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Cette aventure musicale, menée par Nedjim Bouizzoul, a traversé les frontières et a pris racines en France en 2014, après 10 ans passés à Montréal. Le groupe est aujourd’hui basé entre Paris, Rennes et La Rochelle. Dans son parcours musical, Nedjim Bouizzoul, en partant de l’Afrique du Nord et en remontant jusqu’en Inde, a clairement emprunté le chemin, en sens inverse, des gens du voyage : il s’inspire de Césaria Evora, de Bob Marley, en passant par Anoushka Shankar ou encore Paco De Lucia, pour apporter une musique colorée de voyages. Une fusion entre rumba gitane, flamenco et musiques traditionnelles d’Afrique du nord telles que le gnawa et le chaâbi. Qu’il chante en arabe, sa langue maternelle, en français ou en espagnol, Nedjim Bouizzoul raconte des histoires qui oscillent entre réalisme et espoir, douceur et fureur. Il chante l’exil en retraçant les joies et les détresses qui parsèment le parcours de la terre d’origine à la terre d’accueil, et vice-versa. À travers sa poésie, il propose une réflexion sur la diversité culturelle et sur la nécessité de vivre unis, malgré les différences.

presse : « Sans artifices, la musique de Labess fusionne, mélange et bouscule les codes des musiques traditionnelles. Elle vous entraîne dans une heureuse déambulation entre l’Afrique du Nord, l’Andalousie et l’Inde, escales inévitables et ports d’attaches centraux d’un groupe qui rend ainsi hommage à l’itinéraire historique des gens du voyage. » Onorient

**ERRATUM** Le spectacle aura lieu au Gymnase du Parc de Londres et non au Collège Saint Jean comme indiqué dans le programme, à 20h30.

« Une fois la peur ancrée au ventre et quotidiennement alimentée, il s’agit de parer à l’inquiétude quasi permanente qu’elle sécrète en nous. Il faut trouver le moyen de se rassurer, de ne pas céder à la terreur qui fait de nous des êtres de panique, jetés hors de nous-mêmes, craignant le risque, traquant l’inconnu, et n’aspirant qu’à la tiédeur lisse d’une pomme de terre en robe de chambre certifiée sans arête et cuite dans l’eau chlorée. Après avoir vainement travaillé à l’éradication de la peur, nous avons, à SÉCURILIF©, opté pour une approche plus pragmatique, qui mobilise toutes les capacités du sujet concerné. Et ça marche ! Des essais sur différentes tranches d’âge en milieu confiné, puis en milieu ouvert, ont largement confirmé la validité de notre axe de recherche. Il existe bien aujourd’hui des remèdes pratiques, fiables et homologués pour rendre supportable notre cohabitation avec la peur. Ils sont à découvrir dans SÉCURILIF©. SÉCURILIF©, un spectacle qui a comme ambition de désinquiéter le champ culturel tout en donnant à la sécurité ses lettres de noblesse. » Pierre Meunier

presse : « La protection a un coût. Nous en payons déjà le prix. L’omniprésence sécuritaire angoisse, en raison notamment des dangers qu’elle présuppose. Chaque réglementation, qui prétend les combattre, est un nouvel outil d’oppression. Tout espace de fantaisie est désormais surveillé, tout endroit de hasard est placé sous contrôle. La mise aux normes « de sécurité » impose son diktat et freine les initiatives, empêche la spontanéité, limite la liberté de faire, d’agir et de créer. Gare à la sortie de route… De cette possibilité d’accidents et d’heureux hasards (ou pas) – l’essence de la vie, en somme –, Meunier a élaboré un spectacle réjouissant, une farce tragi-burlesque qui étonne et détonne, qui grince de ces questions. De belles métaphores visuelles s’amusent de nos angoisses de la sécurité routière, de l’obscurité forcément menaçante, des métiers ou des comportements à risques… La chorégraphie des corps et des objets rit (jaune) de ce(ux) qui nous inquiète(nt), de l’omniprésence sécuritaire qui est l’autre nom de la peur qui nous pousse au besoin urgent de rassurance. » Philippe Leclercq / Théâtre

Wolfgang Amadeus Mozart              Le Nozze di Figaro – ouverture

Bruno Mantovani                                  Danse libre – pour harpe et orchestre de chambre

Claude Debussy                                     Danses sacrée et profane

Wolfgang Amadeus Mozart              Symphonie n°29 K.201

avec le soutien de Musique Nouvelle en Liberté

 Une « troisième danse » ajoutée au célèbre diptyque pour harpe et cordes, Danse sacrée et Danse profane, que Debussy écrivit en 1904 ?  C’est en tous cas une jolie idée d’apparier l’œuvre de Debussy avec la Danse libre pour harpe et orchestre de chambre de Bruno Mantovani (2017), également invité à diriger l’Orchestre de Picardie.

Saluons donc l’écriture « combative » de ce dernier, éloignée des images éthérées qui collent trop souvent à l’instrument. Et admirons de nouveau, sous les doigts experts de Marcel Cara, la noblesse à l’antique de la Danse sacrée, l’élégance un peu indolente de la Danse profane, l’ensemble apparaissant comme un hommage subliminal aux Gymnopédies de Satie, que Debussy adorait…

Autre compositeur choisi par Bruno Mantovani : Mozart.

Si la fulgurante Ouverture des Noces de Figaro représente toujours un formidable « lever de rideau », on appréciera autant celle de Cosi fan Tutte, moins souvent donnée au concert mais tout aussi jubilatoire.

Quant à la Symphonie n°29 en la majeur (1774), on tient sans doute là un des chefs-d’œuvre des années de jeunesse salzbourgeoises. Son thème initial, d’une inoubliable autorité, est peut-être la première manifestation de ce sentiment de gravité farouche qui signera tant d’œuvres de la maturité du maître. De semblables lignes de force, nerveuses, impatientes, investissent l’Andante et le Menuet. Le Finale semblera y ajouter une touche de joyeuse férocité : le rythme implacable, les grands intervalles, les gammes en fusées, y font penser à de larges soufflets, méthodiquement appliqués sur quelques joues seigneuriales de la Cour de Salzbourg…

Le concert sera complété par la création d’une pièce brève de Brendan Champeaux, étudiant en composition au CNSMD de Paris, mais aussi improvisateur, arrangeur…

« Après notre création de La Petite Fille aux allumettes, que nous avons jouée deux saisons durant, nous voulions continuer à explorer le territoire de ces contes qui nous ont accompagnés enfants et qui, lorsque nous les relisons, nous frappent par leur violence. Comment enfant ai-je pu aimer une histoire si effrayante ? Sans doute parce qu’enfant nous aimons avoir peur… Nous savons que c’est « pour de faux », mais il est tellement agréable de ressentir ces choses-là, le frisson de la peur … Voilà pourquoi nous nous sommes souvenus du Joueur de flûte de Hamelin… une histoire sur la force de la musique… une histoire de trahison et de vengeance… Le conte est très court, deux pages à peine, mais l’histoire est saisissante. Une ville est infestée de rats, un joueur de flûte propose ses services pour l’en débarrasser. Les notables lui promettent une somme importante s’il réussit. Au son de la flûte les rats suivent le musicien qui les amène jusqu’à une rivière où il les noie. Il revient pour réclamer son dû, mais les habitants ne lui donnent que la moitié de la somme promise. Le musicien, pour se venger, attire les enfants de la ville au son de son instrument et part avec eux dans les montagnes. « Des enfants il n’y avait plus trace et personne n’a jamais su ce qu’il en était advenu. » Replacer cette histoire dans notre monde contemporain est une manière d’aborder avec les enfants la complexité des choses, le fait que l’être humain est particulièrement doué pour créer des problèmes et se compliquer la vie.» Joachim Latarget

« Après notre création de La Petite Fille aux allumettes, que nous avons jouée deux saisons durant, nous voulions continuer à explorer le territoire de ces contes qui nous ont accompagnés enfants et qui, lorsque nous les relisons, nous frappent par leur violence. Comment enfant ai-je pu aimer une histoire si effrayante ? Sans doute parce qu’enfant nous aimons avoir peur… Nous savons que c’est « pour de faux », mais il est tellement agréable de ressentir ces choses-là, le frisson de la peur … Voilà pourquoi nous nous sommes souvenus du Joueur de flûte de Hamelin… une histoire sur la force de la musique… une histoire de trahison et de vengeance… Le conte est très court, deux pages à peine, mais l’histoire est saisissante. Une ville est infestée de rats, un joueur de flûte propose ses services pour l’en débarrasser. Les notables lui promettent une somme importante s’il réussit. Au son de la flûte les rats suivent le musicien qui les amène jusqu’à une rivière où il les noie. Il revient pour réclamer son dû, mais les habitants ne lui donnent que la moitié de la somme promise. Le musicien, pour se venger, attire les enfants de la ville au son de son instrument et part avec eux dans les montagnes. « Des enfants il n’y avait plus trace et personne n’a jamais su ce qu’il en était advenu. » Replacer cette histoire dans notre monde contemporain est une manière d’aborder avec les enfants la complexité des choses, le fait que l’être humain est particulièrement doué pour créer des problèmes et se compliquer la vie.» Joachim Latarget

Vardan Hovanissian & Emre Gültekin portent le symbole d’une réconciliation entre les peuples à travers les sons mélancoliques mais pleins d’espoir du duduk arménien et du saz, instrument emblématique de Turquie. Leur deuxième album « Karin » est l’ancien nom arménien de la ville d’Erzurum, située aujourd’hui en Turquie. Il fait référence à la ville natale du grand-père de Vardan Hovanissian, qui faisait partie des 200 survivants à la déportation d’environ 40 000 personnes lors du génocide arménien. Animé d’une âme profondément itinérante et guidé par leur amitié sans frontière, le duo tisse des liens entre les langues et les styles au gré de sa musique et de ses instruments. L’album qui en résulte est un éloge à la rencontre de l’autre et se nourrit de partage et de générosité. Ils puisent dans la profusion des répertoires traditionnels, ramenant à la vie quelques trésors enfouis du passé, et les complètent de nouvelles compositions abordant des sujets contemporains comme le sort des réfugiés. Les paroles sont chantées tantôt en arménien, tantôt en turc, kurde ou géorgien. Le son mélancolique du duduk y répond parfaitement, courant avec fluidité au côté des cordes résonnantes des différents luths à long manche. Depuis qu’il a été initié au duduk par son maître Khachik Khachatryan, Vardan Hovanissian est devenu l’un des ambassadeurs talentueux de cet instrument à anche double très ancien, dont la sonorité reflète l’âme arménienne. Il y a plus de dix ans, il a trouvé son âme soeur musicale en Emre Gültekin, qui a appris l’art du saz turc auprès de son père Lütfü Gültekin et de Talip Özkan.

presse : « Tradition, poésie, compositions récentes, sobriété, retenue, délicatesse, envolées des instruments et des voix à travers les petites histoires et la grande Histoire, tels sont les ingrédients d’une musique d’une étonnante dignité humaine. » Etienne Bours / 5 Planètes – Des Mondes de Musiques

« Après notre création de La Petite Fille aux allumettes, que nous avons jouée deux saisons durant, nous voulions continuer à explorer le territoire de ces contes qui nous ont accompagnés enfants et qui, lorsque nous les relisons, nous frappent par leur violence. Comment enfant ai-je pu aimer une histoire si effrayante ? Sans doute parce qu’enfant nous aimons avoir peur… Nous savons que c’est « pour de faux », mais il est tellement agréable de ressentir ces choses-là, le frisson de la peur … Voilà pourquoi nous nous sommes souvenus du Joueur de flûte de Hamelin… une histoire sur la force de la musique… une histoire de trahison et de vengeance… Le conte est très court, deux pages à peine, mais l’histoire est saisissante. Une ville est infestée de rats, un joueur de flûte propose ses services pour l’en débarrasser. Les notables lui promettent une somme importante s’il réussit. Au son de la flûte les rats suivent le musicien qui les amène jusqu’à une rivière où il les noie. Il revient pour réclamer son dû, mais les habitants ne lui donnent que la moitié de la somme promise. Le musicien, pour se venger, attire les enfants de la ville au son de son instrument et part avec eux dans les montagnes. « Des enfants il n’y avait plus trace et personne n’a jamais su ce qu’il en était advenu. » Replacer cette histoire dans notre monde contemporain est une manière d’aborder avec les enfants la complexité des choses, le fait que l’être humain est particulièrement doué pour créer des problèmes et se compliquer la vie.» Joachim Latarget

« Après notre création de La Petite Fille aux allumettes, que nous avons jouée deux saisons durant, nous voulions continuer à explorer le territoire de ces contes qui nous ont accompagnés enfants et qui, lorsque nous les relisons, nous frappent par leur violence. Comment enfant ai-je pu aimer une histoire si effrayante ? Sans doute parce qu’enfant nous aimons avoir peur… Nous savons que c’est « pour de faux », mais il est tellement agréable de ressentir ces choses-là, le frisson de la peur … Voilà pourquoi nous nous sommes souvenus du Joueur de flûte de Hamelin… une histoire sur la force de la musique… une histoire de trahison et de vengeance… Le conte est très court, deux pages à peine, mais l’histoire est saisissante. Une ville est infestée de rats, un joueur de flûte propose ses services pour l’en débarrasser. Les notables lui promettent une somme importante s’il réussit. Au son de la flûte les rats suivent le musicien qui les amène jusqu’à une rivière où il les noie. Il revient pour réclamer son dû, mais les habitants ne lui donnent que la moitié de la somme promise. Le musicien, pour se venger, attire les enfants de la ville au son de son instrument et part avec eux dans les montagnes. « Des enfants il n’y avait plus trace et personne n’a jamais su ce qu’il en était advenu. » Replacer cette histoire dans notre monde contemporain est une manière d’aborder avec les enfants la complexité des choses, le fait que l’être humain est particulièrement doué pour créer des problèmes et se compliquer la vie.» Joachim Latarget

« Après notre création de La Petite Fille aux allumettes, que nous avons jouée deux saisons durant, nous voulions continuer à explorer le territoire de ces contes qui nous ont accompagnés enfants et qui, lorsque nous les relisons, nous frappent par leur violence. Comment enfant ai-je pu aimer une histoire si effrayante ? Sans doute parce qu’enfant nous aimons avoir peur… Nous savons que c’est « pour de faux », mais il est tellement agréable de ressentir ces choses-là, le frisson de la peur … Voilà pourquoi nous nous sommes souvenus du Joueur de flûte de Hamelin… une histoire sur la force de la musique… une histoire de trahison et de vengeance… Le conte est très court, deux pages à peine, mais l’histoire est saisissante. Une ville est infestée de rats, un joueur de flûte propose ses services pour l’en débarrasser. Les notables lui promettent une somme importante s’il réussit. Au son de la flûte les rats suivent le musicien qui les amène jusqu’à une rivière où il les noie. Il revient pour réclamer son dû, mais les habitants ne lui donnent que la moitié de la somme promise. Le musicien, pour se venger, attire les enfants de la ville au son de son instrument et part avec eux dans les montagnes. « Des enfants il n’y avait plus trace et personne n’a jamais su ce qu’il en était advenu. » Replacer cette histoire dans notre monde contemporain est une manière d’aborder avec les enfants la complexité des choses, le fait que l’être humain est particulièrement doué pour créer des problèmes et se compliquer la vie.» Joachim Latarget

« C’est l’histoire de cinq frères qui se connaissent déjà… Mais qui se rencontrent pour la première fois ! Dans une Fiat Panda… Nous sommes des hommes non ? Alors parlons- en, avec humour, risques et dérision. Dans ce nouveau projet, le Cirque la Compagnie a décidé d’écrire et de mettre en scène un récit. Comment mettre en piste une histoire avec des corps sans texte, et du cirque ? Comment faire naître des personnages singuliers et les mettre ensemble ? Comment mettre notre technique au service de la dramaturgie ? … Dans un esprit tragi-comique, nous voulons raconter l’histoire d’une famille, questionner des thèmes comme la fraternité, l’entraide, la mixité sociale… Mais aussi, comme pourrait le faire Beckett par l’absurde, aborder carrément des questions comme l’amour, la solitude, la mort, ou ceci, ou cela, et puis tout ça… Le spectacle sera co-mis en scène. Cela peut paraître étrange mais c’est simple. Nous sommes avant tout un Cirque, avec une vision de la vie, de la scène et de ce qu’il s’y passe. Nous tenons tous les cinq à garder un regard sur la création de ce spectacle. Nous voulons que chacun d’entre nous puisse donner son plein potentiel, mais aussi influencer les choix artistiques pour permettre au spectacle d’évoluer et de grandir. Pandax n’appartiendra pas à un individu mais à une entité qui nous réunit tous : le Cirque la Compagnie. » Cirque la Compagnie

presse : « Découverts en 2017 au Festival mondial du cirque de demain à Paris d’où ils étaient repartis sous une extraordinaire pluie de récompenses, ces artistes franco-suisses épatent par leur créativité, leur humour noir et leur dynamisme. Leur cirque est très concret, avec de la bascule, du mât chinois, de l’échelle libre, du lancer de couteaux… Il est aussi plein de chansons détournées et de drôleries. L’ensemble est furieusement enthousiasmant.» Télérama-Sortir/TTT

« C’est l’histoire de cinq frères qui se connaissent déjà… Mais qui se rencontrent pour la première fois ! Dans une Fiat Panda… Nous sommes des hommes non ? Alors parlons- en, avec humour, risques et dérision. Dans ce nouveau projet, le Cirque la Compagnie a décidé d’écrire et de mettre en scène un récit. Comment mettre en piste une histoire avec des corps sans texte, et du cirque ? Comment faire naître des personnages singuliers et les mettre ensemble ? Comment mettre notre technique au service de la dramaturgie ? … Dans un esprit tragi-comique, nous voulons raconter l’histoire d’une famille, questionner des thèmes comme la fraternité, l’entraide, la mixité sociale… Mais aussi, comme pourrait le faire Beckett par l’absurde, aborder carrément des questions comme l’amour, la solitude, la mort, ou ceci, ou cela, et puis tout ça… Le spectacle sera co-mis en scène. Cela peut paraître étrange mais c’est simple. Nous sommes avant tout un Cirque, avec une vision de la vie, de la scène et de ce qu’il s’y passe. Nous tenons tous les cinq à garder un regard sur la création de ce spectacle. Nous voulons que chacun d’entre nous puisse donner son plein potentiel, mais aussi influencer les choix artistiques pour permettre au spectacle d’évoluer et de grandir. Pandax n’appartiendra pas à un individu mais à une entité qui nous réunit tous : le Cirque la Compagnie. » Cirque la Compagnie

presse : « Découverts en 2017 au Festival mondial du cirque de demain à Paris d’où ils étaient repartis sous une extraordinaire pluie de récompenses, ces artistes franco-suisses épatent par leur créativité, leur humour noir et leur dynamisme. Leur cirque est très concret, avec de la bascule, du mât chinois, de l’échelle libre, du lancer de couteaux… Il est aussi plein de chansons détournées et de drôleries. L’ensemble est furieusement enthousiasmant.» Télérama-Sortir/TTT

« C’est l’histoire de cinq frères qui se connaissent déjà… Mais qui se rencontrent pour la première fois ! Dans une Fiat Panda… Nous sommes des hommes non ? Alors parlons- en, avec humour, risques et dérision. Dans ce nouveau projet, le Cirque la Compagnie a décidé d’écrire et de mettre en scène un récit. Comment mettre en piste une histoire avec des corps sans texte, et du cirque ? Comment faire naître des personnages singuliers et les mettre ensemble ? Comment mettre notre technique au service de la dramaturgie ? … Dans un esprit tragi-comique, nous voulons raconter l’histoire d’une famille, questionner des thèmes comme la fraternité, l’entraide, la mixité sociale… Mais aussi, comme pourrait le faire Beckett par l’absurde, aborder carrément des questions comme l’amour, la solitude, la mort, ou ceci, ou cela, et puis tout ça… Le spectacle sera co-mis en scène. Cela peut paraître étrange mais c’est simple. Nous sommes avant tout un Cirque, avec une vision de la vie, de la scène et de ce qu’il s’y passe. Nous tenons tous les cinq à garder un regard sur la création de ce spectacle. Nous voulons que chacun d’entre nous puisse donner son plein potentiel, mais aussi influencer les choix artistiques pour permettre au spectacle d’évoluer et de grandir. Pandax n’appartiendra pas à un individu mais à une entité qui nous réunit tous : le Cirque la Compagnie. » Cirque la Compagnie

presse : « Découverts en 2017 au Festival mondial du cirque de demain à Paris d’où ils étaient repartis sous une extraordinaire pluie de récompenses, ces artistes franco-suisses épatent par leur créativité, leur humour noir et leur dynamisme. Leur cirque est très concret, avec de la bascule, du mât chinois, de l’échelle libre, du lancer de couteaux… Il est aussi plein de chansons détournées et de drôleries. L’ensemble est furieusement enthousiasmant.» Télérama-Sortir/TTT

Burning, c’est à la fois du cirque documentaire et de la poésie chorégraphique. Une envie de replacer l’individu au centre et d’utiliser un langage proche du collage. Un remarquable travail de corps, de voix et d’esprit qui témoigne de la façon insidieuse avec laquelle s’installe la souffrance au travail.

Pris au piège dans l’espace de la représentation, un personnage évolue, contraint par son environnement. Il tente de rester assis ou debout, d’aligner des cartons, en prise avec un espace où tout bascule, effaçant petit à petit tout horizon possible.

En parallèle, la voix off de Laurence Vielle égrène les mots d’une lente combustion intérieure: essoufflement, rythmes sans répit, fragments de témoignages.

Ici le corps évolue en résonance avec les mots, l’acte acrobatique se fond au langage vidéo. Graphiques… pourcentages… témoignages… corps malmené… dépeignent un monde du travail, du rendement, du capital et de la surconsommation malade, où l’homme y est devenu marchandise, où le sens y est perdu.

« A longueur de temps, nous croulons sous les mots, qu’ils soient écrits, parlés, nous les lisons, les entendons. Ces assemblages de lettres font partie de notre quotidien, comme l’air que nous respirons, nous n’y faisons même plus attention. Et pourtant, une société sans mots, cela ne se peut pas. Après avoir joué avec le restaurant, l’amour, j’ai envie de jouer avec les mots, avec leur squelette : les lettres et dans l’ordre défini de l’abécédaire. Ce carcan avec son début et sa fin, me permet de définir un cadre donné sans pour autant m’imposer un traitement, à l’instar du peintre et de sa toile. Les contours me sont imposés par la taille du cadre (26 lettres), par contre l’intérieur reste libre à mon esprit et ceux de mes camarades de jeu. Le jeu est le premier mot clef. Les mots, le vocabulaire sont en y regardant de plus près, une aire de jeux incroyables, ouverte, sans limites, d’une richesse incommensurable.
Je veux que nous soyons les enfants qui, avec le carton d’emballage de la machine à laver, s’ouvrent un royaume sans fin, sans frontières. Avec le dictionnaire, nous avons un carton de luxe, une mine d’inspiration inespérée, faisons juste attention à ce que ce luxe n’entrave pas l’imaginaire en nous dictant ses règles. » Emmanuel Gilleron

presse : « A la fois minimaliste par la dimension de ses numéros et grandiose par leur virtuosité, l’art circassien des Grands Fourneaux se goûte sans modération. Les huit membres de la compagnie rivalisent de savoir-faire avec des coups de coeur pour le numéro de trapèze, celui de la roue cyr et le désopilant morceau de Richard Strauss entonné… par deux pompes à vélo. » L.G./Midi Libre (à propos des Grands Fourneaux)

Représentations :

• 7 et 8 janvier à l’école de La clé des Champs à Charny sur Meuse
• 11 et 12 janvier à l’école Bernard Courteaux à Dun sur Meuse

« Le gribouillis est le fil qu’on attrape au début de chaque pensée ; une sorte de brouillon. Au début ça ressemble à rien. C’est le premier jet, qu’on montre fièrement quand on est enfant. Quand on est adulte on préfère montrer une version plus aboutie. Le gribouillis est le moment où tout est permis, où on a encore le choix. On peut prendre n’importe quel chemin. C’est le présent. Tout ce qui vient après est la conséquence du gribouillis, le futur. Le gribouillis, ça reste un point de suspension, le moment où ça bascule. Le gribouillis rassure quand il est accompagné d’une explication. Le gribouillis inquiète quand il est isolé et quand il est noir ; il peut être associé à une certaine confusion de la pensée. On a toujours l’image du gribouillis au-dessus de la tête pour exprimer un esprit embrumé ou en colère ; la tête farcie, le ras le bol, la dépression. Quand il est en couleur, c’est plutôt la joie, la naïveté, l’instant heureux, c’est lié à l’enfance et tous les possibles. La jouissance. Le gribouillis a la forme d’un cerveau. Et paradoxalement, c’est l’anti cerveau, c’est la pensée qui s’échappe quand on ne la contient pas, quand on laisse le cerveau vagabonder. » Estelle Charles

presse : « Ce que Gribouillis nous raconte : des artistes, un plasticien, une costumière, un musicien, réunis sur un plateau de théâtre, démêlent, pour nous et avec nous, les fils et les ressorts de la création, nous ouvrant à leur monde et à son infinie richesse poétique tout en nous offrant la possibilité de réinventer le nôtre ». Graziella Végis/ Spirale

Représentations :

• 7 et 8 janvier à l’école de La clé des Champs à Charny sur Meuse
• 11 et 12 janvier à l’école Bernard Courteaux à Dun sur Meuse

« Le gribouillis est le fil qu’on attrape au début de chaque pensée ; une sorte de brouillon. Au début ça ressemble à rien. C’est le premier jet, qu’on montre fièrement quand on est enfant. Quand on est adulte on préfère montrer une version plus aboutie. Le gribouillis est le moment où tout est permis, où on a encore le choix. On peut prendre n’importe quel chemin. C’est le présent. Tout ce qui vient après est la conséquence du gribouillis, le futur. Le gribouillis, ça reste un point de suspension, le moment où ça bascule. Le gribouillis rassure quand il est accompagné d’une explication. Le gribouillis inquiète quand il est isolé et quand il est noir ; il peut être associé à une certaine confusion de la pensée. On a toujours l’image du gribouillis au-dessus de la tête pour exprimer un esprit embrumé ou en colère ; la tête farcie, le ras le bol, la dépression. Quand il est en couleur, c’est plutôt la joie, la naïveté, l’instant heureux, c’est lié à l’enfance et tous les possibles. La jouissance. Le gribouillis a la forme d’un cerveau. Et paradoxalement, c’est l’anti cerveau, c’est la pensée qui s’échappe quand on ne la contient pas, quand on laisse le cerveau vagabonder. » Estelle Charles

presse : « Ce que Gribouillis nous raconte : des artistes, un plasticien, une costumière, un musicien, réunis sur un plateau de théâtre, démêlent, pour nous et avec nous, les fils et les ressorts de la création, nous ouvrant à leur monde et à son infinie richesse poétique tout en nous offrant la possibilité de réinventer le nôtre ». Graziella Végis/ Spirale

Représentations :

• 7 et 8 janvier à l’école de La clé des Champs à Charny sur Meuse
• 11 et 12 janvier à l’école Bernard Courteaux à Dun sur Meuse

« Le gribouillis est le fil qu’on attrape au début de chaque pensée ; une sorte de brouillon. Au début ça ressemble à rien. C’est le premier jet, qu’on montre fièrement quand on est enfant. Quand on est adulte on préfère montrer une version plus aboutie. Le gribouillis est le moment où tout est permis, où on a encore le choix. On peut prendre n’importe quel chemin. C’est le présent. Tout ce qui vient après est la conséquence du gribouillis, le futur. Le gribouillis, ça reste un point de suspension, le moment où ça bascule. Le gribouillis rassure quand il est accompagné d’une explication. Le gribouillis inquiète quand il est isolé et quand il est noir ; il peut être associé à une certaine confusion de la pensée. On a toujours l’image du gribouillis au-dessus de la tête pour exprimer un esprit embrumé ou en colère ; la tête farcie, le ras le bol, la dépression. Quand il est en couleur, c’est plutôt la joie, la naïveté, l’instant heureux, c’est lié à l’enfance et tous les possibles. La jouissance. Le gribouillis a la forme d’un cerveau. Et paradoxalement, c’est l’anti cerveau, c’est la pensée qui s’échappe quand on ne la contient pas, quand on laisse le cerveau vagabonder. » Estelle Charles

presse : « Ce que Gribouillis nous raconte : des artistes, un plasticien, une costumière, un musicien, réunis sur un plateau de théâtre, démêlent, pour nous et avec nous, les fils et les ressorts de la création, nous ouvrant à leur monde et à son infinie richesse poétique tout en nous offrant la possibilité de réinventer le nôtre ». Graziella Végis/ Spirale

Représentations :

• 7 et 8 janvier à l’école de La clé des Champs à Charny sur Meuse
• 11 et 12 janvier à l’école Bernard Courteaux à Dun sur Meuse

« Le gribouillis est le fil qu’on attrape au début de chaque pensée ; une sorte de brouillon. Au début ça ressemble à rien. C’est le premier jet, qu’on montre fièrement quand on est enfant. Quand on est adulte on préfère montrer une version plus aboutie. Le gribouillis est le moment où tout est permis, où on a encore le choix. On peut prendre n’importe quel chemin. C’est le présent. Tout ce qui vient après est la conséquence du gribouillis, le futur. Le gribouillis, ça reste un point de suspension, le moment où ça bascule. Le gribouillis rassure quand il est accompagné d’une explication. Le gribouillis inquiète quand il est isolé et quand il est noir ; il peut être associé à une certaine confusion de la pensée. On a toujours l’image du gribouillis au-dessus de la tête pour exprimer un esprit embrumé ou en colère ; la tête farcie, le ras le bol, la dépression. Quand il est en couleur, c’est plutôt la joie, la naïveté, l’instant heureux, c’est lié à l’enfance et tous les possibles. La jouissance. Le gribouillis a la forme d’un cerveau. Et paradoxalement, c’est l’anti cerveau, c’est la pensée qui s’échappe quand on ne la contient pas, quand on laisse le cerveau vagabonder. » Estelle Charles

presse : « Ce que Gribouillis nous raconte : des artistes, un plasticien, une costumière, un musicien, réunis sur un plateau de théâtre, démêlent, pour nous et avec nous, les fils et les ressorts de la création, nous ouvrant à leur monde et à son infinie richesse poétique tout en nous offrant la possibilité de réinventer le nôtre ». Graziella Végis/ Spirale

Représentations :

• 7 et 8 janvier à l’école de La clé des Champs à Charny sur Meuse
• 11 et 12 janvier à l’école Bernard Courteaux à Dun sur Meuse

« Le gribouillis est le fil qu’on attrape au début de chaque pensée ; une sorte de brouillon. Au début ça ressemble à rien. C’est le premier jet, qu’on montre fièrement quand on est enfant. Quand on est adulte on préfère montrer une version plus aboutie. Le gribouillis est le moment où tout est permis, où on a encore le choix. On peut prendre n’importe quel chemin. C’est le présent. Tout ce qui vient après est la conséquence du gribouillis, le futur. Le gribouillis, ça reste un point de suspension, le moment où ça bascule. Le gribouillis rassure quand il est accompagné d’une explication. Le gribouillis inquiète quand il est isolé et quand il est noir ; il peut être associé à une certaine confusion de la pensée. On a toujours l’image du gribouillis au-dessus de la tête pour exprimer un esprit embrumé ou en colère ; la tête farcie, le ras le bol, la dépression. Quand il est en couleur, c’est plutôt la joie, la naïveté, l’instant heureux, c’est lié à l’enfance et tous les possibles. La jouissance. Le gribouillis a la forme d’un cerveau. Et paradoxalement, c’est l’anti cerveau, c’est la pensée qui s’échappe quand on ne la contient pas, quand on laisse le cerveau vagabonder. » Estelle Charles

presse : « Ce que Gribouillis nous raconte : des artistes, un plasticien, une costumière, un musicien, réunis sur un plateau de théâtre, démêlent, pour nous et avec nous, les fils et les ressorts de la création, nous ouvrant à leur monde et à son infinie richesse poétique tout en nous offrant la possibilité de réinventer le nôtre ». Graziella Végis/ Spirale

« La première fois que j’ai rencontré Erik, il m’a dit qu’il ne connaissait rien à la musique harmonique ! Et moi je lui ai répondu que je ne connaissais rien à la musique modale. », se souvient Rodolphe Burger. C’est ainsi qu’ils se sont rencontrés et, malgré toutes leurs différences, vite bien entendus. De ce dialogue est né le projet Before Bach, présenté en 2004. À la clef, un album du même nom, où ce triangle aux oreilles pointues, renforcé d’une section rythmique, trouvait un territoire d’expression commun entre la musique modale que laboure depuis des années le chanteur breton – et collecteur de sons – Erik Marchand et l’esprit rock blues à partir duquel le guitariste et chanteur Rodolphe Burger mène ses propres extrapolations. Quinze ans plus tard, ils redescendent à la mine, creuser toujours plus profond, histoire d’en extraire un nouveau répertoire. D’où le nom de cette création, Glück Auf, la devise des mineurs de Sainte-Marie-Aux-Mines qui peut se traduire par Inch Allah. Ils ont à leurs côtés une nouvelle partenaire, la violoniste et chanteuse Pauline Willerval, adepte du violon bulgare gadulka et férue tout autant de musiques traditionnelles. « On se propose des morceaux des uns ou des autres. », reprend Burger. Un blues dédié à John Henry, ce colosse qui incarne le working class hero par excellence, un thème de Titi Robin qu’ils ont customisé, un morceau albanais, des pentatoniques jouées en Épire, une chanson turque, ou encore un chant breton dédié à Manuel Kerjean, maître d’Erik Marchand et paysan de Plouray…

« En septembre 2018 on me propose d’effectuer un atelier d’écriture dans le centre d’accueil pour migrants d’Ivry. Écrire une chanson en français avec des adultes et des enfants. Intéressé par l’opportunité d’entrer dans ce lieu, j’accepte la proposition. Des yourtes et des chambres numérotées et réparties par rues, un centre de santé, un petit terrain bitumé pour le sport. Des femmes seules et des familles cohabitent. Une ribambelle d’enfants erre dans cette ancienne usine réaménagée en centre d’accueil. Très vite le mandat pour lequel je suis là me semble restreint et difficilement réalisable… J’abandonne l’idée mais je continue à venir. De manière complètement intuitive et joyeuse, on se met à chanter des chansons, je filme. Je comprends alors que le projet se dessine de lui-même, et qu’ici la légèreté n’est pas interdite par la violence de la situation. Je ne veux pas leur demander de se raconter, pas susciter le débat. Je veux juste qu’ils soient des individus qui participent à la création d’un objet artistique, et qu’ils soient perçus comme tels, juste accueillir ce qu’ils me donnent, comme on accueillerait des voisins. » Manuel Merlot

« En septembre 2018 on me propose d’effectuer un atelier d’écriture dans le centre d’accueil pour migrants d’Ivry. Écrire une chanson en français avec des adultes et des enfants. Intéressé par l’opportunité d’entrer dans ce lieu, j’accepte la proposition. Des yourtes et des chambres numérotées et réparties par rues, un centre de santé, un petit terrain bitumé pour le sport. Des femmes seules et des familles cohabitent. Une ribambelle d’enfants erre dans cette ancienne usine réaménagée en centre d’accueil. Très vite le mandat pour lequel je suis là me semble restreint et difficilement réalisable… J’abandonne l’idée mais je continue à venir. De manière complètement intuitive et joyeuse, on se met à chanter des chansons, je filme. Je comprends alors que le projet se dessine de lui-même, et qu’ici la légèreté n’est pas interdite par la violence de la situation. Je ne veux pas leur demander de se raconter, pas susciter le débat. Je veux juste qu’ils soient des individus qui participent à la création d’un objet artistique, et qu’ils soient perçus comme tels, juste accueillir ce qu’ils me donnent, comme on accueillerait des voisins. » Manuel Merlot

« En septembre 2018 on me propose d’effectuer un atelier d’écriture dans le centre d’accueil pour migrants d’Ivry. Écrire une chanson en français avec des adultes et des enfants. Intéressé par l’opportunité d’entrer dans ce lieu, j’accepte la proposition. Des yourtes et des chambres numérotées et réparties par rues, un centre de santé, un petit terrain bitumé pour le sport. Des femmes seules et des familles cohabitent. Une ribambelle d’enfants erre dans cette ancienne usine réaménagée en centre d’accueil. Très vite le mandat pour lequel je suis là me semble restreint et difficilement réalisable… J’abandonne l’idée mais je continue à venir. De manière complètement intuitive et joyeuse, on se met à chanter des chansons, je filme. Je comprends alors que le projet se dessine de lui-même, et qu’ici la légèreté n’est pas interdite par la violence de la situation. Je ne veux pas leur demander de se raconter, pas susciter le débat. Je veux juste qu’ils soient des individus qui participent à la création d’un objet artistique, et qu’ils soient perçus comme tels, juste accueillir ce qu’ils me donnent, comme on accueillerait des voisins. » Manuel Merlot

« En septembre 2018 on me propose d’effectuer un atelier d’écriture dans le centre d’accueil pour migrants d’Ivry. Écrire une chanson en français avec des adultes et des enfants. Intéressé par l’opportunité d’entrer dans ce lieu, j’accepte la proposition. Des yourtes et des chambres numérotées et réparties par rues, un centre de santé, un petit terrain bitumé pour le sport. Des femmes seules et des familles cohabitent. Une ribambelle d’enfants erre dans cette ancienne usine réaménagée en centre d’accueil. Très vite le mandat pour lequel je suis là me semble restreint et difficilement réalisable… J’abandonne l’idée mais je continue à venir. De manière complètement intuitive et joyeuse, on se met à chanter des chansons, je filme. Je comprends alors que le projet se dessine de lui-même, et qu’ici la légèreté n’est pas interdite par la violence de la situation. Je ne veux pas leur demander de se raconter, pas susciter le débat. Je veux juste qu’ils soient des individus qui participent à la création d’un objet artistique, et qu’ils soient perçus comme tels, juste accueillir ce qu’ils me donnent, comme on accueillerait des voisins. » Manuel Merlot

« En septembre 2018 on me propose d’effectuer un atelier d’écriture dans le centre d’accueil pour migrants d’Ivry. Écrire une chanson en français avec des adultes et des enfants. Intéressé par l’opportunité d’entrer dans ce lieu, j’accepte la proposition. Des yourtes et des chambres numérotées et réparties par rues, un centre de santé, un petit terrain bitumé pour le sport. Des femmes seules et des familles cohabitent. Une ribambelle d’enfants erre dans cette ancienne usine réaménagée en centre d’accueil. Très vite le mandat pour lequel je suis là me semble restreint et difficilement réalisable… J’abandonne l’idée mais je continue à venir. De manière complètement intuitive et joyeuse, on se met à chanter des chansons, je filme. Je comprends alors que le projet se dessine de lui-même, et qu’ici la légèreté n’est pas interdite par la violence de la situation. Je ne veux pas leur demander de se raconter, pas susciter le débat. Je veux juste qu’ils soient des individus qui participent à la création d’un objet artistique, et qu’ils soient perçus comme tels, juste accueillir ce qu’ils me donnent, comme on accueillerait des voisins. » Manuel Merlot

Cette aventure musicale, menée par Nedjim Bouizzoul, a traversé les frontières et a pris racines en France en 2014, après 10 ans passés à Montréal. Le groupe est aujourd’hui basé entre Paris, Rennes et La Rochelle. Dans son parcours musical, Nedjim Bouizzoul, en partant de l’Afrique du Nord et en remontant jusqu’en Inde, a clairement emprunté le chemin, en sens inverse, des gens du voyage : il s’inspire de Césaria Evora, de Bob Marley, en passant par Anoushka Shankar ou encore Paco De Lucia, pour apporter une musique colorée de voyages. Une fusion entre rumba gitane, flamenco et musiques traditionnelles d’Afrique du nord telles que le gnawa et le chaâbi. Qu’il chante en arabe, sa langue maternelle, en français ou en espagnol, Nedjim Bouizzoul raconte des histoires qui oscillent entre réalisme et espoir, douceur et fureur. Il chante l’exil en retraçant les joies et les détresses qui parsèment le parcours de la terre d’origine à la terre d’accueil, et vice-versa. À travers sa poésie, il propose une réflexion sur la diversité culturelle et sur la nécessité de vivre unis, malgré les différences.

presse : « Sans artifices, la musique de Labess fusionne, mélange et bouscule les codes des musiques traditionnelles. Elle vous entraîne dans une heureuse déambulation entre l’Afrique du Nord, l’Andalousie et l’Inde, escales inévitables et ports d’attaches centraux d’un groupe qui rend ainsi hommage à l’itinéraire historique des gens du voyage. » Onorient

Voilà bientôt vingt ans qu’ils se tirent le maillot avec une complicité toujours plus naturelle et un amour de la blague bien faite qui ne tolère pas le compromis. Patiemment, année après année, Jean-Paul Lefeuvre et Didier André affirment leur attachement à une forme d’artisanat modeste, faisant d’eux les adeptes d’une sorte de “slow cirque”. Ce nouveau spectacle aspire à un minimalisme qui met en scène l’esprit même de cet artisanat. Exploitant jusqu’au trognon des accessoires trouvés au fond de leur atelier (une planche, une truelle, une boule de pétanque, une masse de chantier…), ils détournent ces ustensiles d’apparence banale avec une dextérité méticuleuse. Entre leurs mains, ces objets mis en mouvement et en lumière ont plus qu’une âme, ils deviennent complices, partenaires. Le cercle n’étant plus leur rayon, ils évoluent désormais dans un rectangle qui évoque tour à tour un terrain de pétanque, un court de tennis ou un billard géant mais dont toujours le règlement intérieur est celui du bac à sable : toutes les fantaisies sont permises à condition qu’elles s’incarnent avec application. Se prendre au jeu sans se prendre au sérieux, voilà la plus périlleuse de leurs acrobaties. Tout ceci contribue à créer un univers où l’absurde s’étire jusqu’au rire, où la poésie apparait comme le dénominateur commun de tous leurs efforts…

presse : « Ils font la paire, Didier et Jean-Paul, tant et si bien que, même en solos, ils sont inséparables. Tantôt adversaires, tantôt complices, ils ne peuvent s’empêcher de se titiller. Pourtant, ils ne peuvent pas se passer l’un de l’autre. Dégaines tordantes, mimiques hilarantes, postures toujours très justes, les numéros sont loufoques et pleins de malice, avec juste ce qu’il faut de mélancolie. Et comme ce ne sont pas que des clowns, ces acrobates réalisent de belles prouesses : pelles, tuyaux et autres agrès inattendus sont détournés pour le plus grand plaisir du public qui finit bluffé. Ils sont fortiches, Jean-Paul et Didier. » Léna Martinelli / France Culture

« Teatro Naturale ? est une petite odyssée personnelle. C’est une histoire de formation, celle d’un jeune homme parti d’Italie à dix-sept ans, en 1978, à la découverte de la France, accueilli par une famille de réfugiés Républicains espagnols passés par l’Algérie. Ce jeune homme, c’était moi qui découvrait en un été l’amour et cinquante ans de culture et d’histoire de la Méditerranée, mêlant l’Italie des années de plomb, à l’Espagne de la Guerre Civile puis à la dictature de Franco, à l’Algérie coloniale puis en guerre pour son indépendance. La rencontre de l’amour m’a ouvert les chemins de la connaissance, m’a fait manger pour la première fois le couscous et fait découvrir « L’Etranger » d’Albert Camus, un livre qui a changé ma vie. Dans ce spectacle s’entrelacent et se confondent le passé et le présent ; le passé de l’histoire que nous racontons et le présent du spectacle que nous sommes en train de faire. Parce que le théâtre se fait seulement au présent et parle seulement d’aujourd’hui même quand on raconte une histoire d’autrefois. Et puis pendant le spectacle nous faisons le couscous. Ce n’est certes pas un plat italien, mais pour moi le couscous et les pâtes ce sont les mêmes choses : les saveurs du souvenir d’une expérience qui vivent dans le présent. » Stefano Pasquini

presse : « Il y a la nostalgie et l’émotion mais aussi le rire et une fraternité qui nait du partage. Elle nous rappelle combien il est important, en ces temps sombres, de s’assoir et de se regarder dans les yeux, d’échanger des souvenirs et des pensées. Le Teatro delle Ariette a ainsi offert à Turin une leçon de transparence, de générosité, de « simple » mais précieuse humanité. » Laura Bevione/ PaneAcquaCulture.net

« Teatro Naturale ? est une petite odyssée personnelle. C’est une histoire de formation, celle d’un jeune homme parti d’Italie à dix-sept ans, en 1978, à la découverte de la France, accueilli par une famille de réfugiés Républicains espagnols passés par l’Algérie. Ce jeune homme, c’était moi qui découvrait en un été l’amour et cinquante ans de culture et d’histoire de la Méditerranée, mêlant l’Italie des années de plomb, à l’Espagne de la Guerre Civile puis à la dictature de Franco, à l’Algérie coloniale puis en guerre pour son indépendance. La rencontre de l’amour m’a ouvert les chemins de la connaissance, m’a fait manger pour la première fois le couscous et fait découvrir « L’Etranger » d’Albert Camus, un livre qui a changé ma vie. Dans ce spectacle s’entrelacent et se confondent le passé et le présent ; le passé de l’histoire que nous racontons et le présent du spectacle que nous sommes en train de faire. Parce que le théâtre se fait seulement au présent et parle seulement d’aujourd’hui même quand on raconte une histoire d’autrefois. Et puis pendant le spectacle nous faisons le couscous. Ce n’est certes pas un plat italien, mais pour moi le couscous et les pâtes ce sont les mêmes choses : les saveurs du souvenir d’une expérience qui vivent dans le présent. » Stefano Pasquini

presse : « Il y a la nostalgie et l’émotion mais aussi le rire et une fraternité qui nait du partage. Elle nous rappelle combien il est important, en ces temps sombres, de s’assoir et de se regarder dans les yeux, d’échanger des souvenirs et des pensées. Le Teatro delle Ariette a ainsi offert à Turin une leçon de transparence, de générosité, de « simple » mais précieuse humanité. » Laura Bevione/ PaneAcquaCulture.net

« Teatro Naturale ? est une petite odyssée personnelle. C’est une histoire de formation, celle d’un jeune homme parti d’Italie à dix-sept ans, en 1978, à la découverte de la France, accueilli par une famille de réfugiés Républicains espagnols passés par l’Algérie. Ce jeune homme, c’était moi qui découvrait en un été l’amour et cinquante ans de culture et d’histoire de la Méditerranée, mêlant l’Italie des années de plomb, à l’Espagne de la Guerre Civile puis à la dictature de Franco, à l’Algérie coloniale puis en guerre pour son indépendance. La rencontre de l’amour m’a ouvert les chemins de la connaissance, m’a fait manger pour la première fois le couscous et fait découvrir « L’Etranger » d’Albert Camus, un livre qui a changé ma vie. Dans ce spectacle s’entrelacent et se confondent le passé et le présent ; le passé de l’histoire que nous racontons et le présent du spectacle que nous sommes en train de faire. Parce que le théâtre se fait seulement au présent et parle seulement d’aujourd’hui même quand on raconte une histoire d’autrefois. Et puis pendant le spectacle nous faisons le couscous. Ce n’est certes pas un plat italien, mais pour moi le couscous et les pâtes ce sont les mêmes choses : les saveurs du souvenir d’une expérience qui vivent dans le présent. » Stefano Pasquini

presse : « Il y a la nostalgie et l’émotion mais aussi le rire et une fraternité qui nait du partage. Elle nous rappelle combien il est important, en ces temps sombres, de s’assoir et de se regarder dans les yeux, d’échanger des souvenirs et des pensées. Le Teatro delle Ariette a ainsi offert à Turin une leçon de transparence, de générosité, de « simple » mais précieuse humanité. » Laura Bevione/ PaneAcquaCulture.net

« Teatro Naturale ? est une petite odyssée personnelle. C’est une histoire de formation, celle d’un jeune homme parti d’Italie à dix-sept ans, en 1978, à la découverte de la France, accueilli par une famille de réfugiés Républicains espagnols passés par l’Algérie. Ce jeune homme, c’était moi qui découvrait en un été l’amour et cinquante ans de culture et d’histoire de la Méditerranée, mêlant l’Italie des années de plomb, à l’Espagne de la Guerre Civile puis à la dictature de Franco, à l’Algérie coloniale puis en guerre pour son indépendance. La rencontre de l’amour m’a ouvert les chemins de la connaissance, m’a fait manger pour la première fois le couscous et fait découvrir « L’Etranger » d’Albert Camus, un livre qui a changé ma vie. Dans ce spectacle s’entrelacent et se confondent le passé et le présent ; le passé de l’histoire que nous racontons et le présent du spectacle que nous sommes en train de faire. Parce que le théâtre se fait seulement au présent et parle seulement d’aujourd’hui même quand on raconte une histoire d’autrefois. Et puis pendant le spectacle nous faisons le couscous. Ce n’est certes pas un plat italien, mais pour moi le couscous et les pâtes ce sont les mêmes choses : les saveurs du souvenir d’une expérience qui vivent dans le présent. » Stefano Pasquini

presse : « Il y a la nostalgie et l’émotion mais aussi le rire et une fraternité qui nait du partage. Elle nous rappelle combien il est important, en ces temps sombres, de s’assoir et de se regarder dans les yeux, d’échanger des souvenirs et des pensées. Le Teatro delle Ariette a ainsi offert à Turin une leçon de transparence, de générosité, de « simple » mais précieuse humanité. » Laura Bevione/ PaneAcquaCulture.net

« Teatro Naturale ? est une petite odyssée personnelle. C’est une histoire de formation, celle d’un jeune homme parti d’Italie à dix-sept ans, en 1978, à la découverte de la France, accueilli par une famille de réfugiés Républicains espagnols passés par l’Algérie. Ce jeune homme, c’était moi qui découvrait en un été l’amour et cinquante ans de culture et d’histoire de la Méditerranée, mêlant l’Italie des années de plomb, à l’Espagne de la Guerre Civile puis à la dictature de Franco, à l’Algérie coloniale puis en guerre pour son indépendance. La rencontre de l’amour m’a ouvert les chemins de la connaissance, m’a fait manger pour la première fois le couscous et fait découvrir « L’Etranger » d’Albert Camus, un livre qui a changé ma vie. Dans ce spectacle s’entrelacent et se confondent le passé et le présent ; le passé de l’histoire que nous racontons et le présent du spectacle que nous sommes en train de faire. Parce que le théâtre se fait seulement au présent et parle seulement d’aujourd’hui même quand on raconte une histoire d’autrefois. Et puis pendant le spectacle nous faisons le couscous. Ce n’est certes pas un plat italien, mais pour moi le couscous et les pâtes ce sont les mêmes choses : les saveurs du souvenir d’une expérience qui vivent dans le présent. » Stefano Pasquini

presse : « Il y a la nostalgie et l’émotion mais aussi le rire et une fraternité qui nait du partage. Elle nous rappelle combien il est important, en ces temps sombres, de s’assoir et de se regarder dans les yeux, d’échanger des souvenirs et des pensées. Le Teatro delle Ariette a ainsi offert à Turin une leçon de transparence, de générosité, de « simple » mais précieuse humanité. » Laura Bevione/ PaneAcquaCulture.net

Jeune prodige, Noémi Boutin rentre au Conservatoire National Supérieur de Musique de Paris à l’âge de 14 ans. Lauréate de nombreux concours en France et à l’étranger (« Révélation classique » de l’ADAMI, lauréate de la Fondation Natexis…), elle se produit en soliste auprès de diverses formations (Orchestre de la Radio de Munich, l’Orchestre des Pays de Savoie, l’Orchestre de Chambre de Toulouse, l’Orchestre de Chambre d’Auvergne…). Elle est l’invitée des plus grandes scènes et festivals (Philharmonie de Paris, Musée d’Orsay, Salle Cortot, la Roque d’Anthéron, L’Orangerie de Sceaux, Flâneries Musicales de Reims, Festival Berlioz, Festival Radio France Montpellier…) ainsi qu’au Japon, en Chine, Espagne, Italie, Norvège… Noémi Boutin est également chambriste, avec le Trio Cérès (Prix ARD de Münich – 2007). Elle poursuit aujourd’hui ce travail aux côtés du Quatuor Béla dont elle est l’invitée régulière. Enfin, passionnée d’aventures artistiques inédites et inattendues, Noémi Boutin partage la scène avec les plus grands circassiens, comédiens ou encore musiciens de jazz, tels que Mathurin Bolze, Jörg Müller, Sylvaine Hélary, Marc Ducret, Pierre Meunier…

Quatuor Bela : depuis 13 ans, « les enfants terribles du quatuor français » écrivent un parcours singulier, entre tradition et modernité. Attachés au répertoire ancien du quatuor à cordes, qu’ils défendent au sein des programmations classiques d’excellence en France et à l’étranger (Philharmonie de Paris, Théâtre Mariinsky, BeethovenFest…), les musiciens du quatuor Béla ont à coeur d’inscrire la tradition du quatuor à cordes dans la vie musicale contemporaine. Leur travail de créations en lien avec des compositeurs de différentes générations a été couronné en 2015 par le Prix de la Presse Musicale Internationale. Le jeu du quatuor Béla se met volontiers, ces dernières années, au service des compositeurs d’Europe centrale du début du 20ème siècle comme Janacek, Bartok, Szymanovsky, Webern…

presse : « On est évidemment happé par le flot mélodique du quintette de Schubert, emballé dès la première écoute par l’interprétation, dans une prise de son réverbérée mais très précise. Les équilibres sont parfaits, les sonorités très belles et claires, la musique avance sans un tunnel ou une baisse de tension. Cette version est un plaisir de tous les instants. » Thierry Vagne / Musique classique & Co

« La scénographie est à l’origine de la démarche théâtrale de la compagnie Placement Libre. Par la confrontation directe avec les matériaux, le hasard et les prises de risques, la scène devient pour nous le lieu d’une exploration aventureuse. On assiste à la production d’un théâtre en train de se faire. Les corps en jeu deviennent à la fois manipulateurs des espaces et cascadeurs sur des structures en mouvement dans un théâtre performatif et dynamique. Par une « mise en crise permanente » des dispositifs techniques, se construisent, devant le spectateur, des spectacles autant absurdes que rocambolesques. Trois artistes de la scène sont conviés sur ce projet. Ils viennent chacun de disciplines différentes. Confrontés ici à une scénographie « en ruine », à la manière de Poliphile dans Le Songe, tel des idiots, ils s’inventent archéologues de savoirs qu’ils ignorent, s’engagent, pour cette exploration, dans un état de curiosité pure et naïve face à la complexité du monde. Cette attitude proche de l’enfance, les rapprochera des héros dérisoires et modernes de Flaubert : Bouvard et Pécuchet. » David Séchaud

« Le projet est né lors d’actions de médiation auprès d’enfants d’écoles primaires. Nous avons été très surpris de leur adhésion très directe à notre démarche singulière mélant danse butô et sons de contrebasse. En réponse, nous avons voulu créer un spectacle qui leur serait dédié, nourri de nos univers. Mais comment passer du côté sombre, obscur, caractéristique du butô à la lumière ? Le choix du paresseux, Namakemono en japonais, nous est apparu évident. Le butô maitrise la lenteur et sa technique, comme sa profondeur, permet de donner une vie grotesque et amusante à cet animal bien étrange qu’est Namakemono. Un premier spectacle / essais est né, Namakemono, où l’impossibilité de dresser l’indomptable. Un Ours, maître en domptage, tente de dresser un Paresseux. Il n’a peut-être pas choisi le bon animal pour exercer ses talents de dompteur, car le Namakemono est certes bien sympathique, mais lent et… paresseux ! La lenteur de la danse butô crée le personnage du Paresseux, qui à son tour crée naturellement la chorégraphie. La technique du butô qui permet d’exprimer les émotions intérieures va permettre de créer le caractère du personnage : les mimiques grotesques et les expressions démoniaques du butô vont se transformer ici en expressions tendres du Paresseux. C’est un exemple de passage de l’obscur à la lumière. La gestuelle joue un grand rôle dans la compréhension de l’histoire et le passage des émotions. Le réel (les gestes courants) et l’irréel (la lenteur des mouvements de Namakemono) se mêleront pour créer un monde imaginaire. » Emmanuel Fleitz

« Le projet est né lors d’actions de médiation auprès d’enfants d’écoles primaires. Nous avons été très surpris de leur adhésion très directe à notre démarche singulière mélant danse butô et sons de contrebasse. En réponse, nous avons voulu créer un spectacle qui leur serait dédié, nourri de nos univers. Mais comment passer du côté sombre, obscur, caractéristique du butô à la lumière ? Le choix du paresseux, Namakemono en japonais, nous est apparu évident. Le butô maitrise la lenteur et sa technique, comme sa profondeur, permet de donner une vie grotesque et amusante à cet animal bien étrange qu’est Namakemono. Un premier spectacle / essais est né, Namakemono, où l’impossibilité de dresser l’indomptable. Un Ours, maître en domptage, tente de dresser un Paresseux. Il n’a peut-être pas choisi le bon animal pour exercer ses talents de dompteur, car le Namakemono est certes bien sympathique, mais lent et… paresseux ! La lenteur de la danse butô crée le personnage du Paresseux, qui à son tour crée naturellement la chorégraphie. La technique du butô qui permet d’exprimer les émotions intérieures va permettre de créer le caractère du personnage : les mimiques grotesques et les expressions démoniaques du butô vont se transformer ici en expressions tendres du Paresseux. C’est un exemple de passage de l’obscur à la lumière. La gestuelle joue un grand rôle dans la compréhension de l’histoire et le passage des émotions. Le réel (les gestes courants) et l’irréel (la lenteur des mouvements de Namakemono) se mêleront pour créer un monde imaginaire. » Emmanuel Fleitz

« Le projet est né lors d’actions de médiation auprès d’enfants d’écoles primaires. Nous avons été très surpris de leur adhésion très directe à notre démarche singulière mélant danse butô et sons de contrebasse. En réponse, nous avons voulu créer un spectacle qui leur serait dédié, nourri de nos univers. Mais comment passer du côté sombre, obscur, caractéristique du butô à la lumière ? Le choix du paresseux, Namakemono en japonais, nous est apparu évident. Le butô maitrise la lenteur et sa technique, comme sa profondeur, permet de donner une vie grotesque et amusante à cet animal bien étrange qu’est Namakemono. Un premier spectacle / essais est né, Namakemono, où l’impossibilité de dresser l’indomptable. Un Ours, maître en domptage, tente de dresser un Paresseux. Il n’a peut-être pas choisi le bon animal pour exercer ses talents de dompteur, car le Namakemono est certes bien sympathique, mais lent et… paresseux ! La lenteur de la danse butô crée le personnage du Paresseux, qui à son tour crée naturellement la chorégraphie. La technique du butô qui permet d’exprimer les émotions intérieures va permettre de créer le caractère du personnage : les mimiques grotesques et les expressions démoniaques du butô vont se transformer ici en expressions tendres du Paresseux. C’est un exemple de passage de l’obscur à la lumière. La gestuelle joue un grand rôle dans la compréhension de l’histoire et le passage des émotions. Le réel (les gestes courants) et l’irréel (la lenteur des mouvements de Namakemono) se mêleront pour créer un monde imaginaire. » Emmanuel Fleitz

« Le projet est né lors d’actions de médiation auprès d’enfants d’écoles primaires. Nous avons été très surpris de leur adhésion très directe à notre démarche singulière mélant danse butô et sons de contrebasse. En réponse, nous avons voulu créer un spectacle qui leur serait dédié, nourri de nos univers. Mais comment passer du côté sombre, obscur, caractéristique du butô à la lumière ? Le choix du paresseux, Namakemono en japonais, nous est apparu évident. Le butô maitrise la lenteur et sa technique, comme sa profondeur, permet de donner une vie grotesque et amusante à cet animal bien étrange qu’est Namakemono. Un premier spectacle / essais est né, Namakemono, où l’impossibilité de dresser l’indomptable. Un Ours, maître en domptage, tente de dresser un Paresseux. Il n’a peut-être pas choisi le bon animal pour exercer ses talents de dompteur, car le Namakemono est certes bien sympathique, mais lent et… paresseux ! La lenteur de la danse butô crée le personnage du Paresseux, qui à son tour crée naturellement la chorégraphie. La technique du butô qui permet d’exprimer les émotions intérieures va permettre de créer le caractère du personnage : les mimiques grotesques et les expressions démoniaques du butô vont se transformer ici en expressions tendres du Paresseux. C’est un exemple de passage de l’obscur à la lumière. La gestuelle joue un grand rôle dans la compréhension de l’histoire et le passage des émotions. Le réel (les gestes courants) et l’irréel (la lenteur des mouvements de Namakemono) se mêleront pour créer un monde imaginaire. » Emmanuel Fleitz

« Le projet est né lors d’actions de médiation auprès d’enfants d’écoles primaires. Nous avons été très surpris de leur adhésion très directe à notre démarche singulière mélant danse butô et sons de contrebasse. En réponse, nous avons voulu créer un spectacle qui leur serait dédié, nourri de nos univers. Mais comment passer du côté sombre, obscur, caractéristique du butô à la lumière ? Le choix du paresseux, Namakemono en japonais, nous est apparu évident. Le butô maitrise la lenteur et sa technique, comme sa profondeur, permet de donner une vie grotesque et amusante à cet animal bien étrange qu’est Namakemono. Un premier spectacle / essais est né, Namakemono, où l’impossibilité de dresser l’indomptable. Un Ours, maître en domptage, tente de dresser un Paresseux. Il n’a peut-être pas choisi le bon animal pour exercer ses talents de dompteur, car le Namakemono est certes bien sympathique, mais lent et… paresseux ! La lenteur de la danse butô crée le personnage du Paresseux, qui à son tour crée naturellement la chorégraphie. La technique du butô qui permet d’exprimer les émotions intérieures va permettre de créer le caractère du personnage : les mimiques grotesques et les expressions démoniaques du butô vont se transformer ici en expressions tendres du Paresseux. C’est un exemple de passage de l’obscur à la lumière. La gestuelle joue un grand rôle dans la compréhension de l’histoire et le passage des émotions. Le réel (les gestes courants) et l’irréel (la lenteur des mouvements de Namakemono) se mêleront pour créer un monde imaginaire. » Emmanuel Fleitz

« Boris, il est artiste de cirque. Trappeur des banlieues, amoureux des ours et des chansons d’amour des années 80, il est seul dans sa yourte et plein dans sa tête. Son enjeu : ses jeux. Devant cent personnes, il tisse ses digressions, ses visions. Son accordéon, c’est son piment. Ça l’occupe de plus en plus ces derniers temps. Ça l’excite, le multiplie. En revanche, son looper le pose, le rafraîchit. Il s’invente de l’air. Le vent se lève dans sa tête et le tient en équilibre. Cow boy actuel, funambule de proximité, sa barbe, je me demande bien ce qu’il en est… Mon ami Boris, c’est l’autre, dans ma tête, peut-être bien celui de la soirée disco, qui toque à la porte du chapiteau mais que je tiens pas tellement à laisser entrer de suite car on est déjà beaucoup trop. » Pierre Déaux

« On essaie toujours de faire le spectacle du siècle. Pierre m’avait bien dit en début de création il y a 2 ans et demi : « ton problème, c’est que tu essaies de faire le spectacle du siècle ». Du coup, j’ai essayé de le faire mentir et de prendre ça à la légère. Mais je n’ai pas réussi. J’ai cherché à faire le spectacle du siècle. Du moins mon spectacle du siècle. Y suis-je arrivé ? Peut-être… » Olivier Debelhoir

presse : « En fait, il est complétement barré, Boris, et très attachant. Il est seul dans sa yourte et plein dans sa tête. De digressions en visions, il nous embarque dans son monde peuplé d’anti-héros. Quand le vent se lève entre ses neurones, il tient malgré tout l’équilibre. C’est très vite l’escalade avec lui, il va tout schuss, mais jamais droit dans le mur. Funambule de proximité, il vole haut. Chapeau bas ! » Léa Martinelli / Les trois coups

« Et puis, il y a eu cette loi votée en Russie en janvier 2017 pour la dépénalisation des violences domestiques. J’ai été bouleversée par la découverte de cette mesure et par les arguments soutenus au sein du débat public relayé par les médias. Cette loi, plébiscitée par le pouvoir et l’Eglise orthodoxe au nom d’une certaine idée de la famille et du respect de la figure d’autorité patriarcale, a été promulguée mardi 7 février 2017 par le président Poutine. Selon le ministère russe de l’Intérieur, « chaque jour, 36 000 femmes russes sont victimes de violences conjugales. 12 000 femmes décèdent, chaque année, sous les coups de leur conjoint ; soit une femme, toutes les quarante minutes ». Je n’arrivais / n’arrive toujours pas à comprendre qu’il soit possible de justifier un coup porté. Aucune représentation de la notion de famille ne peut légitimer la violence physique ou psychologique. J’ai ressenti une urgence personnelle à parler de ce sujet. Je souhaitais aborder la question du mutisme et de la solitude des femmes qui vivent dans la terreur de leur compagnon et qui ne savent pas comment ni à qui en parler. C’est pourquoi j’ai proposé à Sigrid de travailler avec moi à l’écriture d’une fiction sur la violence dans le cadre secret du couple. » Lena Paugam

presse : « Dans le tourbillon d’Avignon, il est parfois de ces petits miracles de beauté, d’intelligence et d’exigence artistique qui réussissent à transcender un sujet difficile et douloureux en une oeuvre véritable. Ces petits miracles nous montrent que le chemin vers l’excellence est possible et qu’il est synonyme d’émerveillement et d’émotion intense. » Julia Bianchi / Le coryphée

« Et puis, il y a eu cette loi votée en Russie en janvier 2017 pour la dépénalisation des violences domestiques. J’ai été bouleversée par la découverte de cette mesure et par les arguments soutenus au sein du débat public relayé par les médias. Cette loi, plébiscitée par le pouvoir et l’Eglise orthodoxe au nom d’une certaine idée de la famille et du respect de la figure d’autorité patriarcale, a été promulguée mardi 7 février 2017 par le président Poutine. Selon le ministère russe de l’Intérieur, « chaque jour, 36 000 femmes russes sont victimes de violences conjugales. 12 000 femmes décèdent, chaque année, sous les coups de leur conjoint ; soit une femme, toutes les quarante minutes ». Je n’arrivais / n’arrive toujours pas à comprendre qu’il soit possible de justifier un coup porté. Aucune représentation de la notion de famille ne peut légitimer la violence physique ou psychologique. J’ai ressenti une urgence personnelle à parler de ce sujet. Je souhaitais aborder la question du mutisme et de la solitude des femmes qui vivent dans la terreur de leur compagnon et qui ne savent pas comment ni à qui en parler. C’est pourquoi j’ai proposé à Sigrid de travailler avec moi à l’écriture d’une fiction sur la violence dans le cadre secret du couple. » Lena Paugam

presse : « Dans le tourbillon d’Avignon, il est parfois de ces petits miracles de beauté, d’intelligence et d’exigence artistique qui réussissent à transcender un sujet difficile et douloureux en une oeuvre véritable. Ces petits miracles nous montrent que le chemin vers l’excellence est possible et qu’il est synonyme d’émerveillement et d’émotion intense. » Julia Bianchi / Le coryphée

« Et puis, il y a eu cette loi votée en Russie en janvier 2017 pour la dépénalisation des violences domestiques. J’ai été bouleversée par la découverte de cette mesure et par les arguments soutenus au sein du débat public relayé par les médias. Cette loi, plébiscitée par le pouvoir et l’Eglise orthodoxe au nom d’une certaine idée de la famille et du respect de la figure d’autorité patriarcale, a été promulguée mardi 7 février 2017 par le président Poutine. Selon le ministère russe de l’Intérieur, « chaque jour, 36 000 femmes russes sont victimes de violences conjugales. 12 000 femmes décèdent, chaque année, sous les coups de leur conjoint ; soit une femme, toutes les quarante minutes ». Je n’arrivais / n’arrive toujours pas à comprendre qu’il soit possible de justifier un coup porté. Aucune représentation de la notion de famille ne peut légitimer la violence physique ou psychologique. J’ai ressenti une urgence personnelle à parler de ce sujet. Je souhaitais aborder la question du mutisme et de la solitude des femmes qui vivent dans la terreur de leur compagnon et qui ne savent pas comment ni à qui en parler. C’est pourquoi j’ai proposé à Sigrid de travailler avec moi à l’écriture d’une fiction sur la violence dans le cadre secret du couple. » Lena Paugam

presse : « Dans le tourbillon d’Avignon, il est parfois de ces petits miracles de beauté, d’intelligence et d’exigence artistique qui réussissent à transcender un sujet difficile et douloureux en une oeuvre véritable. Ces petits miracles nous montrent que le chemin vers l’excellence est possible et qu’il est synonyme d’émerveillement et d’émotion intense. » Julia Bianchi / Le coryphée

« Boris, il est artiste de cirque. Trappeur des banlieues, amoureux des ours et des chansons d’amour des années 80, il est seul dans sa yourte et plein dans sa tête. Son enjeu : ses jeux. Devant cent personnes, il tisse ses digressions, ses visions. Son accordéon, c’est son piment. Ça l’occupe de plus en plus ces derniers temps. Ça l’excite, le multiplie. En revanche, son looper le pose, le rafraîchit. Il s’invente de l’air. Le vent se lève dans sa tête et le tient en équilibre. Cow boy actuel, funambule de proximité, sa barbe, je me demande bien ce qu’il en est… Mon ami Boris, c’est l’autre, dans ma tête, peut-être bien celui de la soirée disco, qui toque à la porte du chapiteau mais que je tiens pas tellement à laisser entrer de suite car on est déjà beaucoup trop. » Pierre Déaux

« On essaie toujours de faire le spectacle du siècle. Pierre m’avait bien dit en début de création il y a 2 ans et demi : « ton problème, c’est que tu essaies de faire le spectacle du siècle ». Du coup, j’ai essayé de le faire mentir et de prendre ça à la légère. Mais je n’ai pas réussi. J’ai cherché à faire le spectacle du siècle. Du moins mon spectacle du siècle. Y suis-je arrivé ? Peut-être… » Olivier Debelhoir

presse : « En fait, il est complétement barré, Boris, et très attachant. Il est seul dans sa yourte et plein dans sa tête. De digressions en visions, il nous embarque dans son monde peuplé d’anti-héros. Quand le vent se lève entre ses neurones, il tient malgré tout l’équilibre. C’est très vite l’escalade avec lui, il va tout schuss, mais jamais droit dans le mur. Funambule de proximité, il vole haut. Chapeau bas ! » Léa Martinelli / Les trois coups

« Boris, il est artiste de cirque. Trappeur des banlieues, amoureux des ours et des chansons d’amour des années 80, il est seul dans sa yourte et plein dans sa tête. Son enjeu : ses jeux. Devant cent personnes, il tisse ses digressions, ses visions. Son accordéon, c’est son piment. Ça l’occupe de plus en plus ces derniers temps. Ça l’excite, le multiplie. En revanche, son looper le pose, le rafraîchit. Il s’invente de l’air. Le vent se lève dans sa tête et le tient en équilibre. Cow boy actuel, funambule de proximité, sa barbe, je me demande bien ce qu’il en est… Mon ami Boris, c’est l’autre, dans ma tête, peut-être bien celui de la soirée disco, qui toque à la porte du chapiteau mais que je tiens pas tellement à laisser entrer de suite car on est déjà beaucoup trop. » Pierre Déaux

« On essaie toujours de faire le spectacle du siècle. Pierre m’avait bien dit en début de création il y a 2 ans et demi : « ton problème, c’est que tu essaies de faire le spectacle du siècle ». Du coup, j’ai essayé de le faire mentir et de prendre ça à la légère. Mais je n’ai pas réussi. J’ai cherché à faire le spectacle du siècle. Du moins mon spectacle du siècle. Y suis-je arrivé ? Peut-être… » Olivier Debelhoir

presse : « En fait, il est complétement barré, Boris, et très attachant. Il est seul dans sa yourte et plein dans sa tête. De digressions en visions, il nous embarque dans son monde peuplé d’anti-héros. Quand le vent se lève entre ses neurones, il tient malgré tout l’équilibre. C’est très vite l’escalade avec lui, il va tout schuss, mais jamais droit dans le mur. Funambule de proximité, il vole haut. Chapeau bas ! » Léa Martinelli / Les trois coups

« Boris, il est artiste de cirque. Trappeur des banlieues, amoureux des ours et des chansons d’amour des années 80, il est seul dans sa yourte et plein dans sa tête. Son enjeu : ses jeux. Devant cent personnes, il tisse ses digressions, ses visions. Son accordéon, c’est son piment. Ça l’occupe de plus en plus ces derniers temps. Ça l’excite, le multiplie. En revanche, son looper le pose, le rafraîchit. Il s’invente de l’air. Le vent se lève dans sa tête et le tient en équilibre. Cow boy actuel, funambule de proximité, sa barbe, je me demande bien ce qu’il en est… Mon ami Boris, c’est l’autre, dans ma tête, peut-être bien celui de la soirée disco, qui toque à la porte du chapiteau mais que je tiens pas tellement à laisser entrer de suite car on est déjà beaucoup trop. » Pierre Déaux

« On essaie toujours de faire le spectacle du siècle. Pierre m’avait bien dit en début de création il y a 2 ans et demi : « ton problème, c’est que tu essaies de faire le spectacle du siècle ». Du coup, j’ai essayé de le faire mentir et de prendre ça à la légère. Mais je n’ai pas réussi. J’ai cherché à faire le spectacle du siècle. Du moins mon spectacle du siècle. Y suis-je arrivé ? Peut-être… » Olivier Debelhoir

presse : « En fait, il est complétement barré, Boris, et très attachant. Il est seul dans sa yourte et plein dans sa tête. De digressions en visions, il nous embarque dans son monde peuplé d’anti-héros. Quand le vent se lève entre ses neurones, il tient malgré tout l’équilibre. C’est très vite l’escalade avec lui, il va tout schuss, mais jamais droit dans le mur. Funambule de proximité, il vole haut. Chapeau bas ! » Léa Martinelli / Les trois coups

« Arrêtons un moment… ». Bérénice commence comme ça. On arrête un moment de vie, on le suspend tellement il est fort. Ce n’est pas juste, d’ailleurs, de dire cela car elle commence par la préface de Jean Racine, par cette voix que j’imagine du vieil homme : « C’est-à-dire que Titus, qui aimait passionnément Bérénice, et qui lui avait promis de l’épouser, la renvoya de Rome, malgré lui, malgré elle, dès les premiers jours de son empire. ». Et nous, assis autour d’une table, nous l’écoutons, prêts à bondir. On peut dire que Racine met la langue dans tous ces états. Mais il y a Rome : « Non, pas de reine étrangère ». Bérénice la juive, Titus le Romain et Antiochus l’Arabe. Qu’est-ce qui empêche d’aimer ? Pas de mélodie chez Racine mais l’existence du contrepoint toujours. Tout avance en même temps : ils jouent, ils sont le regard, et la préface… Le Théâtre écoute. Je n’arrive pas à envisager une distribution classique. Je me pose la question d’un groupe capable de recevoir la confidence de Racine. De la soutenir, de s’y plonger, de s’y laisser prendre. J’ai du mal à imaginer qu’un spectacle puisse être fini une fois les répétitions achevées. Nous avons commencé Bérénice avec cinq comédiens. Puis une autre version s’est imposée en tournée avec quatre resserrant le propos. Nouvelle approche d’une même mélodie. » Isabelle Lafon

presse : « Sans costumes d’époque, sans actualisation non plus, sans dire tout le texte pour en toucher le coeur, Isabelle Lafon et ses partenaires signent une version follement vibrante de la pièce de Racine. Une page de l’histoire des représentations de Bérénice s’écrit là devant nous. Reprenons-en le fil à celle de Planchon puis à la Bérénice d’Antoine Vitez. La Bérénice d’Isabelle Lafon semble comme regardée avec bienveillance et amicalité par ces maîtres disparus. Elle ne joue pas des pièces, elle va, le coeur battant, à leur rencontre. » Jean-Pierre Thibaudat – Médiapart