalisable… J’abandonne l’idée mais je continue à venir. De manière complètement intuitive et joyeuse, on se met à chanter des chansons, je filme. Je comprends alors que le projet se dessine de lui-même, et qu’ici la légèreté n’est pas interdite par la violence de la situation. Je ne veux pas leur demander de se raconter, pas susciter le débat. Je veux juste qu’ils soient des individus qui participent à la création d’un objet artistique, et qu’ils soient perçus comme tels, juste accueillir ce qu’ils me donnent, comme on accueillerait des voisins. » Manuel Merlot

« En septembre 2018 on me propose d’effectuer un atelier d’écriture dans le centre d’accueil pour migrants d’Ivry. Écrire une chanson en français avec des adultes et des enfants. Intéressé par l’opportunité d’entrer dans ce lieu, j’accepte la proposition. Des yourtes et des chambres numérotées et réparties par rues, un centre de santé, un petit terrain bitumé pour le sport. Des femmes seules et des familles cohabitent. Une ribambelle d’enfants erre dans cette ancienne usine réaménagée en centre d’accueil. Très vite le mandat pour lequel je suis là me semble restreint et difficilement réalisable… J’abandonne l’idée mais je continue à venir. De manière complètement intuitive et joyeuse, on se met à chanter des chansons, je filme. Je comprends alors que le projet se dessine de lui-même, et qu’ici la légèreté n’est pas interdite par la violence de la situation. Je ne veux pas leur demander de se raconter, pas susciter le débat. Je veux juste qu’ils soient des individus qui participent à la création d’un objet artistique, et qu’ils soient perçus comme tels, juste accueillir ce qu’ils me donnent, comme on accueillerait des voisins. » Manuel Merlot

« En septembre 2018 on me propose d’effectuer un atelier d’écriture dans le centre d’accueil pour migrants d’Ivry. Écrire une chanson en français avec des adultes et des enfants. Intéressé par l’opportunité d’entrer dans ce lieu, j’accepte la proposition. Des yourtes et des chambres numérotées et réparties par rues, un centre de santé, un petit terrain bitumé pour le sport. Des femmes seules et des familles cohabitent. Une ribambelle d’enfants erre dans cette ancienne usine réaménagée en centre d’accueil. Très vite le mandat pour lequel je suis là me semble restreint et difficilement réalisable… J’abandonne l’idée mais je continue à venir. De manière complètement intuitive et joyeuse, on se met à chanter des chansons, je filme. Je comprends alors que le projet se dessine de lui-même, et qu’ici la légèreté n’est pas interdite par la violence de la situation. Je ne veux pas leur demander de se raconter, pas susciter le débat. Je veux juste qu’ils soient des individus qui participent à la création d’un objet artistique, et qu’ils soient perçus comme tels, juste accueillir ce qu’ils me donnent, comme on accueillerait des voisins. » Manuel Merlot