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PROGRAMME

Jean Sébastien Bach : Invention en Ut, Aria de la 3eme suite
Arcangelo Corelli : Sonata
Halvorsen & Haendel : Passacaille
Christoph Moschberger : Tears for Pachelbel
Allan Botschinsky : interlude n°4
Luis Bonfa : Mahna de Carnaval
Astor Piazzolla : Bordel 1900 Tango Etude n°3, Libertango

Romain Leleu, 1er prix de trompette et de musique de chambre au CNSM de Paris, se perfectionne ensuite auprès de Reinhold Friedrich à Karlsruhe. Il est l’invité régulier de festivals internationaux (Roque d’Anthéron, Prades, Radio France Montpellier, Folle Journée de Nantes, Musiq3 de Bruxelles, Seoul Spring Festival…) et se produit régulièrement sur des scènes prestigieuses (Philharmonie du Luxembourg, Royal Albert Hall de Londres, l’Athéneum de Bucarest, Seoul Arts Center, Théâtre de l’Hermitage Saint Petersbourg, Cincinnati Museum Center, Théâtre des Champs Elysées,…). Il joue en soliste avec de grands orchestres (Orchestre National de France, Orchestre National du Capitole de Toulouse, Orchestre National de Lille, Orchestre de Chambre de Paris, Staatsorchester Frankfurt, Dresdner Kappellsolisten, Slovak Sinfonietta, …). En musique de chambre, il se produit régulièrement avec Thierry Escaich, Adam Laloum, François Dumont, Ibrahim Maalouf, Frank Braley…

Thomas Leleu : 1er Prix de Tuba au CNSM de Paris, il étudie ensuite à la Hochschule für Musik de Detmold avec Hans Nickel. Lauréat des Concours Internationaux de Markneukirchen (Allemagne), Jeju (Corée du Sud) et Luxembourg, Thomas est Tuba Solo de l’Orchestre Philharmonique de l’Opéra de Marseille. Il se produit dans de nombreux pays (Konzerthaus de Berlin, MITO SettembreMusica/Italie, Brucknerhaus de Linz/Autriche, Concert Hall/Singapour, Hong Kong City Hall, salle Gaveau, Théâtre du Châtelet, …) et avec différents orchestres (Orchestre National d’Ile de France, Hong Kong Sinfonietta, Junge Sinfonie/Berlin, l’Orchestre de Chambre de Paris, Santa Fe Symphonic Orchestra/Argentine,… Il fonde plusieurs ensembles uniques et inédits au tuba : « Thomas Leleu Sextet » (tuba et quintette à cordes), «tuba vs cello » (tuba et violoncelle). En 2018, il fonde le « Thomas Leleu Trio » (tuba, vibraphone et piano). Il forme également le Leleu Brothers + Félicien Brut (accordéon).

« Redonner corps et mouvements aux écrasées, aux meurtries, aux étouffées. Avec Battre encore, La Muette met en corps la puissance de l’icône féminine dans nos représentations pour écrire un anti-conte de fées très librement inspiré du destin des soeurs Mirabal, résistantes assassinées en 1960 par la dictature dominicaine. Documenté sans être documentaire, le spectacle réanime le feu de la révolte par un jardin intérieur où accueillir ce matrimoine encore négligé. Déconstruisant les clichés sur la place de la femme face au pouvoir, le corps féminin dans Battre encore se défait de l’emprise physique, intellectuelle, politique masculine. Le bal, où tout bascule, ce rite initiatique bourgeois pour jeunes femmes met au centre dans Battre encore le consentement et le droit au non. Entre liberté, transport et aliénation, ce trio de soeurs en corps à corps avec le pouvoir, la religion ou le machisme nous invite à la digression par des images à la limite des rêves et des cauchemars. Dans les pas de cette exploration fondamentale que représentent la lutte des femmes et la défense et l’égalité des droits de chacun déjà abordées dans L’Un dans l’Autre et Les Folles, le potentiel poétique et tragique de l’histoire des soeurs Mirabal permet de basculer dans l’écriture d’un conte aux drôles d’accents de réalisme magique à la Garcia Marquez avec La chronique de trois morts annoncées. » Delphine Bardot.

**représentations scolaires uniquement**

« Avec Hippocampe, nous avons souhaité partir d’un matériel brut, concret, qui n’appelle pas de prime abord à une poésie aérienne : le bois. Le cube de bois évoque la géométrie, il a une certaine pesanteur. Il peut être un matériel de construction qui sert à l’urbanisation. Notre idée était de partir de là et, tel un jeu de construction enfantin (on pensera au kapla qui permet de réaliser tellement d’objets différents avec des petites planches de bois ayant toutes la même forme), de m’éloigner petit à petit des règles de la géométrie et de la pesanteur pour proposer un monde qui ne réponde à aucune de nos lois fondamentales terrestres. De ces troubles de l’imaginaire naîtront des émotions, et le voyage pourra commencer. Au départ : trois comédiens, trois constructeurs. Ils manipulent des cubes, les empilent, les déplacent. On dirait une ville qui se dessine, avec ses routes et ses paysages urbains. Les formes géométriques se font et se défont au rythme de leurs envies. Mais petit à petit, les objets résistent et nos constructeurs découvrent que les objets qu’ils animent sont comme vivants, qu’ils ont une volonté propre, cachée. S’ils prennent le temps de les observer, s’ils gagnent leur confiance, les matériaux acceptent de révéler leur mystère et commencent à se reconstruire eux-mêmes, révélant une richesse bien plus complexe que celle imaginée par nos artistes. Alors du cube et de la ligne, d’autres formes apparaissent, se combinent, pour créer une sorte de bestiaire abstrait et imaginaire… » Martine Waniowski

**représentations scolaires uniquement**

« Avec Hippocampe, nous avons souhaité partir d’un matériel brut, concret, qui n’appelle pas de prime abord à une poésie aérienne : le bois. Le cube de bois évoque la géométrie, il a une certaine pesanteur. Il peut être un matériel de construction qui sert à l’urbanisation. Notre idée était de partir de là et, tel un jeu de construction enfantin (on pensera au kapla qui permet de réaliser tellement d’objets différents avec des petites planches de bois ayant toutes la même forme), de m’éloigner petit à petit des règles de la géométrie et de la pesanteur pour proposer un monde qui ne réponde à aucune de nos lois fondamentales terrestres. De ces troubles de l’imaginaire naîtront des émotions, et le voyage pourra commencer. Au départ : trois comédiens, trois constructeurs. Ils manipulent des cubes, les empilent, les déplacent. On dirait une ville qui se dessine, avec ses routes et ses paysages urbains. Les formes géométriques se font et se défont au rythme de leurs envies. Mais petit à petit, les objets résistent et nos constructeurs découvrent que les objets qu’ils animent sont comme vivants, qu’ils ont une volonté propre, cachée. S’ils prennent le temps de les observer, s’ils gagnent leur confiance, les matériaux acceptent de révéler leur mystère et commencent à se reconstruire eux-mêmes, révélant une richesse bien plus complexe que celle imaginée par nos artistes. Alors du cube et de la ligne, d’autres formes apparaissent, se combinent, pour créer une sorte de bestiaire abstrait et imaginaire… » Martine Waniowski

**représentations scolaires uniquement**

« Avec Hippocampe, nous avons souhaité partir d’un matériel brut, concret, qui n’appelle pas de prime abord à une poésie aérienne : le bois. Le cube de bois évoque la géométrie, il a une certaine pesanteur. Il peut être un matériel de construction qui sert à l’urbanisation. Notre idée était de partir de là et, tel un jeu de construction enfantin (on pensera au kapla qui permet de réaliser tellement d’objets différents avec des petites planches de bois ayant toutes la même forme), de m’éloigner petit à petit des règles de la géométrie et de la pesanteur pour proposer un monde qui ne réponde à aucune de nos lois fondamentales terrestres. De ces troubles de l’imaginaire naîtront des émotions, et le voyage pourra commencer. Au départ : trois comédiens, trois constructeurs. Ils manipulent des cubes, les empilent, les déplacent. On dirait une ville qui se dessine, avec ses routes et ses paysages urbains. Les formes géométriques se font et se défont au rythme de leurs envies. Mais petit à petit, les objets résistent et nos constructeurs découvrent que les objets qu’ils animent sont comme vivants, qu’ils ont une volonté propre, cachée. S’ils prennent le temps de les observer, s’ils gagnent leur confiance, les matériaux acceptent de révéler leur mystère et commencent à se reconstruire eux-mêmes, révélant une richesse bien plus complexe que celle imaginée par nos artistes. Alors du cube et de la ligne, d’autres formes apparaissent, se combinent, pour créer une sorte de bestiaire abstrait et imaginaire… » Martine Waniowski

**représentations scolaires uniquement**

« Avec Hippocampe, nous avons souhaité partir d’un matériel brut, concret, qui n’appelle pas de prime abord à une poésie aérienne : le bois. Le cube de bois évoque la géométrie, il a une certaine pesanteur. Il peut être un matériel de construction qui sert à l’urbanisation. Notre idée était de partir de là et, tel un jeu de construction enfantin (on pensera au kapla qui permet de réaliser tellement d’objets différents avec des petites planches de bois ayant toutes la même forme), de m’éloigner petit à petit des règles de la géométrie et de la pesanteur pour proposer un monde qui ne réponde à aucune de nos lois fondamentales terrestres. De ces troubles de l’imaginaire naîtront des émotions, et le voyage pourra commencer. Au départ : trois comédiens, trois constructeurs. Ils manipulent des cubes, les empilent, les déplacent. On dirait une ville qui se dessine, avec ses routes et ses paysages urbains. Les formes géométriques se font et se défont au rythme de leurs envies. Mais petit à petit, les objets résistent et nos constructeurs découvrent que les objets qu’ils animent sont comme vivants, qu’ils ont une volonté propre, cachée. S’ils prennent le temps de les observer, s’ils gagnent leur confiance, les matériaux acceptent de révéler leur mystère et commencent à se reconstruire eux-mêmes, révélant une richesse bien plus complexe que celle imaginée par nos artistes. Alors du cube et de la ligne, d’autres formes apparaissent, se combinent, pour créer une sorte de bestiaire abstrait et imaginaire… » Martine Waniowski

**représentations scolaires uniquement**

« Avec Hippocampe, nous avons souhaité partir d’un matériel brut, concret, qui n’appelle pas de prime abord à une poésie aérienne : le bois. Le cube de bois évoque la géométrie, il a une certaine pesanteur. Il peut être un matériel de construction qui sert à l’urbanisation. Notre idée était de partir de là et, tel un jeu de construction enfantin (on pensera au kapla qui permet de réaliser tellement d’objets différents avec des petites planches de bois ayant toutes la même forme), de m’éloigner petit à petit des règles de la géométrie et de la pesanteur pour proposer un monde qui ne réponde à aucune de nos lois fondamentales terrestres. De ces troubles de l’imaginaire naîtront des émotions, et le voyage pourra commencer. Au départ : trois comédiens, trois constructeurs. Ils manipulent des cubes, les empilent, les déplacent. On dirait une ville qui se dessine, avec ses routes et ses paysages urbains. Les formes géométriques se font et se défont au rythme de leurs envies. Mais petit à petit, les objets résistent et nos constructeurs découvrent que les objets qu’ils animent sont comme vivants, qu’ils ont une volonté propre, cachée. S’ils prennent le temps de les observer, s’ils gagnent leur confiance, les matériaux acceptent de révéler leur mystère et commencent à se reconstruire eux-mêmes, révélant une richesse bien plus complexe que celle imaginée par nos artistes. Alors du cube et de la ligne, d’autres formes apparaissent, se combinent, pour créer une sorte de bestiaire abstrait et imaginaire… » Martine Waniowski

PROGRAMME

Joseph Haydn : Quatuor en si bémol majeur op.76 no 4, “Le ver de soleil”
Maurice Ravel : Quatuor à cordes en fa majeur
Antonín Dvorák : Quatuor No 10 en mi bémol majeur op. 51

Le Quatuor Takács, qui à présent entame sa quarante-sixième saison, est sans conteste l’un des meilleurs quatuors à cordes au monde. Il reçoit en 1977 sa première reconnaissance internationale au Concours de Quatuor à Cordes d’Evian en France. C’est en 1982 que le Quatuor Takács se produit pour la première fois en tournée en Amérique du Nord. Depuis 1986, il se produit régulièrement au Théâtre de la Ville et à l’Auditorium du Louvre à Paris. En 2001, le Quatuor reçoit la Croix de Chevalier de l’Ordre du Mérite de la République de Hongrie. Il remporte en 2011 le prix de la musique de chambre du Royal Philharmonic Society à Londres. En 2012, le magazine Gramophone proclame que le Quatuor Takács est le seul quatuor à cordes à rejoindre son Panthéon. En 2014, les Takács deviennent le premier quatuor à cordes à remporter le Wigmore Hall Medal. Le Quatuor Takács enregistre pour le label Hyperion Records – quatuors à cordes de Haydn, Schubert, Janácek, Smetana, Debussy et Britten, ainsi que des quintettes avec piano de César Franck et Chostakovitch avec Marc-André Hamelin, et des quintettes avec alto de Brahms avec Lawrence Power. Leurs CDs sur le label Decca London ont remporté trois Gramophone Awards, un Grammy Award, trois Japanese Record Academy Awards, Disque de l’Année du premier BBC Music Magazine Awards, et Album de l’Année dans la catégorie musique de chambre du Classical Brits. En juin 2020 l’altiste Richard O’Neill a rejoint le Quatuor Takács en remplacement de Geri Walther (qui a pris sa retraite après quinze années remarquables).

_jeanne_dark_, c’est le pseudo Instagram que s’est choisi Jeanne, une adolescente de 16 ans issue d’une famille catholique, qui vit dans une banlieue pavillonnaire d’Orléans. Depuis quelques mois, elle subit les railleries de ses camarades sur sa virginité. Un soir, alors qu’elle est seule dans sa chambre, elle décide de ne plus se taire et prend la parole en live sur Instagram.
Face au miroir que lui tend le smartphone, Jeanne se raconte, danse, filme, explose, se
métamorphose, oscillant entre mise à nu et mise en scène de soi.

Portée par Helena de Laurens, cette performance virtuose sera accessible certains soirs en live sur Instagram.

LE SPECTACLE EST JOUÉ EN LIVE SUR INSTAGRAM !

_jeanne_dark_, c’est le pseudo Instagram que s’est choisi Jeanne, une adolescente de 16 ans issue d’une famille catholique, qui vit dans une banlieue pavillonnaire d’Orléans. Depuis quelques mois, elle subit les railleries de ses camarades sur sa virginité. Un soir, alors qu’elle est seule dans sa chambre, elle décide de ne plus se taire et prend la parole en live sur Instagram.
Face au miroir que lui tend le smartphone, Jeanne se raconte, danse, filme, explose, se
métamorphose, oscillant entre mise à nu et mise en scène de soi.

Portée par Helena de Laurens, cette performance virtuose sera accessible certains soirs en live sur Instagram.

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_jeanne_dark_, c’est le pseudo Instagram que s’est choisi Jeanne, une adolescente de 16 ans issue d’une famille catholique, qui vit dans une banlieue pavillonnaire d’Orléans. Depuis quelques mois, elle subit les railleries de ses camarades sur sa virginité. Un soir, alors qu’elle est seule dans sa chambre, elle décide de ne plus se taire et prend la parole en live sur Instagram.
Face au miroir que lui tend le smartphone, Jeanne se raconte, danse, filme, explose, se
métamorphose, oscillant entre mise à nu et mise en scène de soi.

Portée par Helena de Laurens, cette performance virtuose sera accessible certains soirs en live sur Instagram.

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« Les histoires ne sont jamais innocentes, le message qu’elles doivent transmettre est toujours soigneusement dissimulé à l’arrière-plan. Elles induisent (discrètement, mais sûrement) des visions du monde. Et donc des façons d’y agir et d’y prendre part. C’est par le récit que nous perpétuons les inégalités, que nous induisons l’impuissance acquise, décrédibilisons des discours. Mais c’est aussi le récit qui nous permet de créer des mondes possibles à partir du monde que nous connaissons. Nous ferons du plateau un « instrument à fabriquer des histoires » : régie à vue, écran de fond de scène… Les comédiens peuvent interagir avec d’autres personnages présents sur les écrans vidéo et se promener dans les lieux qu’ils imaginent. Se montrent ainsi l’oeuvre et sa fabrication. On exhibe dans le même temps une illusion et les moyens que nous utilisons pour la créer. Révéler nos codes et leurs conséquences sur le public (comme les 3 unités, la catharsis…), c’est évoquer ce qui construit notre art du récit et se donner la capacité d’en jouer, de s’en amuser et de convier le public à s’en amuser avec nous… Et de là, ensemble, examiner nos propres responsabilités face aux récits que nous produisons dans nos théâtres. Que choisit-on de se raconter ? Et pourquoi nous racontons-nous autant d’histoires ? »

Bertrand Sinapi

« Les histoires ne sont jamais innocentes, le message qu’elles doivent transmettre est toujours soigneusement dissimulé à l’arrière-plan. Elles induisent (discrètement, mais sûrement) des visions du monde. Et donc des façons d’y agir et d’y prendre part. C’est par le récit que nous perpétuons les inégalités, que nous induisons l’impuissance acquise, décrédibilisons des discours. Mais c’est aussi le récit qui nous permet de créer des mondes possibles à partir du monde que nous connaissons. Nous ferons du plateau un « instrument à fabriquer des histoires » : régie à vue, écran de fond de scène… Les comédiens peuvent interagir avec d’autres personnages présents sur les écrans vidéo et se promener dans les lieux qu’ils imaginent. Se montrent ainsi l’oeuvre et sa fabrication. On exhibe dans le même temps une illusion et les moyens que nous utilisons pour la créer. Révéler nos codes et leurs conséquences sur le public (comme les 3 unités, la catharsis…), c’est évoquer ce qui construit notre art du récit et se donner la capacité d’en jouer, de s’en amuser et de convier le public à s’en amuser avec nous… Et de là, ensemble, examiner nos propres responsabilités face aux récits que nous produisons dans nos théâtres. Que choisit-on de se raconter ? Et pourquoi nous racontons-nous autant d’histoires ? »

Bertrand Sinapi

« Les histoires ne sont jamais innocentes, le message qu’elles doivent transmettre est toujours soigneusement dissimulé à l’arrière-plan. Elles induisent (discrètement, mais sûrement) des visions du monde. Et donc des façons d’y agir et d’y prendre part. C’est par le récit que nous perpétuons les inégalités, que nous induisons l’impuissance acquise, décrédibilisons des discours. Mais c’est aussi le récit qui nous permet de créer des mondes possibles à partir du monde que nous connaissons. Nous ferons du plateau un « instrument à fabriquer des histoires » : régie à vue, écran de fond de scène… Les comédiens peuvent interagir avec d’autres personnages présents sur les écrans vidéo et se promener dans les lieux qu’ils imaginent. Se montrent ainsi l’oeuvre et sa fabrication. On exhibe dans le même temps une illusion et les moyens que nous utilisons pour la créer. Révéler nos codes et leurs conséquences sur le public (comme les 3 unités, la catharsis…), c’est évoquer ce qui construit notre art du récit et se donner la capacité d’en jouer, de s’en amuser et de convier le public à s’en amuser avec nous… Et de là, ensemble, examiner nos propres responsabilités face aux récits que nous produisons dans nos théâtres. Que choisit-on de se raconter ? Et pourquoi nous racontons-nous autant d’histoires ? »

Bertrand Sinapi

« Les histoires ne sont jamais innocentes, le message qu’elles doivent transmettre est toujours soigneusement dissimulé à l’arrière-plan. Elles induisent (discrètement, mais sûrement) des visions du monde. Et donc des façons d’y agir et d’y prendre part. C’est par le récit que nous perpétuons les inégalités, que nous induisons l’impuissance acquise, décrédibilisons des discours. Mais c’est aussi le récit qui nous permet de créer des mondes possibles à partir du monde que nous connaissons. Nous ferons du plateau un « instrument à fabriquer des histoires » : régie à vue, écran de fond de scène… Les comédiens peuvent interagir avec d’autres personnages présents sur les écrans vidéo et se promener dans les lieux qu’ils imaginent. Se montrent ainsi l’oeuvre et sa fabrication. On exhibe dans le même temps une illusion et les moyens que nous utilisons pour la créer. Révéler nos codes et leurs conséquences sur le public (comme les 3 unités, la catharsis…), c’est évoquer ce qui construit notre art du récit et se donner la capacité d’en jouer, de s’en amuser et de convier le public à s’en amuser avec nous… Et de là, ensemble, examiner nos propres responsabilités face aux récits que nous produisons dans nos théâtres. Que choisit-on de se raconter ? Et pourquoi nous racontons-nous autant d’histoires ? »

Bertrand Sinapi

« Les histoires ne sont jamais innocentes, le message qu’elles doivent transmettre est toujours soigneusement dissimulé à l’arrière-plan. Elles induisent (discrètement, mais sûrement) des visions du monde. Et donc des façons d’y agir et d’y prendre part. C’est par le récit que nous perpétuons les inégalités, que nous induisons l’impuissance acquise, décrédibilisons des discours. Mais c’est aussi le récit qui nous permet de créer des mondes possibles à partir du monde que nous connaissons. Nous ferons du plateau un « instrument à fabriquer des histoires » : régie à vue, écran de fond de scène… Les comédiens peuvent interagir avec d’autres personnages présents sur les écrans vidéo et se promener dans les lieux qu’ils imaginent. Se montrent ainsi l’oeuvre et sa fabrication. On exhibe dans le même temps une illusion et les moyens que nous utilisons pour la créer. Révéler nos codes et leurs conséquences sur le public (comme les 3 unités, la catharsis…), c’est évoquer ce qui construit notre art du récit et se donner la capacité d’en jouer, de s’en amuser et de convier le public à s’en amuser avec nous… Et de là, ensemble, examiner nos propres responsabilités face aux récits que nous produisons dans nos théâtres. Que choisit-on de se raconter ? Et pourquoi nous racontons-nous autant d’histoires ? »

Bertrand Sinapi

« Si je reviens aujourd’hui à ces sources gitanes, c’est parce qu’elles représentent bien plus qu’elles-mêmes. En réalité, au quartier Saint-Jacques de Perpignan, se rassemblent dans une cohabitation typiquement méditerranéenne, les cultures du Nord et du Sud de l’Europe, la France et l’Espagne, la culture régionale catalane et la culture maghrébine (de nombreuses familles gitanes sont mixtes). Il faut également parler de continuité humaine car les deux jeunes musiciens qui entourent Roberto Saadna dans ce nouveau projet Ma Gavali font partie de cette même famille avec qui je collabore depuis le début des années 1990. Roberto Junior, neveu du précédent, était venu chanter, âgé d’à peine une dizaine d’années seulement, à Nantes lors du festival d’Été, accompagné de son cousin Xinou et de nombreux membres de la famille. Il est là aujourd’hui, chanteur confirmé, avec son beau-frère Chris Mailhe et son oncle. Il poursuit la lignée de son père Mambo et de son autre oncle Bruno el Gitano, qui m’ont épaulé à l’époque de « Gitans ». La continuité vient également du fait que notre travail porte exclusivement sur un répertoire issu de mon univers musical. Nous poursuivons notre collaboration en accentuant les harmonies vocales dont sont dépositaires les membres de la famille Saadna, très spécifiques dans le monde du flamenco. Je poursuis à travers ce projet un idéal modeste mais têtu de ce que pourrait être une modernité méditerranéenne. » Titi Robin

« Je veux travailler sur les limites, sur les conflits, sur les obstacles. L’artiste de cirque est constamment en résistance contre une force, qu’il soit suspendu, en équilibre ou en train de jeter des objets vers le ciel. Je veux m’amuser avec ce que ces figures peuvent évoquer et les mettre en parallèle avec les combats que l’être social doit mener. Je veux creuser le concept de servitude volontaire d’Étienne de La Boétie. Une partie de l’analyse qu’on pourrait faire de cet ouvrage (Discours de la servitude volontaire – 1574) est que le fait de résister donne du pouvoir à la force qu’on est en train de combattre. Plus je lui résiste, plus je l’encourage jusqu’à un certain point. L’enjeu sociétal semble être de nos jours de résister à une force intangible et impalpable. Le cirque passe son temps à se jouer de cette force. Selon moi, l’artiste de cirque est proche du super-héros, du demi-dieu, il a des capacités extraordinaires. Il réalise des exploits impossibles pour le commun des mortels. Comme l’individu dans la société, l’artiste de cirque est en constante lutte contre des forces invisibles, lui se bat contre la pesanteur et la fin du mouvement. Il se bat encore plus fort contre son propre échec. J’aimerais redécouvrir la fragilité de l’artiste de cirque, qu’elle soit psychologique ou physique, témoigner de la beauté de la fragilité de l’humain. » Clément Dazin

« Ce projet est né de l’impression vertigineuse que j’ai eue en voyant une chaînette à billes – telle que celle qui relie l’évier à son bouchon d’évacuation – s’échapper d’un récipient posé sur une table, furieusement et bruyamment, dans un mouvement sans fin vers le sol. Cette fuite incontrôlable m’a immédiatement évoqué le temps qui file et que l’on ne peut arrêter. Durant ce court instant, le temps m’a semblé ralenti alors que, paradoxalement, je le voyais s’échapper à une vitesse phénoménale. Le silence qui a ponctué cet écoulement m’a invité à considérer l’étendue tellement relative de nos perceptions du temps. Dans un monde où tant d’outils sont produits pour nous faire gagner du temps, il paraît étonnament difficile d’en avoir et, le plus souvent, nous courons après. Il est inquiétant au regard des années écoulées et de celles qu’il reste peut-être à vivre. Il devient éternel dans l’attente et s’évanouit dans la joie comme dans la peur. Il nous dépasse quand il concerne l’histoire de l’univers mais également dans la nanoseconde qui limite la fréquence de deux transactions boursières… En partant de rien, de la chute de cette simple chaînette, je me suis trouvé à considérer l’homme, le monde, l’existence, l’univers… un peu tout. » Alexis Rouvre

« Ce projet est né de l’impression vertigineuse que j’ai eue en voyant une chaînette à billes – telle que celle qui relie l’évier à son bouchon d’évacuation – s’échapper d’un récipient posé sur une table, furieusement et bruyamment, dans un mouvement sans fin vers le sol. Cette fuite incontrôlable m’a immédiatement évoqué le temps qui file et que l’on ne peut arrêter. Durant ce court instant, le temps m’a semblé ralenti alors que, paradoxalement, je le voyais s’échapper à une vitesse phénoménale. Le silence qui a ponctué cet écoulement m’a invité à considérer l’étendue tellement relative de nos perceptions du temps. Dans un monde où tant d’outils sont produits pour nous faire gagner du temps, il paraît étonnament difficile d’en avoir et, le plus souvent, nous courons après. Il est inquiétant au regard des années écoulées et de celles qu’il reste peut-être à vivre. Il devient éternel dans l’attente et s’évanouit dans la joie comme dans la peur. Il nous dépasse quand il concerne l’histoire de l’univers mais également dans la nanoseconde qui limite la fréquence de deux transactions boursières… En partant de rien, de la chute de cette simple chaînette, je me suis trouvé à considérer l’homme, le monde, l’existence, l’univers… un peu tout. » Alexis Rouvre

« Ce projet est né de l’impression vertigineuse que j’ai eue en voyant une chaînette à billes – telle que celle qui relie l’évier à son bouchon d’évacuation – s’échapper d’un récipient posé sur une table, furieusement et bruyamment, dans un mouvement sans fin vers le sol. Cette fuite incontrôlable m’a immédiatement évoqué le temps qui file et que l’on ne peut arrêter. Durant ce court instant, le temps m’a semblé ralenti alors que, paradoxalement, je le voyais s’échapper à une vitesse phénoménale. Le silence qui a ponctué cet écoulement m’a invité à considérer l’étendue tellement relative de nos perceptions du temps. Dans un monde où tant d’outils sont produits pour nous faire gagner du temps, il paraît étonnament difficile d’en avoir et, le plus souvent, nous courons après. Il est inquiétant au regard des années écoulées et de celles qu’il reste peut-être à vivre. Il devient éternel dans l’attente et s’évanouit dans la joie comme dans la peur. Il nous dépasse quand il concerne l’histoire de l’univers mais également dans la nanoseconde qui limite la fréquence de deux transactions boursières… En partant de rien, de la chute de cette simple chaînette, je me suis trouvé à considérer l’homme, le monde, l’existence, l’univers… un peu tout. » Alexis Rouvre

« Ce projet est né de l’impression vertigineuse que j’ai eue en voyant une chaînette à billes – telle que celle qui relie l’évier à son bouchon d’évacuation – s’échapper d’un récipient posé sur une table, furieusement et bruyamment, dans un mouvement sans fin vers le sol. Cette fuite incontrôlable m’a immédiatement évoqué le temps qui file et que l’on ne peut arrêter. Durant ce court instant, le temps m’a semblé ralenti alors que, paradoxalement, je le voyais s’échapper à une vitesse phénoménale. Le silence qui a ponctué cet écoulement m’a invité à considérer l’étendue tellement relative de nos perceptions du temps. Dans un monde où tant d’outils sont produits pour nous faire gagner du temps, il paraît étonnament difficile d’en avoir et, le plus souvent, nous courons après. Il est inquiétant au regard des années écoulées et de celles qu’il reste peut-être à vivre. Il devient éternel dans l’attente et s’évanouit dans la joie comme dans la peur. Il nous dépasse quand il concerne l’histoire de l’univers mais également dans la nanoseconde qui limite la fréquence de deux transactions boursières… En partant de rien, de la chute de cette simple chaînette, je me suis trouvé à considérer l’homme, le monde, l’existence, l’univers… un peu tout. » Alexis Rouvre

« Ce projet est né de l’impression vertigineuse que j’ai eue en voyant une chaînette à billes – telle que celle qui relie l’évier à son bouchon d’évacuation – s’échapper d’un récipient posé sur une table, furieusement et bruyamment, dans un mouvement sans fin vers le sol. Cette fuite incontrôlable m’a immédiatement évoqué le temps qui file et que l’on ne peut arrêter. Durant ce court instant, le temps m’a semblé ralenti alors que, paradoxalement, je le voyais s’échapper à une vitesse phénoménale. Le silence qui a ponctué cet écoulement m’a invité à considérer l’étendue tellement relative de nos perceptions du temps. Dans un monde où tant d’outils sont produits pour nous faire gagner du temps, il paraît étonnament difficile d’en avoir et, le plus souvent, nous courons après. Il est inquiétant au regard des années écoulées et de celles qu’il reste peut-être à vivre. Il devient éternel dans l’attente et s’évanouit dans la joie comme dans la peur. Il nous dépasse quand il concerne l’histoire de l’univers mais également dans la nanoseconde qui limite la fréquence de deux transactions boursières… En partant de rien, de la chute de cette simple chaînette, je me suis trouvé à considérer l’homme, le monde, l’existence, l’univers… un peu tout. » Alexis Rouvre

*cirque sous chapiteau*

D’après Mérimée et Bizet

« Carmen n’est pas une histoire d’amour. Si c’en était une, ce serait un simple fait divers : un homme aime une femme qui ne l’aime plus alors il la tue. Mais pourquoi, au dernier acte, Carmen fait-elle face ? Il lui suffirait de dénoncer José, ou seulement de rentrer dans l’arène avec les autres… Elle ne le fait pas. Elle ne veut pas être moins forte que José. Elle refuse de lâcher le moindre pouce de terrain. Fuir devant José pour rester en vie, ce serait être moins que lui. En restant, elle l’oblige à la tuer et ce faisant elle le condamne au même titre qu’il la condamne. Carmen n’est pas une histoire d’amour, c’est l’inépuisable histoire du pouvoir et de la liberté. Carmen nous fait nous poser la question terrible : jusqu’où serais-je prêt à aller pour défendre ma liberté ? Question simple, mais inépuisable parce que sans réponse. Tout le monde peut la comprendre et chacun se la pose à des moments de sa vie, des fois sans même l’avoir formulée. Carmen n’est pas une histoire d’amour, c’est l’histoire du courage, des courages… L’histoire d’une défaite : la force, l’élégance, le panache de perdre en beauté. Le petit chapiteau où se jouera Je suis Carmen (je le connais bien pour y jouer depuis 18 ans Le tour complet du coeur) est entièrement dédié à la rencontre, il a changé ma vie d’artiste : être parmi plutôt que devant. On chante, on fait du cirque tout près des gens. On est à quelque centimètres. » Gilles Cailleau

*cirque sous chapiteau*

D’après Mérimée et Bizet

« Carmen n’est pas une histoire d’amour. Si c’en était une, ce serait un simple fait divers : un homme aime une femme qui ne l’aime plus alors il la tue. Mais pourquoi, au dernier acte, Carmen fait-elle face ? Il lui suffirait de dénoncer José, ou seulement de rentrer dans l’arène avec les autres… Elle ne le fait pas. Elle ne veut pas être moins forte que José. Elle refuse de lâcher le moindre pouce de terrain. Fuir devant José pour rester en vie, ce serait être moins que lui. En restant, elle l’oblige à la tuer et ce faisant elle le condamne au même titre qu’il la condamne. Carmen n’est pas une histoire d’amour, c’est l’inépuisable histoire du pouvoir et de la liberté. Carmen nous fait nous poser la question terrible : jusqu’où serais-je prêt à aller pour défendre ma liberté ? Question simple, mais inépuisable parce que sans réponse. Tout le monde peut la comprendre et chacun se la pose à des moments de sa vie, des fois sans même l’avoir formulée. Carmen n’est pas une histoire d’amour, c’est l’histoire du courage, des courages… L’histoire d’une défaite : la force, l’élégance, le panache de perdre en beauté. Le petit chapiteau où se jouera Je suis Carmen (je le connais bien pour y jouer depuis 18 ans Le tour complet du coeur) est entièrement dédié à la rencontre, il a changé ma vie d’artiste : être parmi plutôt que devant. On chante, on fait du cirque tout près des gens. On est à quelque centimètres. » Gilles Cailleau

*cirque sous chapiteau*

D’après Mérimée et Bizet

« Carmen n’est pas une histoire d’amour. Si c’en était une, ce serait un simple fait divers : un homme aime une femme qui ne l’aime plus alors il la tue. Mais pourquoi, au dernier acte, Carmen fait-elle face ? Il lui suffirait de dénoncer José, ou seulement de rentrer dans l’arène avec les autres… Elle ne le fait pas. Elle ne veut pas être moins forte que José. Elle refuse de lâcher le moindre pouce de terrain. Fuir devant José pour rester en vie, ce serait être moins que lui. En restant, elle l’oblige à la tuer et ce faisant elle le condamne au même titre qu’il la condamne. Carmen n’est pas une histoire d’amour, c’est l’inépuisable histoire du pouvoir et de la liberté. Carmen nous fait nous poser la question terrible : jusqu’où serais-je prêt à aller pour défendre ma liberté ? Question simple, mais inépuisable parce que sans réponse. Tout le monde peut la comprendre et chacun se la pose à des moments de sa vie, des fois sans même l’avoir formulée. Carmen n’est pas une histoire d’amour, c’est l’histoire du courage, des courages… L’histoire d’une défaite : la force, l’élégance, le panache de perdre en beauté. Le petit chapiteau où se jouera Je suis Carmen (je le connais bien pour y jouer depuis 18 ans Le tour complet du coeur) est entièrement dédié à la rencontre, il a changé ma vie d’artiste : être parmi plutôt que devant. On chante, on fait du cirque tout près des gens. On est à quelque centimètres. » Gilles Cailleau

*cirque sous chapiteau*

D’après Mérimée et Bizet

« Carmen n’est pas une histoire d’amour. Si c’en était une, ce serait un simple fait divers : un homme aime une femme qui ne l’aime plus alors il la tue. Mais pourquoi, au dernier acte, Carmen fait-elle face ? Il lui suffirait de dénoncer José, ou seulement de rentrer dans l’arène avec les autres… Elle ne le fait pas. Elle ne veut pas être moins forte que José. Elle refuse de lâcher le moindre pouce de terrain. Fuir devant José pour rester en vie, ce serait être moins que lui. En restant, elle l’oblige à la tuer et ce faisant elle le condamne au même titre qu’il la condamne. Carmen n’est pas une histoire d’amour, c’est l’inépuisable histoire du pouvoir et de la liberté. Carmen nous fait nous poser la question terrible : jusqu’où serais-je prêt à aller pour défendre ma liberté ? Question simple, mais inépuisable parce que sans réponse. Tout le monde peut la comprendre et chacun se la pose à des moments de sa vie, des fois sans même l’avoir formulée. Carmen n’est pas une histoire d’amour, c’est l’histoire du courage, des courages… L’histoire d’une défaite : la force, l’élégance, le panache de perdre en beauté. Le petit chapiteau où se jouera Je suis Carmen (je le connais bien pour y jouer depuis 18 ans Le tour complet du coeur) est entièrement dédié à la rencontre, il a changé ma vie d’artiste : être parmi plutôt que devant. On chante, on fait du cirque tout près des gens. On est à quelque centimètres. » Gilles Cailleau

D’après Molière

Le travail initial sur Dom Juan s’est fait lors d’un laboratoire au Conservatoire National avec Jean-Pierre Vincent, il y a quelques années déjà. Mon idée était de rassembler les spectateurs et les acteurs autour d’une grande table. Mais la table, cela s’est avéré compliqué, trop limité, alors j’ai dû opter pour un cercle. Dans les répétitions, les acteurs étaient attirés par le centre du cercle. Moi je voulais qu’ils restent assis sur le cercle avec les spectateurs, qu’ils luttent pour obtenir l’attention de tous. Plus tard, quand j’ai décidé d’en faire un spectacle, il a fallu s’adapter et le cercle de parole est devenu un dispositif quadri-frontal. Mais le geste est resté exactement le même. En ce qui concerne Tartuffe, ça s’est passé lors d’une date de tournée de Dom Juan. Julien Kosellec – un des comédiens de l’équipe – m’a soufflé l’idée de monter Tartuffe avec le même groupe. Une sorte de diptyque. Je me souviens avoir immédiatement décidé de le faire – et avec le même dispositif – sans même avoir pris le temps de relire la pièce… Ce n’était ni très prudent ni très sérieux comme approche mais la perspective de monter un spectacle dans un dispositif pensé pour un autre m’excitait pas mal. Et au final on peut dire qu’on a eu de la chance car le quadri-frontal trouve un écho pertinent dans Tartuffe. Un peu comme si les spectateurs se trouvaient chez Orgon. De témoins dans Dom Juan, ils deviennent complices dans Tartuffe.» interview de Jean de Pange par Walter Géhin

D’après Molière

Le travail initial sur Dom Juan s’est fait lors d’un laboratoire au Conservatoire National avec Jean-Pierre Vincent, il y a quelques années déjà. Mon idée était de rassembler les spectateurs et les acteurs autour d’une grande table. Mais la table, cela s’est avéré compliqué, trop limité, alors j’ai dû opter pour un cercle. Dans les répétitions, les acteurs étaient attirés par le centre du cercle. Moi je voulais qu’ils restent assis sur le cercle avec les spectateurs, qu’ils luttent pour obtenir l’attention de tous. Plus tard, quand j’ai décidé d’en faire un spectacle, il a fallu s’adapter et le cercle de parole est devenu un dispositif quadri-frontal. Mais le geste est resté exactement le même. En ce qui concerne Tartuffe, ça s’est passé lors d’une date de tournée de Dom Juan. Julien Kosellec – un des comédiens de l’équipe – m’a soufflé l’idée de monter Tartuffe avec le même groupe. Une sorte de diptyque. Je me souviens avoir immédiatement décidé de le faire – et avec le même dispositif – sans même avoir pris le temps de relire la pièce… Ce n’était ni très prudent ni très sérieux comme approche mais la perspective de monter un spectacle dans un dispositif pensé pour un autre m’excitait pas mal. Et au final on peut dire qu’on a eu de la chance car le quadri-frontal trouve un écho pertinent dans Tartuffe. Un peu comme si les spectateurs se trouvaient chez Orgon. De témoins dans Dom Juan, ils deviennent complices dans Tartuffe.» interview de Jean de Pange par Walter Géhin

D’après Molière

Le travail initial sur Dom Juan s’est fait lors d’un laboratoire au Conservatoire National avec Jean-Pierre Vincent, il y a quelques années déjà. Mon idée était de rassembler les spectateurs et les acteurs autour d’une grande table. Mais la table, cela s’est avéré compliqué, trop limité, alors j’ai dû opter pour un cercle. Dans les répétitions, les acteurs étaient attirés par le centre du cercle. Moi je voulais qu’ils restent assis sur le cercle avec les spectateurs, qu’ils luttent pour obtenir l’attention de tous. Plus tard, quand j’ai décidé d’en faire un spectacle, il a fallu s’adapter et le cercle de parole est devenu un dispositif quadri-frontal. Mais le geste est resté exactement le même. En ce qui concerne Tartuffe, ça s’est passé lors d’une date de tournée de Dom Juan. Julien Kosellec – un des comédiens de l’équipe – m’a soufflé l’idée de monter Tartuffe avec le même groupe. Une sorte de diptyque. Je me souviens avoir immédiatement décidé de le faire – et avec le même dispositif – sans même avoir pris le temps de relire la pièce… Ce n’était ni très prudent ni très sérieux comme approche mais la perspective de monter un spectacle dans un dispositif pensé pour un autre m’excitait pas mal. Et au final on peut dire qu’on a eu de la chance car le quadri-frontal trouve un écho pertinent dans Tartuffe. Un peu comme si les spectateurs se trouvaient chez Orgon. De témoins dans Dom Juan, ils deviennent complices dans Tartuffe.» interview de Jean de Pange par Walter Géhin

Marina Satti est née à Athènes et a grandi à Héraklion en Crète. Son père est d’origine soudanaise et sa mère est grecque. Dès son plus jeune âge, elle a été en contact avec une diversité de cultures et s’est intéressée au design et à la musique. Après avoir terminé ses études, elle a fréquenté l’école d’architecture de l’Université d’Athènes. Parallèlement, elle a commencé ses études de théâtre à l’école de théâtre Veaki et à la Central Stage School. En 2008, elle a obtenu son certificat en piano classique ainsi que son diplôme en chant classique, obtenant une excellente note et remportant le premier prix, appuyée par son coach vocal, Panos Dimas. En 2009, elle a participé à l’European Jazz Orchestra (EBU) représentant la Grèce, où elle a effectué une tournée dans toute l’Europe. En 2011, elle est diplômée du Berklee College of Music (Boston) après y avoir étudié l’écriture et la production contemporaines. Elle a collaboré avec divers artistes de renom, notamment Bobby McFerrin, Paco de Lucia, Wayne Shorter, Danilo Perez, Nikos Mamangakis, Nikos Kypourgos. En tant qu’actrice, elle a collaboré avec des institutions publiques, notamment le Théâtre national de Grèce, l’Opéra national de Grèce et le Festival Athènes et Epidaure, et est apparue dans des pièces de théâtre comme Once, Erotokritos, West Side Story, Un Violon sur Le Toit. En 2016, elle a créé « Fonés », constitué d’un groupe de femmes polyphoniques grecques qui l’accompagne sur scène. L’année suivante, elle a formé «Chóres», une chorale composée de cinquante femmes de tous âges.

« Nous sommes à la deuxième moitié du XVIIe siècle, au Portugal. Depuis la cellule du couvent où elle est enfermée, une jeune femme écrit cinq lettres d’amour. Elles sont adressées à un chevalier français qui fut un temps en garnison près de son cloître. Il s’est introduit dans sa chambre, ils se sont aimés, il est rentré en France, il ne répond plus. Au fil des cinq lettres nous suivons le mouvement intérieur de sa passion, dans un agencement qui emprunte opportunément la structure de la tragédie classique. Allant du désir souverain à la rupture sans retour, passant par la jouissance du malheur, le texte sonde les profondeurs de la complexité humaine, pour rendre compte de l’irrésistible ambivalence du sentiment amoureux. Le dispositif scénographique est constitué d’une paroi de glace, un assemblage de tuiles d’eau gelées, rangées en colonnes. Elles fondent et leur eau est recueillie dans un bassin, lui aussi variable en proportion. L’eau réfléchit la lumière sur le personnage, posté au centre du bassin. Sur les bords sont positionnées de petites résistances transformant l’eau en vapeur, en écrans. Le reste du dispositif est un ensemble de haut-parleurs, de lumières et petits projecteurs entourant l’espace. Des images vidéos colorées impriment le corps des tuiles de glaces en vitraux. » Gaël Leveugle

« Nous sommes à la deuxième moitié du XVIIe siècle, au Portugal. Depuis la cellule du couvent où elle est enfermée, une jeune femme écrit cinq lettres d’amour. Elles sont adressées à un chevalier français qui fut un temps en garnison près de son cloître. Il s’est introduit dans sa chambre, ils se sont aimés, il est rentré en France, il ne répond plus. Au fil des cinq lettres nous suivons le mouvement intérieur de sa passion, dans un agencement qui emprunte opportunément la structure de la tragédie classique. Allant du désir souverain à la rupture sans retour, passant par la jouissance du malheur, le texte sonde les profondeurs de la complexité humaine, pour rendre compte de l’irrésistible ambivalence du sentiment amoureux. Le dispositif scénographique est constitué d’une paroi de glace, un assemblage de tuiles d’eau gelées, rangées en colonnes. Elles fondent et leur eau est recueillie dans un bassin, lui aussi variable en proportion. L’eau réfléchit la lumière sur le personnage, posté au centre du bassin. Sur les bords sont positionnées de petites résistances transformant l’eau en vapeur, en écrans. Le reste du dispositif est un ensemble de haut-parleurs, de lumières et petits projecteurs entourant l’espace. Des images vidéos colorées impriment le corps des tuiles de glaces en vitraux. » Gaël Leveugle

PROGRAMME

Joseph Haydn : Trio en mi bémol mineur « Le Rêve de Jacob »
Arvo Pärt : Spiegel im Spiegel
Johannes Brahms : Trio n°1 en si majeur op. 8
Franz Schubert : Trio n°2 en mi bémol ; majeur op. 100

Denis Pascal est l’une des figures les plus originales du piano français. Il se produit en France et dans le monde entier comme soliste et comme musicien de chambre. Sa collaboration et son enregistrement avec l’orchestre Les Siècles de François-Xavier Roth des deux concertos de Chopin ont renouvelé les sonorités de ces oeuvres emblématiques. Soucieux de garder une conscience historique du répertoire, Denis Pascal sort des sentiers battus et donne des concerts à la fois marquants et ouverts à tous. II est professeur au CNSM de Paris.
Alexandre Pascal : Diplômé du CNSM de Paris, il poursuit sa formation à la Chapelle Reine Elisabeth à Bruxelles avec Augustin Dumay. Il a aussi étudié avec Maurizio Fuchs. Il s’est produit avec l’Orchestre de Caen et l’Orchestre de chambre de Paris. Il a également une intense activité de chambriste aux côtés de Lorenzo Gatto, Gary Hoffmann, Pierre et Théo Fouchenerret, Hortense Cartier-Bresson, Éric Le Sage, Svetlin Roussev, Lise Berthaud… Il s’est produit dans le cadre de nombreux festivals et joue un violon Jean-Baptiste Vuillaume de 1854.
Aurélien Pascal entre à 14 ans au CNSM de Paris puis intègre l’Académie Kronberg avec Frans Helmerson. Il a été primé aux concours Feuermann à la Philharmonie de Berlin, Paulo Cello à Helsinki et Reine Elisabeth à Bruxelles. Sa carrière se déploie aux quatre coins du monde avec les orchestres de Monte-Carlo, de Liège, des Pays de la Loire, le Deutsches Radio Orchester, le Hong-Kong Sinfonietta. Il est également chambriste avec Augustin Dumay, András Schiff, Renaud Capuçon…Il joue un violoncelle fabriqué à Rome en 1703 par David Tecchler.

**représentations scolaires uniquement**

d’après Charles Dickens

« Dickens décrit avec justesse la tendance qu’ont les individus à classer autrui sur une échelle de valeurs de richesse et de possession. Ici, c’est un enfant qui se trouve confronté à un rejet et qui comprend instantanément qu’il ne détient pas les codes qu’il faut pour réussir. La construction d’un sentiment de honte de soi et des siens est en marche et se cristallise tout au long de son adolescence. Dickens nous parle de notre société contemporaine qui n’a pas changé. Ce mécanisme de hiérarchisation est toujours à l’oeuvre. Derrière la différence sociale, il y a la souffrance d’un sentiment d’infériorité. L’auteur nous parle de cette souffrance, d’une perte de confiance provoquée par ce que d’autres exhibent et que l’on ne possède pas. Ainsi les différences sociales s’inscrivent en nous, durablement, dans nos corps et nos actes. Mais Dickens apporte une vision optimiste à la fin de ce voyage initiatique puisque le personnage principal comprend qu’il a succombé à des mirages, des signes, qui n’ont que la valeur qu’on veut bien leur accorder. Soulever ces questions devant un public jeune nous semble pertinent. Pip, le personnage principal a honte ; il est montré du doigt, pauvre, mal habillé, sans instruction. À sa souffrance, s’ajoute la culpabilité d’avoir dû rejeter sa propre famille, et plus tard de devenir à son tour égoïste et vaniteux. Dickens propose comme résolution à ce problème un changement de regard qui rend les puissants parfois peu fréquentables et les plus faibles parfois dignes d’être admirés. » Cie Mamaille

**représentations scolaires uniquement**

d’après Charles Dickens

« Dickens décrit avec justesse la tendance qu’ont les individus à classer autrui sur une échelle de valeurs de richesse et de possession. Ici, c’est un enfant qui se trouve confronté à un rejet et qui comprend instantanément qu’il ne détient pas les codes qu’il faut pour réussir. La construction d’un sentiment de honte de soi et des siens est en marche et se cristallise tout au long de son adolescence. Dickens nous parle de notre société contemporaine qui n’a pas changé. Ce mécanisme de hiérarchisation est toujours à l’oeuvre. Derrière la différence sociale, il y a la souffrance d’un sentiment d’infériorité. L’auteur nous parle de cette souffrance, d’une perte de confiance provoquée par ce que d’autres exhibent et que l’on ne possède pas. Ainsi les différences sociales s’inscrivent en nous, durablement, dans nos corps et nos actes. Mais Dickens apporte une vision optimiste à la fin de ce voyage initiatique puisque le personnage principal comprend qu’il a succombé à des mirages, des signes, qui n’ont que la valeur qu’on veut bien leur accorder. Soulever ces questions devant un public jeune nous semble pertinent. Pip, le personnage principal a honte ; il est montré du doigt, pauvre, mal habillé, sans instruction. À sa souffrance, s’ajoute la culpabilité d’avoir dû rejeter sa propre famille, et plus tard de devenir à son tour égoïste et vaniteux. Dickens propose comme résolution à ce problème un changement de regard qui rend les puissants parfois peu fréquentables et les plus faibles parfois dignes d’être admirés. » Cie Mamaille

« En mars 2019, je proposais à l’ensemble de l’équipe de notre précédent spectacle un thème de recherche et d’enquête pour une nouvelle création : la mort. Mon hypothèse de départ était : Est-ce que le rapport qu’une société entretient avec la mort dit quelque
chose d’elle-même? De son évolution? D’avril à décembre 2019,
je passais plusieurs mois dans des services de réanimation, je rencontrais des médecins en soins palliatifs, des psychologues.
Cette plongée dans la question de la mort se révéla abyssale : nos certitudes se fi ssuraient, chaque situation levant de nouveaux voiles, révélant de nouveaux points de vue. Regarder les humains face à la mort nous invitait à quitter toute bien-pensance et nous
faisait plonger dans le monde de la controverse, de la pensée complexe, dans l’altérité radicale. Nous avons entre 30 et 40 ans et nous avons considéré pendant longtemps que la mort était une chose bien triste qui n’arrivait qu’aux autres. Puis, la vie passant, il a bien fallu que la mort fasse irruption dans nos vies, défl agration inévitable dans l’immortalité qui était la nôtre.
Les insolents que nous fûmes apprirent le goût précieux de la vie : « Tout cela ne durera que peu, goutons-le avec délectation,
rions à gorge déployée et que le théâtre nous vienne en aide ! »
Ce spectacle est le récit d’une enquête intime et collective sur la
vie. Ce spectacle est un hommage à ce qui fait de nous des êtres
désirants et fraternels. Ce spectacle est dédié à ceux qui sont partis, aux absents qui nous accompagnent. Ce spectacle est une
déclaration d’amour À la vie ! » Élise Chatauret

**représentations scolaires uniquement**

d’après Charles Dickens

« Dickens décrit avec justesse la tendance qu’ont les individus à classer autrui sur une échelle de valeurs de richesse et de possession. Ici, c’est un enfant qui se trouve confronté à un rejet et qui comprend instantanément qu’il ne détient pas les codes qu’il faut pour réussir. La construction d’un sentiment de honte de soi et des siens est en marche et se cristallise tout au long de son adolescence. Dickens nous parle de notre société contemporaine qui n’a pas changé. Ce mécanisme de hiérarchisation est toujours à l’oeuvre. Derrière la différence sociale, il y a la souffrance d’un sentiment d’infériorité. L’auteur nous parle de cette souffrance, d’une perte de confiance provoquée par ce que d’autres exhibent et que l’on ne possède pas. Ainsi les différences sociales s’inscrivent en nous, durablement, dans nos corps et nos actes. Mais Dickens apporte une vision optimiste à la fin de ce voyage initiatique puisque le personnage principal comprend qu’il a succombé à des mirages, des signes, qui n’ont que la valeur qu’on veut bien leur accorder. Soulever ces questions devant un public jeune nous semble pertinent. Pip, le personnage principal a honte ; il est montré du doigt, pauvre, mal habillé, sans instruction. À sa souffrance, s’ajoute la culpabilité d’avoir dû rejeter sa propre famille, et plus tard de devenir à son tour égoïste et vaniteux. Dickens propose comme résolution à ce problème un changement de regard qui rend les puissants parfois peu fréquentables et les plus faibles parfois dignes d’être admirés. » Cie Mamaille

**représentations scolaires uniquement**

d’après Charles Dickens

« Dickens décrit avec justesse la tendance qu’ont les individus à classer autrui sur une échelle de valeurs de richesse et de possession. Ici, c’est un enfant qui se trouve confronté à un rejet et qui comprend instantanément qu’il ne détient pas les codes qu’il faut pour réussir. La construction d’un sentiment de honte de soi et des siens est en marche et se cristallise tout au long de son adolescence. Dickens nous parle de notre société contemporaine qui n’a pas changé. Ce mécanisme de hiérarchisation est toujours à l’oeuvre. Derrière la différence sociale, il y a la souffrance d’un sentiment d’infériorité. L’auteur nous parle de cette souffrance, d’une perte de confiance provoquée par ce que d’autres exhibent et que l’on ne possède pas. Ainsi les différences sociales s’inscrivent en nous, durablement, dans nos corps et nos actes. Mais Dickens apporte une vision optimiste à la fin de ce voyage initiatique puisque le personnage principal comprend qu’il a succombé à des mirages, des signes, qui n’ont que la valeur qu’on veut bien leur accorder. Soulever ces questions devant un public jeune nous semble pertinent. Pip, le personnage principal a honte ; il est montré du doigt, pauvre, mal habillé, sans instruction. À sa souffrance, s’ajoute la culpabilité d’avoir dû rejeter sa propre famille, et plus tard de devenir à son tour égoïste et vaniteux. Dickens propose comme résolution à ce problème un changement de regard qui rend les puissants parfois peu fréquentables et les plus faibles parfois dignes d’être admirés. » Cie Mamaille

**représentations scolaires uniquement**

d’après Charles Dickens

« Dickens décrit avec justesse la tendance qu’ont les individus à classer autrui sur une échelle de valeurs de richesse et de possession. Ici, c’est un enfant qui se trouve confronté à un rejet et qui comprend instantanément qu’il ne détient pas les codes qu’il faut pour réussir. La construction d’un sentiment de honte de soi et des siens est en marche et se cristallise tout au long de son adolescence. Dickens nous parle de notre société contemporaine qui n’a pas changé. Ce mécanisme de hiérarchisation est toujours à l’oeuvre. Derrière la différence sociale, il y a la souffrance d’un sentiment d’infériorité. L’auteur nous parle de cette souffrance, d’une perte de confiance provoquée par ce que d’autres exhibent et que l’on ne possède pas. Ainsi les différences sociales s’inscrivent en nous, durablement, dans nos corps et nos actes. Mais Dickens apporte une vision optimiste à la fin de ce voyage initiatique puisque le personnage principal comprend qu’il a succombé à des mirages, des signes, qui n’ont que la valeur qu’on veut bien leur accorder. Soulever ces questions devant un public jeune nous semble pertinent. Pip, le personnage principal a honte ; il est montré du doigt, pauvre, mal habillé, sans instruction. À sa souffrance, s’ajoute la culpabilité d’avoir dû rejeter sa propre famille, et plus tard de devenir à son tour égoïste et vaniteux. Dickens propose comme résolution à ce problème un changement de regard qui rend les puissants parfois peu fréquentables et les plus faibles parfois dignes d’être admirés. » Cie Mamaille

PROGRAMME

Tomas Gubitsch : Tres nada tristes tigres
Gabriel Sivak : Avenida Maipu
Maria Misael Gauchat : Opsis
Alejandro Schwarz : Viento de Milonga
Astor Piazzolla : Le grand tango
Martin Matalon : Charlot s’évade

Adélaïde Ferrière débute la musique (piano et percussions) à Dijon avant d’intégrer à l’âge de 15 ans la classe du CNSM de Paris et d’étudier au Royal College of Music de Londres. Lauréate d’une quinzaine de prix internationaux en France et à l’étranger (Autriche, Pays Bas, États-Unis), Adélaïde a été Victoire de la Musique en 2017 (elle est la première percussionniste à obtenir cette distinction). Elle s’est produite à la Philharmonie de Paris, à l’Opéra de Paris, au Mozarteum de Salzbourg…, en Allemagne, Brésil, Chine, États-Unis, Irlande, Italie, Pays-Bas, Suisse… Elle est Artiste Yamaha et Kolberg Mallet Artist.

Aurélien Gignoux est happé dès son plus jeune âge par les percussions et leurs multiples facettes. Il explore également le piano et la batterie, et tisse un lien puissant entre le répertoire classique et le monde de l’improvisation. La poursuite de ses études au CNSM de Paris l’amène à fonder l’Ensemble Dérive et à travailler auprès de nombreux compositeurs tels que Jean-Pierre Drouet, Philippe Hurel, Martin Matalon… En 2019, il intègre le Trio K/D/M. Primé au prestigieux concours de l’ARD de Munich, il a également reçu une Victoire de la Musique en 2021.

Anthony Millet est l’un des tout premiers élèves de Max Bonnay au CNSM de Paris. Membre fondateur du Trio K/D/M avec Gilles Durot et Bachar Khalifé, du Quatuor Aeolina, et du Duo Migrateur avec Jean-Pierre Baraglioli, Il s’est produit en tant que soliste à l’Opéra de Paris, la Comédie Française, l’IRCAM…, avec l’Ensemble Intercontemporain, l’Orchestre de Paris, TM+, Aleph, Accroche note, l’Itinéraire, Ars Nova, Nomos, Sillages…Il a créé des pièces de Beytelmann, Bousch, Campo, Cavanna, D’Adamo, Dupin, Drouet, Escaich, Filidei, Fiszbein, Giner, Gubitsch, Ianotta, Naon, Narboni, Matalon, Pontier, Soh, Stroppa, Verunelli ….Il enseigne aux conservatoires de Montreuil et Vitry-sur-Seine et au CNSM de Paris.

PROGRAMME

Tomas Gubitsch : Tres nada tristes tigres
Gabriel Sivak : Avenida Maipu
Maria Misael Gauchat : Opsis
Alejandro Schwarz : Viento de Milonga
Astor Piazzolla : Le grand tango
Martin Matalon : Charlot s’évade

Adélaïde Ferrière débute la musique (piano et percussions) à Dijon avant d’intégrer à l’âge de 15 ans la classe du CNSM de Paris et d’étudier au Royal College of Music de Londres. Lauréate d’une quinzaine de prix internationaux en France et à l’étranger (Autriche, Pays Bas, États-Unis), Adélaïde a été Victoire de la Musique en 2017 (elle est la première percussionniste à obtenir cette distinction). Elle s’est produite à la Philharmonie de Paris, à l’Opéra de Paris, au Mozarteum de Salzbourg…, en Allemagne, Brésil, Chine, États-Unis, Irlande, Italie, Pays-Bas, Suisse… Elle est Artiste Yamaha et Kolberg Mallet Artist.

Aurélien Gignoux est happé dès son plus jeune âge par les percussions et leurs multiples facettes. Il explore également le piano et la batterie, et tisse un lien puissant entre le répertoire classique et le monde de l’improvisation. La poursuite de ses études au CNSM de Paris l’amène à fonder l’Ensemble Dérive et à travailler auprès de nombreux compositeurs tels que Jean-Pierre Drouet, Philippe Hurel, Martin Matalon… En 2019, il intègre le Trio K/D/M. Primé au prestigieux concours de l’ARD de Munich, il a également reçu une Victoire de la Musique en 2021.

Anthony Millet est l’un des tout premiers élèves de Max Bonnay au CNSM de Paris. Membre fondateur du Trio K/D/M avec Gilles Durot et Bachar Khalifé, du Quatuor Aeolina, et du Duo Migrateur avec Jean-Pierre Baraglioli, Il s’est produit en tant que soliste à l’Opéra de Paris, la Comédie Française, l’IRCAM…, avec l’Ensemble Intercontemporain, l’Orchestre de Paris, TM+, Aleph, Accroche note, l’Itinéraire, Ars Nova, Nomos, Sillages…Il a créé des pièces de Beytelmann, Bousch, Campo, Cavanna, D’Adamo, Dupin, Drouet, Escaich, Filidei, Fiszbein, Giner, Gubitsch, Ianotta, Naon, Narboni, Matalon, Pontier, Soh, Stroppa, Verunelli ….Il enseigne aux conservatoires de Montreuil et Vitry-sur-Seine et au CNSM de Paris.

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Tomas Gubitsch : Tres nada tristes tigres
Gabriel Sivak : Avenida Maipu
Maria Misael Gauchat : Opsis
Alejandro Schwarz : Viento de Milonga
Astor Piazzolla : Le grand tango
Martin Matalon : Charlot s’évade

Adélaïde Ferrière débute la musique (piano et percussions) à Dijon avant d’intégrer à l’âge de 15 ans la classe du CNSM de Paris et d’étudier au Royal College of Music de Londres. Lauréate d’une quinzaine de prix internationaux en France et à l’étranger (Autriche, Pays Bas, États-Unis), Adélaïde a été Victoire de la Musique en 2017 (elle est la première percussionniste à obtenir cette distinction). Elle s’est produite à la Philharmonie de Paris, à l’Opéra de Paris, au Mozarteum de Salzbourg…, en Allemagne, Brésil, Chine, États-Unis, Irlande, Italie, Pays-Bas, Suisse… Elle est Artiste Yamaha et Kolberg Mallet Artist.

Aurélien Gignoux est happé dès son plus jeune âge par les percussions et leurs multiples facettes. Il explore également le piano et la batterie, et tisse un lien puissant entre le répertoire classique et le monde de l’improvisation. La poursuite de ses études au CNSM de Paris l’amène à fonder l’Ensemble Dérive et à travailler auprès de nombreux compositeurs tels que Jean-Pierre Drouet, Philippe Hurel, Martin Matalon… En 2019, il intègre le Trio K/D/M. Primé au prestigieux concours de l’ARD de Munich, il a également reçu une Victoire de la Musique en 2021.

Anthony Millet est l’un des tout premiers élèves de Max Bonnay au CNSM de Paris. Membre fondateur du Trio K/D/M avec Gilles Durot et Bachar Khalifé, du Quatuor Aeolina, et du Duo Migrateur avec Jean-Pierre Baraglioli, Il s’est produit en tant que soliste à l’Opéra de Paris, la Comédie Française, l’IRCAM…, avec l’Ensemble Intercontemporain, l’Orchestre de Paris, TM+, Aleph, Accroche note, l’Itinéraire, Ars Nova, Nomos, Sillages…Il a créé des pièces de Beytelmann, Bousch, Campo, Cavanna, D’Adamo, Dupin, Drouet, Escaich, Filidei, Fiszbein, Giner, Gubitsch, Ianotta, Naon, Narboni, Matalon, Pontier, Soh, Stroppa, Verunelli ….Il enseigne aux conservatoires de Montreuil et Vitry-sur-Seine et au CNSM de Paris.

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Tomas Gubitsch : Tres nada tristes tigres
Gabriel Sivak : Avenida Maipu
Maria Misael Gauchat : Opsis
Alejandro Schwarz : Viento de Milonga
Astor Piazzolla : Le grand tango
Martin Matalon : Charlot s’évade

Adélaïde Ferrière débute la musique (piano et percussions) à Dijon avant d’intégrer à l’âge de 15 ans la classe du CNSM de Paris et d’étudier au Royal College of Music de Londres. Lauréate d’une quinzaine de prix internationaux en France et à l’étranger (Autriche, Pays Bas, États-Unis), Adélaïde a été Victoire de la Musique en 2017 (elle est la première percussionniste à obtenir cette distinction). Elle s’est produite à la Philharmonie de Paris, à l’Opéra de Paris, au Mozarteum de Salzbourg…, en Allemagne, Brésil, Chine, États-Unis, Irlande, Italie, Pays-Bas, Suisse… Elle est Artiste Yamaha et Kolberg Mallet Artist.

Aurélien Gignoux est happé dès son plus jeune âge par les percussions et leurs multiples facettes. Il explore également le piano et la batterie, et tisse un lien puissant entre le répertoire classique et le monde de l’improvisation. La poursuite de ses études au CNSM de Paris l’amène à fonder l’Ensemble Dérive et à travailler auprès de nombreux compositeurs tels que Jean-Pierre Drouet, Philippe Hurel, Martin Matalon… En 2019, il intègre le Trio K/D/M. Primé au prestigieux concours de l’ARD de Munich, il a également reçu une Victoire de la Musique en 2021.

Anthony Millet est l’un des tout premiers élèves de Max Bonnay au CNSM de Paris. Membre fondateur du Trio K/D/M avec Gilles Durot et Bachar Khalifé, du Quatuor Aeolina, et du Duo Migrateur avec Jean-Pierre Baraglioli, Il s’est produit en tant que soliste à l’Opéra de Paris, la Comédie Française, l’IRCAM…, avec l’Ensemble Intercontemporain, l’Orchestre de Paris, TM+, Aleph, Accroche note, l’Itinéraire, Ars Nova, Nomos, Sillages…Il a créé des pièces de Beytelmann, Bousch, Campo, Cavanna, D’Adamo, Dupin, Drouet, Escaich, Filidei, Fiszbein, Giner, Gubitsch, Ianotta, Naon, Narboni, Matalon, Pontier, Soh, Stroppa, Verunelli ….Il enseigne aux conservatoires de Montreuil et Vitry-sur-Seine et au CNSM de Paris.

PROGRAMME

Tomas Gubitsch : Tres nada tristes tigres
Gabriel Sivak : Avenida Maipu
Maria Misael Gauchat : Opsis
Alejandro Schwarz : Viento de Milonga
Astor Piazzolla : Le grand tango
Martin Matalon : Charlot s’évade

Adélaïde Ferrière débute la musique (piano et percussions) à Dijon avant d’intégrer à l’âge de 15 ans la classe du CNSM de Paris et d’étudier au Royal College of Music de Londres. Lauréate d’une quinzaine de prix internationaux en France et à l’étranger (Autriche, Pays Bas, États-Unis), Adélaïde a été Victoire de la Musique en 2017 (elle est la première percussionniste à obtenir cette distinction). Elle s’est produite à la Philharmonie de Paris, à l’Opéra de Paris, au Mozarteum de Salzbourg…, en Allemagne, Brésil, Chine, États-Unis, Irlande, Italie, Pays-Bas, Suisse… Elle est Artiste Yamaha et Kolberg Mallet Artist.

Aurélien Gignoux est happé dès son plus jeune âge par les percussions et leurs multiples facettes. Il explore également le piano et la batterie, et tisse un lien puissant entre le répertoire classique et le monde de l’improvisation. La poursuite de ses études au CNSM de Paris l’amène à fonder l’Ensemble Dérive et à travailler auprès de nombreux compositeurs tels que Jean-Pierre Drouet, Philippe Hurel, Martin Matalon… En 2019, il intègre le Trio K/D/M. Primé au prestigieux concours de l’ARD de Munich, il a également reçu une Victoire de la Musique en 2021.

Anthony Millet est l’un des tout premiers élèves de Max Bonnay au CNSM de Paris. Membre fondateur du Trio K/D/M avec Gilles Durot et Bachar Khalifé, du Quatuor Aeolina, et du Duo Migrateur avec Jean-Pierre Baraglioli, Il s’est produit en tant que soliste à l’Opéra de Paris, la Comédie Française, l’IRCAM…, avec l’Ensemble Intercontemporain, l’Orchestre de Paris, TM+, Aleph, Accroche note, l’Itinéraire, Ars Nova, Nomos, Sillages…Il a créé des pièces de Beytelmann, Bousch, Campo, Cavanna, D’Adamo, Dupin, Drouet, Escaich, Filidei, Fiszbein, Giner, Gubitsch, Ianotta, Naon, Narboni, Matalon, Pontier, Soh, Stroppa, Verunelli ….Il enseigne aux conservatoires de Montreuil et Vitry-sur-Seine et au CNSM de Paris.

** spectacle sous chapiteau **

L’origine du cirque est un rite qui met en scène nos instincts les plus secrets à l’égard de l’autre et de la mort. Le gladiateur qui affronte les fauves triomphe pour nous des peurs ancestrales selon un rite comparable à celui qu’accomplit aujourd’hui l’artiste au moment où il se jette dans le vide. Le cirque est une mise en situation violente du corps et de l’esprit. C’est le combat du circassien, son arme est son savoir-faire : la maîtrise de l’irréversible. Puiser sa force dans ses propres images brisées. Faire une véritable transfiguration de ces images de cirque ancrées dans la conscience collective, transformer quelque chose qui avant avait une forme et qui maintenant en prend une autre : « Une Oraison est une prière, une ultime prise de parole. A travers ce spectacle, je cherche à éveiller une prise de conscience pour rallumer nos lumières intellectuelles et poétiques ainsi que nos sensibilités profondes. En allumer de nouvelles, plus spirituelles, plus viscérales, plus authentiques, vers lesquelles on peut s’élever, et que l’on peut suivre. La quête d’une vérité concrète, qui se trouve dans le concret des corps. Avec l’onde nerveuse que provoque le geste circassien, mon acte artistique a pour ambition d’être vécu physiquement par le spectateur, et questionne quelque chose de mystique ou de surnaturel, ce que le cirque et la mort mettent en présence ensemble. » Marie Molliens

** spectacle sous chapiteau **

L’origine du cirque est un rite qui met en scène nos instincts les plus secrets à l’égard de l’autre et de la mort. Le gladiateur qui affronte les fauves triomphe pour nous des peurs ancestrales selon un rite comparable à celui qu’accomplit aujourd’hui l’artiste au moment où il se jette dans le vide. Le cirque est une mise en situation violente du corps et de l’esprit. C’est le combat du circassien, son arme est son savoir-faire : la maîtrise de l’irréversible. Puiser sa force dans ses propres images brisées. Faire une véritable transfiguration de ces images de cirque ancrées dans la conscience collective, transformer quelque chose qui avant avait une forme et qui maintenant en prend une autre : « Une Oraison est une prière, une ultime prise de parole. A travers ce spectacle, je cherche à éveiller une prise de conscience pour rallumer nos lumières intellectuelles et poétiques ainsi que nos sensibilités profondes. En allumer de nouvelles, plus spirituelles, plus viscérales, plus authentiques, vers lesquelles on peut s’élever, et que l’on peut suivre. La quête d’une vérité concrète, qui se trouve dans le concret des corps. Avec l’onde nerveuse que provoque le geste circassien, mon acte artistique a pour ambition d’être vécu physiquement par le spectateur, et questionne quelque chose de mystique ou de surnaturel, ce que le cirque et la mort mettent en présence ensemble. » Marie Molliens

** spectacle sous chapiteau **

L’origine du cirque est un rite qui met en scène nos instincts les plus secrets à l’égard de l’autre et de la mort. Le gladiateur qui affronte les fauves triomphe pour nous des peurs ancestrales selon un rite comparable à celui qu’accomplit aujourd’hui l’artiste au moment où il se jette dans le vide. Le cirque est une mise en situation violente du corps et de l’esprit. C’est le combat du circassien, son arme est son savoir-faire : la maîtrise de l’irréversible. Puiser sa force dans ses propres images brisées. Faire une véritable transfiguration de ces images de cirque ancrées dans la conscience collective, transformer quelque chose qui avant avait une forme et qui maintenant en prend une autre : « Une Oraison est une prière, une ultime prise de parole. A travers ce spectacle, je cherche à éveiller une prise de conscience pour rallumer nos lumières intellectuelles et poétiques ainsi que nos sensibilités profondes. En allumer de nouvelles, plus spirituelles, plus viscérales, plus authentiques, vers lesquelles on peut s’élever, et que l’on peut suivre. La quête d’une vérité concrète, qui se trouve dans le concret des corps. Avec l’onde nerveuse que provoque le geste circassien, mon acte artistique a pour ambition d’être vécu physiquement par le spectateur, et questionne quelque chose de mystique ou de surnaturel, ce que le cirque et la mort mettent en présence ensemble. » Marie Molliens